Fotografo: Diego Figueroa

Instagram: @halofive

Semifinal III Vans #SessionsMx en el Foro Indie Rocks!

Metales pesados y riffs descontrolados en la Semifinal III de Vans #Sessions.

Cuatro bandas, un escenario y la ilusión de compartir una meta en común: ganar. La noche de ayer se vivió una nueva Semifinal de Vans #SessionsMx, en la que los asistentes finalmente pudieron conocer al tercer finalista de la competencia.

El Foro Indie Rocks! sirvió como testigo de una noche intensa, compuesta por música y talento joven, con hambre de triunfar. El ánimo de los asistentes generaba un ambiente ideal, regalándonos imágenes de amigos cantando y disfrutando la experiencia colectiva de un recital.

Tras una breve introducción de Natalia Szendro y Antonio Castañeda, la primera banda de la noche arribó al escenario pasadas apenas las 21 horas. Directo desde Zapopan, Jalisco, Rodeo Radio hizo acto de presencia para explotar las bocinas del recinto con la variedad de influencias sonoras que convergen entre sus integrantes.

Tras 20 minutos de metal y una respuesta positiva del público, llegó el turno de dar paso a la siguiente banda. Representando a la Ciudad de México, Los Wild Ones ofreció una divertida dosis de rock and roll, conectando de inmediato con los asistentes y demostrando que el carisma y buen humor, son suficientes para conquistar al espectador más escéptico.

La noche avanzaba y las propuestas no cesaban. Los Wild Ones había dejado la bara muy alta, pero ahora era turno de recibir a los chicos de Covenrty que, a pesar de ser una banda joven, recién formada en 2017, demostró que en Ciudad Juárez también se hace metal, y se hace de forma intensa.

Ya encaminados en el género, tocaría el turno de escuchar a la última propuesta de la noche. El death metal de Dance Now Bitch terminó por sacudir hasta el último rincón con energía y aumentar la ansiedad por conocer al tercer finalista de la competencia.

Como en toda gran fiesta, las sorpresas no se hicieron esperar. Justo antes de conocer al proyecto ganador, los asistentes disfrutaron una dosis extra de metal a cargo de S7N, que fue la banda encargada de poner cierre final a una velada llena de propuestas, música y descontrol.

Tras la participación especial, el momento esperado llegó. La decisión del jurado anunciaba a Coventry como los terceros finalistas de Vans #SessionsMx. Los originarios de Ciudad Juárez, Chihuahua tendrán la oportunidad de medirse en la prueba máxima y competir por la grabación de un EP el próximo 10 de octubre. Los metales pesados y riffs descontrolados conquistaron los oídos de la noche.

Bengala en El Plaza Condesa

Nostalgia y entrega pura en el regreso triunfal de Bengala.

2009, regresas a tu casa después de un día de mierda en la secundaria, subes a tu cuarto y enciendes la televisión. Te acuestas en tu cama y sonríes, no todo es tan malo, los videos de bandas como LeBaronAustin TVPanda y Bengala te suben el ánimo. Eras feliz y no lo sabías... 2019, casi todos esos grupos ya no existen, salvo uno: Bengala.

Ayer, canciones como “Miente” y “Cárcel” hicieron recordar aquellos tiempos de adolescencia a los asistentes en El Plaza, lugar que recibió el regreso de uno de los proyectos más importantes del rock mexicano, el cual presentó su más reciente disco Laberinto (2019).

Antes de tomar un descanso indefinido después de aquel íntimo show en diciembre 2013 en El Imperial, en octubre de ese mismo año la banda capitalina debutó en El Plaza al lado de la agrupación española Dorian. Seis años después, la banda vuelve a pisar el mismo escenario para ofrecer una presentación que, en punto de las 21:10 H, da inicio con “Un millón de estrellas”, de su nueva placa.

Diego Suárez (piano y voz), Sebastián Franco (bajo), Jesús Herrera (guitarra), Amauri Sepúlveda (guitarra), Marcos Zavala (batería) y un guitarrista de apoyo, reciben aplausos que hacen vibrar el venue, sold out, por cierto. Las luces rojas hacen juego con el negro de sus prendas. “Gracias por venir”, dice Diego, segundos después de tocar “Planeador”. El público responde con gritos. “Vamos otra vez” y “Soñé” tocan fibras sensibles en algunos. La adolescencia de muchos.

“Horizontes” es el pre ideal para lo que se viene: el primer tema de la noche con Diego a cargo del piano: “Elefantes”, cuyo ambiente envolvente va in crescendo. “Rey de España” y “Cuarto del fondo” ejemplifican un salto en el tiempo de 10 años, que en realidad no se nota, porque la entrega que siguen teniendo es igual o mejor. “Tuvieron que pasar seis años para volvernos a ver, pero valió la pena, ¿no? (...) Creo que habrá Bengala para mucho más”, afirma Diego, cuya presencia en el escenario impone y deleita. Sin duda se le extrañaba.

Para el siguiente tema hay un invitado, pero no cualquiera, se trata del productor de LaberintoCamilo Froideval, quien se apodera del piano para interpretar “Otra vez”. La sorpresa de la noche la da “Carretera”. Y es que, para los conocedores de Bengala, este clásico por lo general se escucha en el tramo final. Las composiciones nuevas de “Tiempo” y “Enloquecer” hacen que los presentes irradien locura, se olviden de la temporalidad y disfruten.

La celebración continúa con un momento íntimo, pues los miembros abandonan el escenario, excepto uno: Diego, su piano, un venue lleno y “A cero”, ¿qué más puedes pedir? A mitad de la canción, el resto de los integrantes se une al trance. “Cosas infinitas”, “Tírate” y “Mensaje” dejan ver la entrega de Diego: salta baila, interactúa, juega con el micrófono, sabe ser un líder, pero sobre todo, un showman. Tan es así que para el siguiente acto se quita la camisa y, para quienes no es su primera vez, ya saben lo que eso significa: “Cárcel”. Cero calma, manos en alto y pies en el aire.

Sin embargo, es tiempo de despedirse... o no, pues mientras la banda capitalina deja el escenario, de fondo suena una de las infaltables: “Abril Oneil”. Al término, el vocalista suelta una frase que seguro quedará por días en las mentes y los corazones de los fans: “Ha sido una noche fantástica, mientras ustedes sigan aquí nosotros estaremos aquí”. Amor mutuo.

“Déjala ir” y “Miente” son el combo perfecto antes de decir adiós. “Nos vemos muy muy pronto”, expresa Diego. La típica foto colectiva se hace presente y todo parece haber llegado a su fin. Pero no, ¿segundo encore? Algo así, ya que solo hay espacio para una más: “Mal incurable”. Decisión correcta. Eso sí, la gran olvidada de la noche es “Temblor (eso soy)”, track 7 de Laberinto, la única que hizo falta para escuchar por completo el material.

Pese a eso, el show ha sido un éxito. Si bien es cierto que este año formaron parte del cartel de los 20 años del Vive Latino y el año pasado estuvieron en la primera edición de Mapa Sonoro y en el Centro Cultural España, su espectáculo de anoche en El Plaza fue su regreso no solo oficial, sino triunfal.

Hellow Fest 2019

Hellow Fest 2019: Entre la lluvia y el lodo, la felicidad.

A las 17:00 H la lluvia llegó y llegó para quedarse. Mientras MLKMN, tocaba en el West Stage, Tláloc desató su furia sobre el Hellow Fest y no paró hasta el final de la jornada sin que esto fuera un impedimento para que se convirtiera en uno de los mejores festivales del año, consolidándose como una excelente propuesta del país.

Al principio del día todo era sol y calor. sailawway y Noa Sainz, abrieron los escenarios principales. Aunque para esa hora el público era poco, sin embargo eso no impidió que lograran impresionar a los presentes.

Cabe mencionar que los escenarios principales albergaron casi puro acto de electrónica, trap o reggaeton, por lo que el rock y otros ritmos más tradicionales se vieron relegados al escenario Delux, lugar en el que a esa hora se presentó Efelante, una de las promesas recientes del rock regio.

Mientras MLKMN presentaba a numerosos invitados al escenario, entre los cuales estuvieron Jesse Báez y el mismísimo Alemán, Clubz ponía a bailar a todos en el escenario Delux, el cual dominó por hora y media a pesar de que para ese momento la lluvia ya hacía de las suyas.

El East Stage siguió con el trap y el hip hop, esta vez de la mano del argentino Khea, uno de los máximos exponentes del género urbano en su país. Aunque no muchos lo conocían, aquellos que lo escuchaban por primera vez se fueron con una sonrisa en la boca gracias a los beats poderosos y bailables que lo identifican. canciones como "Tumbando el club", "Mi cubana", "M.I.A" y "Loca", fueron las mas coreadas de su set.

Hasta el momento hemos mencionado los tres escenarios principales, sin embargo hubo otros tres que presentaron actos de música electrónica en sus distintas vertientes.

Es aquí donde tocaron dos de los mejores actos nacionales: Jessica Audiffred y Flor Capistran, en el EDM e Infinity Stage respectivamente, dando cada una por su parte de los mejores sets del festival.

Las mejores tres horas del festival

Para las 19:30 H ya todos se habían resignado a que la lluvia iba a ser un elemento más en el festival, y que se tenía que abrazar como algo positivo, le daba frescura a lo que de otra forma hubiese sido una tarde de calor incontrolable. En ese contexto empezó lo que vendría siendo el trío perfecto de los festivales.

Primero Justice DJ Set, que –en voz de varios asistentes que los han visto varias veces en sus distintos formatos– dio uno de sus mejores sets, agresivo, poderoso, alimentado por el agua, la cerveza y drogas que fluían en el ambiente, una hora en la que sonó desde "I Love Rock & Roll" hasta "Out Of Space" de Prodigy, en fin un set que no tuvo momentos bajos, todo el tiempo hacia arriba, todo el tiempo elevado.

Una vez terminada esa experiencia, vendría el set que tanta expectativa causó: A$AP Rocky, sí, ese por el que se peleó Trump con el presidente de Suecia, ese que hasta hace un par de semanas estaba en la cárcel acusado de agresión, ese que todos se burlaban porque al parecer no llegaría. Pues sí, ese dio un show igual de intenso que sus predecesores, en el cual no podías más que dejarte llevar por la gente, brincar y rezar para no caer en el lodo o quedar atrapado en medio de un "wall of death" creado por el moshpit el cual A$AP dio instrucciones de crear en sus pantallas. También duró una hora su set, una hora que se sintió como minutos, se pasó volando.

Por último llegó J Balvin, la cereza del pastel, el mejor de los mejores en el mundo del género urbano. Con un escenario similar al que usó en Coachella y Lollapalooza, José se dispuso a tocar la mejor hora del festival. Nadie vio venir este show, un set plagado de hits pero pura canción del 2018 para acá. ¿Qué quiere decir esto? Que en lugar de "si necesitas reggaeton, dale", ahora se trató de: "si el pueblo pide reggaeton, pues yo sé lo voy a dar", o sea ya no necesita convencer a nadie. Así comenzó el show, "Reggaeton" abrió la pista pal perreo y bajo la lluvia todos perrearon, al menos en un alma.

J Balvin sorprendió interpretando cuatro temas de Oasis –el disco que tiene junto a Bad Bunny– destacando "La canción" que, a pesar de no ser lanzada como sencillo, se ha convertido en la favorita de muchos y que se demostró al ser coreada con lágrimas en los ojos de los presentes. Simplemente un gran espectáculo.

Más de una docena de hits, llenaron la hora que tenía asignada y como ya se mencionó, ninguno previo a 2018, siendo "Mi gente", la canción que cerró su presentación al ser la más antigua del setlist. Esto habla de la gran capacidad que tiene el colombiano para generar hits, ya que el público coreo, gritó, perreó cada una de las melodías interpretadas.

José es un gran cantante, compositor, intérprete; baila y rapea, lo tiene todo y lo sabe, sabe que nos tuvo a sus pies y nos puso a perrear, cerrando así la tercera hora y concluyendo el ciclo perfecto de un festival.

Final feliz

Es cierto que después de estos tres shows, el resto iba a palidecer en comparación, sin embargo hubo otras tres presentaciones que ayudaron a seguir la fiesta: Kygo, Zhu y Bad Gyal; el primero fue el acto que cerró el escenario West y vaya que no decepcionó: un set un poco más largo que el de sus predecesores pero con la misma intención de fiesta al máximo. Zhú por su parte le tocó cerrar el East Stage, siguiendo con la misma tendencia de fiesta al máximo. Por último, y concluyendo las actividades del escenario Delux, Bad Gyal demostró ser la reina del dancehall aunque desafortunadamente por la hora el público no pudo conectar a la perfección con su perreo, el cansancio ya era notorio en los asistentes, aunque eso sí, cada que ella o sus bailarinas sacaban los mejores pasos de twerk, el escenario se llenaba de aplausos. Cerró con “Fiebre”, perfecta para cerrar la noche.

Hellow es el festival que se arriesga, ese que dice ¿por qué no traer a Kendrick, Tyler o A$AP? Aquel que logra el equilibrio entre los ritmos más escuchados de hoy (hip hop, trap, reggaeton y electrónica), es sin duda uno de los mejores festivales del país y cada año crece más, tanto así que después de siete horas de lluvia, lo único de lo que podemos hablar es de lo bien que lo pasamos.

Anti-Flag en México Tattoo Convention 2019

El lenguaje del punk rock: mosh pit, la amistad y la unidad invadieron el Centro Citibanamex.

¿Cómo llega Anti-Flag a una convención de tatuajes en la Ciudad de México? El 17 de agosto vivimos una fiesta con la pandilla punk de la Ciudad de México, entusiastas del género se citaron en las instalaciones del Centro Citibanamex para compartir una noche caótica y sumamente politizada.

Aproximadamente a las 20:30 H comenzó el show con un invitado nacional: The All, un grupo de crossover con chicas vestidas como duendes. Todas vestidas de negro saltaron al escenario y durante un set de media hora intentaron prender al público de la convención, aunque en realidad solo una que otra persona pasaba caminando.

Posteriormente tocó Seguimos Perdiendo, una propuesta que fue más ad hoc con el cartel de la noche: con letras de desamor y alcoholismo, llevaron a la audiencia a corear sus canciones como los clásicos que son, reuniendo más gente que la banda pasada y logrando establecer camaradería con la audiencia. Nos invitaban a cantar, corear y bromeaban “si ya estábamos listos para ver a Sin Bandera. Con canciones de dos a tres minutos máximo e intervenciones divertidas entre canciones, hicieron su presentación simpática y como si se tratara de un grupo de amigos ante quiénes se presentaban.

Para las 22:00 H el diminuto escenario en la convención estaba puesto para que el grupo de Pensilvania, Anti-Flag, saliera a tocar. La gente poco a poco se iba juntando alrededor, los fans comenzaron a desesperarse y abrieron la valla entre la zona general y VIP. Cuando el grupo saltó a la escena, la valla fue empujada totalmente por los punks y la verdadera fiesta comenzó, la famosa frase repetida por Justin Sane hizo que el auditorio perdiera el control: "You’have Gotta Die, Gotta Die, Gotta Die For Your Government". La seguridad del recinto ni si quiera peleó por mantener la barda y la famosa zona del mosh pit fue inaugurada por uno de los asistentes con una playera de Blondie. Justin y Chris #2 lideraban la ceremonia invitando a que se abriera el círculo del mosh pit e interviniendo las canciones con su discurso anti alt right.

El grupo dio un recorrido a su catálogo básico, tocaron canciones como: "Broken Bones", "This Is the End (For You My Friend)", "The Press Corpse", "Cities Burn", "All of the Poison, All of the Pain" y "1 Trillion Dollars", durante una hora y media. Los asistentes –en su mayoría arriba de los 30 años de edad– se empujaban violentamente pero siempre –como dice Chris #2–. “Si alguien se cae, lo recogemos". El sentimiento de unidad y camaradería se sentía en la expo, en repetidas ocasiones Justin reconoció a quienes marchaban en días pasados por las problemáticas de actualidad en México, desconociendo a su presidente actual e invitando a la audiencia a levantar sus puños en contra de la discriminación en general.

La importancia de un grupo como Anti-Flag radica en su discurso y curiosamente con más de 20 años tocando, el mundo se ha dividido todavía más. Como es característico en sus shows, para la canción "Brandenburg Gate", invitaron a que las personas se abrazaran e hicieran nuevas amistades, algunos saltaban en grupo y otros coreaban; sorpresivamente el grupo bajó con instrumentos y tocó desde donde se encontraba la audiencia. Así cerraba el show, con gente abrazándose, devastada por la ola de golpes que volaron, pero unidos por el lenguaje del punk rock, que como Justin Sane dijo, era el lenguaje que todos en ese concierto entendían.

Cigarettes After Sex en El Plaza Condesa

Black & white + ambient pop = Cigarettes After Sex.

¿Cuánto dinero estarías dispuesto a pagar por ver a una de tus bandas favoritas? Fue una de las preguntas que me hice cuando me di cuenta de que las entradas para el show de los oriundos de El Paso, Texas, en la Ciudad de México, estaban agotados. ¿En qué momento se volvió tan cotizado Cigarettes After Sex?

Las puertas de El Plaza Condesa se abrieron en punto de las 19:00 H y la fila comenzó a avanzar, sin embargo, noté que muchos de los asistentes tuvieron percances en el escaneado de su ticket; ya que al parecer, muchos de ellos eran falsos, motivo por el cual, la revisión fue aún más estricta. Decepcionados, tristes y enojados, se fueron todos aquellos que se enfrentaron ante un bochornoso y lamentable: “Tu boleto es falso, no puedes pasar”.

Había transcurrido una hora desde la apertura del recinto y la gente no paraba de llegar, se notaba a cada segundo el sold out de esa noche. Dentro del venue las personas se encontraban muy emocionadas contando los minutos para que la banda liderada por Greg Gonzalez se presentara en el escenario. También, no podían faltar todos aquellos que intentaban “ambientarse” para vivir el concierto; bebiendo mucha cerveza, y por qué no, fumándose unos cuantos porros.

Pasadas las 21:00 H, las luces del recinto se apagaron y todos sabíamos que el show iba a comenzar. Desde el primer momento en que Cigarettes After Sex, tocó el escenario, la noche se volvió en blanco y negro para todos los presentes, quienes eufóricos aclamaban a la banda.

Tomando posiciones, Greg Gonzalez, Phillip Tubbs, Jacob Tomsky y Randall Miller dieron inicio a tan sublime acto, al ritmo de “Sesame Syrup”, una buena elección para comenzar a calentar las cuerdas vocales de los presentes, y para demostrar todo el potencial musical que poseen, haciendo vibrar en tu interior el sonido de cada uno de los instrumentos.

Entre aplausos y gritos, el vocalista de la banda se dirigió al público por primera vez, con un: “Buenas Noches, México. Gracias por estar aquí”, palabras que bastaron para que todos enloquecieran un poco más y gritaran con mucha fuerza: “Los amamos”. Entre risas, el vocalista volvió a tomar su guitarra y se dispuso a interpretar “John Wayne”.

La pasión que desprenden los oriundos de El Paso, Texas, te penetra el alma, logrando que las emociones y sentimientos se hagan presentes de inmediato. Un ejemplo perfecto fue cuando se escucharon de fondo los acordes de “Crush” -uno de mis temas favoritos- logrando que se me pusiera la “piel de gallina”.

La magia apenas empezaba a tomar fuerza, continuando con “Opera House”, el séptimo track de su álbum debut, uno de los temas más desgarradores de la noche.

Al parecer, la agrupación tiene temas para todo tipo de situaciones. ¿De qué manera le has demostrado tu afecto a una persona? Esa es la pregunta que define la línea del siguiente tema que resonó en El Plaza Condesa: “Affection”. Los gritos se hicieron presentes, señal de que los fanáticos interpretarían de principio a fin el tema, y así fue. Se escuchaba corear a los fanáticos. Una peculiar lírica que te deja una extraña sensación de felicidad.

El hecho de que una canción esté triste, no significa que no puedas bailar al ritmo de ella, lo digo porque especialmente “K.” tiene como intención que tomes a tu pareja y bailes con ella. Ni siquiera hace falta que imagines esa tarde lluviosa, ya que través de sus visuales, Cigarettes After Sex se encarga de ponerte en el momento y situación indicada.

Dentro de la hora sad de la noche, no pudo faltar Keep On Loving You”, el tema ideal para hacerle frente a esa relación que está a punto de romperse, por falta de amor o interés. Con el corazón roto, y con las lágrimas en los ojos, todos nos atrevimos a cantar.

Al ritmo de “Nothing’s Gonna Hurt You Baby”, los amantes del ambient pop, nos hicieron saber que el amor es atreverse a correr riesgos, y a experimentar cosas nuevas. El público se balanceaba de un lado a otro, mientras un poco de picardía se disolvía en el aire.

Sin importar lo que siguiera, nos deleitaron con lo más dulce de la noche: “Sweet”, un tema muy especial que es indicado para todos aquellos que se sienten enamorados, o los que apenas empiezan a experimentar ese tipo de sentimientos y emociones.

Culminando “Sweet”, Greg tomó el micrófono y dijo: “México. Los amo mucho. Gracias por venir”. A partir de estas palabras sabíamos que el final de la noche se acercaba, así que decidieron irse por el tema más esperado de la noche: “Apocalypse”.

Al terminar la canción, una vibra muy especial quedó en el aire. Evidentemente el Apocalipsis había llegado y nosotros lo habíamos presenciado.

Los integrantes de la agrupación se despidieron del público, levantaron los setlist, los entregaron a los fanáticos, y se retiraron del escenario. Las luces aún continuaban apagadas, eso significaba que en un momento más regresarían para culminar este show tan surreal.

La agrupación de Texas volvió a retomar el escenario, esta vez para despedirse definitivamente de sus fanáticos capitalinos, al ritmo de “Young & Dumb”, tema que me hace pensar mucho en la adolescencia, y también en la inmadurez.

Lamentablemente el final real del concierto había llegado, y como se sabía, todos los presentes lo disfrutaron lo más que pudieron, desgarrándose la garganta para hacerse notar mientras cantaban: “Want you, yes I do, bet you never knew it, think you'd suit me fine, want you all the time”. Indudablemente, “Dreaming Of You”, es y será siempre, uno de los temas más románticos de la agrupación.

Portando la bandera de México, así fue como se despidió Cigarettes After Sex del escenario de El Plaza Condesa. La gente coreaba “otra”, pero ya no hubo más. Las luces se encendieron y todos volvimos a la triste realidad.

Carl Barât DJ set en Caradura

Caradura se transformó en embajada musical del Reino Unido en México para recibir la selección musical del guitarrista y vocalista de The Libertines.

La noche del sábado se respiraba un ambiente distinto en la colonia Condesa. Cielo nublado con pronóstico de lluvia. Desde las 20:00 H, chicos con chamarras y boinas de cuero hicieron fila afuera del venue ubicado en la calle Nuevo León #73. B:oost Sessions fichó a Carl Barât para armar una fiesta a la inglesa en la Ciudad de México.

Caradura de pronto era un pub. La cerveza corría de un lado para el otro. Conforme iban llegando, las personas se arremolinaron al pie del escenario para tener la mejor vista posible.

Resguardado por elementos de seguridad, el líder de la extinta banda Dirty Pretty Things hizo su arribo. En su camino a las tornamesas, recibió varios saludos y regaló algunos abrazos. En punto de las 23:30 H. tomo el micrófono y preguntó si estaban listos para cantar y bailar con ímpetu. Todos respondieron afirmativamente. Tras un pequeño inconveniente técnico, abrió su set con "I Bet You Look Good on the Dancefloor" de Arctic Monkeys. La emoción contenida por horas explotó tras el primer riff de la guitarra de Alex Turner

"This Charming Man" para los románticos de copete alto. "Boys Don't Cry" nos hizo sentir un hueco en el estómago; llevamos dos semanas con la incertidumbre de no saber si confirmarán a The Cure en el Foro Sol para el 8 de octubre.

Es admirable el cariño que el público le tiene al músico. Con "Fuck Forever" de Babyshambles nos quedó claro que los viejos rencores con Pete Doherty han quedado en el pasado. Sobrevino "Take Me Out" de Franz Ferdinand y atraído por la euforia del público, Barât se acerco para firmar algunos discos, playeras, carteles, botellas de cerveza e incluso billetes.

Regresamos a 1995 con "Common People" de Pulp. "Bang Bang You're Dead" de los mismísimos Dirty Pretty Things tuvo un sabor súper especial ya que el videoclip fue grabado en la Ciudad de México. La alegría se notaba en los rostros de todos los presentes. ¡Más disparos! "Paper Planes" de M.I.A. llevó la euforia a uno de los puntos más altos. Recibíamos el domingo bailando en Caradura.

Amy Winehouse no podía faltar en el set. Sobrevino una mezcla de canciones con mucho swing aderezado con ritmos jazz y blues. Baile cadencioso. De nuevo, guitarras electrizantes. Nos volvimos a encender con "Connection" de Elastica. Clímax. ¡Todos con las manos en el aire y en coro colectivo para interpretar “Can't Stop Me Now” de The Libertines!

Cuando sonó "Live Forever" de Oasis aquellos cuerpos que había sobre la pista se disolvieron en un mar. Sudor, cerveza y whisky se mezclaron en una sustancia acuosa. El oleaje arremetía hacía el frente. "Lust For Live" de Iggy Pop para ir cerrando. Carl realizó su último acercamiento con el público para firmar algunos artículos. Con "Don't Look Back Into the Sun" culminó este emotivo regreso de Barât a México. Esperamos que vuelva pronto junto con Pete Doherty y el resto de The Libertines.

Florence and The Machine comparte dos demos de 'Lungs'

Hoy se cumplen 10 años de Lungs y Florence and The Machine compartió un par de demos de ese material.

Como parte de los festejos de el décimo aniversario de Lungs, Florence and The Machine compartió un par de demos de tracks que no entraron al corte final del LP. Se trata de "Donkey Kush" y "My Best Dress". En ambas grabaciones podemos escuchar la voz potente de Florence Welch.

¡Dales play a continuación!

Para celebrar los 10 años de este material se lanzará un box set que incluirá LP, cassette y un exclusivo set de doble caja de vinilo. Puedes pre-ordenarlo aquí y recibirlo a partir del 16 de agosto.

Como parte del aniversario de Lungs hemos escrito un texto en el que analizamos por qué se ha convertido en el material que le dio un respiro a la industria británica. Da clic en la portada para leer más.

Baroness en el Lunario del Auditorio Nacional

La noche de la Baronesa y la conquista del Lunario.

“Ya sé que cada vocalista dice esto, pero yo lo digo de verdad. Ustedes son los mejores”, dice John Baizley, voz y guitarra de Baroness, tras regresar de la primera parte del set para el obligado encore. Una pausa extraña, ya que las luces del Lunario se encendieron tímidamente y los fans no sabían si en verdad ya había terminado el show, con apenas una hora rebasada. La euforia volvió cuando John entró al escenario corriendo, con guitarra en mano y sonrisa en el rostro, una expresión que no aparecía por primera vez en la noche, sino que se fue alimentando por la recepción que los fans le dieron a la banda en su primer concierto titular en México, tras haber formado parte del Vive Latino en el 2016.

El público mexicano, casi siempre muy expresivo y agradecido con sus artistas, demostró las ansias satisfechas por ver a los de Savannah, Georgia, de nuevo en un escenario. Puños al aire acompañando el galope de las notas del bajo de Nick Jost, coros heroicos a una sola voz, los potentes “eh! eh! eh! eh!” mientras John y Gina Gleason en la segunda guitarra hacían duelos de solos, espalda contra espalda. Personalmente no vi su participación en el Vive Latino, pero sabiendo que en un festival el público siempre es dividido, podemos entender el asombro de la banda con la respuesta del los fans esta noche.

“Gracias por traer esta energía con ustedes”, volvía a comentar John, quien junto a los demás integrantes de pie, se acercaban constantemente a la orilla del escenario. Estoy seguro que en este momento, Sebastian Thomson se arrepintió de escoger la batería como su instrumento ya que no podía hacer lo mismo, pero bueno, lo compensaba con la intensidad de sus tamborazos.

Si a esto le sumamos que recién ha salido el quinto disco de Baroness (Gold & Grey, lanzado el 14 de junio), y la mezcla de nervios y emoción por tocar estas canciones en vivo recién salidas del estudio, el resultado no pudo ser mejor. La combinación entre estas canciones nuevas y los clásicos fue ideal gracias al gran setlist que armaron y que fue creciendo, destacando el inicio con la épica triada de "A Horse Called Golgotha", "Morningstar" y "Borderlines"; el canto incesante de Eula, el cierre de la primera parte con "Seasons" y "The Gnashing", para llegar al gran final con "Isak" y "Take My Bones Away".

La banda encargada de abrir la noche fue The Wicked Ones, de quien me gustaría hablarles más, pero por protocolos del personal del Lunario, lo único que puedo comentarles es “desde el lobby suena bien”. Lo poco que pude apreciar de su presentación fueron guitarrazos duros que lograron la aceptación de los pocos fans que ya habían tomado su aferrado lugar en la barricada. Buena propuesta de apertura para un show de este calibre.

Florence and The Machine en el Palacio de los Deportes

Rodeada de flores, catrinas de papel, dedicatorias y llamados a disfrutar de la experiencia, Florence and The Machine nos recordó por qué los Dogs Days Are Over.

"Los momentos mundanos pueden volverse increíblemente profundos. El performance, la trascendencia y sentarse a ver televisión pueden coexistir entre lo mundano y lo mágico. Tal vez trato de aferrarme a la normalidad. Tal vez porque estar en el escenario se ha vuelto algo tan normal como mis momentos de paz. Pero lo importante es que los atesoro", Florence Welch.

“No es una fecha aleatoria” pensé en más de una ocasión. Con el mes de junio, personas, cosas y situaciones me vienen a la cabeza: Los renglones originales de Mrs Dalloway (1925), el Pride Month y la potencia de uno de los versos de la canción de apertura de High As Hope (2018): El amor se vuelve desafío en los días difíciles. 

(***)

Aunque tengo impresas algunas de las primeras tomas de Tom Beard, siempre he visto a Florence Welch bajo el retrato de Virginia Woolf. Supongo que se debe a mi referencia favorita de Ceremonials (2011).

No me equivoco, pues cuando se escuchan las primeras notas de “June”, el vestuario de Flomismo que resalta por el sello de Gucci– me recuerda a “What The Water Gave Me”, a la colección fotográfica de Bernard en 2015 y a una que otra escena de Nicole Kidman en The Hours (2002). Reitero, escuchar y ver a Miss Welch y su banda (Isabella Summers, Rusty Bradshaw, Tom Monger, Mark Saunders y Robert Ackroyd) es una experiencia que implica tener presente a personas y situaciones.  

El año pasado Isa se reunió con Melena Ryzik y entre risas declaró que “Flo había optado por usar prendas más cercanas a la vida real”. Desde mi punto de vista, lo cumplió. No hay nada más real que las palabras de Virginia. 

Pero el cambio de estilo en el escenario (que soy honesta no es tan radical), no ha sido el único desde que escuché “Heartlines” en el Corona Capital de 2012. “La última vez que vinimos recuerdo haber bebido bastante”. 

Mientras interactúa con el público, recuerdo que hace poco tuvo una visita de Eva Wiseman, periodista de The Guardian. Hablaron de lo que había inspirado canciones como “100 Years” (una de las favoritas del público mexicano), su libro de poesía (Useless Magic), la contribución de Kamasi Washington a los temas de su último álbum y el haberse convertido en tía. 

Posiblemente reconstruir el texto de Wiseman me distrajo de algunos coros de “Ship To Wreck” y “Queen Of Peace”, pero necesitaba entender a una Florence Welch de 32 años, cercana a la maternidad de su hermana y con constantes pensamientos referentes al matrimonio para disfrutar de una de las canciones que remiten a una situación personal: “Hunger”.

(***)

Desde su presentación en San Diego estuve al pendiente del tour y -por obvias razones- sabía que el setlist del Palacio de los Deportes no incluiría “Lover To Lover”, “Various Storms & Saints” o “My Boy Builds Coffins”. Sin embargo, durante todo el concierto fui consciente de que escribiría un texto que conservara momentos como la dedicatoria a Patti Smith, las leyendas de los carteles de las y los fans en las primeras filas, la lectura que hizo del libro que le obsequiaron y la petición que hicieron Neko Case y Björk hace algunos años: ¡Por favor guarden el (pinche) celular!

Me asumo como una persona calculadora y, aunque a veces me es imposible, trato de encontrar fórmulas para todo. Esta vez no es la excepción y la única vía que tengo para narrar la experiencia que usuarios en Twitter describieron como mística es a partir del mismo trinomio bajo el que concibo la música de la Madrina del Punk, PJ Harvey y Fiona Apple: Amor, libertad, inspiración y memoria.

Si bien la lírica de “What Kind Of Man” y “The End Of Love” me transportan constantemente a las publicaciones de Hera Lindsay Bird en The Spinoff y a tres de los poemas de Sylvia Plath (Mad Girl’s Love Song, Poppies In July y Try To Trick Me With A Kiss), fueron los cameos a la bandera de la comunidad LGBTTTIQA y las dedicatorias del visual de ‘you’re my favorite’ en “You’ve Got The Love” con las que agradecí a las mujeres (tres de ellas amigas y una ex pareja) que desde algún tiempo le cambiaron el sentido a mis versos favoritos de “Cosmic Love”: Estaba en la oscuridad y me volví en oscuridad (…) Estabas en la oscuridad, así que me quedé contigo. 

https://www.instagram.com/p/BCD_eIzD2z7/

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Aunque en ningún momento de mi vida he rechazado el amor desde la perspectiva en la que Karen O escribió Crush Songs (2014), siempre he preferido adoptar la lectura de Susan Sontag: Lo que ahora importa es recuperar nuestros sentidos. Debemos aprender a ver, oír y sentir más. 

Las palabras de Sontag no me pueden ser más significativas al escuchar a Florence, pues para ella también es posible el amor a la libertad, victoria (no por nada dedicó “Jenny Of Oldstones" a Arya Stark) al arte (constantemente se imagina sentada al lado de Frida Kahlo) y al reconocimiento de “Patricia” Lee Smith como la persona que le recuerda que “todas las puertas están abiertas para las creyentes”. 

JOY OVER PERFECTION

Usualmente Greta Gerwig describe a la música de Florence como “el pozo más oscuro de dolor que incita a una fiesta”. No podría estar más de acuerdo. Desde Lungs (2009), la conversación se ha mantenido bajo una disputa entre la interrogante de ‘too fast for freedom?’ y la danza de nuestros demonios y fantasmas. 

Al finalizar “Shake It Out”, mis amigos me esperarían en la puerta 7. Sabía que lo primero que me preguntarían sería mi sentir con la apertura de “Hunger”: “A los 17 comencé a morirme de hambre”. Tal y como lo expresan Sontag y -en algunas ocasiones- Amélie Nothomb, el amor implica el entendimiento propio a través de las emociones. Desde los 11 años me reconozco como una mujer que a diario aprende a manejar su relación con la comida. 

A pesar de que todavía me cuesta trabajo hablar al respecto y de que hay días en los que me convence “No Choir”- Es difícil escribir sobre ser feliz porque todo lo que encuentro que es felicidad es un tema incidental-, estoy segura de que ya no me asumo bajo el tatuaje que tiene Florence en su brazo izquierdo: Always Alone. 

Ed Maverick en el Lunario del Auditorio Nacional

Nace una estrella.

Hace unos meses, la mayoría de aquellos que nos acercamos a los 30 años de edad, no teníamos ni idea de la existencia de Ed Maverick. Cuando se anunció que se presentaría en el Lunario, nos sorprendimos aunque no tanto como cuando nos enteramos que en cuestión de horas se habían agotado los boletos, repitiendo la hazaña con una segunda fecha. Desde ese momento, me propuse asistir a esos conciertos y responder la pregunta que muchos nos hemos hecho a lo largo de estos meses: ¿cómo un chico de 18 años logró tanto en tan poco tiempo?

Llegué media hora antes de lo pactado en el boleto, sin embargo el Lunario ya se encontraba lleno. La mayoría de los asistentes o eran menores de edad o a penas rebasaban los 18 años, eran chavitos pues; una nueva generación con un nuevo ídolo.

Pasando las 20:00 H, Ed Maverick y sus amigos (porque más que banda se trataba de un grupo de amigos) subieron al escenario acompañados de un grito ensordecedor. Tardó un minuto en empezar, afinó su guitarra, dijo hola y empezó. No había dicho ni media palabra cuando el público reconoció la canción y cubrió con su canto la voz del chico de chihuahua parado frente a ellos, armado con una guitarra y un micrófono.

De inmediato reconocí a los músicos que lo acompañaban y destaqué al bajista: Diego Puerta aka Dromedarios Mágicos, otro chico folk, alguien que en cualquier otra escena debería de estar dedicándose a morir de envidia porque un novato estaba logrando lo que él no había podido conseguir, sin embargo ahí estaba, ayudándole en los coros, con el bajo y con los chistes, haciéndolo sentir respaldado en la que probablemente era la noche más importante de su vida hasta ahora y quizás el momento en el que más nervioso podría estar.

Y a todo esto ¿qué tocó? Sonaron canciones de sus dos materiales, tanto de aquel primero que escribió mientras asistía a la prepa en Chihuahua y le ganó la fama, como de Transiciones el disco que describe perfectamente el momento en el que se encuentra hoy, mudándose a la Ciudad de México con tan solo 18 y tener que ser independiente de la noche a la mañana, teniendo que “aprender a hacerme un huevo, una maruchan o un huevo con maruchan” según sus palabras.

No hubo más que una invitada, Braty, con la cual interpretó “Ropa de bazar” en la poco más de una hora que duró el show, breve para muchos pero con un par de materiales no había forma de que durara más.

A las afueras solo se veían caras sonrientes de una generación nacida y criada por completo en el nuevo milenio que acaban de vivir el nacimiento de un nuevo ídolo, porque eso es a lo que Ed Maverick apunta, quiera o no, a convertirse en el ídolo de una nueva generación a la cual pertenece y da voz.