Morrissey estrena canción

Posted on noviembre 7, 2017 by -

“Jacky’s Only Happy When She’s Up On The Stage” es lo nuevo de Morrissey.

El cantante británico está cada vez más cerca de publicar su onceavo álbum de estudio Low In High School, por lo que  ha revelado un tercer adelanto. Este llega después de que revelara el tema "I Wish You Lonely" y el video de "Spent The Day In Bed". Con opiniones divididas entre sus seguidores, el de Manchester busca convencer a todos con su nuevo sencillo promocional.

El reciente estreno de Morrissey se llama “Jacky’s Only Happy When She’s Up On The Stage”. Este tiene un intro crudo que recuerda mucho a The Smiths, pero en general el sonido se acerca a algunos temas de You Are The Quarry, como "Irish Blood, English Heart", "I Have, Forgiven Jesus" y "Let Me Kiss You".

El sencillo fue estrenado en la BBC Radio 6, junto al anuncio de que este track saldrá en formato de vinilo con un disco de siete pulgadas, el cual incluirá un cover de "You'll Be Gone", tema que se desprende del disco de Elvis Presley, Girl Happy.

El álbum de Morrissey, Low In Highschool, saldrá el próximo 17 de noviembre a través del sello discográfico BMG Records.

Puedes escuchar "Jacky’s Only Happy When She’s Up On The Stage" justo aquí:

#ImperdiblesIR presentados por AT&T: Corona Capital 2017

Posted on noviembre 7, 2017 by -

11 años de esta publicación, 11 bandas imperdibles en el cartel del Corona Capital 2017. AT&T e Indie Rocks! recomendamos.

La octava y ansiada edición de Corona Capital 2017 está a la vuelta de la esquina. El festival se ha caracterizado desde su creación en traer increíbles actos, conformando carteles que solo se veían en el extranjero, y con esto, ganándose el amor del público a lo largo de ocho años. Trayendo bandas de culto como Echo & The Bunnymen, Portishead, Pixies, Suede y The Psychedelic Furs, el festejo siempre ha sido en grande. Pero también Corona Capital nos ha traído presentaciones impresionantes que apenas surgen en la industria musical masiva, y que por ello, se sitúan en lo más bajo de la impresión del cartel. Ya sean propuestas que tienen un disco debut o bandas que simplemente valen la pena ver por su gran live show, así que para que vivas la #ExperineciaATT que te ofrece AT&T dentro del festival, hicimos un recuento de los 11 imperdibles que no debes dejar pasar el próximo 18 y 19 de noviembre en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez. ¡Nos vemos ahí!

Cherry Glazerr

Este grupo originario de Los Ángeles, California, está conformado por Tabor Allen (batería), Sasami Ashworth (sintetizadores), Devin O'Brien (bajo) y su líder, Clementine Creevy (guitarra y voz). El año pasado pudimos verlos en vivo, dando un show de noise pop muy bien amarrado, intenso en actitud y con naturalidad impresionante. Sin poses, sin vestuarios especiales, solo con el gran talento de estos chicos quienes han publicado tres materiales de larga duración –desde que Burger Record los descubrió–: Papa Cremp (2013), Haxel Princess (2014) y Apocalipstick (2017). Imperdibles para verlos por primera vez en México.

Circa Waves

Banda de indie potente y directo de Liverpool que se gestó en un festival de esa ciudad cuando se conocieron varios de sus miembros. El grupo comenzó a llamar la atención desde sus inicios en 2013, y comenzaron a tocar en pequeñas presentaciones y algunos shows secretos antes de su EP debut. Ya en 2015, la joven banda debutó su primer LP  Young Chasers y el éxito se incrementó llevándolos a una gira internacional que incluyó el Corona Capital. Hoy Circa Waves regresa al festival con un segundo material de estudio lanzado en Marzo: Different Creatures.

Daughter

Integrados por Elena Tonra (voz y guitarra), Igor Haefeli (guitarra) y Remi Aguilella (batería), Daughter es una banda de indie folk que nació en Londres, Inglaterra. Su disco debut If You Leave fue lanzado en el 2013, esta producción fue recibida favorablemente y un año más tarde compartieron escenario con Sigur Rós y The National. En el 2016 lanzaron Not to Disappear, material que se coló en el ranking de los mejores álbumes del año de Rough Trade y los 50 álbumes seleccionados por la revista The Skinny. Este año nos sorprendieron con el lanzamiento de Music From Before the Storm, el score del videojuego Life is Strange: Before the Storm.

Kehlani

A pesar de su corta edad, la cantautora Kehlani Ashley Parrish comenzó a llamar atención debido al novedoso sonido plasmado en su mixtapes Cloud 19 –incluido en la lista de los “50 mejores álbumes de 2014” de Complex– y You Should Be Here, que incluye una colaboración con Chance the Rapper.

A principios de 2017, Kehlani lanzó su álbum debut SweetSexySavage vía Atlantic Records, el cual ha generado críticas positivas destacando la frescura que este material brinda al R&B hoy en día. Si buscas liberar tu energía en la pista de baile, no debes perderte el show de esta californiana.

Joseph

Las hermanas Closner: Natalie, Alisson y Meegan formaron Joseph en 2014, una propuesta folk de Portland, Oregon. La música y letras del trío han logrado llegar a Lollapaloza, Coachella, Glastonbury y en unos días el Corona Capital. En su presentación podremos escuchar algunos temas de sus dos LP Native Dreamer Kin (2014) y I’m Alone, No You’re Not (2016),  además de lo más reciente incluido en su EP Stay Awake.  Sin duda una de las actuaciones que no te debes perder en esta edición 2017.

Banks & Steelz

El supergroup de hip hop conformado por el frontman de Interpol: Paul Banks, y RZA, uno de los miembros de Wu-Tang Clan, visitará por primera vez la Ciudad de México. Con un disco de larga duración bajo el brazo lanzado el año pasado, el dúo entrelaza sonidos de guitarras y sintetizadores, mostrando los mejores dotes artísticos de los gigantes de la industria. Con la voz inconfundible de Banks y las agresivas y políticas rimas de Steelz, el proyecto surge como una de las mejores propuestas de la década, llevando por un carrusel de emociones a su público. Un acto que seguramente dejará un muy buen sabor de boca, y que tal vez, sorprenda a muchos por el poder inmerso en cada uno de sus temas.

Washed Out

El joven Ernest Greene se ha encargado por 8 años de encaminar el proyecto Washed Out. Con atmósferas electrónicas, bajos hipnóticos y una melodiosa voz, ha plasmado a través de tres discos de larga duración y dos EPs, una propuesta que es difícil dejar pasar. Con su movimiento chillwave y su más reciente placa Mister Mellow en promoción lanzada este año, el músico de Georgia ofrecerá uno de los live shows más sobresalientes del festival. Su set dará inicio en la transición de que el sol se vaya y la noche cubra el autódromo, dejando a las luces encargadas de armonizar el escenario, y así convertir la presentación en uno de los momentos más memorables en la octava edición de Corona Capital.

Angel Olsen

Es una cantautora que se ha propuesto no ser una pop star. Con un EP y tres largas duración, la chica nacida Missouri ha desarrollado un peculiar y reconocible sonido indie folk. De su álbum My Woman (2016) se desprende "Shut Up Kiss Me", un tema en el que los sutiles arreglos lo fi ensamblan de gran manera con un registro vocal dulcemente estridente.

Anika

Con un proyecto experimental en solitario, llega la cantante Anika cuya propuesta mezcla géneros como el dub, electrónica y post punk. La también periodista regresa a México con su peculiar estilo de voz para presentar las oscuras composiciones integradas en su álbum homónimo y EP.

Whitney

La agrupación de Chicago es la nueva gran promesa del folk. Con solo un álbum de estudio Light Upon A Lake, han logrado llamar la atención de todos, obteniendo un discreto pero sólido grupo de seguidores y el aplauso de crítica por su sonido acústico que mezcla diferentes elementos que van desde la psicodelia hasta el country.

Mystery Jets

Desde el corazón de Londres, Inglaterra llegan los Mystery Jets, una de las bandas más destacadas durante la etapa indie a principios del nuevo siglo junto a The Maccabees, The Libertines y más. El grupo tiene una buena cantidad de fans y sin duda don uno de los imperdibles del Corona Capital.

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Echosmith — Inside a Dream (EP)

Posted on noviembre 7, 2017 by -

El nuevo sonido de Echosmith.

Echosmith está de regreso con el EP titulado Inside a Dream. Este nuevo material incluye siete temas y “Goodbye” fue el primer single lanzado por la banda, mostrando un lado más maduro y con un sonido totalmente diferente a lo que escuchamos en Talking Dreams, disco que los hizo saltar a la fama gracias al single titulado “Cool Kids”, hace ya cuatro años.

La banda californiana regresa a la música en grande con un sonido renovado y mostrando un gran crecimiento como grupo tras la salida de su guitarrista, Jamie. Ahora con Graham, en la batería, Sydney como vocalista y Noah quien canta y toca el bajo.

“Eso (la salida de Jamie) nos forzó literalmente a emprender un viaje para descubrir nuestro nuevo sonido. Aún tenemos guitarras eléctricas en este material, pero ya no son el centro de nuestra música”, comentó la vocalista de la banda, Sydney.

Con temas como “18” y “Future Me” el disco se pone en mood de fiesta y seguramente una de estas canciones serán su próximo hit a presentar acompañado de un visual, pues son canciones llenas de energía. Con los tracks “Lessons” y "Get Into My Car", nos presentan un sonido muy pop con letras intensas, la misma banda ha dicho que toman inspiración de cantantes pop como Katy Perry o Adele.

Los hermanos Sierota comenzaron su carrera musical interpretando desde su canal de YouTube covers de sus bandas favoritas como The Smiths, Coldplay, U2, mismas que han sido para ellos una gran influencia musical y que en las canciones “Hungry” y “Dear Wolrd” –que son parte de este nuevo material– demuestran un poco de esas influencias.

Con una corta carrera, y a pesar de su edad, han logrado conquistar a un público adolescente en Estados Unidos y también en México. Por el medio en el que se han desarrollado han logrado gustarle a un público que le gusta la música pop, y seguro con este nuevo disco lograrán llegar a más oídos.

Ahora como trío, los hermanos han anunciado –además del lanzamiento de su nuevo material– una serie de conciertos en su país, iniciando este mes de octubre en Kansas City y termina a mediados de noviembre en Washington. Seguro ya será para el próximo año que podremos disfrutar de su música en nuestro país.

Marilyn Manson — Heaven Upside Down

Posted on noviembre 7, 2017 by -

El artista-shock languidece en una entrega mediocre.

2017 no es 2007. Y 2007 no era 1997. Decía el filósofo griego Heráclito. “Ningún hombre puede cruzar el mismo río dos veces, porque ni el hombre ni el agua serán los mismos”, el tiempo y la experiencia alteran la consistencia previa, incluso podríamos dar por hecho que nada permanece igual, que todo se ve modificado por alguna razón. Por eso mismo no podemos esperar que Marilyn Manson suene como en 1996, que siga escribiendo como lo hacía en Antichrist Superstar o que represente lo mismo que cuando la iglesia y parte de grupos de la sociedad civil lo culpaban por la masacre en Columbine. El tiempo y la sociedad no son los mismos. Desde esa tragedia han sucedido muchas situaciones: Estados Unidos ha sido golpeado por ataques terroristas y víctima –nuevamente– de masacres estudiantiles y en centros de entretenimiento como festivales de música y salas de cine. Europa no ha salido ilesa de grupos radicales como ISIS; Inglaterra, España, Francia, Alemania y Noruega conocen el terror que implica enfrentarse a un enemigo sin rostro y sin piedad. En América Central y Latina experimentamos conflictos políticos, escándalos de corrupción, incremento de la violencia –en muchos casos por el poder del narco–. La principal crítica a la iglesia ha venido de ella, los casos sobre pederastia y desvío de recursos dentro de esta institución han sido ventilados por los medios de información. En México conocemos lo que significa el nombre de Marcial Maciel. Y el malvado de la película que vemos todos los días se llama Donald Trump y su principal enemigo... es él.

Manson, el personaje que ironizaba sobre la sociedad que venera la fama y la muerte, el ícono del heavy metal que podía burlarse del Papa en sus videos y generar un escándalo, hoy no es una amenaza para los grupos de poder en el mundo. Cuando asesina a Donald Trump en "SAY10" mientras deshoja una biblia, hace un chiste barato que no genera reflexión, que no inquieta por alguna argumentación, que no encuentra espacio en la narrativa cotidiana de la sobreinformación. El artista del shock ha perdido la estrella, no tiene el mismo potencial y no ha sabido transformar su personaje. Los fans del género y de la banda hemos sido abandonados por su figura y, peor aún, por su música que se ha vuelto arcaica. Imaginemos una línea que nos permita dividir en dos etapas la trayectoria de Brian Warner y la banda. La primera incluye el performance polifacético y la reinvención del sonido: heavy metal siniestro, enloquecido; industrial complejo; glam cristalino en su mejor producción Mechanical Animals; y rock and roll en el final de esta etapa, The Golden Age Of Grotesque. La segunda parte es el artista vencido por su popularidad, por el poco genio musical marchitándose con el paso de los años. Abandonó la tradición de combinar nombres de mujeres famosas y asesinos seriales en los integrantes de la banda, presentó cinco álbumes que no marcan un hito y dejó de ser una figura relevante por su crítica social.

Para su nuevo lanzamiento Heaven Upside Down, Manson vuelve a trabajar con Tyler Bates en un esfuerzo considerable, pero que sigue en la misma línea que el anterior (The Pale Emperor), y el anterior (Born Villain), y el anterior (The High End of Low), salvo algunas excepciones se trata de canciones aburridas, predecibles, sin mucha fuerza. El mayor acierto es que esta vez son menos de lo que normalmente presenta, diez, la decepción (como fan) es menor. Las primeras cuatro realmente son innecesarias, comenzando por “Revelation #12” y su coro inicial que se siente falso y ridículos gritando números del uno al diez, cuando la canción adquiere un poco de fuerza y cadencia, hace un coro forzado. El mejor atino de la producción es el sonido de la patrulla creando tensión en el desorden de instrumentos de la canción que deambulan sin dirección. “Tattooed in Reverse” es un tema lento, pesado, sin mucha gracia. Insiste en acercarse al country, pero ya demostró en The Pale Emperor que esa combinación no se le da. “WE KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE” no estaría mal si estuviéramos en otra década, heavy metal de acordes sencillos, rudo y crudo, demasiado simple para lo que él ha compuesto. Es el mismo caso de “SAY10”, pero si le agregamos un coro simplista y mediocre: “Tu dices Dios, yo digo Satán”.

Heaven Upside Down es un retroceso musical para un monstruo que destrozaba el escenario, que lo montaba y dominaba. Un antisistema. Warner sigue haciendo el papel de hace 20 años, sin mucha relevancia y con un sonido pobre. “KILL4ME” (¿en que momento pensó que era buena idea jugar con el sonido de los números para sustituir las palabras?) es una apuesta diferente, algo dance, con un riff cadente, un track a destacar de no ser porque parece producido por She Wants Revenge. Y aunque las piezas restantes son mucho más afortunadas, mejor logradas y conceptualizadas, no es suficiente para sostener un álbum. “Saturnalia”, el gótico de más de siete minutos que se arrastra como lo haría una serpiente, hipnótica y lentamente. “Blood Honey” parece haber salido de las sesiones de Mechanical Animals (sin la majestuosa producción), más dura y casi tan cínica como lo era “User Friendly”: “Te tengo amarrada y te encanta, amarrada y te encanta, ¿por qué debería dejarte libre?”.

No está muy claro por qué Marilyn Manson y Trent Reznor terminaron su relación, o por qué Zim Zum al igual que Ginger Fish, John 5, Tim Sköld, M.W. Gacy y en algún momento Twiggy Ramirez abandonaron la banda, pero una tragedia reciente deja qué pensar sobre una posible explicación a la decadente carrera del nacido en Florida. Scott Putesky, mejor conocido como Daisy Berkowitz en sus días dentro de la banda, falleció el 22 de octubre de este año tras una batalla contra el cáncer de colón. Fue uno de los miembros de fundadores de Marilyn Manson & The Spooky Kids, salió “por diferencias creativas” durante las sesiones de grabación de Antichrist Superstar, aunque algunos temas en los que participó se quedaron en el álbum como “Man That You Fear”. En su cuenta de Instagram, Brian Warner publicó una foto de ambos con el comentario relativo a su etapa en la que compusieron juntos haciendo “música genial”. Tal vez el éxito y la contundencia del grupo no se debía al genio del artista, sino a la mezcla de diferentes talentos y personalidades que le dieron fuerza creativa en sus mejores momentos.

Trillones regresa con música nueva

Posted on noviembre 6, 2017 by -

Nuevo música de Trillones para enamorar a tu computadora.

El concepto electrónico de Polo Vega A.K.A Trillones, siempre ha constado de un amplio margen aleatorio al momento de hacer música y “Voices”, su nuevo sencillo, no es de ninguna manera algo que se aleje de su habitual línea de trabajo.

Liberado a través de su cuenta oficial de Facebook, y sin elaborar un complicado proceso de difusión, este release acompañado de una colaboración con Andrea Villalón de Distrito Soledad y Cementerio de Mascotas, se presentó más como un regalo para el público que ansiosamente sigue la pista de este misterioso productor, quien a principios del año musicalizara la madrugada de Bahidorá.

“Voices”, es una odisea de cajas de ritmo que convergen en un melódico torbellino donde sorpresivamente, la voz de Andrea no se pierde entre el experimental proceso de Polo y mantiene una línea bastante reconocible (a diferencia de cuando Itzel Islas de Hey Chica!, participó con su voz en un sencillo de Trillones).

Música para enamorar a tu computadora y entender las voces detrás de la matrix. Mexicali sigue sonando duro y Trillones, aunque a veces silencioso, se mantiene vivo con la llegada de “Voices”.

Ahora te dejamos con "Voices" a continuación:

Entrevista con Russian Red

Posted on noviembre 6, 2017 by -

La importancia de estar bien contigo: Russian Red.

Es inevitable: después de cierto tiempo de estar inmerso en la misma rutina comienza a palpitar en nuestro pecho la necesidad de salir de esa zona de confort. Se vuelve prioridad romper con aquello que se ha convertido en un hábito antes de que la vida se nos siga yendo entre las manos.

Esto fue lo que tres años atrás le pasó a Lourdes Hernández, justo en el que parecía el momento más alto de su carrera. Tras mudarse de Madrid a Los Ángeles, la gira de Agent Cooper la llevó a recorrer prácticamente todo el mundo, hasta que sintió que era momento de parar para evaluar quién era y lo que quería hacer.

“En ese entonces me encontraba a las puertas de una nueva etapa. Me mudé a Los Ángeles porque era tiempo de expandirme creativamente y no solo hacer música, sino probar otras disciplinas”, mencionó Lourdes al teléfono, con una singular alegría que se sentía contagiosa a pesar de la distancia.

Irse a vivir a un continente distinto significa un reto para cualquier persona que lo intente. En este caso, cuando Lourdes llegó a Los Ángeles conocía a tan poca gente que incluso probó suerte sirviendo mesas para empaparse de esta nueva ciudad, su gente y su cultura.

“Tenemos un montón de vidas dentro de nuestra propia vida. A veces puedes sentir que naciste de nuevo: que eres otra persona, en otro lugar y que tiene otra familia, aunque sea imposible renacer. En Los Ángeles no tenía que ser la persona que era y encontré un valor enorme en eso. Fue una inyección de vida, de posibilidades y esperanzas”, aseguró.

Después de estos años de silencio, tras incursionar en la actuación y ser dueña de un increíble venue que se ha convertido en referencia obligada dentro del mundo del diseño y la organización de eventos, ¿por qué volver a la música?

“Mi relación con ella siempre ha sido íntima, nunca la dejé del todo”, confesó Lourdes. “No necesariamente tenía que lanzar un disco y salir de gira, pero en este caso simplemente no me podía negar. Es mi elemento”, agregó la cantante española que en 2012 recibiera la Medalla de la Comunidad de Madrid en distinción a su trabajo y trayectoria artística.

Volver al ojo público y a los escenarios con un álbum compuesto únicamente de covers parecía algo descabellado, pero Karaoke no es solo eso. “Paradójicamente es un disco que siento súper mío, todas esas canciones tienen un gran significado para mí”, contó Russian Red con cierto dejo de emoción en su voz. “Me lo tomé con muchísimo tiempo: quería hacer algo que fuera muy propio, pero sin canciones mías”, continuó.

Cerca del cierre de su última gira, Lourdes decidió cancelar las restantes fechas para volver a casa. Nadie entendía qué estaba pasando e incluso circularon ciertos rumores de su retiro. Pero, ¿qué fue realmente lo que la hizo frenar de golpe su carrera?

“Cuando sigues esta serie de shows interminables pierdes la perspectiva, o por lo menos fue lo que a mí me pasó. Por eso tuve que buscar mi propia fórmula para estar de vuelta en el escenario”, comentó sobre la manera automatizada de dar conciertos noche tras noche en giras que parecían interminables. “Seguir esos pasos estructurales que tenían que ver cada vez menos con el arte ya no me inspiraba”, aseguró.

El desgaste de estar siempre de gira en algún momento pasa la factura, en el caso de Lourdes fue más temprano que tarde pero para bien, pues la ayudó a replantear la manera de conectar con el público a través de sus presentaciones en directo.

“Tiene más valor elegir sitios diferentes y especiales para dar conciertos, tomarte un tiempo de descanso y luego volver. Por eso desarrollé este formato que es un recorrido por varias canciones de mi carrera más estas reversiones, pero bajo una temática de corte teatral”, dijo la también actriz que en el 2015 participó en el cortometraje El Beso de David Priego.

“Hay un hilo conductor durante todo el concierto, existe un contexto hablado y arreglos instrumentales que van más allá de las canciones. Es un show atemporal, que puede crecer con el paso del tiempo y se puede ir adaptando”, comentó acerca de sus conciertos el 4 de noviembre en El Plaza Condesa y el 5 en el Teatro Diana de Guadalajara.

En estos 10 años de carrera, Russian Red nos ha enseñado que sentirte bien con quien eres, donde estás y lo que estás haciendo es vital para poder brindarle algo a los demás; en este caso, música. No importa que el mundo entero se detenga si es que tiene que hacerlo.

Este 4 y 5 de noviembre tuvimos la oportunidad de ver a Lourdes en una nueva faceta artística para la que, hasta el momento, solo ha elegido a unos pocos afortunados para compartir. ¿Te lo perdiste?

Angel Olsen estrena tema: "Sans"

Posted on noviembre 6, 2017 by -

Previo a su participación en el Festival Corona Capital de este año, la cantautora oriunda de Missouri estrenó un adelanto de su próximo material Phases.

Con una guitarra acústica bajo el brazo, una grabación de baja calidad y la melodiosa y apasionada voz de Angel Olsen, la escritora y música de St. Louis, Missouri, nos lleva por tonalidades country en su nuevo tema "Sans". Este podría ser el último adelanto de Phases, ya que el nuevo material constituido como una colección de B Sides, rarezas y demos, incluyendo algunos temas inéditos, se estrenará este viernes.

A raíz del lanzamiento del años pasado de My Woman, Angel ha estado promocionando nueva música, que según la misma artista, son temas que tenía encapsulados y que por fin verán la luz en la nueva compilación. De dicha placa, ya nos había compartido un par de canciones: "Special" y “Fly on your wall”, mostrando su lado más calmado y repleto de sutiles baladas.

“'Sans' fue una canción que escribí entre Burn Your Fire y My Woman, algo corto y simple – pero sobre algo grande en mi vida: viajar y lo que puede hacer con la mente–. Cuando estás allá afuera y estás trabajando y moviéndote tan rápido es difícil imaginar un momento en donde estés completamente realizado y conocido. Sabes, es lo suficientemente difícil ser conocido cuando estás por ahí. Pero luego están esas personas en tu vida que te conocen y no te necesitan cerca todo el tiempo para ser o sentirse cercanos –supongo que es sobre eso también–". Esto en palabras de la misma Angel Olsen donde describe el trasfondo de lo que existe detrás de su trabajo.

Mientras esperamos la presentación de Olsen en México el próximo sábado 18 de noviembre en Corona Capital, te dejamos la grabación de "Sans" y una ejecución en vivo del tema en una sesión en KCRW.

 

Russian Red en El Plaza Condesa

Posted on noviembre 6, 2017 by -

Reencuentros y reafirmaciones con Russian Red.

Tres años, dos meses y veintiún días después de su última visita, Lourdes Hernández volvió a pisar un escenario mexicano. Tras cancelar las últimas fechas de la gira que acompañaba su disco más exitoso hasta el momento, Agent Cooper; y que se recluyera en Los Ángeles para redescubrirse a sí misma, la cantante española decidió volver a salir de gira, pero en esta ocasión bajo un formato sumamente especial.

Financiado por ella misma, el lanzamiento de Karaoke le brindó una nueva oportunidad de tomar su guitarra y reencontrarse con su público, uno de los más fieles, cariñosos y entregados que he visto jamás.

Con El Plaza Condesa casi en penumbra, cada uno de los integrantes de la banda fue tomando su lugar mientras saludaban a las personas sentadas en las primeras filas y tranquilamente se servían copas de vino. Finalmente, Lourdes salió al escenario con un vestido dorado y su guitarra para comenzar la noche con “It’s a Heartache”, original de Bonnie Tyler, y “Take My Breath Away” de Berlin.

Si bien siempre ha mantenido una estrecha comunicación con su audiencia durante los conciertos, sobre todo en México, en esta ocasión vimos a una Lourdes mucho más relajada y segura. Dirigió unas cálidas palabras al público y siguió con “Shout”, conocida por la mayoría de nosotros gracias a Tears For Fears; y “Everyday, Everynight”, de su segundo disco de estudio, Fuerteventura.

Recordando anécdotas de cuando era pequeña al lado de su hermana; o el sentimiento de mirarse tanto tiempo frente al espejo hasta no reconocerse a sí misma, siguieron “I Want To Break Free” de Queen, “Loving Strangers” y una versión recortada de “Casper” que hizo que varios se levantaran de la silla.

Con una introducción instrumental de “Fuerteventura”, Russian Red fue presentado uno a uno a los miembros de su banda, que incluía a su músico inseparable Brian Hunt y a su esposo. Le siguió su versión de “All That She Wants” de Ace of Base y un snippet de “La Vie en Rose”, durante el que su corista cantó un pequeño extracto en español.

Finalmente llegó el encore y tras dejar el escenario solo unos segundos, Lourdes volvió para regalarnos su versión de “Do You Really Want to Hurt Me” de Culture Club al lado de su banda completa y luego se quedó sola para tocar “A Hat”. Sin embargo, el público empezó a pedir “Todas Mis Palabras” y, sin más, tomó su guitarra y empezó cantarla, regalándonos el momento más entrañable de la noche.

Con “Cigarettes” llegó a su fin un íntimo concierto que todo el tiempo estuvo sumergido en una atmósfera de amor incondicional y cariño. En el que todos nos conectamos a través de las canciones y voz de Lourdes, y después del que quedó claro que pase lo que pase, nunca va a cambiar la relación que tiene Russian Red con México.

Circuit des Yeux — Reaching for Indigo

Posted on noviembre 6, 2017 by -

Reaching for Indigo, el soundtrack de una noche de lluvia.

Haley Fohr ha sido catalogada como la joven promesa del neo folk y no es para menos, pues desde que salió a la luz como Circuit des Yeux (Circuito Ocular) ha hecho un trabajo excepcional para llevar al género fuera de clichés y fórmulas gastadas de frases hechas y melancolía sin sentido.

En su quinto material discográfico vuelve a lograrlo. Sin necesidad de lamentos vanos y grietas en casas imaginarias, Reaching for Indigo suena como el soundtrack que quiero para la película de mi vida. Con sintetizadores y bases rítmicas acompañadas de sonidos vocales y de una naturaleza lejana, Haley crea atmósferas que nos envuelven y nos llevan a espacios de nuestra memoria que teníamos arrumbados, ¿o solo estoy proyectando? En fin, la manera en la que las piezas se conjuntan parece contar una historia en sí misma y se convierte en un viaje que nos hace caer y levantarnos en un solo acorde. Hay también una maduración notable en la creación de este nuevo álbum: se siente mucho más equilibrado entre lo rústico, lo irritable y fuertemente sentimental de la guitarra; y lo limpio y refrescante del sintetizador.

Su voz recoge los pedazos de corazón que han caído desde nuestros pechos y los levanta de una forma delicada.

Para dar contexto debemos decir que Reaching for Indigo fue escrito en un momento de transición en su vida, un momento en el que mudarse fue un paso importante y uno en el que despertó al mundo adulto.

“Paper Bag” es el tema central alrededor del cuál todo gira y toma forma. El disco es como un pequeño sistema planetario en el que cada tema es un planeta en sí mismo. La fuerza de gravedad es la vida personal de Haley, pero nos hace habitar en sus superficies y nos muestra que la vida puede germinar aún el el más inhóspito paisaje.

Además de la ya mencionada “Paper Bag” temas clave del LP son: “Black Fly”, “A story of This World Part II” y “Falling Blonde”.

Benjamin Clementine — I Tell a Fly

Posted on noviembre 6, 2017 by -

Amor expreso: El pop tétrico experimental de Benjamin Clementine.

En un mundo vuelto loco, la música ha sido un reflejo de las sociedades; con todos los conflictos en el Medio Oriente, un artista británico de color ha destacado por volverse refugiado y tocar descalzo en sus presentaciones, por contar una historia adversa y llena de dolor, por terminar sin casa y hablar sobre el amor entre dos moscas; si, dos moscas. Hablamos de Benjamin Clementine, un cantante nacido en Gran Bretaña que fue galardonado con el Mercury Prize por At Least For Now, al ser el mejor álbum del 2015 en aquel territorio.

Benjamin Clementine tiene un estilo particular, que si no han escuchado, asimila al gran James Brown y a Nina Simone; es un monstruo en ascenso en el pop teatral excéntrico. Con un sonido que se enfoca a lo clásico y a la ópera combinada con tonalidades en el soul y el folk, el cantante presenta I Tell A Fly, su segundo álbum de estudio, que se desarrolló por una idea tan bizarra como aquel amor entre dos moscas y que ejecuta cambios en el barítono, en los acentos y las personalidades, un juego con los arreglos dramáticos e inclusiones de clavicordio ornamental.

El álbum se compone de 11 canciones que él mismo escribió y produjo, además de crear sonidos experimentales. La que inaugura es “Farewell Sonata”, un track sombrío con coros a capela, que enaltecen la calidad vocal de Clementine. “God Save The Jungle” expone un pop barroco de catedral, lleno de sintetizadores emotivos, al igual que “Better Sorry Than Asafe”, con sus coros chillantes y tétricos.

Valiéndose de la música para expresar el dolor que su infancia le dejó, en “Phantom Of Aleppoville" expresa lo terrible del bullying que sufrió hace muchos años e imprime el sentir negativo de la situación en Alepo, aquella ciudad en Siria que, antes de los enfrentamientos, era la más poblada del país, y cuya población se redujo significativamente debido a la situación crítica del conflicto bélico.

La canción “Jupiter” podría ser considerada como la más comercial pues, en general, I Tell A Fly es un álbum underground, que se aleja de lo popular y cuyo contenido fue calificado por el mismo Benjamin como “el material más personal y experimental de sus dos grabaciones de estudio”. “Ave Dreamer” da muestra catedrática de la voz grave pero bien manejada por el británico, la voz que te quita el aliento da una emotiva constante.

Lo que sí se asegura con Benjamin Clementine es, que después del segundo álbum, que es crucial en el desarrollo de cualquier artista, podemos esperar lo inesperado. I Tell A Fly será el parteaguas en la carrera del británico y su estilo moderno y delicado llegará a aquellos que disfrutan de lo clásico en una tarde lluviosa de otoño.