King Gizzard & The Lizard Wizard estrena canción

La banda australiana de rock psicodélico compartió un sencillo titulado "Cumbling Castle".

King Gizzard & The Lizard Wizard tiene como meta sacar cinco discos de larga duración en 2017. De tal propósito, han liberado Flying Microtonal Banana, Murder of the Universe y Sketches of Brunswick East. Cuando fue anunciada la noticia, muchos creyeron que no lo conseguirían, pero aún quedan dos meses y medio para acabar el año, y ahora han liberado un nuevo tema titulado "Cumbling Castle". Y tal vez, dicho single pertenezca a un material que está por llegar.

La canción de casi 11 minutos, refleja lo que ha hecho King Gizzard & The Lizard Wizard durante todo el año. Con su sonido característico en las guitarras, el track empieza con calma, para después ir subiendo los decibeles convirtiendo el sencillo en potencia pura. Los oriundos de Melbourne, se han caracterizado por contar historias surreales en su música, y además de encarnar la psicodelia como estandarte, empalman tintes de rock progresivo, jazz y garage en sus melodías, creando un proyecto con una fresca propuesta.

Es por eso que King Gizzard & The Lizard Wizard posee una personalidad única, desde su EP Anglesea y su debut de larga duración 12 Bar Bruise, la banda ha estado en el ojo de todos los amantes del rock, y sobre todo de los que gustan de los sonidos psicodélicos.

Y aunque no existe nada confirmado, algunos fans from hell han especulado que su próximo disco tendrá por nombre Polygondwanaland. La banda estará girando por su natal Australia en lo que resta del año, y para 2018 solo está confirmada una solitaria fecha en febrero para Londres. Esperemos que pronto agenden fecha en México y podamos ser espectadores de su increíble y poderoso live show que ofrecen los siete integrantes de la banda.

Te dejamos con "Crumbling Castle":

 

 

 

 

Checa el nuevo video de Little Jesus

Little Jesus nos presenta el clip de "TQM", su nuevo single que cuenta con la colaboración de Ximena Sariñana y Elsa y Elmar.

La banda mexicana Little Jesus continua promocionando su más reciente material Río Salvaje y ahora han dado a conocer el audiovisual de su más reciente sencillo titulado "TQM", que cuenta con la participación de Ximena Sariñana y la colombiana Elsa y Elmar.

El videoclip dirigido por Fuerzas Básicas nos muestra a la agrupación tocando en un programa de televisión ficticio llamado Quelle Soirée, conducido por Pierre Olivier. Además, podemos apreciar a Sariñana y a Elsa cantando junto a la agrupación mientras realizan una sencilla coreografía.

Dale play a este clip:

Luego de un año lleno de buenas experiencias, la banda mexicana va por un gigantesco reto ya que se presentará en el Teatro de la Ciudad el próximo 7 de diciembre, en donde ejecutará un listado de más de 15 canciones de la mano de su Orquesta Fantasma. 

El show es un homenaje a sus dos placas de larga duración Norte y Río Salvaje, con las que se ha ganado el respeto de la crítica y una larga lista de fans.

Si no has escuchado su última producción aquí te la dejamos:

Waxahatchee le hace un cover a The Velvet Underground

Katie Crutchfield acaba de compartir su versión de "After Hours" junto a Kevin Morby.

Tanto la vocalista de Waxahatchee como el músico estadounidense han estado muy ocupados con los respectivos lanzamientos de sus nuevos discos, ambos publicados a mediados de este año. Sin embargo, los interpretes se han dado tiempo para unirse y grabar un cover a uno de los clásicos de la banda que lideraron Lou Reed y John Cale a finales de los sesenta.

La canción que interpretaron Katie Crutchfield y Kevin Morby fue "After Hours", tema que The Velvet Underground publicó en 1969 con su tercer álbum de estudio. Este fue el único sencillo donde Maureen "Moe" Tucker prestó su voz, ya que Reed dijo que tenía un sonido tan inocente y puro que el no podía cantarla.

Esta versión del tema de The Velvet Underground tiene un sonido suave y acústico, en el que destaca la interpretación de Katie, quien se pone a la altura de Tucker, aunque siempre apoyada por Morby en los coros. Cabe mencionar que los dos artistas salieron de gira juntos a principios de este año y durante una de sus presentaciones le hicieron un cover a "Santa Monica" de Everclear.

Puedes escuchar ambas versiones de "After Hours" justo aquí:

http://katiecrutchfield.tumblr.com/post/166562393700/k-morby-k-crutch-do-vu

The Velvet Underground

Bomba Estéreo en SALA Corona

Cerveza y movimiento de caderas, el flower power de Bomba Estéreo.

Observa el show en primera fila desde los hombros de su papá. Flores de cempasúchil adornan sus trenzas recogidas al estilo de Frida Kahlo. La niña de nueve años cautiva el corazón de Paulina Sotomayor, quién al verla con añoranza recuerda que al primer concierto que asistió fue de Botellita de Jerez.

Suena “Tierra viva” cuando la música abruptamente para. Al parecer la tornamesa de Raúl Sotomayor se había desconectado accidentalmente. La gente grita, pero no para abuchearlos, sino para darles ánimos. Pau aprovecha para agradecer la oportunidad de ser la banda telonera de Bomba Estéreo, a quienes admiran por ser precursores del global bass y la electro cumbia.

La energía toma vuelo y comienza a arder con los agresivos beats de “Pum pum” y el enérgico baile de la menor de los hermanos quien toma un megáfono y comienza a cantar a través de él, es inevitable notar la similitud sonora que el dueto mexa comparte con los colombianos.

“Crece el calor, funde la batería como maquinaria llana de energía”, se siente el calor de la gente coreando “Cielo”, que anuncia el ocaso de la participación de los hermanos, pero indica el inició de una noche llena de fuego.

“¡Mañana trabajo!” y “¡Van a cerrar el metro!”, son los gritos que amenizan la espera entre charolas que se sumergen entre la multitud repletas de vasos de cerveza y regresan a la barra vacías, listas para la siguiente carga.

Enfundada en un ajustado leotardo verde con detalles selváticos; así como capa y sombrero de chaquiras tornasol. Entre el estruendo del tambor de “Siembra” que se hacía cada vez más y más fuerte. Liliana Saumet apareció en el escenario proclamándose emperatriz del baile y la armonía.

"Ahora, aquí. Baby Dance With Me”, exigimos en “Química”. Y nos damos cuenta que esta noche no pararemos de mover las caderas. La gente se olvidaba del espacio vital y restriega sensualmente su cuerpo al ritmo de la música a conocidos y extraños.

La cantante colombiana asegura, como introducción a su nuevo sencillo, que no importa cuál sea nuestro origen, sexo, edad, raza o religión pues en la pista de baile todo somos “Internacionales”.

En la pista una pareja se mueve despacio, pelvis contra pelvis. Cierran los ojos y se besan. El resto desaparece y se quedan con eso para siempre, justo como desde la tarima lo canta Li en “Somos dos”, que esta noche es soundtrack de sus apasionados besos.

Una mujer con un píe enyesado logra subir al escenario y baila en la orilla. Lo que hace reflexionar a Saumet sobre el poder del baile a pesar de las adversidades. Siguiendo las instrucciones de Liliana, nos olvidamos de todo lo que hay afuera del SALA Corona para concentrarnos en el ritual del baile. Nos dejamos seducir por la champeta.

El SALA literal es una “Fiesta”, como el nombre de la canción que pertenece al álbum Amanecer. La gente salta, el piso se estremece. Las luces hipnotizan, seducen y bailamos hasta no poder más.

Tras un breve intermedio la vocalista cambia de vestuario, a un leotardo azul agua con flores rosas, y regresa con un pastel de chocolate que pone frente a la batería. El público canta las mañanitas a Kike Egurrola, quien cumple años esta noche.

“Escucha está canción que no es un reggaetón ni está hecha pa’ mover el culo”, era momento de descansar pues ya lo habíamos movido toda la noche y “Flower Power” necesita nuestra atención para reflexionar sobre la discriminación y la violencia machista.

Su set list finaliza con un remix de “El alma y el cuerpo”, “Raza” y “Fuego”, la canción más aclamada de la noche que les dio fama mundial por ser soundtrack del FIFA 2010. “¡Manténlo prendido, no lo dejes apagar!”. Gritamos en el momento máximo y preciso del éxtasis colectivo.

La niña de nueve años con flores de cempasúchil en la cabeza permanece en los hombros de su padre desde donde corea y baila cada una de las canciones de Bomba. “¡Van a cerrar el metro!” y “¡Mañana trabajo!”, constantes reclamos del inicio son olvidadas. La presentación de Ayo, quinto álbum de la banda, es el pretexto perfecto para olvidar el estrés a través del baile y la cerveza.

Julian Casablancas estrena tema en la TV de Brasil

Mira el estreno de "Wink" de Julian Casablancas + The Voidz en un programa de la cadena SBT.

El músico estadounidense está en su gira por Sudamérica, con la que ya visitaron Colombia, Chile y ahora Brasil. El día de ayer la banda del neoyorquino apareció en el Late Night Show, The Noite de Danilo Gentili, donde tocaron una nueva canción. Esto fue anunciado a través de las redes del interprete y se han revelado diferentes grabaciones del show por parte de los asistentes.

El nuevo tema de Julian Casablancas+ The Voidz se titula "Wink" y aunque fue estrenada antes en un show secreto en Los Ángeles, esta es la primera vez que está disponible para el público en general. Durante su presentación en la ciudad de California también tocaron “We’re Where We Were” y “Coul As A Ghoul”. Del nuevo sencillo del también vocalista de The Strokes se pueden escuchar un ritmo enérgico con elementos tropicales y estridentes riffs, que hace una mezcla entre la distorsión y una especia de surf.

Aún no hay fecha oficial para el lanzamiento del segundo álbum de estudio de Julian Casablancas y su side project, pero podría llegar a finales de otoño o hasta principios el próximo año. Hace seis meses se comentó que la banda seguía trabajando en este material.

Puedes escuchar una grabación de "Wink" justo aquí:

 

Glass Animals en El Plaza Condesa

Lecciones de humanidad con Glass Animals.

Ha pasado un mes exacto desde aquel desastre natural que marcó un antes y después en la vida de muchos de nosotros, pero en conjunto hemos demostrado nuestro progreso anímico y calidez humana. Quizás hasta cada alimento nos sepa mejor, cada bebida calma más el alma y cada canción tiene un significado revalorizado. Fui testigo de esto último al ver un El Plaza Condesa casi lleno y totalmente devoto a brincar, corear y disfrutar con una de las bandas de indie rock más interesantes y divertidas de los últimos años: Glass Animals.

No pasa muy seguido que, desde el momento en el que se apagan las luces y vemos siluetas acercarse al escenario, el foro se convierte en una cacofonía de frenesí –estoy hablando de esa compilación de ruidos jubilosos que uno acostumbra a escuchar después del concierto, cuando la banda en cuestión ya ha entregado cuerpo y alma al respetable–, pero Dave Bayley (vocalista), Drew MacFarlane (guitarra y teclados), Edmund Irwin-Singer (bajo y teclados) y Joe Seaward (baterista) no conforman una banda cualquiera. Con un estilo que combina en partes iguales la psicodelia, el trip hop, el R&B alternativo y ritmos africanos y latinos, Glass Animals es un deleite como conjunto de estudio al escuchar sus producciones; tanto así que uno temería que esa magia meticulosa no se traduce bien en vivo. Todo lo contrario.

Desde el momento en el que Bayley y compañía empezaron con “Life Itself”, primer sencillo del álbum en turno para promocionar, How to be a Human Being, la banda y los asistentes parecían sincronizarse inconscientemente para coreografiar cada uno de los bailes y locuras que sucedían. Parecía todo ensayado desde hace unas horas, como si se tratase de un flash mob. El ambiente con esta apabullante coordinación continuó con “Hazey”, una sesión de improvisación que casi se descontrola con “Poplar St”, el romanticismo de “Season 2 Episode 3”, el coqueteo de “Toes”, y la nostálgica “Mama’s Gun”, uno de los momentos cumbres de la noche que, de no ser porque el inmueble no lo permite, se hubiera llenado todo de globos de cantoya.

No hubo tanta necesidad de pirotecnia externa o de una producción intimidante, ya que el set de iluminación cumplió magistralmente su cometido. Dependiendo de la canción, todo el recinto se bañaba de colores, se mitigaba para dar oportunidad a momentos íntimos o jugaba con las notas interpretadas en el teclado, bajo o guitarra, como sucedió con la ya mencionada “Toes” o en “Youth”.

El público no dejaba de brincar; las cervezas no dejaban de fluir y Bayley y compañía no dejaban de bañarnos con elogios, ya que, como mencionaron, este era su primer show en México como banda principal y, por si fuera poco, el último concierto que darían como tal en mucho tiempo, ya que se retirarán al estudio a crear nuevo material. Después de un cierre falso con “Gooey” y “Agnes”, no pasaron ni cinco minutos para que se diera una suave transición al encore y tuvieran un cierre potente con “Pools” y un cover de “Crazy”, original de Gnarls Barkley. La banda nunca perdió el vigor y el entusiasmo, en gran parte por la reacción y ánimos de los asistentes. Pareciera que Glass Animals había ensayado durante todo su tour para dar un concierto así y nosotros, después de un mes de incertidumbre, angustia y pérdidas en algunos casos, también ansiábamos una noche así.

Ramona estrena álbum: 'Cérès'

La banda oriunda de Tijuana compartió su segundo material de larga duración.

Ramona se metió al estudio a principios de año para empezar la grabación de su nueva placa. Ahora nos traen el fruto de su trabajo que han bautizado como Cérès. Dicho material se convierte en el sucesor de su debut La Segunda Luz del Día.

La banda ha tenido un increíble comienzo en su carrera, pues tan solo en este año, fueron los teloneros de Blonde Redhead en la Semana Indie Rocks!, además de tener en su agenda una presentación en el Festival Mézico Mágico y será una de las bandas invitadas en la presentación de Los Mesoneros en su show en el Foro Indie Rocks! el próximo 29 de octubre.

El nuevo larga duración de Ramona fue producido por Seiji y Kenji Hino de la banda Sierra León. "Siempre hemos creído en lo que nuestra música nos dice, lo que queríamos era salir con una sonrisa cada vez que salimos del estudio de grabación, terminábamos cansados pero con ganas de despertar al día siguiente para darle más amor a este disco titulado Cérès", confirmó la banda acerca de la creación de su más reciente álbum.

Según sus integrantes, en esta ocasión encontraremos más experimentación en los arreglos, y en algunos casos se podrán escuchar a una agrupación con más tintes psicodélicos. Las letras en este tomo de Ramona, van sobre vivencias, recuerdos, la conexión con tus seres queridos, la energía que vibra en algún lugar en especial y en perderle el miedo a distintos panoramas. El doble acento en el título Cérès, se escogió porque así se escribe en francés, homenajeando su fascinación estética con los acentos contrarios en las letras.

Bryan Adams en el Palacio de los Deportes

¿Cómo iba aquella rola Señor Adams?

Finalmente llegó la noche en que “El Bryan” deleitó a sus aficionados y nos pasamos a la plancha de concreto del Palacio de los Deportes para disfrutar de un rocksito canadiense en noche de miércoles. Bryan Adams: músico, fotógrafo, filántropo; saltó con su banda al escenario, algo básico, conformada por dos guitarras, bajo, teclado y batería, pero 100% en vivo, lo cual lo agradecimos los que ya estamos un poco cansados de los sampleos.

¡“Summer of ‘69”!, me encontraba gritando después de que había acabado apenas el primer número, que fue “Do What You Gotta Do”, uno de los cuatro números que se presentaron del último álbum Get Up (2015). Adams, en esta visita por México; que incluyó previamente Monterrey, Guadalajara y Puebla; promociona el último álbum de hace dos años, así como otro greatest hits de su parte, llamado The Ultimate, que incluye dos rolas nuevas, y que sale a la venta en unos días… y esta noche escuchamos la canción que le da el título al disco recopilatorio.

Dejando de lado los detalles promocionales, “El Bryan” mezcló el nuevo material con los hits de antaño. Con su guitarra eléctrica dorada al hombro, presentó otras rolas contemporáneas como “Go Down Rockin’”, un número roquero bailable y “Brand New Day”, otra canción alegre que contrastaba con el video oficial, donde Helena Bonham Carter deambulaba en el background. Todo muy chido, pero, ¡“Summer of ’69”! le pedía, y nada, sin embargo, llegó la balada excelsa de “Heaven”, con un solo de la guitarra extendido y de fondo el firmamento lleno de estrellas, ¿cursi? puede ser, pero a semejante rolón se le perdona cualquier cosa.

El muy particular sentido del humor de Adams estuvo presente durante toda la noche, en su primera interacción con el público nos informó de algo completamente random. "Saben, en México es fácil encontrar comida vegetariana, esta mañana llamé al room service y pedí fajitas, guacamole, totopos y salsa verde. A la hora de la comida, llamé y pedí fajitas, guacamole, totopos y salsa verde. La operadora me dijo ‘¿Señor Adams, va a comer lo mismo?’ le dije ‘¡A huevo!’”, recordó el músico (y sí, dijo a huevo en español).

Inmediatamente le entraron a una prendidísima versión de “It’s Only Love”, puede que haya canciones más emblemáticas y más elegantes en el repertorio de Adams, pero este fue el punto álgido del concierto para mí, Adams y su requinto Keith Scott, le hicieron señales al camarógrafo para que se acercara y pudieran terminar la canción, el hombre no entendía o se hacía pato, hasta que se armó de valor, dio unos pasos y los dos guitarristas se aventaron un duelo mientras los filmaban de cerca con el público de fondo. Llegó “Summer of ‘69” y ni hablar, era Adams tocando su canción más emblemática, grité ¡“When The Stars Go Blue”! de Ryan Adams nada más para seguir siendo un troll.

El Palacio de los Deportes se había llenado a la mitad, taparon con tela algunas secciones del recinto que no estuvieron a la venta (lo cual ayudó con la acústica) y aunque no era mucha la audiencia, se escuchaba potente cuando todos coreaban cada canción.

No pudieron faltar las baladitas que en su momento fueron parte de algunos soundtracks famosos, estuvo Adams y su guitarra acústica interpretando “Here I Am” de la película animada Spirit, la banda completa en “(Everything I Do) I Do It For You” de Robin Hood: Prince of Thieves y (respira hondo) “All For Love” de Los Tres Mosqueteros. Eso estuvo bien, pero me di cuenta que "Have You Ever Really Loved A Woman?" siempre ha estado en otro nivel, musical y líricamente, no la escuchaba desde 1996 y fue grato volver a ver el video en la pantalla. Rolaza con guitarras españolas, pero no se escapa, seguramente de ser parte de algún soundtrack soso, y hay cosas que es mejor no averiguarlas.

Otra broma de Adams vino en el momento más explosivo, justo antes de que entrara la voz en “Somebody”, ocurrió un apagón y se anunció un intermedio de 10 minutos. Lo que sacó de onda al público; al regresar, Adams explicó que el chef del backstage había desconectado sin querer el sonido (en serio, eso dijo).

Fue una noche redonda para el músico canadiense y su banda, puede que un recinto más pequeño le hubiera quedado mejor, a la medida; pero la tocada fue íntima, potente, y memorable. Ahora, saca el Reckless y dale una repasada.

Princess Nokia — 1992 Deluxe

Un recorrido más amplio por la vida de Princess Nokia y sus historias de Nueva York.

En 2016 muchos aún no entendían la importancia de Destiny Frasqueri en la industria musical. Con su EP 1992 la emcee neoyorquina Princess Nokia, debutó en los oídos de gente que no buscaba nada y encontró una mina de rimas y sonidos característicos del Harlem en el que esta chica de ascendencia boricua creció y conoció la música, el amor y la vida. Una chica empoderada, que lleva con ella el estandarte del feminismo y la diversidad racial nos mostraba un panorama que habíamos obviado por bastante tiempo.

Con rimas filosas, punch lines que duelen y flows que se deslizan entre cada uno de los espacios sonoros de las bases que acompañan a la voz de esta mujer, Destiny se hace de un lugar en el que muchas buscan estar. Sin poder compararla con Azealia Banks y sus superproducciones que rayan en lo genérico; o con Young M.A con líneas crudas y que se dirigen más a cuestiones de la vida dura que se enfrenta en las calles de Brooklyn, Princess Nokia refresca el rap con sonidos frescos y llenos de sabores latinoamericanos y raíces africanas.

Para quien haya estado bajo una roca y no haya dado con 1992, su EP debut en el cuál nos deleitó con nueve tracks llenos de su esencia y confesiones, ahora vino a darnos una extended version agregando ocho nuevos cortes en los cuales no solo amplia su discurso, sino que lo retoma y lo escupe con un nuevo taste. Su sentido autobiográfico se hace más palpable y las letras en las que se abre con mayor sinceridad acerca de las experiencias que marcaron su vida se sienten más crudas y dolorosas.

El recorrido inicia con “Bart Simpson” (justo como en el EP de 2016) y el flow con el que van cayendo una a una las palabras de cada verso recuerdan al que escuchamos en la voz de Aesop Rock. Palabra tras palabra está escogida para que se acomode precisamente en la base rítmica y ocupe el lugar que le corresponde sin amontonarse en un himno para skaters adolescentes. “Tomboy” es una de las canciones más memorables del EP y hace voltear a ver a una Princess Nokia que se asume como aquella mujer con actitud de dude, que no teme decirlo ni hacer de ello un statement que deje ver su postura frente a su vida en Harlem, las fiestas de la cuadra y cómo puede conseguir a cualquier hombre incluso con sus little tities y su phat belly. “Kitana” vuelve a ocupar el tercer lugar del disco y con su poderosa base, la letra que grita una Destiny llena de rabia y ocupando aquel personaje del Mortal Kombat que siempre llevaba un par de abanicos afilados, casi tanto como las frases que suenan en la canción. El track siguiente es “Brujas”, aquí Nokia demanda respeto y habla de su ascendencia Yoruba y Puertorriqueña.

El resto de cortes que se repiten en esta Deluxe Version son “Saggy Denim” (con el featuring de Wiki), Mine, Green Line y Excellent mientras que Tweety Bird Freestyle desaparece el tracklist y en su lugar tenemos ABCs of New York, Goth Kid, Receipts, “G.O.A.T.”, Brick City, Flava, Differenty “Chinese Slippers”.

Quizá los dos tracks más poderosos de todo el disco (a excepción de los cuatro primeros que ya aparecían en el EP) sean ABCs of New York y “G.O.A.T.”. En ABCs of New York escuchamos Baby hairs and well done toes, single mothers carry those bummy sneakersWhat are those? y sentimos cada una de las voces que surgen como testimonios que retratan la vida de una chica en esas calles de New York sin que suene a denuncia, es más una crónica del día a día y el recuento de los daños anotados sobre el folio. “G.O.A.T.” es más dura, enalteciendo el ego de la joven que se sabe hermosa y poderosa al mismo tiempo, su voz se torna más oscura y su flow es más agresivo, la manera en la que escupe cada frase es concisa y no hay un rastro de aire después de que la última sílaba de cada palabra termina, su fraseo es más directo y con una clara influencia de la nueva ola del rap surgido en los edificios y trap houses de Atlanta, pero sin sacrificar su feminidad; cuenta su experiencia frente a la muerte en la que, con 17 años, recibió dos tiros a quema ropa, situación que la marcó y de la cuál resurgió para apropiarse de sí misma y tomar las riendas de quién es y quién siempre quiso ser.

El disco al final se torna monótono y con un cambio de dirección en este Deluxe con los tracks que se añaden a la versión original del EP de 2016, es un tanto difícil de escuchar, pero siendo sincero me deja un mejor sabor de boca y me hace ver a una Princess Nokia de manera más clara y poder apreciar toda su belleza y versatilidad en el rap game. En palabras de la propia Destiny, 1992 y la versión LP 1992 Deluxe son su sonido más real, su verdadera naturaleza musical y su voz sin filtros la que sale por las bocinas (o auriculares) y por ello, aunque sea a través de un sonido más bien plano y menos ambicioso, aplaudo su coraje y la búsqueda de su verdadera esencia en cada track. Habrá que escuchar su nuevo material y estar muy al pendiente de lo que esta chica tomboy nos puede ofrecer en un futuro cercano.

Kelela — Take Me Apart

El futuro del R&B está en buenas manos.

La muerte de Aaliyah en 2001 pausó la innovación en el R&B, permitiendo a sus entonces fanáticos (después productores) reinterpretar y aplicar la estructura impuesta por Timbaland en las últimas producciones hechas para la entonces Princesa del género. Lanzamientos como The Velvet Rope (1997) de Janet Jackson y Lovers Rock (2000) de Sade trabajaron simultáneamente al disco homónimo de Aaliyah (2001) para procesar una vanguardia en el género; que a pesar de ser artistas actuando en la órbita comercial, fusionaron la melodiosa sensualidad del género con la cultura experimental de entonces.

Aun con artistas como Solange, How To Dress Well o FKA Twigs aproximándose a una reapropiación contemporánea, es Kelela con su álbum debut Take Me Apart quien finalmente reanuda la búsqueda por la vanguardia en un género deformado por el insaciable intento de destacar.

Al EP le anteceden Cut 4 Me (2014) y Hallucinogen (2015), obras que definieron el rango creativo de Kelela y su equipo de productores (Arca, Jam City y Ariel Rechtshaid) que mantuvo para concretar el concepto de este disco, lleno de micro beats, sonidos y texturas fragmentadas que a diferencia de sus producciones pasadas, donde los beats industriales y espaciales contrastaban altamente con su voz, Take Me Apart agrupa ritmos sísmicos ("Blue Light") y distorsiones digitales ("Enough") donde la afinidad vocal de Kelela se instala por completo. La continua exploración de sí misma permanece en este disco, con canciones como "Jupiter" o "S.O.S." atendiendo la sexualidad o aceptando la permanencia en tu vida de alguien y del amor hacia esa persona en "Waitin'"; como un segundo acto de "A Message"(2015).

La estrategia de revivir el blueprint del R&B de los 90 está enfatizada en la entrega audiovisual de "LMK", donde resume la estética de entonces evocando a tres personajes en escenarios que invocan videos como "Crush on You" de Lil' Kim, "He Wasn't Man Enough" de Toni Braxton, "Rock With U" de Janet Jackson y "Money" de Charli Baltimore.

Aunque Aaliyah haya dejado un legado retomado por múltiples artistas, Kelela exalta sus capacidades en este disco, dando un giro futurista y aún más afinado en cuestiones técnicas, solidificando la constante aproximación experimental a su sonido en un producto innegablemente vanguardista.