Sexy Zebras regresa con el sencillo “Tonterías”

La banda está de vuelta luego de cuatro años de ausencia.

Fue en 2017 cuando el trío Sexy Zebras compartió el álbum La Polla, luego de ello la banda se ausentó y hoy está de vuelta para presentar “Tonterías”, un sencillo cargado de metáforas pero también de mensajes explícitos, algo a lo que los madrileños nos tienen bastante acostumbrados.

Esta nueva canción se posiciona como la primera piedra de un sonido más maduro; y aunque igual de eléctrica, la banda también se muestra más melódica que nunca y propone una cohesión sonora y espiritual que seguirás conociendo durante los próximos meses hasta que llegue un nuevo material de estudio.

“Tonterías” fue producida por Raúl Pérez y es un regreso que no aparece solo, lo acompaña un videoclip realizado por Álvaro Sainz, en el que la banda tomó el rol de director y se apoyó en el talento de Samantha López S.

 

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Al ritmo de ‘Hemos dicho ya tantas tonterías que casi se me olvida cuánto te quería // Es mucho más fácil amarte que odiarte’, Sexy Zebras demuestra que en este proceso de ausencia se convirtió en una familia más que en una banda, y tomó distintas referencias de la vida y crecimiento de cada integrante para crear nuevos sonidos.

Dale play a continuación y disfruta nuevamente de este poderoso tercio español:

Róisín Murphy anuncia el estreno del álbum 'Crooked Machine'

Cuando la noche cae, la pista de baile se reinventa una y otra vez.

Hace un año, Róisín Murphy comentó en entrevista para Indie Rocks! que su objetivo al hacer conciertos en formato streaming era una vía que le permitía conocerse a ella misma y a sus canciones de otra manera. Con dicha premisa en mente y la intención de explorar y ser versátil en su trabajo, la compositora irlandesa dejó que su productor y amigo, DJ Parrot, trabajara en lo ella denomina el "after party" de Róisín Machine (2020).

De acuerdo con la cantautora, esta nueva producción titulada Crooked Machine y conformada por nueve pistas, "suena más profunda en la noche, con un sentimiento familiar de las canciones que has escuchado antes, con giros y giros más oscuros en el camino". Asimismo, comentó:

Parrot no intenta ser 'cool', creo que eso es lo último que tiene en mente. Hace música con un verdadero sentido de responsabilidad con el oficio. Simplemente no puede hacer música basura, estaría demasiado avergonzado. Entonces, todo lo que él es y todo lo que ha aprendido, se pone en todo lo que hace.

Creo que Crooked Machine  es uno de sus mayores logros hasta ahora. ¡Lo dejé a él y a Fat Dave a su suerte en esto y se han superado a sí mismos! ¡¡Absolutamente me encanta!! Creo que lo prefiero al álbum original, ¡un poco menos yo y mucho más 'genial' por eso!", expresó Murphy en un comunicado.

Para acompañar la buena nueva, Róisín Murphy compartió "Assimilation", la remezcla de su sencillo "Simulation". Te invitamos a disfrutarlo a continuación, mientras checas el arte de la portada así como la lista completa de canciones.

¡Recuerda! El álbum llegará a nuestros oídos el próximo 30 de abril a través del sello Skint Records, y una versión exclusiva en versión vinilo estará disponible para comprar el 12 de junio como parte del Record Store Day.

Puedes pre ordenarlo en el siguiente enlace.

RoisinMurphy_2021

Tracklist:

01. "Kingdom of Machines"

02. "Echo Returns"

03. "Capable Rhythm"

04. "Assimilation"

05. "Crooken Machine"

06. "Less is More"

07. "Name Changer"

08. "We are the Law"

09. "Hardcore Jealousy"

Escucha “The Limit”, el nuevo track de DARKSIDE

Experimentación, electro psicodelia y música fresca del proyecto de Providence.

El dúo formado por Nicolás Jaar y Dave Harrington libera “The Limit”, segundo sencillo rumbo al estreno de su próximo larga duración.

Después de introducirnos a un mundo repleto de texturas en trance sonoro con su aclamado álbum debut Psychic (2013), DARKSIDE nos sorprendía en diciembre del año pasado con “Liberty Bell”, pista que, tras siete años de ausencia, anunciaba el regreso del proyecto con un nuevo disco bajo el brazo.

“The Limit” se convierte así en el segundo adelanto que tenemos sobre este nuevo material. El track nos conduce por un sendero de introspección auditiva e incertidumbre, intercalando sonidos sintéticos con intensa experimentación sonora, chispazos de instrumentación orgánica y la hipnótica psicodelia fría que nos transmite la voz de Jaar.

Hacemos cosas en esta banda que nunca hubiéramos podido hacer en las nuestras. DARKSIDE es la tercera presencia en el cuarto, que existe únicamente cuando hacemos música juntos”, comparte Harrington.

Spiral, próximo a ser lanzado en julio 23 vía Matador Records, promete ser una experiencia musical a la altura de trabajos anteriores del dueto, manteniendo la soltura y efervescencia de jam que ha caracterizado las composiciones de los músicos hasta la fecha.

Darkside_spiral_2021

Te dejamos el tracklist del nuevo álbum y el presave por acá.

  1. "Narrow Road"
  2. "The Limit"
  3. "The Question Is To See It All"
  4. "Lawmaker"
  5. "I’m The Echo"
  6. "Spiral"
  7. "Liberty Bell"
  8. "Inside Is Out There"
  9. "Only Young"

Tame Impala hace remix de “To The Island” de Crowded House

Alucinantes vibras musicales que te motivan a creer en tiempos mejores.

Dreamers Are Waiting es el nombre con el que Crowded House ha decidido presentar su nuevo álbum luego de 10 años sin lanzamiento discográfico alguno. La agrupación australiana comenzó a dar señales de su regreso en octubre del año pasado con el sencillo "Whatever You Want", y recientemente publicó "To The Island", una canción dedicada a su país en la que hace referencia a los incendios ocurridos a principios de 2020 en la isla y a la crisis mundial que vivimos.

Como parte de la promoción del sencillo, Neil Finn convocó a su compatriota Kevin Parker para trabajar en un remix de la pista. El resultado es alucinante en muchos sentidos, pues el músico incluye texturas psicodélicas que amplifican los pequeños detalles de la versión original. Además, la banda publicó un visual animado por Alexis Jamet y dirigido por Human Person, quienes logran darle un aspecto más loco a los paisajes naturales de Australia.

Con todo el mundo trastornado y nada en su lugar correcto, sentimos curiosidad por escuchar cómo nuestros músicos y productores de discos contemporáneos favoritos podrían reimaginar una canción de Crowded House.

Le envié por correo electrónico nuestra versión de 'To The Island' a Kevin Parker (Tame Impala) con una invitación para desarmarla y volver a montarla a su manera única. Felizmente, le gustó mucho la canción y fue un placer absoluto escuchar lo que hizo con ella, una fantasía exótica, yo la llamaría", expresó Neil Finn en un comunicado.

Dale play, a continuación y cuéntanos cuál es tu versión favorita.

El grupo formado en 1985 por Neil Finn y Nick Seymour publicará su LP el próximo 4 de junio vía el sello EMI Music. Al respecto, el vocalista comentó: "Siempre he tenido miedo de repetir las mismas fórmulas, y de alguna manera esto se siente como una forma fresca y auténtica de volver a acercarme a Crowded House hoy con una conciencia de toda nuestra historia y dónde, cómo y por qué comenzó en primer lugar".

Si te interesa pre ordenarlo, dale click aquí. Mientras tanto, checa la portada y la lista completa de canciones.

CrowdedHouse_2021

Tracklist:

1. "Bad Times Good"
2. "Playing With Fire"
3. "To The Island"
4. "Sweet Tooth"
5. "Whatever You Want"
6. "Show Me The Way"
7. "Goodnight Everyone"
8. "Start Of Something"
9. "Too Good For This World"
10. "Real Life Woman"
11. "Love Isn’t Hard At All"
12. "Deeper Down"

A 30 años del ‘Blue Lines’ de Massive Attack

Sampleos, psicodelia y elegancia, una fórmula perfecta en el álbum que vio nacer al trip hop.

La música ha estado en constante evolución desde que los ancestros del humano descubrieron que en el latir de su corazón había un ritmo. Un aspecto tan elemental es la clave de cualquier composición. Mientras que en la era moderna el sampleo ha sido una de las aportaciones definitorias que a la fecha se mantiene vigente. Utilizar un fragmento de una pieza previamente grabada para darle un nuevo uso es algo que ha estado presente desde tiempos ancestrales con ejemplos como The Trashmen y su popular “Surfin Bird”. Aunque fue con la llegada del hip hop que esta práctica adquirió mayor relevancia.

Por su parte, esta cultura surgida en las calles de Nueva York e incluye elementos como el rap, el graffiti y el baile pronto se extendió al resto del mundo. Por su relación histórica el Reino Unido fue uno de los primeros países en adoptarla y adecuarla a sus circunstancias. Al recibir un nuevo tratado dio origen a lo que después se conocería como trip hop y existe un álbum que es considerado como el punto de inicio. Se trata de la ópera prima de Massive Attack que desde el momento de su lanzamiento llamó la atención porque mostraba un sonido novedoso y revolucionario.

El inicio de todo: Una abundante biblioteca musical

Aunque el material fue publicado el 8 de abril de 1991 en realidad su génesis parte desde varios años atrás. Como lo relata el libro Loops: Una historia de la Música Electrónica (Reservoir Books, 2002), los cimientos se crearon cuando varios jóvenes británicos formaron un colectivo llamado The Wild Bunch. La función era amenizar fiestas con un soundsystem que incluía una variada selección musical. No había YouTube ni Spotify y todo consistía en reunir LPs de los asistentes con estilos tan variados como R&B, soul, jazz y funk. En los bailes clandestinos también era común el consumo de todo tipo de alucinógenos y la unión de estos elementos sería trascendental.

Cuando la pandilla se desintegró varios de sus integrantes optaron por continuar en la música pero ahora con un nuevo nombre. El elegido fue Massive Attack y en esta nueva aventura los fundadores fueron Robert "3D" Del Naja, Adrian "Tricky" Thaws, Grant "Daddy G" Marshall y Andrew "Mushroom" Vowles.

La idea inicial era la de replicar lo que hasta entonces ya habían hecho Public Enemy, Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash en Estados Unidos. Todo parte de tomar un fragmento de una canción y acelerar o disminuir su ritmo. Encima de la base conseguida se añaden cantantes de voces profundas. Aunque una de las mayores novedades fue sumar instrumentos adicionales como guitarras, teclados y una batería.

Por su parte, las fiestas realizadas en los ochenta en el club Hacienda también impulsaron este nuevo estilo. La fusión de psicodelia, rock y música dance de The Stone Roses, Happy Mondays y New Order se aprecia en las nueve composiciones que aparecen en la primera referencia del cuarteto de Bristol.

Darle un nuevo uso a viejas canciones del pasado

Desde los segundos iniciales de “Safe From Harm” se genera un ambiente de misterio y desconcierto porque el sonido parte del pasado para mostrar el futuro. Eso es conseguido gracias a las bases tomadas de viejas composiciones de Billy Cobham, Funkadelic y Johnny Guitar Watson. Mientras que por encima destaca la imponente voz de Shara Nelson.

Mientras que para “One Love” se repite la fórmula pero ahora las piezas sampleadas corresponden a Isaac Hayes y Mahavishnu Orchestra. Hay mucho jazz y un sentimiento de tristeza que es dinamitado por el cantante de reggae Horace Andy.

La influencia que Massive Attack ejerció en los demás fue instantánea. El estilo de utilizar piezas antiguas con un ritmo distinto y añadir una voz virtuosa encima pronto sería replicado por Portishead, otro conjunto de la misma ciudad. Mientras que con el pasar de los años llegaría al resto del mundo con representantes como Unkle, Goldfrapp y Moloko.

De comienzo a fin se trata de un álbum que atrapa gracias a su propuesta y jamás te suelta. Al beber de varias fuentes el resultado hoy es tan sui generis como lo fue en el momento de su lanzamiento. Aunque al final confirma que el futuro no necesariamente está al frente sino que también se puede encontrar en el pasado.

 

 

Marinero — Hella Love

Hella Love, la carta de amor con la que Marinero nos recuerda que somos el reflejo de las ciudades que nos ven crecer.

Imagina que tienes la posibilidad de escribirle una carta a cada etapa importante de tu vida. Tan solo por un momento te invito a creer que tienes chance de dedicarle unas palabras a esos momentos decisivos en tu historia donde algo se rompió, donde el camino cambió. Aunque parezca que las paredes de las ciudades y las líneas del tiempo nunca van a escuchar esas cosas, Marinero se ha embarcado en una nueva aventura donde rinde homenaje al cierre de un capítulo en su andar con su nuevo material, Hella Love.

El proyecto alter ego de Jess Sylvester presenta una nueva etapa creativa y emocional con este registro, en el cual ha tomado alianza con la subdivisión de Sub Pop Records, Hardly Art. El respetado productor Jason Kick se ha unido a este proyecto, y de la mano del artista han creado una obra tan laberíntica como digerible.

Y es que Hella Love significa la apertura del corazón de Sylvester para narrarnos su despedida de la Bahía de San Francisco, tierra que lo vio crecer. Dentro de este pasaje de la vida del autor existen muchas historias, sus padres, los migrantes, sus amigos, los malos momentos y la vibra que representa el genuino cariño a una ciudad que lo refleja en varios aspectos. Eso tienen las ciudades, una mezcla mágica que termina por definirnos y retroalimentarse al mismo tiempo de nosotros.

Marinero 2021

Mudanzas e influencias.

Antes de hacer sus maletas y tomar rumbo a Los Angeles, Jess voltea a ver a una región particular, llena de contratiempos, neblinas densas y peculiaridades que parecen ser eternas. Los sonidos que emite la radio juegan un papel fundamental en la narrativa del artista, de hecho algunos tracks como "Fanfare" o "Minuet for the Mission" sirven como preludios y ayudan a entender las influencias sonoras del disco.

El padre de Jess Sylvester y su madre coincidieron en esta bahía hace algunas décadas. Y dentro de canciones como "Hella Love" o "Luz Del Faro" es que rinde un homenaje a las travesías donde su padre se llegó a extraviar, o cuando su madre se mudó a Mission District de niña. Parece una travesura impresionante del destino la manera en que un hombre del mar coincide en aquella costa con una mujer mexicoamericana, pero no es tan raro, todos venimos de esas coincidencias mágicas.

En la calle 24 de Mission District, esquina con Alabama, era posible hasta hace unos años disfrutar de un tradicional pan dulce de la panadería La Victoria. Este lugar se convirtió en un ícono de la ciudad donde perteneció Marinero, quien narra que es uno de los negocios dirigidos por mexicoamericanos que más años había durado. En honor a su historia es creada "Nuestra Victoria", una canción que sirve de igual manera para hablar de la gentrificación que tomó con el tiempo San Francisco, y que a pesar de ello, hay espacios que nunca perdieron su esencia, más bien, se hizo más fuerte.

Chicanx e irrepetible.

El trabajo musical para Hella Love es magistral, Marinero toma influencias de la música con la que creció mientras adapta una estética de la vertiente chicanx de manera épica. Es así que dentro de este álbum es posible encontrar bossa nova, pop, jazz, regional mexicano, psicodelia y bolero, por mencionar algunos ejemplos.

Muchos artistas que tienen influencias latinas y habitan en Estados Unidos afrontan diferentes influencias y las implementan de formas genuinas. Chicano Batman, Helado Negro, Omar Apollo, Divino Niño entre otros, tienen sus peculiaridades, pero el caso de Marinero presenta una trama sonora bastante amplia, aunque no pierde en ningún momento su estilo, todo lo contrario, lo alimenta.

Es así que por momentos podemos recordar en las canciones de Hella Love a héroes como Los Terricolas, Sandro, Juan Gabriel, Esquivel, e incluso grandes referentes de la música europea como Ennio Morricone o Serge Gainsbourg. En cada canción hay diferentes texturas, pero siempre persiste una melancolía mágica, por momentos dramática como algunas películas del cine noir, tipo The Maltese Falcon (John Huston) o Vértigo (Alfred Hitchcock).

Es así que podemos encontrarnos con un disco plagado de espacios sonoros sublimes, donde se mezclan instrumentaciones muy bien logradas junto a arreglos suaves de voz. Se sabe medir la intensidad y entonces se crea una obra que no te dejará libre el cuerpo hasta que acabe.

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Temas como "Trough The Fog" o "Maritime" acercan al oyente con la bossa nova, aunque es importante mencionar que a lo largo de las canciones los arreglos coquetean con el bolero, mientras que las percusiones conviven con cajas de ritmo. Por otro lado, "Isle Of Alcatraz" pinta más a ser un bolero que recuerda por momentos las canciones de José Luis Perales o de Julio Iglesias, su atmósfera te llena de dolor gracias al drama en su armonía.

"Nuestra Victoria" y "Outerlands" tienden a mezclar los ritmos chicanxs con las baladas que de inmediato nos llevan a la melancolía setentera, también se ilustran por momentos con juegos de voces, instrumentos de cuerdas y emocionantes intermedios, que dan un plus cinematográfico. "Luz del Faro" es un acercamiento a la música regional mexicana, y casi sin querer recuerda en su inicio al clásico dueto de Rocío Dúrcal con Juan Gabriel, "Déjame Vivir", aunque en su segunda parte evoluciona a una obra pop de carácter suave.

El punto más importante de este disco se encuentra en "Hella Love", un tema que levanta muchas sensaciones. Te puede hacer llorar, sentir paz o recordar a alguien especial. La implementación de teclados y órganos cálidos le dan una mística increíble, que después se complementa con cantos agudos de Sylvester y guitarras llenas de chorus.

Finalmente, el álbum toma ciertos puntos de energía con temas como "Beyond The Rainbow Tunnel" y "Frisco Ball". En estas canciones impera el ritmo fluido, y más que la sensualidad de tracks anteriores, lo que despiertan son las ganas de dejarse ir por la vibra de una noche de fiesta en la bahía.

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Hella Love es una mirada hacia atrás, a esos lugares que nos hicieron lo que somos y a las personas que siempre han estado ahí. Pese a la nostalgia de las despedidas, este disco parece concluir en un encuentro con los nuevos amores y aventuras en una vida que no se detiene, y que está lista para darte grandes recuerdos estés donde estés. Todo bajo una trama agridulce, que en ningún momento es colorida.

Puedes pre-ordenar tu copia de Hella Love en este enlace, el álbum estará disponible el próximo 21 de mayo a través de Hardly Art.

 

Yruama nos invita a su twee-pop multicultural desde Texas

Desde las tradicionales conchas hasta una corporación capitalista; Amaury López conjunta en su música lo mejor de dos mundos.

Tanto en México como en nuestro vecino del norte, Estados Unidos, los seguidores de la música hemos sabido reconocer propuestas que toman su raíz de nuestras respectivas culturas. Pero, ¿qué pasa cuando esa influencia se queda en un punto medio? El cantautor multinstrumentista basado en Texas, Yruama, intenta responder a esta pregunta con su fresca propuesta musical que se encuentra entre la velocidad y la calma, o entre el inglés y el español.

Amaury López creció en Reynosa, Tamaulipas, y comenzó a escribir música a los quince años, antes de establecerse definitivamente en Valle de Río Grande, Texas, y asumir el nombre de Yruama. El sonido que adoptó nos recuerda a las vertientes más intrépidas del indie rock y derivados, como lo describió la revista Raymus Media: “una mezcla entre la inocencia del twee-pop, el omnipresente rasgueo de guitarra del jangle-pop y el shoegaze sentimental en un parche que nunca se siente apretado”.

 

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Desde su primer EP, titulado 102 (2018), escuchamos guitarras cargadas de melancolía pero que también recuperan la expresividad de American Football o King Krule. Su siguiente EP, titulado Cravings (2019) dio un nuevo matiz a esta línea sonora al añadir pasajes más apacibles como en “Buenos Días” y “Buenas Noches”, temas que Yruama interpreta en español.

Según cuenta Yruama en Bandcamp, este último EP es un ejercicio de nostalgia que nace de la sensación de no saber cuál es su hogar, tras haber crecido en una constante mudanza entre México y Estados Unidos. Escucha “Vamonos Pa’ México” aquí.

Ahora, Amaury está listo para dar un vuelco a su estilo y explorar nuevos caminos un poco alejados del rock. En “Man and the Moon”, presentó un sonido mucho más orientado al chill y la balada. Pero es con su más reciente estreno, “Saturnday Haze”, que nos queda claro hacia dónde llevará a Yruama.

Para este nuevo corte, Amaury asumió la identidad corporativa de FRESco., una compañía que vende jabones “para alejar la soledad” y, además, está detrás de su canción más bailable hasta el momento. “Saturnday Haze” nos recuerda a los mejores momentos del future funk, vaporwave y otros géneros que han conquistado las tendencias de internet en los últimos años. Dale play a continuación.

Hace poco, Yruama anunció en Instagram que dejaría la música para dedicarse de lleno a FRESco., ¿será? La realidad es que un músico tan creativo como Amaury López aún tiene mucho por decir sobre la mezcla entre la cultura mexicana y estadounidense. No te olvides de seguirlo en Facebook, Instagram y Bandcamp.

 

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Baila al ritmo de “Escapar”, el tema debut de Betié

“Un himno a la autodependencia y el empoderamiento desde el amor proprio.”

Ya está bien dicho que para poder disfrutar de los placeres de la vida y de sí mismo, hay que aprender a experimentar y reconocer nuestra esencia. Y es esta misma la que Betié plasma en su primer single debut “Escapar”: La sincronía del pop y el dance que pretende encontrar esa seguridad que te falta para amarte y no parar.  Escúchalo en todas las plataformas digitales

Mi música no es más que una invitación a un lugar sin prejuicios y lleno de sentimientos de los que vale la pena reencontrarse”, Betié.

El solista publicó el pasado 2 de abril un videoclip oficial producido y dirigido por @josemidiman. Entre luces neón, una bola disco y todos los props adecuados para entrar a la pista, el cantante realiza una coreografía e interpreta el tema entre un par de maniquíes, sobre unos tacones y con un poco de maquillaje, conjunto que envuelve al espectador entre el glamour y el baile

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La canción fue producida por Jose de la Parra y Shantra, mezclada por Jim Macrae, y masterizada por Erick Urbina. Además cuenta con la participación de Gerson Eguiguren (Cuerdas), y Gabriel Eichen (Batería). 

Betié es un cantautor mexicano que ha dejado claro su gusto por la música desde sus redes sociales y con este track llega a reafirmarlo; Recientemente, se graduó de Berklee College of Music en donde concluyó sus estudios y obtuvo un Bachelor Degree en songwriting, un hecho que se hace evidente y refleja con esta nueva propuesta musical.

No pierdas de vista a Betié, síguelo en sus redes sociales y escucha su nuevo single “Escapar”:

 

“Bathroom Stall”, el nuevo single de Sour Widows 

Una canción que plazma el dolor y la aflicción de una pérdida.

El trío de rock, oriundo de San Francisco, Bay Area, publica “Bathroom Stall”, el segundo sencillo de su segundo EP Crossing Over, disponible en plataformas para este próximo 23 de abril, a través de Exploding In Sound Records. Pre guarda el álbum aquí. 

Maia Sinaiko, Susanna ThomsonMax Edelman compartieron un videoclip oficial dirigido por Asher Sinaiko, que sublima una experiencia personal de la cantante y vocalista Maia, a lo largo de cinco minutos, en compañía de una melodía calmada y sensitiva. 

Esta canción trata sobre una relación que tuve con alguien que luchó contra la adicción, que falleció muy trágicamente hace tres años mientras estábamos juntos”, explica Sinaiko.

“Se trata de algunos momentos que compartimos y de lo que se siente al cargar con esa persona y esas experiencias conmigo mientras el mundo permanece normal. Escribí la canción porque quería preservar y documentar lo que me pasó, escribir las cosas aterradoras y dejarlo ahí para siempre. (...) Es algo difícil de explicar sobre el dolor, y lo absurdo que es. (...)”

“Bathroom Stall” da continuidad al primer tema homónimo de esta próxima producción, “Crossing Over”, presentado a principios de marzo. A su vez, estos tracks preceden a su primer EP debut Sour Widows, con el que cimentaron su característico rock reposado y slowcore, en seis obras originales. 

Escucha “Bathroom Stall” aquí: 

Así suena “Changephobia”, el nuevo sencillo de Rostam

Rostam nos invita a abandonar nuestros miedos y sentimientos de culpa en su nuevo estreno.

El próximo álbum del ex Vampire Weekend, Rostam, está cada vez más cerca. Ahora, el músico estadounidense nos presenta un nuevo avance de Changephobia, larga duración que verá la luz el próximo 4 de junio a través de Matsor Projects. Esta vez, se trata de la canción que da nombre al álbum.

“Changephobia” se desenvuelve entre atmósferas dulces cercanas al nu-disco, pero con un toque de melancolía que, más allá de invitarnos al baile, nos sumerge en la introspección de su letra. “No quería tropezar con una pregunta que alterara la estructura del mundo en que vivimos”; con esta línea, Rostam nos presenta un tema que nos hará cuestionarnos el miedo al cambio que padecemos como individuos y como sociedad. Dale play a continuación.

Ésta fue una de las últimas canciones que Rostam escribió para el álbum. Después de pasar horas sentado al piano en búsqueda de nuevas ideas, bastó una noche a solas con su guitarra acústica para dar con la melodía que se convertiría en “Changephobia”.

La canción 'Changephobia' trata en parte de algo de lo que todos podemos ser culpables, evitando nuestros propios sentimientos. Pienso en ello como un recordatorio de no hacerlo”, comenta Rostam en press release.

Anteriormente, Rostam estrenó “4Runner”, tema que también formará parte del álbum Changephobia. Pre-ordénalo en este enlace.

 

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