Entrevista con Reyno #VL16

Cómo mantener tu Reyno.

Si en los últimos años hay una banda que ha sabido aprovechar los engranajes de la industria musical, sin duda es Reyno. El dueto formado por Christian Jean y Pablo Cantú ha pasado por una serie de cambios en su corta carrera, pero la constante siempre ha sido el trabajo duro y la búsqueda de nuevos límites creativos. Puede que parezca un camino fácil, pero llenar El Plaza Condesa o presentarse en un Vive Latino no es cualquier cosa para una banda que apenas en 2014 lanzara su álbum debut. Sin embargo, lo verdaderamente difícil es seguir adelante y tratar de vencer la presión que existe en una escena tan competida. O más bien, ¿la clave es no preocuparse?

Eso parece en la cabina del Estudio Codependiente, en donde las risas y el trabajo se reparten en partes iguales. Con dos exitosos lanzamientos en el mismo número de años, pareciera que Reyno nunca descansa, algo de lo que te percatas cuando entras a su estudio. Aunque también han encontrado en la camaradería y el ambiente relajado la clave para hacer algo de lo que se sientan orgullosos.

Con el éxito llegando muy pronto en su carrera, podrían tomarse las cosas un poco más a la ligera, pero sucede todo lo contrario. “Aunque logramos cierta notoriedad con el primer disco, no queríamos que pasara como con muchas bandas que logran que les vaya bien pero después se quedan atorados, no sé si por miedo o algo así. Por eso creo que fue un paso muy acertado meternos de lleno a una segunda producción discográfica inmediatamente después de terminar la gira”, nos comenta Pablo Cantú, baterista de la banda. “En esta época de inmediatez es más fácil que desaparezcas del radar o que la gente se olvide de ti, entonces tienes que ser muy constante y nuestra inquietud de hacer música como bestias nos ha permitido avanzar así de rápido”, continúa.

Reyno 2

Dos discos, si bien los tienen donde están ahora, para ellos han quedado atrás. Más allá de pensar en cómo han conseguido lo que tienen hasta ahora, para Reyno es más importante buscar el siguiente camino. “Tal vez no todo ha sido tal y como queríamos, pero nosotros más bien nos concentramos en avanzar y no en estarnos sugestionando sobre lo que deberíamos de haber hecho. Siempre estamos viendo hacia adelante y lo ejecutamos todos los días”, comenta Pablo algo que cada vez está más cerca de cristalizarse, con la tercera producción de estudio del dueto. “Tenemos ya algunos demos caseros en donde estamos definiendo todavía hacia donde lo queremos llevar. Hay mucha música que nos gusta y que podríamos tomar como referencias pero preferimos que se vean hasta que esté, porque todavía ni sabemos nosotros cómo va a terminar. Esa es la magia de los discos. Que no llegas con todo claro de cómo quieres que sea, sino que en el camino lo vas definiendo y ajustando para que todo tenga sentido”, continúa Christian Jean, vocalista de la banda. “Lo que sí tenemos definido es que va a llevar una carga emocional muy diferente a lo pasado. Siempre queremos renovar y plasmar nuevos sentimientos. Con el tiempo te dan ganas de hacer algo diferente, no diametralmente opuesto, pero sí irte moviendo y dejando que las emociones dicten parte de la cuestión instrumental. La parte musical y la producción tienen que ser una abstracción de la emoción, así que por ahí irá. De momento es lo que les podemos contar”, agrega Pablo.

No es un secreto que su despegue se vio acelerado gracias a la gira que tuvieron con Zoé y al apoyo que han recibido de ellos. Sin embargo, para Reyno esto es solo un factor de lo que ha hecho que su música entre al gusto del público. “El hecho de que Zoé llegue y diga ‘les presento a esta nueva banda’ ya tiene una cierta fuerza. Que alguien con tanta credibilidad diga ‘me gusta este pedo’ hace que la gente ponga atención”, comenta Christian. “Muchas veces ponen al artista telonero por paros o porque le debes un favor a alguien, pero en nuestro caso fue una cosa de empatía y de decir ‘esto me gusta y lo quiero apoyar’. Tanto así que abrieron el subsello y nos invitaron a ser parte de él. Terminamos el segundo disco y fuimos a escucharlo con ellos, lo escuchan en sus casas... En fin, es una cuestión de apoyo real”, agrega. “Esto se suma a la transparencia en la música y el que la gente se puede identificar muy fácilmente con los sentimientos que se plasman en nuestras canciones, con las letras que los hacen darse cuenta que son cosas que ellos también viven y sienten, eso causa una empatía instantánea”, opina Christian.

Reyno 4

Pese a haber llenado foros a lo largo del país, Reyno no piensa en arenas o giras internacionales. “Creo que nosotros vemos esas cosas como consecuencias de algo que sí es nuestro objetivo, que es la búsqueda artística. No te puedes poner a pensar en metas o logros a largo plazo porque eso puede contaminar mucho el proceso creativo que te hace llegar a esas metas”, considera Pablo. “Entonces, más bien nuestras energías y nuestro reto está en nuestra siguiente producción discográfica y en la que sigue y en la que sigue, que es lo que hace crecer tu repertorio y cada vez poder llegar a un público más amplio que te va a llevar a esas metas. Nuestros objetivos y ambiciones se deben centrar estrictamente en lo artístico”, comenta. Esto se refleja en la tranquilidad con la que afrontan los diferentes festivales masivos en los que se han presentado últimamente. “Cuando estás en un festival es interesante porque te enfrentas a gente que tal vez no habría pagado por verte solo a ti, pero ya que estás en un cartel te escuchan. En ese sentido preferimos concentrarnos mucho más en la gira que estamos armando, y que esperamos anunciarla muy pronto, que es una gira por todo el país y eso sí va a ser nuestra primera vez”, declara.

La gira aún no tiene fechas definidas, pero los llevará a lugares donde nunca han estado o en los que aún no logran atrapar al público. A pesar de que muchos podrían considerarlos una de las grandes bandas en este momento, ellos quieren comprobarlo con nuevos retos. “Es lo que vamos a descubrir con esta gira, a ver cómo estamos parados en diferentes lugares. Sabemos en dónde nos va bien y en dónde no nos va tan bien, pero hay lugares a los que no hemos ido solos y que va a valer mucho la pena ir a darte de cates”, bromea Christian. “La idea es ir a picar piedra a diferentes lugares donde hay que hacerlo. A Guadalajara hemos ido a tocar 10 veces y ya tenemos un público importante allá, por ejemplo. En Monterrey también hemos estado continuamente desde el inicio de Reyno. Toluca. León. Hay lugares donde sabemos que la banda ya existe, pero lo que importa es ir a ver qué pasa en ciudades donde no hemos estado. Nos intriga mucho saber qué va a pasar allá. Puede ir bien o no, pero si te va mal el chiste es volver a ir, regresar las veces necesarias hasta que te vaya bien”, comenta el vocalista.

Puede ser muy pronto para saber hacia dónde irá el futuro de Reyno, y a ellos no les preocupa. En una época en la que casi el mismo número de bandas que surge son las que se desintegran, la creatividad y el hambre de más es lo que puede sacar adelante a un proyecto. “Mientras tengamos la capacidad de diálogo, va a funcionar. Me pasa con mi novia, con quien llevo cinco años, y nunca me planteé durar cinco años. Sólo me planteé el día siguiente,” opina Pablo. “Pero nosotros lo que hacemos es procurar muchísimo la comunicación y no preocuparnos por algo que todavía no está aquí. Siempre está este deseo de impresionarnos mutuamente en cuanto a lo que artísticamente somos capaces de hacer. Creo que las diferencias que pueden surgir tienen que ver cuando alguien tiene una búsqueda que no empata con la de la otra persona. Pero no va a ser por un problema de egos mientras estemos disfrutando lo que el otro propone”, agrega. “Entonces es una moneda que siempre está en el aire, en realidad. No dar por sentado lo que tienes es siempre la manera de conservarlo”, concluye.

Akil Ammar y Bocafloja en el Foro Indie Rocks!

Akil Ammar y Bocafloja logran rotundo sold out en la CDMX.

La causa fue la música. El efecto: un lleno total de cuerpos que sacudían los brazos al aire y no dejaban de cantar un solo momento. Tuvieron que pasar 10 años para volver a ver en un escenario a Akil Ammar y Bocafloja. Para esta noche, se hicieron acompañar de Olinka y los puertorriqueños Némesis y Velcro.

La euforia podía sentirse en cada esquina del Foro Indie Rocks! Akil Lammar subió al escenario, con una playera que decía“HATERS GONNA HATE”, dinamitando un energético coro de “Akil, Akil, Akil” en medio de aplausos y chiflidos. Con Ximbo a cargo de los beats, el rapero se mostraba con una enorme sonrisa y estaba listo para presentar sencillos de su nueva producción, Frenesí.

Apelando al lado romántico que todos llevamos dentro, sin necesidad de colocar los labios en el micrófono, “Tú” retumbó por todo el Foro gracias a la voz de sus fans. El amor conlleva lucha, una lucha que llevamos en las venas y que sentimos todos los días al caminar por las calles de nuestro país. “Yo No Voté Por Ti” calentó el ánimo para “Mi Barrio”, recibiendo una respuesta llena de sentimiento, en un comunal desacuerdo por nuestra forma de gobierno, que se denota desde cualquier trinchera.

El coro de "Hijo" -“te hicimos con amor y no con sexo”- llevó los brazos al pecho. Manteniendo una atmósfera emotiva, pero con picos de energía, siguió “Somos Soldados” y “Te Extraño”, canción que fue coreada de forma seria, mostrando el respeto que se le tiene a un padre. Para terminar este bloque, y antes de darle el micrófono a Ximbo, sonó “Debajo de Mi Piel”. Fueron 18 canciones con las que Akil deleitó a su público: “Policías en Helicóptero”, “Manos Vacías” y “43” fueron algunas de las más coreadas. “Voces de La Calle” cerró la presentación. Podrán quitarnos todo, menos el sentimiento de disfrutar la música.

Los gritos de “Boca, Boca, Boca” no se hicieron esperar, y rompiendo con la fórmula clásica de DJ y MC, Bocafloja se presentó en un formato de banda que resaltaba los detalles de jazz que introduce en su música. Una introducción acústica que mezcló la sensualidad del sonido del saxofón con la melódica voz de la cantante llenó de ritmo el cuerpo para “Goodman”. Fiel a su estilo, con su boina y bermudas, el rapero sacudió los corazones de todos sus fans, con una pulsión rítmica alimentada por los teclados y la flauta en “Taciturno”. Al filo del escenario, Bocafloja mezclaba sonidos y soltó toda su energía en “Soul Rebel”.

Con la banda, el ambiente se tornó más íntimo, dando oportunidad para que Bocafloja anunciara que su nueva producción estará lista el próximo 7 de junio. Con un soul mutante, la batería acaloraba el torso mientras los teclados hacían que el cuello se contorsionara mientras la garganta repetía una y otra vez “This is my life”. Ya sin la banda, sin duda escuchar el sample de “El Día de Mi Suerte” fue uno de los momentos favoritos del público, que acompañó en cada frase al rapero.

El tan esperado momento de ver a Akil Ammar y Bocafloja había llegado, el piso retumbó. Saltos, gritos y coros volvieron del Foro IndieRocks!, una fuerza inquebrantable donde los raperos llevaban el estandarte. “Esta Noche Es Nuestra” fue la canción elegida para cerrar esta noche, y sí, la noche fue suya. Cambiando nuevos y viejos temas demostraron que la escena hip hop nacional ha crecido enormemente.

Astro en el Foro Indie Rocks!

"Ojalá se queden, y que no se vayan”, dijeron a Astro.

El pasado lunes 9 de mayo, un anuncio provocó el shock en la industria musical independiente: Astro se separa después de siete años de carrera. Eso hizo, automáticamente, a su presentación en el Foro Indie Rocks! anunciada meses antes la última en la CDMX, la ciudad en la que quizá vivieron más momentos clave en su carrera que en su país de origen: desde aquella primera presentación en México, en el Vive Latino 2010, donde solo asistieron alrededor de 100 personas, hasta el pasado viernes 13 de mayo, en la que hubo un foro lleno que les echaba porras como nunca, pues era el último encuentro entre los chilangos y los chilenos.

Previamente, la presentación comenzó con los muchachos de Future Feelings: propuesta de funk y disco, con esencia setentera en el sonido, tipo KC & The Sunshine Band o Tavares. El grupo pasó sin pena ni gloria y se les notaba algo incomodos al tener poco espacio para desenvolverse. A pesar de esos detalles, tuvieron mucho ritmo en las venas.

Posteriormente, comenzó la vibrante y a la vez melancólica despedida de Astro, con canciones como “Panda” y “Colombo”, que fueron muy coreadas y bailadas, para darle paso a “Caribbean”, de los pocos temas que tocaron de su último material Chicos de La Luz. El público festejó y agradeció que se ejecutaran cortes de su EP debut Le Disc de Astrou, tales como “Le Golden Ballon” y “Drogas Mágicas”.

Hubo instantes de improvisación, con largos solos electrónicos, percusiones y batucadas. Andrés Nusser interactuaba con el público, aventándose a la multitud, compartiendo el micrófono o arrojándoles agua, detalles que provocaron el pandemónium.

Después, continuaron revisando su primer largo homónimo, como “Volteretas” o “Pepa”. El éxtasis fue inminente cuando sonaron los primeros tonos de “Maestro Distorsión”, tema que Astro le dedicó al público mexicano que la pudo conocer en el lejano 2010 gracias a la radio y con la que inició un romance estrecho y enriquecedor, un momento clave muy festejado, para finalizar con “Coco” y “Ciervos”.

Los sentimientos se desbordaron en el escenario, pasaron de la alegría a la tristeza y de la emoción a la melancolía en unos cuantos segundos. Los chilenos se estrecharon cálidos abrazos, que transmitieron hasta el último momento una vibra conmovedora y un enorme gusto por hacer música. Su público mexicano les respondió gritando y cantando toda la noche, implorando que el concierto no se acabara, y por ende, que Astro no deje de brillar.

Cuando el grupo expuso sus motivos del adiós, la gente respondió con un fragmento de “Colombo”: “Ojalá se queden y que no se vayan”. Ese fue el emotivo final de una gran relación entre Astro y el país que, en palabras del grupo, “les abrió las puertas desde el año cero”.

Las 5 mejores canciones de la semana

Disfruta aquí abajo de las cinco mejores canciones que presentamos en Indie Rocks!

Pareciera que mayo es el mes de los estrenos. Bandas como Radiohead y los Red Hot Chili Peppers nos sorprendieron con música nueva y esta semana no es la excepción. Incluso, algunos grupos confirmaron el lanzamiento de nuevos materiales discográficos, como Peter Bjorn and JohnWill Butler y Thee Oh Sees.

En lo que todas estas bandas trabajan en nueva música, ¡disfruta nuestras cinco mejores canciones de la semana!

 

5. The Claypool Lennon Delirium - “Cricket & The Genie (Movement I, The Delirium)”

El proyecto conformado por Sean Lennon y Les Claypool estrenó esta semana una nueva canción acompañada de un psicodélico video lleno de colores y texturas que parecen haber salido de la imaginación de alguien bajo los efectos de algún alucinógeno. Si no nos crees, disfruta aquí abajo del video para "Cricket & The Genie" -bajo tu propio riesgo-.

 

4. Pet Shop Boys - “Twenty-Something”

El mes pasado, Pet Shop Boys estrenó su más reciente disco titulado Super. El último sencillo que pudimos escuchar de esta producción, “The Pop Kids”, se caracterizó por contar con un sonido house que nos recuerda  la escena musical de los años noventa. Pero en “Twenty-Something” se alejan por completo para incursionar en ritmos más latinos.

 

3. Iggy Pop y Josh Homme - “Sunday”

El buen Iggy nos ha dado mucho de qué hablar recientemente, pues además de confirmar un libro biográfico sobre su banda The Stooges, también hizo oficial su regreso al séptimo arte en la película Blood Orange, en donde protagonizará a un rockstar maniático. Asimismo, esta semana estrenó la canción "Sunday" en compañía de su colega Josh Homme y en la que destaca un sonido oscuro e hipnotizante pero agradable al oído.

 

2. Metronomy - “Old Skool”

Luego de anunciar, hace un par de semanas, que estrenarían nuevo material este año, los ingleses nos comparten por fin el primer single de este esperado disco. “Old Skool” es una canción que posee beats electrizantes que te atraparán desde los primeros segundos para hacerte bailar al ritmo de la melodía y terminar en un total frenesí. Incluso, se nota la mano de Mix Master Mike, con ese scratch que nos recuerda a la música hip hop también de los noventa.

 

1. The Stone Roses - “All For One”

Pareciera que nunca se fueron, que siempre estuvieron ahí. Tuvieron que pasar más de 20 años para escuchar nueva música de este cuarteto inglés y la espera valió la pena. En 2015, la agrupación conformada por Ian Brown, John Squire, Gary Manny “Mani” Mounfield y Alan “Reni” John Wren, anunció su regreso a los escenarios y esperemos que aumenten las fechas e incluyan a México en su camino. Mientras eso sucede, déjate seducir por capas infinitas de guitarras y voces etéreas en “All For One”.

¿Te gustaron los estrenos de esta semana? Dinos cuál fue tu canción favorita y sigue nuestras redes sociales para conocer los tracks más recientes de tus artistas favoritos.

 

Avant MUTEK: Four Tet + Ben UFO en el Auditorio Blackberry

Avant MUTEK: un espiral galáctico de sonidos cósmicos.

Ben UFO y Four Tet visitaron la Ciudad de México con motivo de las celebraciones de MUTEK Montreal que comenzarán en unas semanas, y también como parte de los preparativos para MUTEK México que se estará celebrando el próximo mes de octubre.

La cita fue el 12 de mayo de 2016 en el Auditorio Blackberry, recinto que se ha caracterizado por albergar parte de los últimos eventos de MUTEK y algunos de música electrónica ya que, desde sus inicios, este recinto ha recibido muy buenas críticas debido a su excelente acústica, que permite una mejor y mayor percepción de los sonidos.

Ben UFO inició su sesión en punto de las 21 horas con ritmos bastantes experimentales, melódicos e incluso difíciles de comprender -aunque esto fue cambiando con el paso de los minutos para dar paso a momentos de techno bastante duro, y dubstep muy a la inglesa-. Durante 2 horas, este relativamente nuevo productor y DJ logró cautivarnos con su gran calidad y una excelente manera de calentar la pista, mientras esperábamos el acto de la noche: Four Tet.

Kieran Hebden, mejor conocido como Four Tet, es uno de los DJ y productores ingleses más reconocidos y respetados de la escena de la música electrónica mundial. Headliner de algunos de los festivales más importantes y fiel representante del característico sonido inglés de esta nueva generación de grandes talentos, Four Tet inició su presentación a las 23 horas con sonidos bastante ambientales, que se sentían como si los asistentes estuviéramos disfrutando del fresco en algún bosque. La intensidad fue aumentando hasta llevarnos por un viaje interespacial, representado en forma de un caldo sonoro con una gama infinita de géneros que atravesamos, como el techno más fino y exquisito que hay, pasando por un house bastante alegre, lleno de vocales fantásticas que por momentos se confundían con melodías disco y pop, hasta llegar a ritmos con tintes tribales y voces que nos hicieron recordar hasta el último rincón del mundo. Al llegar a las casi 3 horas de actuación por parte de Four Tet, la pista estaba a reventar: el ánimo a tope, la sangre hirviendo y todos pidiendo más bajones y subidas representados en cada track.

Como acto final de la noche, Ben UFO regresó al escenario para acompañar a Four Tet en un espectacular cierre Back to Back durante una hora en la que siguieron mostrando sus armas y su calidad, bajando la intensidad aunque no el estándar de las múltiples melodías que ayudaban a ir descendiendo de ese espectacular viaje que habíamos comenzado.

MUTEK, de nuevo, cumplió con las expectativas y siguió demostrando la razón por la que es uno de los festivales más respetados e imitados del mundo. No había persona en el lugar que no estuviera bailando o resistiéndose a los ritmos cósmicos de los maestros de ceremonia.  

Juan Soto regresa con "The Effort"

Disco y música electrónica digerible sobre el esfuerzo de las cosas.

Juan Soto se hace llamar productor en lugar de DJ, aunque comúnmente se le conozca como el segundo y se presente en festivales de música electrónica como el EDC. Sea como sea, Juan ha cruzado las fronteras de México y ha llevado su sonido –una mezcla de disco, funk, pop y electrónica– hasta Francia, Alemania, Latinoamérica y más.

El álbum debut de Juan vio la luz en 2014, y se llamó Oscurecía. Con música electrónica digerible y pop de calidad logró posicionar al mexicano en la escena. Desde entonces, el productor se ha mantenido activo tocando en cada uno de los clubes de la CDMX y acompañando a artistas como Hercules & Love Affair en el escenario.

Ahora, Juan Soto estrena "The Effort", un nuevo tema inspirado en el esfuerzo que toma realizar cada una de las actividades que construyen el día, desde las más pequeñas e insignificantes hasta las que se hacen en completa conciencia.

"The Effort" suena a los pantalones acampanados de los ochenta, y esa sensación de plenitud que te permite sólo mover la cabeza con el ritmo de la canción. Es una excelente mezcla de disco y electrónica actual que cabe perfecto en una playlist para manejar en carretera.

King Krule en Boiler Room

El compositor y productor incursiona en el mundo de la electrónica.

King Krule es un jovencísimo compositor con una productividad apabullante. A pesar de su difícil biografía –sus padres estuvieron en prisión y fue diagnosticado con una enfermedad mental, además de padecer de insomnio–. En 2013 debutó con el excelente 6 Benneath The Moon, y en 2015 estrenó A New Place 2 Drown bajo su propio nombre, Archy Marshall. Con apenas 22 años, este compositor ha conjugado diversos estilos que van desde el jazz, el folk, el punk, y ahora, la música electrónica, posicionándose como una de las propuestas sonoras más prolíficas y versátiles, aún cuando su carrera sea corta. Las producciones de King Krule son las de un músico arriesgado.

King Krule

Ahora, bajo el nuevo alias Edgar The Beatmaker, presentó en Londres en el marco de Boiler Room un set de 20 minutos que incluye material de su disco firmado como Archy, además de otros experimentos que abarcan los registros del hip hop y el trap.

En un ambiente típico de las fiestas organizadas por Boiler Room –una casa tomada por el flow–, podemos ver a Edgar The Beatmaker manipular las consolas a lado de algunos colegas. El público no deja de contonear sus cuerpos al tiempo que no aparta la atención de este alias de Archy. ¿Se trata, acaso, de un nuevo proyecto?

 

Escucha "Final Song", lo nuevo de MØ

MØ regresa con un tema muy veraniego.

La cantautora  pasó por la cabina de BBC Radio One con la productora, DJ y locutora Annie Mac para compartir un nuevo tema llamado "Final Song". Este es el primer estreno de la danesa desde que su álbum debut, No Mythologies To Follow, vio la luz en 2014 y "Kamikaze" –su sencillo más popular y en el que colaboró con Diplo– alcanzó los lugares más altos en las listas de popularidad y reproducción en plataformas digitales.

"Final Song" es introspectiva, dulce y alegre. la coescribió en Los Ángeles con MNEK -quien también produjo la canción- y Noonie Bao -Charlie XCX- y se trata de reconectar con la fuerza interna de uno mismo. "I lose my rythm, I lose my song"  es la letra que suena sobre acordes rítmicos veraniegos, no sorprendería que por su estilo tuviera pronto un remix.

Aunado a la canción,  mencionó que su próximo álbum ya está casi listo y sólo necesita los toques finales, por lo que tendrá su lanzamiento este mismo año. No sería raro que "Final Song" fuera el primer sencillo de esta producción. Actualmente, la cantante se encuentra de gira mundial, que terminará en diciembre con presentaciones en Latitude y Lollapalooza.

COLUMNA: Sobre la importancia de Radiohead

¿Por qué Radiohead es la banda más importante de la historia?

Sabía que ella iba a morir, no de la misma forma que morimos la mayoría de nosotros. Acostados. Consternados. Aferrándonos. Sabía que ella iba a morir, dejando el eco de sus latidos en nuestros oídos, el olor de su vagina en mis manos, y el alma de quienes la amamos, hecha añicos. Pero aquella vez en su departamento de Miramontes 15, la vi contonearse moviendo la cadera, un baile propio de ella, los pies juntos, los brazos flexionados hacia el frente en un twist singular. Se mordía el labio inferior y sonreía, apretaba los puños pequeños y miraba al vacío. No había música, pero ella bailaba. Desde el rincón de un sillón, con la resaca golpeando mi cabeza, la veíaSu primer graffiti fue una frase de "True Love Waits": "I'm not living, I'm just killing time". Cuando me contó eso la imaginé rayando una pared y escribiendo frases existenciales mientras yo sufría por alguna chica, supongo. No tengo idea de que sucedía en mi vida cuando escuché por primera vez esa guitarra moribunda de un espíritu que vive un suplicio por amor.

Pensé en todas las veces en que he descubierto a Radiohead, porque cada tema nuevo es un descubrimiento, un dispositivo-canción que desencadena emociones, recuerdos y pensamientosPor mi edad he tenido conciencia de casi todos los lanzamientos de la banda, he visto operar toda su maquinaria anti sistema, anti globlalización, anti mercado/pro mercado, pro reinvención; así como los anuncios de que vienen a México y que han acompañado la vida de millones de individuos, muchos dentro de otras coordenadas que, como yo, se vuelven locos cuando alguien pone "Idioteque" y queremos, en vano, imitar el ataque epiléptico de Thom Yorke cuando baila dicha pieza sobre el escenario.

Su nombre empezaba con C, como la cocaína, la droga a la que fue adicta durante cuatros años, según me dijo. Y eso era ella. Esnifazos de cocaína sobre un auto, esnifazos sobre un libro de Cumbres Borrascosas, esnifazos en el baño en medio de una noche de excesos en donde lo único que no abundaba era sexo. Pero había de todo en esas fiestas de los niños privilegiados de universidades caras. El cliché del peligro era real y ellos lo vivieron. Esnifazos antes de entrar a clase. Esnifazos en la calle. Y ella era mi esnifazo. Una droga potente que te ponía a tope, hacía latir tu corazón a velocidades demenciales y al final, te dejaba derrumbado...

Radiohead no volvió a aparecer en nuestras conversaciones, no así como The BeatlesAhora que no nada de ella me parece un poco injusto que le hayamos dedicado tanto a ellosEl mito de The Beatles se ha vuelto una religión mejor conocida como "el Cuarteto de Liverpool", en la que está prohibido hablar mal de ellos, decir que tal o cual era mejor o que no inventaron mucho en realidad. La historia es una suerte de invenciones a la que todos le vamos agregando un poco cada día, pero The Beatles era un grupo de cuatro chicos geniales que aparecieron en una época en que no había individuos con ese encanto. No fueron los primeros. Pero hemos crecido creyendo que . Y cuando la recuerdo bebiendo cerveza y celebrando el sabor, llego a considerar que si existe una banda que debe ir acompañada detrás de la frase "la mejor banda de la historia", es Radiohead.

No The Beatles, no The Rolling Stones, no Pink Floyd, no Elvis, no Zepellin, no Michael Jackson, no The Doors, no Metallica, no Black Sabbath, no Berry y no -aunque por muy poco- Bowie o Hendrix. Casi todos ellos emergieron en un contexto que les permitió ser los dioses del rockSer los primeros en algo o llevar la magia a puntos inimaginables. En la época de crucifixión en redes sociales por pensar distinto, esto merecería vivir en el oscurantismo de quienes acaban de negar la existencia de una "verdad". Los dioses del rock cambiaron la historia, produjeron las canciones más increíbles de la existencia humana, pero posiblemente se trate de circunstancias, de personalidades -y no de conjuntos-, de situaciones favorecedoras. Del otro lado, Radiohead ha ido de menos a más, de las canciones de rock "alternativo", "rock británico" cuasi grunge, de tener la vena del rock americano de principios de los 90, a ser una banda que ha marcado un hito para misma.

Radiohead no pertenece a una época, sino a distintas erasHan formado parte de la historia del video/sencillo y de la radio, y atestiguado cómo cae el viejo imperio. Son parte de la era digital y de la era líquida. De la era del capitalismo a la postindustrial, de la ecología-capitalista a la biotecnología. Del modernismo a la ultracontemporaneísmo, a la deshumanización del individuo frente a las pantallas negras de la hiperconectividad. Empero, su grandeza no radica en que solo les ha tocado producir música en dichos períodos y que han reflexionado sobre ello, sino son responsables de algunos cambios incidiendo de manera directa en la "realidad". O en una de ellas. La distribución de In Rainbows fue el atentado contra el imperio, fue el golpe de Estado, fue la revolución.

In_Rainbows_Official_Cover (1)

C. prefería tener sexo que hablar de músicaNo se apasionaba con las descripciones de las canciones o con el debate de si el álbum debía ser producido por alguien más, como con compartir mis sábanasHuía por las mañanas. Tomaba un café y desaparecía, nunca le pregunté hacia adónde iba o si salía con alguien másA excepción de su trabajo, no sabía nada de sus hábitos, de qué hacía por las tardes o de cuándo descansaba, pero sentía que llevaba muchas vidas, tantas que ni ella sabía cuál estaba viviendoEstar con ella era similar a escuchar "Paranoid Android", creías que se trataba de algo y la historia daba un giro inexplicable que te dejaba a la deriva. C. y yo solo hablamos brevemente sobre la importancia de las bandas clásicas, escuchábamos The Alan Parsons Project, America, Toto, pero nunca Radiohead. No lo entiendo. Pero en aquellas noches de cerveza en mi departamento no daba la impresión de que disfrutara la melancolía de "Videotape" o el existencialismo de "Street Spirit (Fade out)".

You're my center when I'm spinning around

Muchos temas de Yorke rondan en el existencialismo, pero han encontrado la manera de distribuir el mensaje en cada reinvención musical. No hablemos de su reinvención a través de géneros, sino del desarrollo de nuevos conceptos sonoros. Por ejemplo, las percusiones de The King Of Limbs o la electrónica paranoica de Kid A. Pero quizá lo más importante de esta banda es que llevan el concepto del rock a sus cauces, a su manto original: la revolución tras comprender un poco las letras, comprender de qué se trata un álbum o sentir la música. Entendemos que hay algunas cosas que no están bien allá afuera y que van más allá de la política visible; cosas relacionadas con el orden mundial, con las decisiones económicas a niveles inimaginables, con el cambio climático, con el entorno sociodigital, con la vida misma¿Quién no termina de escuchar Hail to the Thief y quiere volverse loco porque lo que acaba de escuchar no se parece en nada a Amnesiac, porque si lo escuchaste a profundidad, es posible que entres a tu existencia mundana y porque tu experiencia sensorial fue modificada para siempre tras pasar por "The Gloaming"?

Radiohead - A Moon Shaped Pool

Un día C. desapareció, no supe si la extraña enfermedad que padecía la alcanzó o decidió alejarse de . No quise ir a buscarla, se había mudado de casa y no conocía su nueva dirección. Alguna vez mencionó que estaba cerca de la línea azul del metroPor lo menos, tengo certeza de que se pondrá muy contenta cuando vea que el nuevo álbum de Radiohead, A Moon Shaped Pool, incluye la versión de estudio de "True Love Waits". Podrá volver a rayar "I'm not living, just killing time" o, en todo caso, si la muerte la tumbó, aquel graffiti arderá nuevamenteNo importa si este lanzamiento vino en medio de un hype por su publicidad viral, fue una idea brillante desaparecer sus post en Twitter o Facebook y desaparecer sus lados B de los servicios de streaming, argumentando un cambio de distribuidora. No importa si algunos álbumes no son perfectos, ellos se han mantenido durante 30 años produciendo música relevante para el mundo entero. Y no importa si te gustan o no, ellos están cambiando al mundo, lo hacen dar vueltas y lo llevan haciendo desde hace años mientras otras bandas son conocidas por las disputas al interior, por los excesos, por sus polémicas declaraciones o por producir música mala. No importa si ya no nada de C., Radiohead la trae de vuelta a mi cabeza como un recuerdo desencadenado con una gran canción como "Glass Eyes" -¿no es la primera vez que Radiohead usa orquesta en un álbum?-, y aunque solo es una imagen, su rostro es igual de cálido a cómo era en realidad.

Cuando el recuerdo se acaba, cuando la canción languidece, cuando sus huellas comienzan a borrarse, aún habrá dispositivos propios de la nueva era, las fotografías digitales contando alguna historia que pudo ser pero que no ocurrió, pero ahí está, en esas grabaciones que son como una advertencia de la temporalidad:

This is my way of saying goodbye
Cause I can't do it face to face
So talking to you after it's too late
From my videotape

Y así como hay historias que adquieren otra perspectiva tras miles de círculos recorridos por las manecillas, estoy seguro de que en algún punto estaremos de acuerdo en que Radiohead es la banda más grande de la historia que jamás ha existido. Se contarán mitos de los genios que, tras muchas investigaciones, formularon cuestiones sobre el rock y su relación con el entorno. En la memoria de cada uno nos diremos que si The Beatles eran más famosos que Dios, entonces Radiohead es más importante que The Beatles. Amén.

Die Antwoord comparte "Dazed and Confused"

¡Escucha el nuevo sencillo de Die Antwoord!

Hace dos años que disfrutamos de la última producción discográfica del grupo sudafricano, Die Antwoord. Donker Mag (2014) reafirmó el poder de Ninja, Yo-Landi Vi$$er y DJ Hi-Tek en la industria musical.

Justo pudimos comprobar ese poder en sus visitas a la Ciudad de México con motivo de sus presentaciones en el Corona Capital -2012-  y el Vive Latino -2015. También se presentaron en el Hellow Festival de Monterrey.

Después de compartir un extravagante video para su sencillo "Ugly Boy", en el que hubo apariciones estelares de la supermodelo Cara Delevingne, Jack Black, Marilyn Manson y muchos más, hoy por fin podemos escuchar un nuevo tema de la banda.

Se trata de "Dazed and Confused feat. God", canción que será parte de un mixtape al que titularon Suck On This y verá la luz el próximo 19 de mayo.

Die Antwoord Dazed and Confused
 

Visita el Facebook de Die Antwoord para seguir todas sus actualizaciones.