A 25 años del lanzamiento de 'Milk & Kisses' de Cocteau Twins

A 25 años de su última creación.

Han pasado 25 años desde que Cocteau Twins nos dio un disco de estudio. Si bien no sabían que sería el último, es un álbum que evidencia el peak creativo al que llegaron en casi 20 años de formación. Milk & Kisses es un álbum que concentra las atmósferas más etéreas pero también las más pop con las que el grupo escocés nos ha agraciado. Tal vez, si no nos hubiesen dejado cuando estaban preparando un nuevo álbum, los habríamos visto publicar el pop más ruidoso que ahora se espera de artistas mucho más mainstream. Cocteau Twins ha provisto de bases sonoras a más de una generación de creadores pop, desde el más experimental ruidismo hasta el pop más bailable, como se puede escuchar en la música de Bad Bunny y Kali Uchis (para referencia, escuchar “Trellas” y “Loner”, respectivamente). Son las atmósferas creadas por la voz de Elizabeth Fraser las que proveyeron de una particularidad innegable a esta banda que pudo tenerlo todo.

Milk & Kisses es un disco que tuvieron que hacer casi como una obligación, ya que estaba en su contrato con el sello Fontana Records. Un álbum en el que retornan a las capas de guitarras distorsionadas y a las letras cantadas nuevamente bajo ese idioma creado por Elizabeth, a diferencia de Four-Calendar Café, donde había dejado esta técnica un poco de lado. Los singles escogidos fueron “Violaine”, una canción que demuestra su apertura hacia el pop más radiable de la época; y “Tishbite”, un tema que contiene el blueprint, toda la energía y personalidad alternativa y dulce de la banda.

El álbum también incluye “Rilkean Heart”, un homenaje al por entonces nuevo amor de Elizabeth, Jeff Buckley, ávido lector del poeta Rainer Maria Rilke. Una producción de 10 canciones que, sin saberlo, sería el gran resumen del sonido que Cocteau Twins nos entregó desde el inicio: etéreo, guitarrero y ruidoso, atmosférico, de baterías cadenciosas, lleno de melodías dulces y letras muchas veces inentendibles, pero que calan hasta lo más profundo del alma. Una producción que condensa todo lo conocemos de la agrupación, que casi se reúne en el 2005 para un show en Coachella, que al final no se dio.

A veces, como fans, esperamos que nuestras bandas favoritas sigan haciendo música para siempre. Pero hay algo que tenemos que entender, y que al parecer no es tan obvio. Las personas detrás de las bandas forman relaciones entre ellas, y lo más común es que esas relaciones terminen para siempre, tanto que ni siquiera una relación de trabajo puede ser viable. Pertenecer a una banda que tiene éxito no puede amarrarte por el resto de tu vida a ella si tu bienestar está de por medio. Desde aquí, un abrazo eterno a Elizabeth Fraser, a su liberación y a la felicidad que consiguió.

Descansa en paz, Sax

Buen viaje, gracias por la música.

 

“Y en la pista una pareja se vuelve a enamorar…”

¿Escuchaste eso en tu cabeza? Sí, era el sax de Sax. Lamentablemente decimos era porque hoy 14 de marzo le tocó partir de este plano por complicaciones derivadas de la Covid-19.

Yo sí lo conocí, vivía en la vecindad… Eulalio Cervantes Galarza, posiblemente su nombre no te diga mucho, pero su mote equivalía a su instrumento, Sax. Creo que pocos músicos podrían nombrarse así, era un virtuoso que consiguió desde muy joven tener un sonido que lo diferenciara a él y a su banda.

Nació en San Luis Potosí, en su biografía en el sitio del SACM destacan que desde muy temprana edad brilló por su talento tocando con orquestas y en concursos infantiles y de eso no nos queda duda.

Es imposible pensar en Maldita Vecindad sin él, sin esa esencia que retumba en canciones como “Solín”, “Un gran circo” e incluso “Kumbala” que tiene un interludio que es icónico como la canción misma. Fue cofundador, compositor de letras y música, coproductor y ejecutante de saxofón, clarinete, trompeta, trombón, flautas, batería, bajo, guitarra, piano, acordeón y más de cuarenta instrumentos de viento árabes (retomado del sitio de la SACM).

No sólo su sonido era icónico, su estilo lo era, su larga cabellera que a veces le ocultaba un poco el rostro, su sombrero negro, gafas oscuras, era como el Slash de los metales mexicanos.

Ojalá este texto hubiera sido escrito mientras él vivía, además, a pesar de haber tenido problemas de salud recientes se mantenía creativo, recientemente sacó una canción en compañía de Salvador Moreno titulada “Otros nosotros”.

Fue productor de bandas como Tijuana No!, colaboró con otras como Café Tacvba y La Castañeda. Compartió escenario con muchas de las bandas más importantes de Latinoamérica e incluso tenía un récord de respiración circular con el saxofón en una sola nota musical.

Sax, colgó el sombrero y decidió partir, el sax, seguramente se lo llevó con él, eran inseparables y seguramente estará creando en otro plano.

Ahí viene Toño, su trompeta suena en toda la ciudad, hoy más que nunca, Sax, te vamos a extrañar.

Franc Moody: funk hipnótico para navegar

Escapa de la frívola realidad con una fusión de funk electrónico londinense.

Franc Moody lleva cerca de cinco años moviéndose dentro de la industria musical con su característico estilo que posiciona al proyecto como uno de los ideales para disfrutar durante un atardecer en la playa. Su sonido, influenciado por Daft Punk y Jamiroquai, entrega un juego de sonidos, texturas y energías que se podrían definir como funk electrónico para alejarse de la realidad. A lo largo de su trayectoria, la banda ha presentado distintas producciones discográficas que ilustran su sentir hacia el mundo online y la dependencia hacia las tecnologías; puntualizando que no intentan criticar la situación, sino más bien evadir los sucesos a través de su música.

Bajo una premisa similar, el colectivo presentará su EP House of FM, vía Juicebox Recordings. La fecha de estreno aún no está definida, lo que sí, es el primer adelanto de este material. Se trata de "Losing Touch", un hipnótico track con mucha electrónica y beats pegajosos que penetrarán tu mente al instante.

Después de este año totalmente extraño, estamos muy emocionados de compartir la primera pista de un nuevo EP, House of FM. ’Losing Touch' se armó muy rápido en el estudio, combinando la mezcla habitual de todos los sonidos característicos de la banda. La canción intenta capturar la euforia que sientes cuando eres capaz de perder el contacto, desconectarte, vivir realmente el momento y escapar de una realidad a veces mundana y repetitiva", expresó Franc Moody en un comunicado de prensa.

Te compartimos a continuación "Losing Touch" ¡Disfrútala!

El año pasado, la agrupación londinense compartió su álbum Dream in Color (2020), una producción repleta de sonidos frescos que se apoderan del ambiente. Con este material se tenía previsto iniciar una gira, misma que se ha tenido que posponer por la pandemia.

No olvides seguir a Franc Moody en sus redes sociales.

Bible For Robots estrena “La Cena de las Hormigas”

Desde la ciudad de los ángeles, este trío llegó para hacerse un lugar en la escena nacional.

El punk rock no es una forma de autodestrucción, es un lugar para pensar mejor. Con esta línea, Bible For Robots demuestra su convicción en que aquel género musical está más vivo que nunca. Este grupo viene directo desde Puebla, México, para apropiarse de un espacio dentro de la escena del punk y derivados nacionales, que en los últimos años se ha alimentado de actos como De Nalgas, Chingadazo de Kung Fu, entre otros. Bible For Robots dará un giro a este sonido con sus letras paródicas y auto reflexivas.

Pano Contreras (batería y voz), Miky Valentino (guitarra y voz) y Uriel García (voz y guitarra) comenzaron Bible For Robots en 2013, año en que estrenaron su primer maqueta titulada Poseur, la cual recupera toda la estética DIY del underground, aunado a un sonido crudo y veloz con letras anglosajonas.

Fue en 2015 cuando el grupo decidió abrazar el idioma español mexicano para su álbum Diego. A través de una influencia más notoria de bandas nacionales como Finde, Allison o hasta los primeros Panda, Bible For Robots utiliza este material para despotricar contra la religión, el trabajo precarizado, el amor fallido y demás temas habituales en el punk, con el inconfundible toque de humor que comienza a ser característico de la agrupación.

Seis años después, Bible For Robots se alista para lanzar su álbum más maduro y trabajado hasta la fecha, titulado MEXTINCIÓN, el cual se compondrá de 14 cortes y fue producido por Manuel Rubio Mendoza (Finde, Dolores de Huevos)

Como adelanto, Blible For Robots nos comparte “La Cena de las Hormigas”, una canción donde es notorio el crecimiento del grupo pero que no renuncia a la gracia de sus letras. El tema, que versa sobre la soltería y la soledad, cuenta con un video dirigido por Jesús “Xux” Tapia. Velo a continuación.

‘La cena de las hormigas’ habla acerca de la experiencia simultánea del sufrimiento y la celebración de la soledad. Al mismo tiempo, su video busca transmitir la desesperación, cansancio y claustrofobia que pueden invadirnos al llevar una vida solitaria”, comenta el grupo.

Ya falta menos para escuchar el nuevo álbum de Bible For Robots. Mientras tanto, conoce a la banda en su Facebook, Instagram y Spotify. ¡Que se abra el mosh!

Damon Albarn, Skepta y más colaboran en el álbum póstumo de Tony Allen

Un universo en donde los sueños surgen y la música nunca termina.

En 2020, Tony Allen, considerado un maestro espiritual del afrobeat, murió a los 79 años. Su legado y sabiduría musical es asombroso y recientemente el sello Decca Records anunció el lanzamiento del último álbum de estudio que el baterista nigeriano escribió junto a un variado grupo de raperos y artistas, entre ellos Damon Albarn, Danny Brown, Nah Eeto y Lava La Rue.  

El LP fue producido por Vincent Taeger, lleva por nombre There Is No End y estará disponible en todas las plataformas de servicios streaming el próximo 30 de abril. Además, para celebrar la buena nueva, el sello ha compartido el primer adelanto promocional titulado "Cosmosis", canción que Allen escribió junto al Damon Albarn, Skepta y el poeta nigeriano Ben Okri.

Pero eso no es todo, pues el estreno llega acompañado de un videoclip dirigido por NAVIRE ARGO, en el que apreciamos a Allen grabando en el estudio rodeado de hipnóticas animaciones.

¡Dale play, aquí!

Este hombre podría haber vivido otros 150 años y seguir creando nuevos mundos. Se había convertido en el maestro chamán de su arte. Se conocía a sí mismo y a su mente.

Quería que el álbum estuviera abierto a las energías de una nueva generación... pero como un gran matemático o científico que encontró un código para un mundo nuevo, con solo unos pocos golpes, creó este lienzo extraordinario", expresó Ben Okri en un comunicado. 

Si te interesa pre ordenar There Is No End, dale click al siguiente enlace, mientras tanto checa la portada y la lista completa de canciones, a continuación. Asimismo, te recomendamos leer el artículo especial que Indie Rocks! preparó para celebrar la vida y obra de Tony Allen.

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Tracklist:

  1. "Tony’s Praeludium"
  2. "Stumbling Down" (Featuring Sampa The Great)
  3. "Crushed Grapes" (Featuring Lord Jah-Monte Ogbon)
  4. "Très magnifique" (Featuring Tsunami)
  5. "Mau Mau" (Featuring Nah Eeto)
  6. "Coonta Kinte" (Featuring Zelooperz)
  7. "Rich Black" (Featuring Koreatown Oddity)
  8. "One Inna Million" (Featuring Lava La Rue)
  9. "Gang On Holiday (Em I Go We?)" (Featuring Jeremiah Jae)
  10. "Deer In Headlights" (Featuring Danny Brown)
  11. "Hurt Your Soul" (Featuring Nate Bone)
  12. "My Own" (Featuring Marlowe)
  13. "Cosmosis" (Featuring Ben Okri + Skepta)
  14. "There’s No End"

 

Twin Shadow presenta su single “Johnny & Jonnie”

El cantante dominicano-estadounidense comparte el primer extracto de su nueva producción.

George Lewis Jr., mejor conocido en la industria de la música como Twin Shadow, ha sido una figura que ha trabajado con constancia en los últimos años. Quizá no hemos escuchado algo tan extenso desde su último álbum de estudio Caer (2018), sin embargo, se ha podido apreciar su talento en canciones independientes que ha sacado en el transcurso del tiempo.

Recientemente el músico reveló "Johnny & Jonnie”, el primer sencillo de lo que será su nuevo álbum de estudio; un tema que comprende la suavidad y frescura caribeña con el rock y la electrónica. Entre finas ondas, el músico te invita a ir a un lugar más relajado. El estreno viene en compañía de un hipnótico visual realizado por Aaron Lowell Denton.

El arte fue hecho por el increíblemente talentoso Aaron Lowell Denton y se basó en muchas conversaciones sobre nuestro amor mutuo por el arte y el diseño de los 70. Hablamos de Fela Kuti, hablamos de punk caribeño, discutimos mostrar profundidad en un diseño de aspecto de dos dimensiones intencionadamente. Esta es, de lejos, una de mis colaboraciones favoritas con un artista y la atención de Aaron al detalle está más allá", explicó el intérprete a través de sus redes sociales.

Te compartimos ahora "Johnny & Jonnie” ¡Disfrútala!

En los últimos años, Twin Shadow ha sido parte del soundtrack de la serie 13 Reasons Why y ha colaborado con Duval Timothy en su álbum Help. Por el momento se desconoce cuándo llegará lo nuevo del cantante dominicano-estadounidense. Te invitamos a seguirle la pista a través de sus redes sociales.

Coronel Hans Landa, ruido que marea y se queda en tu interior

“Trayectoria luminosa hacia un estado de deseo permanente”.

Es momento de que tu top of mind al escuchar Coronel Hans Landa sea música y no un personaje ficticio creado por Tarantino; para ello entran en acción Victor Solórzano (voz y guitarra), Eduardo Gante (bajo), Noé Ramírez (guitarra y voz secundaria), J. Montiel (batería) y Luis Aoyama (guitarra), quienes al ser oriundos de Ciudad y Estado de México saben perfectamente lo que tú, yo y todos queremos escuchar.

Y es que no es ningún secreto que en esta parte de la República Mexicana abunda música independiente de excelente calidad, donde se demuestra día tras día que no se necesita demasiado para hacer las cosas bien porque el talento e ingenio toman un lugar importante para lograr lo que se desea. 

Es así como en septiembre de 2020 llega “Ride”, un single debut escrito por Noé y Victor; con una letra oscura envuelta en un rock psicodélico experimental con el que te elevas poco a poco hasta que, eventualmente, caes en un colchón de nostalgia y shoegaze. Con esta primera entrega también llega un conjunto de visuales realizados por Señor Terror (Noé), y es de esta forma que este tema se va a convertir en lo mejor de tu día.

Tan solo un par de meses después la banda liberó un segundo single que lleva por nombre “It's All Over”. A través de los más de ocho minutos que esta canción tiene como duración, se muestra notoriamente un shoegaze marcado de principio a fin y dentro de él podrás viajar por un mundo de tristeza, supervivencia y decepción, donde crees que nada tiene sentido y solo eres un ente ocupando espacio en un lugar sin esperanza.

Ambos temas forman parte de El Olvido, EP que la banda está próximo a estrenar y del que seguramente tendrás noticias en Indie Rocks! 

A pesar del corto camino que se ha marcado y de las limitaciones sanitarias en las que vivimos, Coronel Hans Landa ha sabido destacar y eso lo ha llevado a formar parte de Festival Flotante, donde participó junto a bandas como Margaritas Podridas, Diles Que No Me Maten, AMBR, Encarta 98 y más.

No pierdas la oportunidad de gozar de este ruido que marea y no olvides seguirlos en:

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Disfruta del video remasterizado de “Mother” de John Lennon

Julia Stanley cumpliría 107 años este 12 de marzo y para recordar su vida, te invitamos a ver la remasterización del visual de "Mother".

En 1970 John Lennon publicó una canción inspirada en Julia (su madre). Incluida en su álbum debut como solista, la canción resultó ser una oda de amor en la cual el músico compartía con el mundo, de una forma desgarradora, una especie de carta muy triste a su infancia. La canción ha sido fuente de inspiración para muchas personas en el mundo y artistas como David Bowie y Lou Reed han realizado sus propias versiones.

Es por eso que, con motivo del cumpleaños de Julia así como por el Mothering Sunday que se celebra en Inglaterra el próximo 14 de marzo, la familia de Lennon compartió el visual remasterizado en 4K de la emblemática canción.

En esta ocasión, el clip fue producido por Yoko Ono mientras que Simon Hilton lo dirigió y editó. Además, algunas de las fotografías que puedes apreciar fueron tomadas por Bob Gruen, Stanley Parkes, Geoff Rhind, Robert Freeman, Jack Mitchell, Iain Macmillan, Paul Goresh, Joyce Ravid, entre otros.

Escribí 'Mother' e 'Isolation' en Inglaterra. Los acabé en California. Todas estas canciones simplemente salieron de mí. No me senté a pensar: 'Voy a escribir sobre mi madre'. Tuve tiempo en terapia y de vacaciones.

Fue agradable hacerlo y fue mínimo. No hubo sobregrabación: solo mi piano, un bajo y batería. Tenía algunas ideas para hacer esto y aquello con 'Mother', pero cuando lo escuchas, el piano lo hace todo por ti. Tiene todos los armónicos. Tu mente puede hacer el resto. No necesitaba nada más.

Al comienzo de 'Mother', el comienzo del álbum tiene esta campana sonando, 'dong, dong, dong'. Es una campana de iglesia que bajé [de 45 rpm] a 33, así que es como una película de terror.

Y eso fue como la sentencia de muerte del viaje Freudiano Madre-Padre”, declaración de John Lennon obtenida de su sitio web oficial.

Cabe destacar que el videoclip para "Mother" fue originalmente publicado en el DVD 'Lennon Legend: The Very Best of John Lennon' de 2003.

Disfrútalo, a continuación y recuerda seguir a Indie Rocks! para más información.

*Foto de portada: John Lennon, de ocho años, con su madre Julia en el jardín de su hermana, Anne "NannyCadwallader; Ardmore, 486 Old Chester Road, Birkenhead, Cheshire, verano de 1949. Obtenida del sitio web oficial de Lennon.

Camilo Séptimo comparte “Galáctica” ft. Francisca Valenzuela

Si no tenías un tema de amor para dedicar, ha llegado tu oportunidad.

No hay mejor manera de demostrar cariño a esa persona especial que con una canción, y aunque no seas una persona muy expresiva, “Galáctica” viene a resolver el problema. 

El cuarteto mexicano Camilo Séptimo liberó este amartelado tema en compañía de Francisca Valenzuela, a la par de un videoclip oficial.

El visual retrata, a través de distintos escenarios, al vocalista Manuel Coe y a la cantante chilena inmiscuidos en una historia de amor, sobre proyecciones espaciales y espacios oníricos. Fue producido por Autumn Leave FilmsFilmatronic, bajo la dirección de Juan de la Peña

Precedente a esta colaboración, la agrupación compartió a través de su canal de YouTube la grabación de su livestream “Órbita”,  un pasaje por su trayectoria musical junto a una serie de tres cortes documentales publicados el pasado 28 de febrero. Además, anunciaron vía redes sociales la venta de algunos props de su misma escenografía, que comprende de algunos cuadros y fotografías de la banda. 

Con la antesala de este último single, en noviembre del año pasado se presentó “Efímera”, su cuarto lanzamiento durante el 2020, el cual precede a “No Te Reconozco”, “Gris” y “Ecos”, sencillos que pueden pertenecer a su tercera producción discográfica después de “Navegantes” (2019). 

Escucha “Galáctica”, de Camilo Séptimo ft. Francisca Valenzuela

Silvana Estrada está de estreno con “Si Me Matan”

Historias que contamos por las mujeres que ya no pueden.

Recientemente conmemoramos un 8M más, nada que festejar ya que ser mujer en un país como México es bastante difícil. Silvana Estrada lo sabe y esta vez se encarga de dar voz a Mara Fernández, mujer de Cholula, Puebla que un día sumamente común de hace cuatro años se subió a un Uber y desafortunadamente nunca llegó a su destino. 

A raíz de este feminicidio que formó parte de los 11 que a diario se llevan a cabo en el país, se creó el hashtag #SiMeMatan, donde mujeres de todas las edades se sumaron para utilizarlo en redes sociales y hacer que Mara pudiera gritar lo que en su momento nadie escuchó y de lo que después culparon con especulaciones de su estilo de vida.

Me recorría la idea constante de estar siempre en peligro simplemente por hacer mi trabajo,si algo me pasa me parecía muy obvia la manera de burda y violenta con la que me culparían y me harían ver cómo una 'mala mujer' solo por seguir mis sueños y vivir de la manera en que yo considero honesta, feliz, apasionada y luminosa”.

Por ello, desde 2017 y hasta ahora, Silvana estuvo trabajando en este tema donde canta, grita, conjura y lucha por algo que es momento que cambie. Lo acompaña con un videoclip filmado en Proyecto Público PRIM, producido por Jimena Estibaliz y realizado por Edwin Erazo.

Te dejamos con este bonito tema de lucha, solo dale play: