Previo al lanzamiento de su nuevo LP, Wilco comparte una nueva canción titulada "Everyone Hides".
El próximo 4 de octubre seremos testigos de un nuevo álbum por parte de Wilco y para no hacer más larga la espera, la agrupación ha presentado el segundo sencillo de Ode to Joy. Se trata de "Everyone Hides", track del cual se ha presentado un videoclip que muestra a los miembros en distintos puntos importantes de Chicago.
Sobre el clip la banda declaró lo siguiente.
'Everyone Hides' es el primer video promocional que presenta a Wilco como una banda de humanos vivos en casi 20 años. Tal vez por razones obvias hemos evitado presentarnos de esta manera y hemos tratado de mostrar nuestras fortalezas musicalmente o, no sé, tal vez solo hemos sido flojos. Por alguna razón esta vez lo pasamos genial".
Ode to Joy será un álbum lleno de folk con 11 melodías que reflejarán las emociones y sentimientos de cada uno de los integrantes de la banda, el cual estará disponible a través de dBpm Records.
Recuerda que Wilco visitará nuestro país en 2020 y se presentará por primera vez en la Ciudad de México el próximo 25 de enero en el Teatro Metropólitan. Puedes consultar más detalles dando clic en el poster del show.
Octatonic Records, la nueva compañía discográfica de Jonny Greenwood.
El guitarrista de la banda Radiohead, Jonny Greenwood decidió crear una disquera que se enfocará a la música clásica contemporánea con el fin de documentar a músicos con los que se ha encontrado alrededor del mundo.
En la página web de la disquera, Jonnyescribió un pequeño texto, acerca de lo que tiene planeado para Octatonic Records:
Mi intención es capturarlos tocando las piezas que aman, tanto contemporáneas como antiguas, y publicar las grabaciones en vinilo y servicios de transmisión, tan regularmente como pueda".
Jonny planea grabar únicamente a solistas y a grupos pequeños. Así como sus propias piezas, por ejemplo "88" (para piano solo) y "Miniatures from Water" para piano, violín, cuerda drone y tanpura.
Hasta el momento, Octatonic Records ha grabado un par de piezas, una de ellas del violinista Daniel Piero tocando “Partita No. 2” de Bach y un LP con “Industry” de Michael Gordon en el lado A y “Water” de Greenwood en el lado B. Ya puedes pre-ordenarlos en la página oficial del sello discográfico.
Previamente Jonny lanzó "Horror Vacui" en el BBC Proms, una melodía de 27 minutos. Interpretada por Daniel Pioro, conformada por un violín y 68 cuerdas únicamente. Y ahora que Greenwood inició con este nuevo proyecto, esperamos con anisas la composición de nuevas piezas.
We Are Universe: Cascabel se envuelve en la totalidad del tiempo y el espacio.
Desde la primera ocasión que escuché a Cascabel –hace un par de años– sabía que la banda era única. No solo por su amor al fuzz y al garage, eso existe desde hace décadas y lo hemos celebrado de forma inalcanzable, sino por lo que emanaban y la forma en que te hacía vibrar. Eran los acordes correctos en el momento oportuno. La explosión en tu cerebro de grandes amigos que transmitían paisajes de psicodelia. Incursionaban en un viaje donde todos éramos bienvenidos. Aquella música que muchos tomamos como si fuera un ritual. Una renovación del psych mexicano surgió hace poco menos de una década, Cascabel es pieza fundamental de dicho sonido que se debe escuchar, algo infectando nuestro cuerpo moviendo las fibras de todo el cuerpo.
Con su tercer material de estudio titulado We Are Universe, el cuarteto conformado por Ian, Desentis, Mixoy Puy, vuelve a arriesgar y a soltar la rienda creativa. Siguen escupiendo veneno como en Cobra. Aún traen ese blues repleto de pesadumbre e irreverencia como en Far out, Man!, pero algo cambió, el sonido está mucho más amarrado y ahora se escucha la cosecha de todos los integrantes, arrojando el disco más ambicioso de la banda y sin mucha duda, el mejor hasta la fecha. No malinterpretar, los primeros dos son unas joyas de la psicodelia mexicana, pero éste los lleva mucho más lejos. Se adentran a nuestras raíces, refleja letras profundas repletas de crítica y se siente una unión como en pocas agrupaciones. La Cobra saber moverse bien en el desierto.
El tercer material de Cascabel inicia con “Tranquiloco”, primera pista repleta de poder, con grandes solos en la guitarra y coros que desatan locura para pulverizar cualquier escenario en el mundo. Comienza fuerte y bastante interesante. Como segundo disparo el proyecto lanza “Re de Reptil”, una canción que baja los decibelios, pero no la calidad. Un órgano y una guitarra que rasga una cuerda se unen para ir subiendo de ritmo a cada segundo. La batería se siente más y todo es un ascenso constante. El tema es únicamente instrumental, no necesita letra para expresar lo que nos quieren decir. Increíble lo que hace Cascabel, en dos canciones ya nos tiene en sus manos. Todo empieza a convertirse en una psicosis.
“God Is Our Interior Decorator” es un flashback a lo que hizo la banda en sus pasadas producciones. Lírica en inglés, guitarras potentes y con sus influencias muy implícitas. Un buen tema, aunque de los que pasarán más desapercibidos en el viaje de 50 minutos. La carga creativa de Cascabel crece bastante después de esto: “De cabeza” y “Todo se conecta” son de lo mejor que tienen en su catálogo, no solo porque vuelven al español, sino que exploran en nuevos matices y terrenos que pisan bien y con mucha seguridad. El cuarteto arriesga y sale victorioso en cada batalla. We Are Universe te envuelve, se convierte en ambición pura y la instrumentación se hace una parte fundamental. La oscuridad se transforma en luz, una simbiosis perfecta. “Todo se conecta con amor...”.
Todos pertenecemos al Universo
“We Are Universe, Pt.1” llena de pesadumbre y un poco de stoner el material. Bajan al averno y con voces aletargadas nos regalan una invitación al desierto. Esos sonidos industriales, densos y fríos que Iommi nos obsequió desde Birmingham. Riffs al puro estilo Black Sabbath, el veneno llega sin previo aviso a los oídos. “We Are Universe, Pt.2” es una continuación sin corte. Solo entrelaza el trabajo previo y sube el ritmo, pero sigue manteniendo la oscuridad. Un par de tracks que sumando su duración nos regalan casi nueve minutos de lo que es Cascabel en su estado más puro. ¡Llegó lo que más nos gusta: la distorsión y los ruidos bajos!
Con más de la mitad del LP en nuestra mente, la agrupación llega con “¿Qué vas a hacer cuando apaguen el Internet?”, la respuesta es simple: ¡desaparecer! En realidad, y creo en todos los días que estamos frente a un dispositivo electrónico, nunca nos preguntamos lo efímero que es tener todo guardado en nubes de información. Creemos tener todo tan seguro, que todo está a salvo, que jamás pasa por nuestra cabeza estar a un clicde perder. No es que nuestra existencia esté condenada, pero la esclavitud puede llegar en muchas formas. El humano se convirtió en un dependiente de lo sencillo y lo automático.
“Quítate las expectativas” es otro golpe de realidad. Un balde con agua helada para salir de la zona de confort. Parecería que en este bloque el cuarteto puede sonar golpeador, pero creo podríamos catalogarlo más como realista. La música suena fuerte e igual de bien que cuando inició. “Lástima Latinoamericana” es el tema con más carga política. La corrupción, el narcotráfico, feminicidios, hambruna, descontento social, injusticia, trata de personas y violencia son males que azotan a nuestro continente. Con grabaciones radiofónicas y lo que parecen ser testimonios, Cascabel musicaliza el verdadero infierno. Aquel terror que viven miles de personas día a día con dictaduras y gobiernos que te hacen vivir con miedo. El horror que es tangible, que frustra y que ha sido normalizado. Los problemas reales. Mucha mierda. “Hacia la nada” llega para calmar la marea. Un desenlace sublime de un LP que raya en la perfección sonora.
Todo se dijo, We Are Universe es la conjunción de todo lo bueno que existe en la psicodelia mexicana. Cascabel se encargó de crear uno de los mejores discos del 2019. Vale la pena repetirlo una y otra vez, siempre escucharás un detalle distinto en cada melodía. Es bueno saber que existen agrupaciones nacionales tan comprometidas por otorgar lo mejor para su público. ¡Larga vida a la serpiente del fuzz!
The Darts: El ‘qué pasaría’ si Elvira y Wednesday Addams formaran una banda y ambientaran las páginas de Mary Shelley.
Si lo que sucede en los estudios Hammer es cierto, ¿Qué hace el personaje de Friedrich Murnaua las orillas de Huntington Beach? Dentro del folklore europeo, la existencia de estas criaturas corresponde únicamente a las aldeas de Rumanía y Hungría; para el imaginario cinematográfico de los admiradores de Harry Kümel basta la exaltación de las femme fatales y desde los manuscritos de Theresa Bane y Angela Sommer, los vampiros no son más que la personificación del miedo.
Para hablar de The Darts, el relato occidental, retrato hollywoodense y la condena judeocristiana hacia la noche de Walpurgis resultan referencias simplistas. Es necesario escabullirse entre loa escritos sobre Lilith, Lamia, Nabeshima y, ¿por qué no? el guardarropa de Ann-Margret.
Al igual que en el cine, los vampiros -sea en su caracterización o concepto- mutan de acuerdo a los gustos e intereses de quienes se sirven de su fascinación estética y literaria. El andar de Peter Murphy en Wardour Street, el presumir tétrico de Nick Cave con The Birthday Party y unas cuantas dedicatorias por parte de Annie Lennox, Concrete Blonde y Cradle On Filth recuerdan el objetivo deGuillermo del Toro y sus predecesores: La cultura popular mantiene vivos a los vampiros.
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Para Nicole Laurenne (voz y órgano), Meliza Jackson (guitarra), Christina Nunez (bajo) y Rikki Styxx (batería) la puesta en duda de “Bela Lugosi’s Dead” se encuentra a la par de los deseos de escape de los destinos fatalistas de Le Fanu, Polidori y Sangster. “Queríamos formar una banda de puras chicas. En realidad no sabemos la razón del nombre; nos bastaba con que sonara cool y diera pistas de nuestra vestimenta. La mayoría de las mujeres tiene vestidos. Para nosotras, esa correlación es importante”.
Desde los inicios de The Darts (2016), las integrantes han sido claras en cuanto a la descripción con la que buscan posicionarse dentro de la escena. Alternan sus responsabilidades laborales con el trabajo al lado de Bob Hoag, Jason Livermore, Paul Roessler (productores), Kelly Sahr (fotógrafa) y CoreyFedor (periodista); transforman rupturas amorosas en conciertos de pórticos y hacen posible que el Conde de Orlok disfrute de una fogata en alguna playa californiana.
Tal y como lo advierten en su página web y en los primeros versos de “Roots and Roses”, The Darts. “Es una grrrl band de garage y psych rock que quiebra la cabeza y hace temblar cada uno de los huesos de los pies”. Su sonido y estilo sirven de contrapeso a la disolución de Bratmobile, la añoranza por la voz de Estelle Bennett (The Ronettes), los deseos (quizá fallidos) de un segundo álbum de The Black Belles y la insatisfacción de los posibles inconformes con el último material deOlivia Jean (Night Owl).
Si bien The Darts no lleva tanto tiempo en el radar de Rolling Stone, Stereogum o Pitchfork, la trayectoria individual no es una suerte de amateurs. Christina y Nicole nutren el proyecto a partir de los 12 años de The Love Me Nots, Meliza guía el rumbo de la banda a través de su conocimiento por múltiples géneros y Rikki Styxx espolvorea la vibra punk que la ha acompañado desde su etapa adolescente.
Desde el punto de vista del cuarteto, el diseño de un estilo particular y la descripción propia se sostienen en un equilibrio entre las bandas que más escuchan en Spotify -por ejemplo Idles, Thee Tsunamis, Fat White Family, Bleached y Melvins- y las influencias con las que crecieron: Buddy Holly, Chuck Berry, Led Zeppelin, Hall & Oates yPrince.
Por su parte, The Darts considera que -aunque se podría remitir de inmediato a la prosa de Elizabeth Gaskell y a los spooky roles de Winona Ryder- su música no enfrasca a alguna película, libro o autor en específico.
“Hay muchas cosas que nos inspiran de diversas formas. Leemos demasiados textos de ficción, mitología y autobiografías, pero no estoy segura de qué tanto los reflejamos. Sin embargo, sabemos que el trabajo de la banda es un gran input de todo lo que nos rodea”.
We’re not saying. We’re something
Además de los aplausos por su participación en Bélgica (Roots and Roses Fest y Sjock Fest), una de las constantes al hablar de The Darts es la diversión como única condición del trabajo cotidiano, misma que, por la naturaleza del temperamento de sus integrantes, no requiere de esfuerzos. “Abusamos de la palabra diversión porque nos gusta experimentarla con otras bandas y -sobre todo- porque la vinculamos con todo lo que hacemos: Escribir, tocar en vivo, salir de tour y estar juntas todo el día. Nos funciona como máxima de trabajo”.
Aunque Christina, Meliza, Nicole y Rikki no acostumbran giras tan largas -pues tienen otras ocupaciones y disfrutan cuidar de sus hijos-, les es difícil tener un registro preciso de cada ciudad o venue que visitan. Por fortuna -al igual que Deap Vally- The Darts tiene a su propia Stef Schmid Rincon.
El nombre de la fotógrafa que materializa los momentos memorables de la banda -tales como la interpretación de “Neat, Neat, Neat” al lado de The Damned y la wine party en Las Vegas- y colabora en la dirección de los audiovisuales (“Breakup Makeup”, “Get Messy” y “Gonna Make You Love”) es Kelly Sahr, quien al mismo tiempo diseña las portadas de los álbumes y aprueba que el closet de The Darts sea un desfile entre las prendas de Ann-Margret, Malia James y Sade Sánchez.
“Estamos metidas en muchísimas cosas y a veces no podemos recordarlo todo. Afortunadamente podemos gastar dinero y tiempo en sesiones fotográficas. Lo hacemos porque nos gusta trabajar con profesionales y con gente que respeta nuestras ideas”.
Sobre la distancia sonora entre “Breakup Makeup” y “Where’s the Rain”
El crear musical de The Darts puede ser descrito por la simultaneidad. Mientras Fred Armisen (Trenchmouth) y Deb O’Nair (Fuzztones) coreaban “I Want Your Fun” y “My Heart is a Graveyard”, The Darts se reunió en California para discutir acerca de cómo una broma entre amigas podría ser inspiración para un psych trip de 35 minutos.
“En realidad el título del álbum no tiene que ver con una persona en específico, pero sí con un momento. Estábamos de gira y comenzamos a bromear sobre frases que usamos entre nosotras. Decimos ‘Me agrada, pero no de ese modo’ a nuestro grupo de amigos cuando nos molestan y tratan de hacernos pareja con alguien con quien no tenemos interés romántico. Pero también pueden ser palabras que nos llegan a herir. Todos hemos recibido un ‘Me agradas, pero no de esa forma’. Es una experiencia en común”.
Aunque la costumbre del envío de audios vía Messenger fue parte de la producción de su tercer material discográfico, la banda declara que I Like You But Not Like That (2019). “Es un trabajo más profesional que Me.Ow (2017) y The Darts (2017)”, pues “aunque guarda la esencia del proceso creativo”, Bob Hoag (productor y amigo) propuso la grabación en el mismo estudio y profundidad lírica.
“Todas solíamos grabar en distintos lugares. Desde las cabinas de Kitten Robot Studies, hasta las aplicaciones de audio de los smartphones. Nunca grabábamos más de una canción en el mismo estudio. Además cada quien cumplía con su parte. Trabajábamos muchísimo, pero lo conjunto era casi siempre a través de emails.Con I Like You But Not Like That, la dinámica fue diferente. La mayor parte fue grabaday remasterizada en Los Ángeles. Durante las reuniones tuvimos más tiempo y energía para discutir y organizar el trabajo en equipo. Es un proyecto más sólido”.
Querido Tarantino:
Después de cantar en compañía de Blag Dahlia (Dwarves) en San Francisco y de ser parte de la dieta musical de Stephen King, Christina Nunez declara. “El cumplimiento de su lista de deseos está casi completa”. No obstante, tiene una infinidad de audiovisuales y festivales en los que le gustaría escuchar a The Darts.
Si tuviera la oportunidad de organizar un Spooky Fest, sería muy parecido a Hipnosis. Por el momento es mi festival de ensueño. Estamos en el mismo cartel que dos de nuestras bandas favoritas: Uncle Acid and the Deadbeats y Electric Wizard. Además, nos emociona pasar un fin de semana entero en México”.
¿El siguiente paso? Ser reconocidas en los futuros filmes de Quentin Tarantino. “Sería estupendo que considerara “Break Your Mind”, “My Way” y “Phantom”. Siempre tiene los mejores soundtracks. Sabemos de las escenas clásicas y nos gustaría compartir ese privilegio con The Supremes, Nancy Sinatra y Ennio Morricone”.
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La música de The Darts es la única forma de entender las caminatas del Conde de Orlok a la orilla de la playa. La alternancia entre los escenarios de Italia, Alemania y Bélgica y sus espacios de trabajo en Phoenix supera la bobalicona imagen de los vampiros de Twilight (2008).
Cuando están fuera del estudio o de las tomas de Kelly, las integrantes de The Darts se escabullen entre los mortales y modifican la ficción de The Addams Family (1964). Nicole tiene una silla en la corte municipal de Arizona, Rikki enseña medicina deportiva y Meliza labora en un consultorio dental.
Con fiestas orquestadas durante crisis maritales, el cuarteto recuerda que la cultura popular debe mantener vivos a los vampiros y a demás criaturas devoradas por los clásicos de la literatura y Hollywood. Sin necesidad de recurrir a los ambientes sombríos de Wilde, The Darts da una oportunidad a Elvira y Wednesday Addams para formar una banda y ambientar una despedida de soltera que no tiene lugar en el relato original de Mary Shelley.
Pregaming in Trento, Italy #thedartsustour2019 #nomiontherock
Festival Off Limits 2019: Una noche de música rápida y amistad.
El festival Off Limits es realizado de manera independiente, se realizan actos de bandas punk y sus distintas vertientes, como punk rock, thrash metal, d-beat, hardcore, entre otros. El line up de este año fue un trabajo increíble, es un esfuerzo enorme el que realizan para reunir a bandas como Wolfbrigade, Strike Anywhere, Toxic Holocaust, Earth Crisis, MUTE, Control, Questions, Acidez, Bad Cop / Bad Cop, entre muchas otras bandas nacionales e internacionales reforzando el cartel con mucha energía.
Questions fue una sorpresa bastante agradable para mí, nunca los había escuchado, sus letras son muy políticas y tienen un sonido muy potente. Hardcore punk bien hecho y muy divertido.
MUTE es una de las bandas favoritas en México, les gusta mucho venir al país y la gente los abraza como a casi ninguna otra banda. Punk rock muy técnico que en ocasiones tuvieron problemas por algunas fallas en el audio. Aún así creo que dio un show digno a lo que nos tienen acostumbrados.
Después de ir por un poco de agua de jamaica en los stands de comida del festival pasé a ver a Incendiary, una banda de hardcore de Nueva York que se llevó la noche, sonó súper bien y la energía de su vocalista Brendan Garrone demostraron lo que se puede hacer en el escenario del 360e Venue. Sin duda fue de mis favoritas de la noche.
Las chicas de Bad Cop / Bad Cop también sufrieron un poco con el audio, fue su primera presentación en México y hasta cierto punto se les veía incómodas, a excepción de la bajista Rinh Re, quien giraba, saltaba, bailaba de manera formidable. Fue un buen contraste dentro de las bandas de hardcore que habían estado previamente.
La agrupación que más esperaba era Earth Crisis, disfruto mucho las letras de sus canciones, sus mensajes sociales y ambientales. Fue un show muy divertido, mientras volaba la gente en el crowd surfing y los punks más viejos se molestaban por artículos de playa rebotando. En esta parte del show fue cuando realmente lamenté que no hubiera un poco más de tiempo para las bandas, me habría encantado poder escuchar un par de canciones más.
Cuando comenzó Toxic Holocaust me percaté que muchas personas solo iban a verlos. Un power trío de thrash metal que hizo que todos corearan “666, 666, 666” al unísono, No esperaba mucho de su presentación y creo que fue un trabajo estupendo.
Estoy seguro que muchos de los asistentes querían cantar “I’m Your Opposite Number” de Strike Anywhere como si no hubiera mañana y cuando finalmente lo pudieron hacer, ¡Vaya que lo hicieron bien! Un placer poder ver a estas leyendas del punk rock finalmente.
Después de una larga espera para conectar y hacer los ajustes necesarios para que su presentación fuera épica, Wolfbrigade empezó con el final de la noche. En los costados del escenario podías ver a la mayoría de las bandas que acababan de tocar presenciar a una de las bandas más influyentes del punk. Un show increíble por parte de los suecos en la que podría ser la única ocasión que se presenten en el país.
El festival Off Limits es un esfuerzo enorme por parte de los organizadores, armar un cartel como el que nos presentaron y en ocasiones anteriores es digno de admirar, reunir vertientes tan diversas del género es muy complicado y ellos lo hacen de una forma extraordinaria, espero que el próximo año sea algo igual de asombroso y lleno de amigos como en la edición del 2019.
Los ritmos tropicales encendieron al Foro Indie Rocks!.
Por segunda ocasión, Nochenegra unió fuerzas con Indie Rocks! para hacernos bailar toda la noche al ritmo de vinilos mezclados en vivo.
Los actos principales fueron Frankie Francis de Sofrito, un colectivo londinense de DJs y productores que combinan ritmos tropicales y Norsicaa por parte de Soundway Records, un label inglés caracterizado por sus sonidos funk y afrobeat.
En esta fiesta, también tuvimos oportunidad de disfrutar los sets de Discobi de Field Trips y, por supuesto, de Pocz, DJ y cofundador de Nochenegra.
Revive la fiesta con esta galería y sigue pendiente para más información sobre futuras fiestas por parte de Nochenegra e Indie Rocks!
Caifanes en el Auditorio Nacional: El renacimiento del quinto sol.
Dos fechas completamente agotadas en el Auditorio Nacional son el reflejo del éxito que tiene una banda que siempre está en boca tanto de partidarios como de detractores, vista por algunos como unos de los últimos salvadores del rock nacional, y por otros como un mero producto de la nostalgia. Lo cierto es que Caifanes sigue atrayendo público de nuevas generaciones y a su vez reencontrando a aquellos adeptos que surgieron a la par de ellos hace ya más de tres décadas.
En tiempos donde la oferta de nuevos artistas alcanza niveles inimaginables y otros géneros lideran los rankings de popularidad, Caifanes sigue allí, resistiendo el paso del tiempo, teniendo en frente la noche del viernes 13 de septiembre – que nunca auguró mala suerte – para volver a demostrar que a donde quiera que vayan hay ritual, palabra dicha por Saúl Hernández para calificar la ceremonia que dio por completado el renacimiento del quinto sol, el Nahui Acatl, y así poder reiniciar el calendario cosmológico del ombligo de la luna.
Vamos a dar una vuelta al cielo, para que no digas que no pienso en ti.
Fue así como poco después de las nueve de la noche Saúl, Alfonso, Diego, Sabo y Rodrigo con un mote de héroes de mil batallas salieron al escenario para reventar el júbilo de los aliados con “Antes de que nos olviden” la cual fue acompañada por gráficos de las luchas sociales que ha tenido nuestro país, partiendo de 1968 hasta nuestros días. Seguida por “Ayer me dijo un ave” la emotividad se hizo sentir desde los primeros acordes, siendo el público y Saúl una sola voz prácticamente todo el concierto.
Un setlist innovador fue el que ofreció la agrupación capitalina a los 10 000 asistentes que se entregaron durante poco más de dos horas, incluyendo temas como “Tortuga” el magnifico son jarocho - tétrico “Mariquita” y la oscura y deprimente “Nada”, logrando sonrisas entre sus fanáticos más clavados. Sin embargo, los clásicos como “La célula que explota” – La cual siempre se adueña la fanaticada – y “No dejes que” no faltaron y se hicieron presentes temprano en el escenario.
Préstame tu peine, clávame en tu cabecera, y déjame donde no me olvides.
Otro factor digno de destacar es la revolución que Caifanes ha impuesto en su sonido en vivo, donde musicalmente han experimentado con nuevos arreglos, tal es el caso de “Quisieraser alcohol” y “Nos vamos juntos” creando atmósferas realmente interesantes, gracias a la proyección de Diego Herrera en los teclados y saxofón. Si comparamos el sonido logrado desde su reencuentro en el Vive Latino 2011 hasta hoy, es definitivo que la banda suena mejor que nunca en sus conciertos. Buen dato por si sus detractores quieren una razón de por que siguen agotando sus shows.
Por si fuera poco, el gran desempeño de Rodrigo Baills en la guitarra también resultó muy gratificante, imponiendo su propio estilo con riffs estrepitosos, apartándose así de lo realizado por Alejandro Marcovich en su etapa como caifan, siendo notoria la aprobación del respetable al momento de ser presentado. Sin duda el buen Rodrigo ya pasó por la etapa más difícil del cambio de guitarrista.
Por otro lado, la parte gráfica durante el concierto también se lleva un reconocimiento por aderezar lo escuchado en momentos clave. Por ejemplo, en canciones como “Mariquita” y “Debajo de tu piel” se pudieron ver en la pantalla fragmentos de Pedro Páramo de Juan Rulfo, y fotografías que algunos fans mandaron mostrando sus tatuajes alusivos a la banda; y en el caso de “Heridos” se proyectaron las imágenes de los “milagritos” que embellecen el arte de este nuevo single, creado por el gran artista y bajista de Fobia, Chá. Un plus que sin duda se agradece.
Aunque sea a la chingada, pero nos vamos juntos.
No hubo momento en que el Auditorio Nacional regresara a sus asientos para tomar un descanso, la entrega de los fanáticos fue inmensa hacia su grupo, coreando “Los dioses ocultos” a todo pulmón para rematar con “Aviéntame”, siendo este un preámbulo para después sorprender tanto a la agrupación como a los asistentes con un anuncio de parte de Sony Music, que entregó a Caifanes disco de oro y platino. Momento para atesorar en la memoria.
El tiempo se fue como si ya no fuera a alcanzar Metro, un público cautivado donde padres acompañaron a sus hijos, amigos admiraron lo que sus remembranzas les dictaban, como si fuera aquella primera vez en el Rock Stock, o en Rockotitlán, las pedas en el barrio, la rola que le dedicaste a tu primer novia… Todas esas emociones fueron canalizadas por esos cinco individuos parados en el escenario. Aquellos viejos lobos de mar volvieron a reventar sin piedad a la audiencia con “Mátenme porque me muero” seguida de “Nubes”, para así cerrar el ritual místico con “Viento” y con el bailongo darko - sabroso de “La Negra Tomasa”.
El telón se cerró, pero no por mucho tiempo. Lo que pasó esta noche en el Auditorio Nacional fue un exorcismo al mal augurio que solo te puede dar un viernes 13, para todo aquel que sea supersticioso fue como ver a través del vaso, irse volando e ir a ver lo que es eterno.
1450 bandas inscritas en #SessionsMX de las que solo quedan 16 en la contienda por el premio de grabar un EP profesional con cuatro canciones.
Ayer por la noche en el Foro Indie Rocks! vivimos la primera semifinal de Vans #SessionsMX, cuatro de las 16 bandas participantes, subieron al escenario en turnos de 25 minutos, para demostrar a los jueces lo que tienen sobre el escenario.
El jurado de la noche estaba conformado por: María Letona (Reactor 105), Korno Espinosa (Convoy), Leonora Milan (Convoy) y como invitado especial nada más y nada menos que Javier Blake (División Minúscula).
Malditos Dandys, fue la banda encargada de abrir la noche, comenzó a atraer los oídos de los asistentes entre ritmos de funk, rock pop y letras románticas.
Bala Humana, la siguiente en la lista, subió a dispararnos con un rock más duro, trío básico de guitarra, bajo y batería, con lo que se puede lograr mucho y por momentos escuchábamos elementos que parecían influenciados por Led Zeppelin. La gente entraba en ambiente, pero ya con expectativas de saber quién ganaría.
Mientras cada banda se preparaba para subir al escenario, Natalia Szendro, quien está a cargo de la gerencia en Reactor 105 y Tony Kings, voz matutina de la misma estación. Animaban a la gente y nos recordaban los criterios a calificar: sonido, ejecución, conexión, proyección y concepto de cada banda. También Nat Szendro se tomó la libertad de anunciar como premio extra cortesía de la radiodifusora, la programación de la banda ganadora en alta rotación dentro de estación capitalina, premio muy importante al ser de la radio más influyente de la ciudad.
El tercer turno fue para Los Twister Youngs, el caballo negro de la noche y tal vez los más jóvenes también. La banda originaria del Estado de México, con un saxofón que resaltaba entre sus instrumentos, comenzó su presentación con algo muy suave casi como una improvisación, de pronto en su siguiente canción, todos se encontraban bailando rock & roll al estilo de los años 50, mientras en el escenario los riffs pegajosos y gritos al estilo Johnny Laboriel nos hicieron voltear. Al terminar su tiempo reglamentario, la gente exigía otra canción que no fue posible, pero sin duda se ganó al público con su propuesta.
Para cerrar una banda que se veía con más experiencia sobre el escenario, uniformada con chamarras coloridas ochenteras tomó su turno, Ultraman. Con su nombre y su estilo musical logró que eso se convirtiera en una pinshi party, como ellos dicen. El público respondió bien a las peticiones del frontman, todos bailaron y al final también la petición de un encore se hizo presente.
El momento esperado llegó, Nat y Tony acompañados de Leonora Milan, aparecieron tras varios minutos de deliberación del jurado, para anunciar al ganador de la noche y primer finalista, Leonora comentó que el jurado también pensó en el futuro de las banda, si llegara a ganar, antes de elegir al finalista.
Los elegidos fueron: ¡Los Twister Youngs!
En lo personal me pareció la mejor elección, ya que la conexión con el público, la nostalgia del género que retoman, la manera de hacerlo suyo agregando realidad a las letras, la energía y su corta edad, permiten que sea una de las bandas más prometedoras de la final, con reserva de conocer a los tres restantes, si no pudiste asistir puedes escuchar su primer EP aquí.
La noche cerró con broche de oro teniendo en el escenario a Marcela Viejo, ex integrante de Quiero Club. Con toda su experiencia podemos decir que sirve como ejemplo de la aspiración con la que llegan a la competencia estas jóvenes agrupaciones. El ambiente de la noche fue impresionante y esperamos que el talento siga fluyendo en las siguientes semifinales. No podemos esperar a conocer al ganador de esta edición de Vans #SessionsMx.
Si alguna de tus bandas favoritas se quedó en el camino, no dejes de apoyarla, pues hay mucho talento, pero en una competencia sólo puede haber un ganador.
Un fin de semana largo está por llegar, así que seguramente tendrás tiempo de escuchar mucha música nueva. Aquí te damos algunas recomendaciones.
Este fin de semana celebramos nuestro orgullo nacional, disfrutaremos de nuestra deliciosa gastronomía y nos reuniremos con familiares y amigos. Aquí te compartimos algunos discos elegidos por el Equipo Editorial de Indie Rocks! para que disfrutes al máximo de este puente escuchando buena música.
Pixies está de regreso con un séptimo álbum, luego de que la banda originalmente le pusiera fin a su existencia hace 26 años. Beneath the Eyrie fue grabado en una iglesia de Woodstock, Nueva York, y producido por Tom Dalgety (Ghost, Simple Minds). Este disco podría ser el soundtrack perfecto para una película de terror pues está lleno de letras oscuras y una densa vibra lograda por el sonido del órgano y las armonías fantasmales de Paz Lenchantin.
Chelsea Wolfe Birth Of Violence Sargent House
Chelsea Wolfe es una de las artistas más constantes y dedicadas del gothic rock. A partir de su segundo álbum, adquirió la bonita costumbre de publicar un disco cada dos años. En este 2019 nos sorprende con Birth Of Violence, un material más tirado hacía el folk que nos hace recordar la etapa melancólica de PJ Harvey. En 12 tracks nos invita a reflexionar sobre las diversas manifestaciones de la energía humana para hacer el bien o el mal. Creación y destrucción. En esta entrega, recarga la fuerza de su expresión musical en la voz; la guitarra acompaña e ilumina los versos dolientes. Sonidos etéreos para generar una atmósfera oscura y mística. Su sexto material de estudio es ideal para escucharse un día de entre semana antes de ir a dormir; ayudará a tener un sueño lúcido.
Metronomy Metronomy Forever Caroline International
Si bien Metronomy Forever es un álbum que no tiene el peso que en su momento tuvo The English Riviera, este material demuestra que Joseph Mount ha sentado cabeza. La madurez se hace presente en la parte lírica y también en algunas melodías relajadas o downtempo, sin embargo, el proyecto también mantiene su esencia divertida y upbeat. Conoce más detalles sobre el álbum de nuestra entrevista exclusiva con Joseph Mount.
JPEGMAFIA All My Heroes Are Cornballs EQT Recordings
All My Heroes Are Cornballs llega con 18 tracks que van por diferentes atmósferas del rap y hip hop. Una increíble experimentación sonora y excéntrica producción con la característica voz que ha posicionado a este artista de Baltimore, Maryland en la mira de los medios del mundo. Esta tercer entrega, que cuenta con las colaboraciones de Abdu Ali, Helena Deland y Buzzy Lee, de esa perfecta sensación de evolución del género –adhiriendo toques de lo-fi y R&B, puliendo mucho más las mezclas que escuchamos en Black Ben Carson y Veteran– y lo que las nuevas generaciones necesitan en sus oídos.
R.E.M. compartió "Fascinating", canción inédita para apoyar a las víctimas del Huracán Dorian.
R.E.M. lanzó una canción inédita para apoyar a los damnificados del Huracán Dorian que azotó las Bahamas esta semana. "Fascinating" está disponible a través de Bandcamp, y los ingresos que se reciban serán donados a la organización global Mercy Corps para apoyar a los damnificados.
Dale play a continuación:
La canción fue grabada para el álbum que la banda americana sacó en 2001, Reveal. A pesar de ser una de las favoritas del cantante Michael Stipe, terminó siendo sacada del álbum. En 2004, "Fascinating" volvió a ser grabada por Peter Buck, Mike Mills y Michael Stipe con la intención de integrarla en Around the Sun, pero de nuevo fue dejada de lado porque no quedaba con el tono del disco. La grabación se llevó a cabo en Nassau’s Compass Point Studios en las Bahamas.
"Fascinating" fue producida por Pat McCarthy y mezclada por Jamie Candiloro, así que finalmente encontró la manera de salir al público y de generar un impacto que lleva al bien común. La melodía es tranquila y conmovedora, hay flautas y oboes que le dan una vibra especial. Su longitud la hace perfecta como single y su tono permite que sea una melodía para apoyar una catástrofe.
La banda ha pasado mucho tiempo en las Bahamas, por lo que compartió el dolor que representa que un lugar tan allegado a ellos esté pasando por un momento como este. "Fascinating" es el grito de ayuda que pide R.E.M.para que no dejemos a esta isla sin visibilidad y a su gente en la desesperación.
