Conoce todos los lanzamientos de Record Store Day 2020

Después de haber sido pospuesto, Record Store Day celebrará tres eventos este 2020.

Desde el 2008 un sábado de cada abril se celebra el Record Store Day, un evento conocido por traer lo mejor de la música independiente. Lamentablemente debido al COVID-19 la edición de este año se pospuso hasta que las cosas empezaran a mejorar. A través de su sitio web, el evento reveló las nuevas fechas y los lanzamientos que traerán cada una de ellas; agendando para los próximos 29 de agosto, 26 de septiembre y 24 de octubre. 

Para la primera fecha, el listado de productos incluye el LP en solitario de Paul McCartney que se editará con motivo de su 50 aniversario; I'm Only Dancing, un álbum en vivo que David Bowie grabó como parte de la gira Soul Tour de 1974. También estará disponible, una copia Seventeen Seconds (1980), de The CureCherry Boom (2015) de Tyler, the Creator en la versión regular e instrumental; el álbum homónimo de Robyn, presentado por primera vez en vinilo desde su lanzamiento en 2005.

El 26 de septiembre incluirá materiales como una reedición especial The Wall de Roger Waters, así como un exclusivo LP en vivo de Tegan and Sara. Una reedición de la cuarta larga duración de The Soft Parade (1969) de The Doors, entre algunas otras rarezas. Ya por último, el cierre del Record Store Day contará con nuevas ediciones de discos de Miles Davis, Booker T., The Rolling Stones, Beck y St. VincentPuedes consultar el listado completo de los  lanzamientos dando clic en el siguiente enlace.

Escucha el remix de CLUBZ para “Flying” de Last Dinosaurs

El dúo mexicano, CLUBZ, trabajó con uno de los integrantes de Last Dinosaurs para esta nueva versión.

Desde sus inicios, Last Dinosaurs se ha caracterizado por mezclar ritmos tropicales y melancólicos riffs/solos de guitarra. Sin embargo, a principios de este 2020 innovaron con “Flying”, un tema con un sonido dance/funky.

Lachlan Caskey, miembro y segunda voz de la agrupación australiana, se reunió con Orlando Fernández y Coco Santos de CLUBZ para hacer un remix de dicho tema, el cual fue grabado en El Townhouse, un estudio en Monterrey, Nuevo León. El resultado es una versión más lenta, con la inclusión de un saxofón y violines, combinación que crea una atmósfera digna de una pieza de jazz.

Como acompañamiento de este remix, Los Dinos presentaron un videoclip con tomas vintage que puedes mirar ahora:

Se espera que antes de que termine el año, Last Dinosaurs estrene una versión en español de “Flying”. Para conocer más información al respecto, mantente al pendiente de sus redes sociales.

dani, un universo retro de pop bailable

Sumérgete en el cosmos de la cantante viguesa.

Entre tantos sitios preciosos que tiene España, se encuentra Vigo. Esta ciudad ubicada al noroeste del país, está viendo nacer a una nueva promesa del dance pop minimalista: dani. Desde pequeña, Daniela Díaz Costas ha sentido gran afinidad por la música. Acompañada de su guitarra acústica, logró tener su primer acercamiento en la industria en 2018 gracias al music show, Factor X y, aunque su historia ahí fue corta, esa experiencia marcó la pauta para desarrollar su proyecto musical.

La también egresada de publicidad, comenzó a hacer sus prácticas profesionales con el sello El Volcán Música, donde tuvo la suerte de conocer a Aaron Rux, productor discográfico que apostó por su talento musical y la acompañó en este viaje llamado veinte, su primer larga duración.

A raíz de un concierto que hice en acústico en el que vinieron a verme compañeros del volcán, Aaron Rux despertó su interés por querer trabajar conmigo, y en ese momento pasé de ser una becaria del volcán a ser una artista. La verdad es que es muy guay que se fijara en mi como músico”.

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"Lista para despegar esta fantasía sin nada de armonía..."

Durante el transcurso del 2019, la cantante liberó su primer sencillo “Mira”; un track, sutil y minimalista que le hace justicia al nombre de su proyecto: dani. Su voz es el instrumento principal y se ve adornada por el sonido de algunos sintetizadores. El single vino en compañía de su primer visual dirigido por la artista madrileña Silvia Coca por quien Daniela siente una gran conexión a la hora de crear.

Ponemos en común diferentes ideas tanto para la estética, como para los videos y Silvia nos ayuda a perfilarlo y obviamente lo lleva a cabo. Estoy contentísima de poder trabajar con ella”.

Posterior a este emotivo estreno, publicó “Lágrimas”, su canción favorita del álbum. El inicio de esta melodía tenía una gran semejanza con el primer corte promocional, sin embargo, Daniela logró dejar estupefacto a su público presentando una pieza llena de matices sonoros que definieron su estilo musical como pop bailable influenciado en el dance francés. 

'Lágrimas' es una canción que habla de un sufrimiento pero desde un punto de vista optimista. Como pretendiendo ser una medicina.”

Aunque sus padres se dedicaron mucho tiempo a la música gracias a su agrupación Aerolíneas Federales, dani no se vio privada al momento de definir su estilo musical, al contrario, con el pasar de los años entendió que debía aprender a forjar su propio camino de la mano de lo que más le gustaba, tomando como referencia a artistas como Angèle, Oasis, New Order, Robert Johnson, Rufus Wainwright, The Beach Boys, Charli XCX y Joe Crepúsculo.

He estado escuchando mucho pop francés. Siento que mi música puede tener igual puntos en común, ese rollo de pop bailable con muchos sintes.”

Veinte.

Después de un largo año de arduo trabajo, veinte, su álbum debut, llegó a plataformas de streaming a inicios de julio. A través de ocho tracks la intérprete plasma parte de sus vivencias y descontentos en un llamativo y caluroso material que no dejarás de escuchar.

Todo el álbum lo hice con Aaron en el mini estudio de su casa, y lo terminamos justo antes de la cuarentena. Sacar un disco en julio no es lo más habitual y sacarlo en esta situación tan desagradable, es raro. La verdad es que el hecho de que mi sello después de todas las dificultades que está teniendo, al igual que la cultura, medios, etcétera; haya querido apostar por mi disco, me hace sentir muy afortunada.”

En los casi 30 minutos que dura el álbum, el escucha experimentará distintas sensaciones creadas por los giros sonoros que realiza la artista al presentar ritmos bailables que finalmente se ven contrastados en melodías a piano y voz.

Si hay algo que tuve claro cuando escuché el máster final de todas las canciones, fue que quería que el disco empezara con 'Lágrimas' y terminara con 'Cómo solía creer'. La verdad me parecía un contraste muy bonito. El final te deja un sabor agridulce del paso del tiempo y por otra parte, la angustia que produce ese sentimiento”.

“Directa, onírica y agridulce”, son las palabras que Daniela Díaz usa para definir su música que busca en estos tiempos coadyuvar al escucha para que “libere tensiones, se deje llevar y le sirva para tener algo positivo y un recuerdo bonito de estos meses”.

Por ahora, el material se encuentra disponible en digital y próximamente llegará en cassette, aunque la artista no descarta la oportunidad de presentarlo en otros formatos.

Soy una artista emergente y me pareció que el cassette es un formato bastante divertido, accesible y que estéticamente cuadraba muy bien con el punto retro que tiene tanto mis imágenes de promo y el universo que estamos generando alrededor del disco.”

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No te olvides de seguir a dani en sus redes sociales, para que no te pierdas sus próximos estrenos.

Video Age — Pleasure Line

El carácter, la nostalgia y el valor para mirar la vida de forma optimista es narrada por Video Age en su nostálgico y colorido álbum Pleasure Line.

Todos pasamos por esto ¿No?, ese momento en que dejamos del lado el vacío de la soledad y nos disponemos a ver con más animo la vida. Es complicado, claro, sobre todo porque dentro del proceso nos encontramos con la nostalgia, los recuerdos y los malos momentos. Justo esta montaña rusa de sentimientos es el símbolo narrativo de Video Age en su nueva producción Pleasure Line.

Este es el tercer registro de la agrupación luego de Living Alone y Pop Therapy. En este trabajo es posible encontrar una notoria evolución artística del cuarteto de Nueva Orleans. El característico sonido que hace referencia a los años 70 y 80 se mezcla de forma libre con sonidos futuristas, propiciados por elementos digitales y análogos que rompen la estética y la renuevan al mismo tiempo.

El disco abre con un tema homónimo, este se mueve lento entre sintetizadores celestiales y un juego divertido de voces. Las guitarras coquetean por momentos con el funk para darle vida a una historia que habla sobre la emoción que da el comenzar de nuevo. "Maybe Just Once" le sigue la pista, este tema con mayor influencia de sonidos retro crean un ambiente bailable y fluido. Un bajo contundente se une a un sintetizador que juega como insignia en los coros. Este tema habla sobre la belleza de la duda, es ese recuerdo sobre que tal vez si has sufrido aunque intentes ocultarlo, nadie escapa de lo que ya vivió.

"Blushing" llega de forma más agresiva. Es una declaración de amor eterno dicha desde una base sencilla en baterías, la cual es elevada al máximo por el bajo y las voces de Ray Micherelli. La velocidad sube en "Aerostar", donde las guitarras se responden entre sí y recuerdan esos singles pop de los años 80 que se caracterizaban por la mezcla entre el dance, el disco y el pop. Además revive esa enérgica vida juvenil llena de salidas con amigo y ese amor que aparentemente es el indicado.

Los ritmos baladezcos y el tradicional pop therapy que Video Age ha recreado en más de cuatro años se hace presente para "Comic Relief". La banda de Nueva Orleans crea un track que fluye por las guitarras acústicas, este en momentos recuerda a Bee Gees o incluso a The Beach Boys. La sensación de la playa y el verano en estos tiempos parece que solo la alcanzan los recuerdos, pero la banda nos acerca al clima veraniego con "Sweet Marie". La atmósfera tranquila se refleja con teclados densos que por momentos crean referencia a vaporwave, además de voces tranquilas y sutiles para crear una canción suave.

"Shadow On The Wall" nos recuerda que aunque estemos solos hay que bailar, tal vez así podamos acercarnos a ese amor imposible. Al menos se debe intentar con el emocionante ritmo de lo que fue el primer single del disco. Las guitarras, el bajo y el sintetizador se quedan grabados en la cabeza dentro de un ritmo que inevitablemente te hará mover la cabeza, aunque detrás no estés en la mejor forma, a veces es la música ese motivo para seguir bailando, y para no dejar se encontrar el amor.

El bajón en la fiesta a veces nos pone mal, "That Can't Be" es un recuerdo de todo el daño que te puede hacer una persona querida. Si bien, es un recordatorio de que no estás solo, también marca un reclamo lleno de despecho. La producción de esta canción muestra la versatilidad de Ross Farbe para crear variaciones entre texturas y discursos, esto es muy notorio gracias al uso de cajas de ritmo.

Cierra el disco con "Meet Me In My Heart", una canción honesta, que nos recuerda la necesidad que tenemos todos de amar. No solo a otras personas, sino tener el compromiso de amarse a sí mismos para poder sanar y encontrar el cariño de alguien más. Este es posiblemente el tema neutral del disco, una referencia a la importancia del concepto de amor en estos tiempos complejos. "Good To Be Back" es la lección aprendida, es el crecimiento personal que se espera después de una catástrofe amorosa. Es una manera animada de hacerle saber al mundo que lo malo ya pasó, y que estás listo para seguir.

Video Age ha conseguido renovar su propuesta con un sonido sólido, el cual es traído gracias al mix de Josh Bonati y a Winspear. La agrupación de Nueva Orleans nos muestra nuevos sonidos y le da una identidad más contundente al proyecto, el cual pinta para ser una de las propuestas más frescas en los próximos años. Te invitamos a darle play a continuación.

 Puedes adquirir en distintos formatos físicos este material dando clic en su portada a continuación.

Video Age_Pleasure Line__

A 15 años del ‘Howl’ de Black Rebel Motorcycle Club

Black Rebel Motorcycle Club, rock oscuro como una sombra y misterioso como un fantasma.

El rock & roll puede adoptar todo tipo de formas y de manera constante se mantiene en transformación. Aunque mientras algunos están más preocupados en el futuro, otros han encontrado su inspiración en el pasado. Aunque hurgar en el blues y demás estilos que prevalecieron antes de la llegada de Chuck Berry y Elvis Presley es una actividad que muy pocos practican en la actualidad, a pesar de los enriquecedores resultados que ofrece.

Dentro de los grupos actuales interesados en conocer los orígenes de la música destaca Black Rebel Motorcycle Club. El proyecto nació poco antes del cambio de milenio y desde el nombre se aprecia un fuerte interés por los tiempos antiguos. En su caso, fue inspirado por la ficticia pandilla de motociclistas que aparece en el filme The Wild One de 1953.

El trío ganó notoriedad por su sonido oscuro y grasoso que emergió durante el florecimiento de The Strokes, Yeah Yeah Yeahs y The Libertines. Fue cuando el nu metal perdió adeptos y los pantalones apretados ganaron popularidad. Aunque en realidad existen más similitudes con otras agrupaciones de su misma generación como Interpol y The Kills. Son todos los que en lugar de buscar frescura prefirieron sonidos deprimentes y melancólicos.

Diferentes orígenes, un mismo destino

Parte del estilo adoptado por el tridente se debe a los orígenes de sus integrantes. En primer lugar está el cantante y bajista Robert Levon Been, quien es hijo de Michael Been de The Call. Por lo mismo, toda su vida estuvo rodeado de discos y transcurrió entre estudios de grabación y conciertos alrededor del mundo. Nunca tuvo dudas en que deseaba repetir el estilo de vida de su padre.

A su vez, la otra pieza fundamental del grupo es el guitarrista y vocalista Peter Hayes, quien siendo apenas un veinteañero se unió como músico invitado a The Brian Jonestown Massacre. Aunque su estancia fue efímera le sirvió para determinar que era el camino que deseaba seguir.

Junto a ambos se sumó Nick Jago, quien durante los primeros años sería el baterista de la banda. Después de grabar dos álbumes que tuvieron una buena recepción de la crítica, el momento decisivo ocurrió con el tercer LP en el que existió un notorio cambio de sonido.

Cuando el 22 de agosto de 2005 se publicó el álbum existían expectativas demasiado elevadas; sin embargo, algunos se sintieron decepcionados porque en lugar de repetir la fórmula de los trabajos previos se optó por salir de la zona de confort. En primera instancia, lo más notorio es que se trata del disco más relajado que ha hecho el grupo y en el que prevalecen los sonidos acústicos. La electricidad sí tiene apariciones dentro del material pero no como protagonista sino como elemento secundario.

La canción encargada de ofrecer la bienvenida es “Shuffle Your Feet", una pieza con una fuerte inclinación hacia el gospel y los cantos religiosos que practicaban los afroamericanos a inicios del siglo pasado. Por el estilo recuerda de inmediato a la música que protagoniza el soundtrack del filme O Brother, Where Art Thou? de los hermanos Coen.

“He visto las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura...”

Pero aunque a nivel musical existen cambios, en la composición e inspiración de las letras prevalece el gusto por la contracultura americana. El mismo título del LP es un homenaje al poema más famoso del escritor Allen Ginsberg.

Por otra parte, una de las influencias más grandes que el trío siempre ha tenido es Bob Dylan. En el tema “Ain't No Easy Way" es donde mejor se aprecia tanto en cuanto al sonido de la guitarra y armónica como a la manera de cantar sobre desamor sin caer en cursilería. A la fecha es una canción que no puede faltar en sus conciertos y así ha quedado constatado todas las veces que el grupo ha visitado México, siendo la última como acto estelar de la primera edición del festival Hipnosis.

Aunque en su momento el material estuvo rodeado de críticas, el tiempo ha sido su mejor aliado. A pesar de lo valioso que es mantenerse aferrado a un mismo sonido, también se corre el peligro de quedar estancado y jamás avanzar. Por eso, el mayor desafío que un músico puede enfrentar es alejarse de sus zonas conocidas y adentrarse en nuevos terrenos.

A 25 años del ‘...And Out Come the Wolves’ de Rancid

Rancid, el hijo desobediente que tuvo el sudoroso punk con el rítmico ska.

La historia ha mostrado que el legado musical de The Clash va más allá de las letras combativas y de tintes políticos. Su aportación también se traduce en la forma natural con la que el cuarteto logró un maridaje de géneros y estilos. Antes de ellos parecía que en el punk solo importaba la velocidad. Fue gracias a que Joe Strummer y compañía mostraron de forma masiva que los sonidos no deben estar peleados entre sí que aparecieron más personas arriesgadas que han adoptado la misma idea.

Dentro de los discípulos más avanzados se encuentra la dupla conformada por Tim Armstrong y Matt Freeman. Ambos se conocen desde la infancia cuando coincidieron en un equipo de ligas menores de béisbol y poco después asistieron a la misma escuela. Desde entonces se ha formado una de las amistades más longevas del rock que primero dio origen a Basic Radio, poco después desembocará en Operation Ivy y después en Rancid.

Ahora bien, lo que más ha distinguido a la pareja es que desde un inicio tuvo el objetivo claro de unir el hardcore-punk con el reggae y ska. Aunque hoy puede parecer algo normal, en su momento fue algo revolucionario que no todos aprobaron.

Cuando el rock alternativo sí era alternativo

Dentro del aspecto discográfico, uno de los puntos cumbre de Rancid ocurrió el 22 de agosto de 1995 con el lanzamiento de ...And Out Come the Wolves. La tercera placa del entonces cuarteto llegó en el momento en el que la música alternativa y el punk rock se encontraban en su máximo apogeo. Al encender la televisión y ver MTV lo más probable era encontrar videos de White Zombie, The Smashing Pumpkins o Green Day.

Con respecto al conjunto surgido en California, con su material logró algo que parecía muy poco probable. De inmediato el disco fue bien recibido por los fanáticos pero también se convirtió en un éxito en ventas. Aunque la banda relativamente dejó el mundo underground, en ningún momento se le acusó de “venderse” porque simplemente su estilo e ideales siempre se han mantenido a pesar de volverse famosa.

Al igual que sus trabajos previos el disco fue editado por Epitaph Records gracias a la amistad que han mantenido con Brett Gurewitz de Bad Religion. De hecho fue él quien impulsó a Armstrong para que un par de años después fundara Hellcat Records.

La versatilidad de sonidos dentro de un mismo álbum

A lo largo de 19 canciones prevalece un furioso sonido que incita a sacudir el cuerpo contra la humanidad de otras personas. Cada una de las piezas es demasiado corta por herencia directa de Ramones, pero lo que más destaca es la variedad de estilos que se pueden escuchar en poco menos de 50 minutos. 

La abridora “Maxwell Murder” es puro punk rock con nitro para avanzar a máxima potencia aunque también se escuchan guiños al rap dentro de las voces y un bajeo con fuerte influencia de John Entwistle de The Who. Mientras que en “Roots Radical" prevalece un aura reggae y no es una casualidad que en la letra se haga referencia al músico jamaicano Jimmy Cliff.

Dentro de los sencillos que se desprendieron del LP se encuentra “Time Bomb” que inclusive entró a las listas de Billboard como parte de las canciones más populares del año. El tema se adentra en el ska-punk callejero y contiene referencias a los proyectos previos de los integrantes. Mientras que “Ruby Soho” arranca con un sampleo de "Give Me Power" de The Stingers y se ha posicionado como un himno a la hermandad y camaradería. La canción destaca por la más que obvia influencia absorbida del trabajo de Social Distortion.

Mientras algunos mantienen la idea del purismo dentro de la música, otros apelan a los cócteles sonoros porque son los que generan nuevos estilos y enriquecen el panorama. El mismo rock & roll surgió como la unión de diversas fuentes que dieron a luz a uno de los movimientos de mayor repercusión en la historia moderna de la humanidad.

¡Feliz Cumpleaños, Andrés Calamaro!

El Salmón, o Andrés Calamaro, cumple 59 años de brutalidad honesta y más de cuatro décadas de explosiones creativas y emocionantes obras.

Son contados los artistas latinoamericanos que dejan una huella en la música, que la transforman a tal grado de crear una escuela o una influencia que perdura en artistas de nuevas generaciones, aunque es fácil ubicar a Andrés Calamaro entre uno de ellos. Nacido el 22 de agosto de 1961, El Salmón es un icono de la música en América gracias a su enorme trayectoria como solista y en bandas como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez.

Desde los ocho años, Andrés se acerco a la música tocando el bandoneón. Dentro de una familia con un gran gusto por la música, a los 17 años comienza a adentrarse como guitarrista y tecladista en proyectos que no tienen mucho éxito, incluyendo Proyeco Erekto, banda conformada por Zeta Bosio y Gustavo Cerati, que años después pasaría a llamarse Soda Stereo.

Es hasta 1982 que el artista obtiene una oportunidad en la nueva alineación de Los Abuelos de la Nada. El proyecto era liderado por Miguel Abuelo y Cachorro López, aunque con el tiempo Calamaro tomaría gran protagonismo gracias a sus composiciones, además el cantautor se integra a la banda soporte de Charly García como solista. Es así que llega su primer hit, llamado "Mil Horas", el cual ha sido versionado en infinitas ocasiones en géneros como la cumbia y la salsa.

En paralelo, Calamaro comienza a desarrollar su material solista previo a su salida de Los Abuelos de la Nada, donde es reemplazado por Fito Páez. Su estilo va tomando reconocimiento de a poco en sus discos Hotel Calamaro, Vida Cruel, Por Mirarte y Nadie Sale Vivo de Aquí. Esto gracias a un estilo new wave que se desprende de las ideas del rock setentero, y busca mezclar el rock and roll con influencias modernas, así como baladas oscuras que contaban con colaboraciones de Spinetta, Luca Prodan y Charly García.

El éxito de esos años es capitalizado por canciones como "No Me Pidas Que No Sea Un Inconsciente", "Cartas Sin Marcar" y "Pero Sin Sangre". Andrés establecía un discurso romántico y al mismo tiempo irreverente, dejando una narrativa muy particular, aunque se desprendió de ella cuando se fue a España en 1990 para formar Los Rodríguez.

Junto a Ariel Rot, el artista comienza una etapa outsider en su vida y Los Rodríguez muestran una faceta experimental para Andrés. El rock colisionaba con el flamenco, el reggae y el tango en una banda revolucionaria para España, donde las historias de Calamaro eran protagonistas por retratar el amor, la humanidad y la propia lejanía del hogar en compañía de contundentes músicos.

"Sin Documentos", "Todavía Una Canción de Amor" y "Mi Enfermedad" ayudaron a consolidar al artista en Europa, aunque en la segunda mitad de los noventa se separó la banda y el artista regreso con más credenciales a Argentina.

Es entonces que el cantautor comienza una explosión creativa donde se estableció su esencia y se volvió un referente histórico. Con la voz más ronca, el discurso de Calamaro se tornó agresivo, crudo y al mismo tiempo fantástico con la llegada de Alta Suciedad, donde destacaban canciones como "Flaca", "Crímenes Perfectos", su polémica y premiada canción que hacía referencia a las drogas, "Loco" y su cercanía a la tauromaquia con "Media Verónica" fueron la base de un disco de carácter fuerte que fue bien recibido.

Sin perder mucho tiempo, Andrés grabó Honestidad Brutal, que para muchos fue su obra maestra. Otro disco lleno de crítica y romanticismo que impactó por canciones como "No Tan Buenos Aires", "Paloma", "Los Aviones" y "Te Quiero Igual". Para ese entonces, Calamaro ya era un referente, era una escuela distinta a la de Spinetta, a la de García, Cerati, El Indio Solari, Luca Prodan y demás artistas. Él ya tenía su sello y fue un estilo bastante contundente que abrió debates y entró en el gusto del público.

Luego de una catarsis artística donde estuvo involucrada la salud, las adicciones y más de 300 canciones, Calamaro presenta en el 2000 El Salmón y se retira un tiempo de la música. Fue una etapa complicada para él y su familia, ya que estuvo cerca de perder la vida en esos pasajes.

Andrés Calamaro_año 2000

Luego de salir de la polémica, el compositor reaparece de a poco con El Cantante, donde destaca su canción "Estadio Azteca", y en 2005 regresa a los escenarios de la mano de Bersuit para El Regreso, disco que marcó su vuelta exitosa a la música. Fue así que el artista volvió a los grandes hits en discos como Tinta Roja, El Palacio de Las Flores, La Lengua Popular y On The Rock. En ellos el discurso fue menos explosivo, pero muy humano. Canciones como "Los Chicos", "Corazón en Venta" y "Carnaval de Brasil" fueron el ejemplo.

Siendo un artista que ya no tenía nada más que demostrar, Calamaro se dedica a experimentar en distintos géneros y formatos en vivo de forma exitosa. Y es en 2013 que aparece con un disco sublime llamado Bohemio, donde las canciones crudas y melancólicas marcaron una nueva etapa de triunfos, estos se vieron reflejados en una gira de casi tres años. "Nacimos Para Correr", "Cuando No Estás" y "Rehenes" son una síntesis de la nueva manera de ver la música del artista.

Calamaro es un hombre multifacetico, un torero que anda y que sus pasos se escuchan gracias a su forma de decir las cosas. Ya sea tranquilo o en su estado más extremo, Andrés ha retratado el amor de forma intensa y sensible, así como las sensaciones que te da la vida en ciudades de América y España, desde las frustraciones hasta los encantos.

Luego de cinco Grammys, premios Konex y premios Gardel el artista aún no descansa. Los últimos años han traído discos como Volumen 11, Romaphonic Seassions y Cargar La Suerte,  los cuales son la prueba de que Andrés Calamaro no se devalúa, y El Salmón sigue acrecentando su leyenda.

“Tú”, el nuevo sencillo de Silver Rose

"Nada hace sentido aquí sin ti pero soy más fuerte de lo que crees", canta Carla Sariñana como parte de su próximo álbum.

La música de Silver Rose ha sido descrita como "un sincero retrato de Sariñana que se acompaña de una intimidad fresca y original en sus letras" y muy pronto, Las distancias, nuevo álbum de su proyecto como solista, se estrenará en todas las plataformas digitales. Mientras tanto, se ha lanzado un nuevo y último sencillo titulado "Tú", el cual llega después de cinco temas que acompañan la promoción del álbum.

De acuerdo con la artista, la canción está inspirada en “True Love Waits” de Radiohead, la música de Mazzy Star y canciones acústicas de los años 90. La cantautora interpretó la canción en algunos de sus shows en vivo anteriormente, sin embargo, es hasta hoy que la comparte de manera oficial.

Te invitamos a darle play, a continuación.

Es una canción sobre una relación que termina repentinamente. Se termina con poco tacto de un lado, tocando fibras sensibles y de inseguridad. Terminar una relación puede ser dolorosa, más para un lado que el otro, pero aunque pueda ser difícil, te recuerda que saldrás de ésta mejor que ayer", comentó la compositora.

"Tú", fue producida y mezclada por Pipe Ceballos y la misma Carla Sariñana. En el piano participó Efrén Barón y en la guitarra Johann Daccarett. La masterización corrió a cargo del ingeniero Mike Wells, mientras que la fotografía y el arte del sencillo estuvo a cargo de Daniel Patlán e Ian Pascal, respectivamente. Todo a través del sello discográfico Discos Panoram.

Vuelveteloca estrena la canción “Puentes Etéreos”

El nuevo álbum de la banda llegará en septiembre próximo y este es su adelanto más reciente.

La banda chilena de rock, Vuelveteloca, acaba de liberar el lyric video para "Puentes Etéreos", segundo sencillo promocional de lo que será su próximo álbum titulado Contra, material que será publicado durante el mes de septiembre.

Con esta canción, el grupo oriundo de Santiago aborda la existencia de entidades sobrenaturales a las que nombran como "controladores ocultos de la humanidad", los cuales aparentemente viajan en el tiempo de manera sigilosa. El tema intercala momentos tranquilos llevados por una línea rítmica melodiosa entre bajo y batería con breakdowns impulsados por estridentes guitarras llenas distorsionadas.

La canción nace de un riff de guitarra que estuvo rondando en los ensayos hace tiempo, pero que en el estudio terminó por armarse mediante la experimentación con nuevos efectos y sintetizadores. Nos gusta el diálogo que hay entre los distintos instrumentos, la simpleza y pureza de los sonidos que contrastan con las secciones ruidosas y distorsionadas", dijo la banda en un comunicado.

"Puentes Etéreos" llega como segundo adelanto tras el estreno de "Ciudades Subterráneas", track con el que Vuelveteloca anunció oficialmente la publicación de su próximo material de estudio. Contra se publicará durante el mes de septiembre y será el séptimo trabajo discográfico en la carrera la banda luego del lanzar en 2017 el  álbum Sonora.

Escucha “Pobre Niña”, el nuevo tema de Hispana

La rapera mexicana nos muestra en su nuevo sencillo la importancia del empoderamiento de la mujer.

Como parte del álbum de Mujer de Fuego que saldrá vía Universal Music México, Hispana nos comparte un nuevo tema promocional bajo el título de "Pobre Niña", una composición que nos lleva por las cualidades musicales del hip hop, con arreglos de metales que nos remiten a la música banda. Además de beats que sostienen la voz de la rapera mexicana para darle entrada a la historia que relata.

La artista también conocida como Mamba Negra, nos cuenta la cruda historia de una mujer que desde niña ha resentido los golpes de la vida, pero que hoy, gracias a las lecciones que dejaron esas cicatrices, es más fuerte que nunca. Ahí, hace énfasis en que hay que enfrentarse a lo que viene para llenarse de fuerza, valor y rabia.

El metraje grabado en Guadalajara, refleja el significado de la letra y muestra a Hispana con un porte y astucia para convocar a vencer las adversidades que se tienen al ser mujer, y que, secunda al video de "Reina de Corazones".

Checa a continuación el video para "Pobre Niña":