Entrevista con Ariel Pink

Posted on febrero 7, 2018 by -

Foto Grant Singer

Ariel Pink, la música y Bobby Jameson.

Ariel Pink no es una mente fácil de entender, la combinación entre su extrovertida personalidad y la versatilidad de su música —que abarca géneros como el lo fi, rock, hypnagogic pop, chillwave, synth goth y rock and roll—, envueltos en una vibra experimental y un estilo DIY, trazan un complejo mapa de sus distintas facetas difícil de leer. Ariel Pink regresará a nuestro país para presentarse en Bahidorá y transportarnos a ese mundo bizarro y kitsch del que es parte, en lo que espera sea un “ambiente muy muy  agradable”.

Dedicated to Bobby Jameson —su reciente disco— se siente como un back in the day, ambientado por un sonido dream pop (“Feels Like Heaven”), punk (“Revenge of the Iceman”), funk (“Acting”) y psychodelic country (“Another Weekend”), pero sobre todo destaca un sentimiento de libertad e intimidad. “Quería grabar música, así que lo hice. Me gusta hacer música todo el tiempo, el disco no necesariamente muestra lo que estaba pensando. Si tuviera la oportunidad nunca publicaría nada, solo grabaría la música”, comentó Ariel al respecto.

Después de quedar conmovido por la historia de Bobby Jameson —que el mismo artista publicó en su blog; víctima del negocio musical, las drogas y el alcohol en su búsqueda por la fama, atrapado en un mundo depresivo, que lo llevó a un intento de suicidio—, Ariel Pink decidió honrar su memoria de alguna forma con su música. Al preguntarle si tenía algún parecido con Jameson contestó. “Algo que tiene Bobby Jameson es que se puede comparar con muchas personas. Creo que es un gran ejemplo, alguien muy honesto, un artista muy valiente”.

Líricamente, Dedicated to Bobby Jameson habla sobre el amor, la soledad y los recuerdos del pasado. Pero escribir nunca ha sido el fuerte de Ariel Pink, al preguntarle cómo hace que la música y letras se complementen respondió. “Intento capturarme, básicamente no escribo las letras hasta el último momento, de esta manera no tengo la oportunidad de editarlas, porque si las tuviera escritas días o meses antes, pasaría todos los días cambiándolas. No pienso en las letras, primero pienso en la música e improviso sobre eso, las escribo al último segundo-minuto, si son malas es como ‘oh no’, me engaño para bajar la guardia. Es vergonzoso, pero tengo que vivir con ello”.

Por casi 20 años, Ariel Pink ha creado un estilo único que lo ha colocado como uno de los artistas más prolíficos en la actualidad en la escena independiente, teniendo la oportunidad de colaborar con artistas de todo tipo como Weyes Blood, Miley Cyrus, Charli XCX, Theophilus London, Carly Rae Jepsen, Azealia Banks, John Maus, Phoenix, Dev Hynes, R. Stevie Moore y recientemente MGMT. Al pensar que el trabajar con otros artistas conlleva una parte divertida, le pregunto sobre eso. “¿Lo más divertido?, no tiene nada de gracioso. No sé si me gusta demasiado, pero es diferente dependiendo de la colaboración, siempre es distinto. Me gusta cuando no tienes que actuar bajo la impresión de alguien más, intento presentarme y nunca escuchar o recibir una canción de nuevo, eso no me concierne, pueden checar y usar lo que hice. Y es grandioso, no tengo que escuchar el producto final hasta que está terminado”.

Permanecer en la escena musical por 19 años no es fácil, sin embargo, Ariel Pink lo ha logrado en sus propios términos —“ser yo mismo, me ha llevado hasta donde estoy”—. Un sentimiento de satisfacción debe invadir su cuerpo, pero no es así, Ariel considera que su carrera no es “algo de lo que tenga que estar orgulloso; me pagan por hacer lo que hago, para poder hacer lo que hago, recibiendo dinero por lo que hago ”, no obstante agregó. “Lo amo, es una buena manera de sobrevivir diría yo. Soy muy afortunado, pero también estoy consciente de lo rápido que cambia el tiempo, la parte difícil es introducirte en la mente de las personas o llegar a un nuevo público, cada tour es diferente, muchos fans son viejos, pero la mayoría es gente nueva”. "Tiempo en el que he aprendido de todo; cómo tocar instrumentos, cómo grabar, cómo tener mi casa en orden, cómo lidiar con mi contador y con abogados, cómo confiar en mis instintos, expresarme y tratar de seguir aprendiendo constantemente”.

En la parte final de la entrevista antes de advertirme que el tiempo está por terminarse, le pregunto ¿cuál es la parte mágica de hacer música?, a lo que comentó. “No hay nada de mágico en ello, algo mágico es el milagro de la vida en general, el hecho de que estemos hablando en este momento, yo desde aquí y tú desde allá”. Concluyó con un rotundo “nada”, después de preguntarle sobre los planes que vienen para Ariel Pink.

 

Teen Daze — Themes for New Earth

Posted on febrero 7, 2018 by -

Siete meses viendo la Tierra: Teen Daze, Themes for New Earth.

Un día llega y te das cuenta de que no eres el mismo. Te ríes de lo que alguna vez dijiste en una carta de un cajón desordenado, te avergüenzas de lo que pensabas, quizá de lo que reflejabas, las personas con las que salías, la música que escuchabas, y quieres con todas tus fuerzas recordar lo que soñabas. Pero esos días son lejanos. Las experiencias son otras. Algunos le llaman a ese proceso madurar. Otros lo definen como naturaleza humana; lo cierto es que ese día nos llega a todos. Así como le llegó a Jamison Isaak.

Si estuvieran ahora mismo en Abbotsford, British Columbia, probablemente tendrían de frente la vista del Monte Baker, los árboles altísimos en derredor, a un amable interlocutor y el viento frío de Canadá. Ahí fue donde creció Jamison Isaak. Terminando sus estudios, descubrió que la música que hacía había sido reseñada en un blog, luego en otros más, luego en Pitchfork y la historia continuó. Había descubierto su verdadera vocación.

Teen Daze es un juego de palabras inteligente. La adolescencia aturdida y los días de adolescencia van de la mano. No se puede estar de otra manera durante esa edad. Todo confunde y a veces nada motiva. Encuentras palabras que posteriormente ya no son tu discurso. Un nombre que entona a la perfección con el proyecto de Isaak.

Foto Sharalee Prang

En sus primeros materiales podemos encontrar synth pop, incursiones en el chillwave y hasta el indie pop. Era música veraniega, para pasarla bien, para que las personas bailaran en los conciertos y la dedicaran en los muros de sus amigos y parejas. Lo que sí, es que Jamison siempre tuvo un oído educado, desde rock clásico y disco, hasta post rock y derivados.

Ahora nos situamos en el 2015 durante un viaje que hizo junto a su esposa. Siete meses de ver la Tierra. De conocer lugares, admirar la naturaleza y, lo fundamental, de abrir los ojos. La ansiedad previa al estar en un tour con personas y no poder salir a saludarlas, comenzó a desvanecerse cuando se enfocó en dar un mensaje. Así fue como Teen Daze pasó de ser una banda de las que abundan, a resignificarse en algo que busca comunicar. El estilo tenía que cambiar. Entonces recurrió al ambient.

Themes for New Earth (TFNE) es una especie de continuación a Themes For Dying Earth, disco que también publicó en el 2017. En el primero, la transformación no se veía del todo. Era un disco envolvente y atmosférico, pero todavía con vocales. En TFNE, Jamison se arriesga a dejar que la música cargue con el discurso. 36 minutos de canciones instrumentales que van de lo melancólico (“Shibuya Again”), a lo esperanzador (“On the Edge of a New Age”), y también a lo contemplativo (“An Alpine Forest”). Todos con el mismo mensaje: hagamos algo por el planeta Tierra. Hagamos algo por nuestro hogar.

Jamison Isaak ya no es el mismo. Y quiere que así como él se maravilló con lo hermoso y efímero de un cerezo, la gente encuentre inspiración en la belleza natural. Teen Daze es un remitente de los que importan, de los que necesitamos. Ya sea por lo que intenta transmitir, o por las canciones en sí, TFNE es un disco para los días de lluvia, las noches en vela, las caminatas que requieren musicalización, y para alguna carretera nocturna, una en la que todavía se puedan ver estrellas en los cielos abiertos.

Django Django — Marble Skies

Posted on febrero 7, 2018 by -

Spaghetti Western musicalizado con toques psicodélicos.

Django Django tiene muy marcadas sus influencias artísticas y ello responde a la necesidad artística de la banda de combinar sonidos de las películas spaghetti western con fragmentos de psicodelia, dream pop y synth pop. Su más reciente disco Marble Skies cumple con cada uno de los pasos para constituir el sonido que ellos han ido trabajando a través de su carrera musical.

A diferencia de sus entregas anteriores, en este nuevo LP, la banda elige un sonido más cercano a lo que bandas como Glass Animals, Local Natives o Chet Faker producen. Alejándose poco a poco del sonido psicodélico que los caracterizó en su primer álbum. La pregunta es: ¿Este cambio sonoro benefició a la banda?

Cuando se decide cambiar diametralmente de sonido, los músicos retan a su lado creativo para crear algo nuevo sin perder la esencia. Eso es lo que ocurre con Django Django, pues optaron por dejar la experimentación sonora y eligieron constituir un universo sonoro más estable que en este disco se puede notar. Sin embargo, la esencia de los británicos sigue ahí, pues dentro de ese sonido nuevo sigue presente la influencia de los scores de las películas sobre el oeste.

El disco se divide en 10 tracks que suman apenas 40 minutos, pero a pesar de ser un disco corto y muy cercano al EP, se siente completo. Constituido por una máxima artística de la banda, innovación. Si el disco puede definirse en una palabra sería ese, pues en una época de la reproducción técnica cualquier persona puede apropiarse de un sonido y explotarlo ad nauseam para vender su música, pero este cuarteto elige el camino de explorar nuevas combinaciones para generar algo nuevo.

Destacan por su versatilidad y diferencia las siguientes canciones: “Marble Skies”, “Tic Tac Toe”, “In Your Beat” y “Fountains”. Todas ellas representan la búsqueda por crear nuevos ambientes sonoros desde la particularidad de una banda. A pesar de las influencias notorias de otras agrupaciones y sonidos que aparecen, con esta obra Django Django abre un nuevo episodio en su carrera musical, un episodio sin un sonido definido. Así como las películas spaghetti western terminaban siempre diferente, el punto es cómo se cuenta la historia y eso siempre cambia. Así como en cada uno de sus álbumes el desarrollo siempre es diferente.

De Noruega para el mundo: boy pablo

Posted on febrero 6, 2018 by -

Pablo Muñóz o boy pablo es el chico noruego de 19 años que se está viralizando en internet por su música.

El proyecto musical surgió del talento de Pablo Muñoz, un chico noruego de padres chilenos, que empezó a estar inmerso en el mundo de la música desde los 13 años y a los 16 creó sus primeras canciones para lo que hoy es boy pablo.

Al principio, sus influencias fueron hacia el punk, pero después se inclinó más al indie. El primer sencillo que grabó fue "Flowers" gracias a su hermano quien creía en su gran virtud musical y de regalo navideño le dio un tiempo de estudio para que pudiera grabar su track.

De ahí su interés y amor por la música creció más y en un festival escolar tocó con una grupo de amigos, el éxito fue tanto que continuaron juntos y se unieron a boy pablo, formando actualmente la banda que la compone.

Su género es slacker rock, tiene un estilo melancólico pero al mismo tiempo feliz, sus letras y su onda musical llevan a recordar la época donde los pensamientos volaban y se volvían ideas sin pasar por filtros sociales que limitan y cierran la mente. boy pablo refleja los sentimientos de forma simple. Es la percepción de una persona de 19 años que vive su día a día con una pasión que le permite inmortalizar sus vivencias en música.

Sin duda boy pablo ha estado siendo tan viral en redes sociales, internet y plataformas digitales por su naturalidad y su estilo que se le asemeja a Mild High Club y Mac DeMarco. A su corta edad y con un grupo joven promete ser un éxito en la industria musical.

boy pablo tendrá su primer tour en Europa en 2018 donde presentará su primer EP Roy Pablo compuesto por seis temas lo fi con pop.

Éste es su sencillo principal y tiene video oficial, chécalo y déjate llevar con su encanto natural.

 

Los Viejos estrena clip para "Cuenta regresiva"

Posted on febrero 6, 2018 by -

El dúo de punk compartió un visual para uno de los temas de su más reciente producción.

Desde 2010, Jacobo y Eustequio formaron Los Viejos con la única comitiva de generar punk y riffs de gran envergadura. El 12 de abril del 2016 lanzaron Sociedad del miedo bajo el sello independiente Discos Intolerancia (Él Mató a un Policía Motorizado, Hong Kong Blood Opera, Thermo), que se convertiría en su segundo larga duración, y que en 2017 fue producido en versión vinilo de 12″ por Volcom Entertainment. Ahora, el dúo nos regala un videoclip para "Cuenta regresiva", segundo tema del LP.

El trabajo visual que fue grabado en las calles de Bogotá, capital de Colombia, muestra a Los Viejos luchando contra una sociedad que siempre está inmersa en sus dispositivos celulares. También se aprecian fragmentos de una presentación de la banda dentro del Auditorio Lumiere. El clip es sucesor de un trabajo fílmico de “Por eso cuando naces lloras”, video que tiene dos versiones, una oficial y otra grabada en el estudio Vesubio 34 por Miguel Fraíno, lugar donde se grabo el LP. A continuación puedes ver el clip grabado y editado por Manuel Pulido:

Desde la salida de Sociedad del Miedo, Los Viejos ha estado girando por distintos países y recorriendo gran parte de México. Actualmente, tienen en agenda solo una fecha el próximo 9 de febrero en Capilla de los Muertos ubicada en Mérida. Esperemos pronto tengamos música fresca de la excelente agrupación mexicana. Te dejamos su Facebook para que no les pierdas la pista.

Nuevo tema de Car Seat Headrest

Posted on febrero 6, 2018 by -

Foto carseatheadrest.com

Car Seat Headrest presenta una reciente versión de "My Boy".

La banda de Will Toledo está trabajando en su onceavo álbum de estudio, una reedición de Twin Fantasy, material con el que la banda de Virginia se dio a notar en 2011. Es por esta razón que el grupo ha publicado un nuevo tema.

El reciente estreno de Car Seat Headrest lleva el nombre de "My Boy", sencillo que abre Twin Fantasy (Face To Face). Esta canción sin duda suena mucho mejor que la versión original, ya que cuenta con una mejor producción, aunque manteniendo esa esencia lo fi y con sonidos distorsionados del disco self released.

Hasta ahora, con este lanzamiento, hemos podido escuchar cuatro nuevas grabaciones, entre las que están "Beach Life-In-Death", "Nervous Young Inhumans", y "Cute Thing". Estos ya están disponibles en todos los servicios de streaming.

El nuevo disco de Car Seat Headrest, Twin Fantasy (Face To Face) saldrá a la venta el próximo 16 de febrero a través del sello discográfico Matador Records (Courtney Barnett & Kurt Vile, Queens Of The Stone Age). Mientras que la edición original será publicada como parte de las celebraciones del Record Store Day el 21 de abril y será retitulado como Twin Fantasy (Mirror to Mirror).

Puedes escuchar ambas versiones de la canción "My Boy" justo aquí:

Dale play al clip "All The Stars" de Kendrick Lamar y SZA

Posted on febrero 6, 2018 by -

Checa el videoclip de uno de los temas que están bajo la curaduría de Kendrick Lamar y que formará parte de Black Panther.

A unos días de que la película Black Panther sea presentada al público se ha dado a conocer el video del track "All The Stars", la rola en la que Kendrick Lamar y SZA colaboraron.

Para crear la pieza audiovisual de esta canción —que cuenta con tintes synthpop ochentero— se eligió a Dave Meyers. Aquí podemos ver una representación de lo que es la cultura de Wakanda, nación ficticia creada por la franquicia de comics Marvel.

Baile, elementos dorados y panteras, son los protagonistas de este metraje, donde también se aprecia a Lamar y SZA interpretando la pegajosa canción.

Dale play a continuación:

Hace unos días se dio a conocer la unión que tuvo Kendrick Lamar junto a  The Weeknd en la canción “Pray For Me”, una rola con elementos R&B que se mezclan con sintetizadores y cuyas líricas rapeadas por Lamar nos hablan sobre la lealtad, sacrificio y redención.

Como parte de su curaduría de la banda sonora del nuevo filme de Marvel, Black Panther, el rapero originario de Compton ha estado al pie del cañón para dar a conocer el resto de las canciones que conformarán Black Panther the Album Music From and Inspired By.

Nuevo tema de Arcade Fire con RAM

Posted on febrero 6, 2018 by -

Foto: UTD

Arcade Fire lanza "Ann Ale! (Let's Go!)" como tema oficial de su propio festival en Nueva Orleans.

A pesar de que el grupo liderado por Win Butler y Régine Chassagne publicó su quinto álbum de estudio el año pasado no han parado con los estrenos, sobre todo si se trata de colaboraciones. Es por eso que no sorprende que los canadienses hayan revelado un nuevo tema, el cual cuenta con la participación de la banda haitiana RAM.

Lo nuevo de Arcade Fire se llama "Ann Ale! (Let's Go!)" y será el tema oficial de la primera edición del Krewe du Kanaval, un festival de un solo día en Nueva Orleans, Estados Unidos, organizado por los mismos Butler y Chassagne con la ayuda de los coordinadores del Preservation Hall.

El evento se celebrará el próximo 6 de febrero y contará con presentaciones del Preservation Hall Jazz Band, la ya mencionada banda RAM y algunos de los miembros de Arcade Fire. Todas las ganancias irán al Preservation Hall Foundation y a KANPE, fundación que creó Régine en beneficio de la gente de Haití.

Puedes entrar en la página web del festival para ver el itinerario, comprar merch oficial, escuchar su playlist y donar a las diferentes fundaciones que apoyarán.

Puedes escuchar "Anne Ale! (Let's Go!)" justo aquí:

Rhye — Blood

Posted on febrero 6, 2018 by -

Blood: mismo placer, nuevas formas de llegar a él.

En épocas donde el sexo se ha devaluado al grado de convertirse en algo más corriente que común para la generación actual, e incluso, el tema en la música actual –en ciertos géneros de convocatoria masiva– se aborda con un lenguaje hasta vulgar; una propuesta como la de Rhye se dignifica por tratar la intimidad entre dos personas, algo que puede ser tan delicado como salvaje, de la manera más sensual y cautivadora posible, representado en todas sus aristas sonoras. Rescatando aspectos vocales de Sade en una voz masculina capaz de erizar la piel, combinada a electrónica pop sutil, arreglos sofisticados y con la mayor delicadeza posible; el proyecto del canadiense Mike Milosh, ayudado por Robin Hannibal en aquel Woman (2013) golpeó un nicho que atesoró aquel disco y fue cosechando tanto fans como renombre a lo largo de estos cinco años, años donde además, en una extensa gira y tras afianzar el trabajo con sus músicos, fue que Blood tomó forma y literalmente: cuerpo.

Y es que ahora Rhye no es un dueto, sino una banda encabezada por Milosh y Blood, es el producto de las ideas de su líder, desarrolladas en conjunto a sus compañeros. Sin embargo, como todo buen perfume, el resultado es un tanto diferente a su antecesor pero manteniendo intacta su esencia. El estilo de Rhye no se ha diluido, es solo que los matices cambian; ya no es ese sonido de seda de hace cinco años, es algo más orgánico pero que tampoco sacrifica sus puntos fuertes. Ritmos calmados, meditativos, cadentes como "Waste", "Please", "Blood Knows" o "Softly" siguen teniendo el poder abductor de Woman; pero es el hi-hat y el bombo los que hacen de esta experiencia algo más natural contrastando con el sonido fino de su pasado. La voz de Milosh se consume como un incienso de aroma cautivador y entre ese espectro se aprecia su tejido apoyado en violines y chelos con mayor protagonismo así como toques de guitarra eléctrica y bucles para dar mayor amplitud al resultado. Eso sin mencionar que el ensamble vocal y el teclado de "Softly" es de lo mejor de toda la colección.

Foto: Geneviève Medow Jenkins

Basado en esta banda que respalda el nuevo trabajo, se percibe en momentos las ejecuciones minimalistas de todos, de ahí que "Count To Five" o "Taste" se sientan a ratos como trip hop con algo de funk en sus rasgueos de guitarra, muy similar también en los esbeltos movimientos de bajo empleados en "Phoenix" que poco a poco va a remarcando sus puntos hasta llegar a unas notas acuosas que interactúan con un ligero pero punzante solo de guitarra. En esa linea "Feel Your Weight" con una sonaja permanente mantiene latente el ritmo con algunos tintineos luminiscentes sumando además, de nuevo las guitarras muy a lo Nile Rodgers. Aunque, la adición más notoria del instrumento de seis cuerdas está en la final "Sinful", que entre el platillo y un constante hilar acústico consigue ascender conjunto a violines tensos hasta un momento estremecedor donde Milosh exclama "I wouldn't love you wrong".

Mike Milosh y los suyos tenían todo puesto para haber hecho una segunda parte de su debut, especialmente viendo lo bien que su música envejece, así que por ello mismo es un intento valiente y avante dado que aún con estos cambios y la creciente fama, la reiterada esencia de su líder no ha sido perturbada. Cada verso y palabra siguen surtiendo el mismo efecto, incluso en algo tan declaradamente llamado "Song For You", pero al escuchar esos ritmos con side-sticks y los tenues slides de guitarra es innegable que Milosh sabe dónde está el punto de placer auditivo y lo sabe desde 2013, pero aun así, ha encontrado una nueva forma de llegar a él.

 

of Montreal versiona a Molly Drake

Posted on febrero 6, 2018 by -

Foto de Ebru Yildiz

La agrupación originada en Georgia reinterpretó un tema de la artista y poeta de nacionalidad inglesa.

En el espíritu de la temporada de Hallmark, Amazon está actualizando sus listas de reproducción originales del Día de San Valentín: Love Me y Love Me Not. En la primera, se podrán escuchar temas del líder de The Black Keys, Dan Auerbach, al igual que Common Holly, que versiona a Frank Ocean. En Love Me Not, los veteranos of Montreal, que recientemente anunciaron un nuevo álbum, cubren a la poeta y artista inglesa Molly Drake, quien además es madre del músico Nick Drake.

"Escuché por primera vez la música de Molly Drake en un documental de Nick Drake que vi hace unos años. Me conmovió la elegancia y la triste belleza de su trabajo. He llegado a adorar y atesorar todas sus canciones. Elegí cubrir "Love Isn't a Right" porque me pareció relevante para mi propia vida, ya que recientemente me he enamorado. Me gusta que la canción sea instructiva y profunda, pero también lúdica e inteligente de una manera que las canciones sobre el amor a menudo no lo son", esto en palabras del frontman de of Montreal, Kevin Barnes. Aquí puedes escuchar tanto la canción original como el cover:

Las listas de reproducción saldrán en su totalidad el próximo 9 de febrero a través de Amazon Music Unlimited, pero hasta ahora se sabe de la participación de Alexi Murdoch junto al productor Valgeir Sigurðsson, Nico Mulhy, Screaming Females, Jay Som y Sam Outlaw.

Por otro lado, of Montreal iniciará su gira promocional para White Is Relic/Irrealis Mood el próximo 3 de marzo en el Festival Nrmal 2018 junto a Sleep, Cornelius, y Mac DeMarco. El LP saldrá el 9 de marzo bajo el sello independiente de Illinois, Polyvinyl Records. Adicionalmente, recorrerá diversos países en Europa, así como algunas ciudades de Estados Unidos.