Planeta No estrena sencillo

La banda pop chilena Planeta No reaparece en la escena musical con su “Peligro”.

Como un adelanto de lo que será su segundo álbum de larga duración, Planeta No nos entrega un tema que cuenta con influencias que recuerdan la identidad latina, mezcladas con pinceladas de electro pop que contrastan con el sonido más guitarrístico de su debut.

"La letra trata de una relación posesiva, cantada desde distintas perspectivas. Para la grabación juntamos equipos de todos y nos organizamos para hacer la mayor parte en la casa, trabajando mucho en equipo y buscando dedicarnos a disfrutar la música que hacemos, más que estresarnos con la exigencia técnica", describió la agrupación.

Para acompañar la canción está su videoclip oficial, dirigido por Cristián Pino (Fármacos, Miss Garrison), lleno de baile y sensualidad con una coreografía a cargo del bailarín Andrés Salas. Mira a continuación.

“Peligro” fue producida por Fernando Herrera (Gepe, Nicole, Francisca Valenzuela), y masterizada por Dave Kutch (Camila Cabello). Es el primer corte de lo que será el próximo disco que la banda lanzará en el mes de octubre.

Recientemente los chilenos visitaron nuestro país durante el Festival Marvin. Conformados por cinco integrantes, Planeta No ha ganado popularidad a partir de su EP debut Matucana y su larga duración Odio, a partir de sencillos como “Sol a sol” y “El campo” han pisado festivales como Lollapalooza y Primavera Sound, además de que se han presentado en múltiples países.

 

Escucha nuevos temas de Clubz

Foto: Marina de Luis

El álbum debut de Clubz cada vez está más cerca, escucha lo más nuevo.

En los últimos meses Clubz ha estado dando de que hablar gracias a su propuesta cuyo sonido electro pop los ha colocado en el gusto del público. Previo al estreno de su LP Destellos ha dado a conocer dos nuevas canciones de un jalón.

Los tracks en cuestión son: "Templos", una canción sobre el desamor y "Palmeras", una metáfora inspirada en la acción de cerrar los ojos. De igual manera cada single ya tiene su videoclip oficial que simulan ser parte de un filme taquillero de los años 80. Ambos fueron dirigidos por Fuerzas Básicas.

Dale play a "Templos" a continuación:

Para "Palmeras" la agrupación optó por subir el clip a Apple Music en el que podemos ver a Coco y Orlando recibiendo señales de seres de otra dimensión como precaución y evitar ser capturados por agentes anti-extraterrestres. Te dejamos el enlace aquí para que veas el final de la trama.

Clubz en su corta trayectoria ha tenido hitos importantes gracias a su sonido que mezcla guitarras, pedales, sintetizadores y cajas de ritmos.

Revive nuestra entrevista con el proyecto mexa en el que nos cuentan sobre su propuesta y sus inspiraciones para Destellos que verá la luz a finales de septiembre.

Damon Albarn confirma dos álbumes

El lanzamiento de dos materiales discográficos se suma al apretado itinerario de Damon Albarn.

A mediados de junio de este año, Damon Albarn fue invitado a la estación de radio Beats 1. Durante la entrevista que mantuvo con Zane Lowe, el líder de Gorillaz y Blur expresó que The Now Now sería solo una parte del rompecabezas del 2018. Desde entonces, las expectativas del trabajo colaborativo con Paul Simonon (The Clash), Tony Allen y Simon Tong (The Verve) se elevaron al plantear la posibilidad de un séptimo material discográfico de Gorillaz.

Dentro de la euforia por el regreso de Gorillaz a la Ciudad de México el próximo 24 de octubre, las especulaciones sobre el prolífico trabajo del músico fueron confirmadas este fin de semana durante una charla en Radio FM4. Al describirse a sí mismo como un 'esquizofrénico funcional', Albarn confirmó. "Tengo otro [álbum], pero sé que no se me permitirá ni siquiera pensar en grabar o publicar este año. En octubre, después de tocar en Estados Unidos, comenzaré The Good, The Bad & The Queen otra vez... está allí. Si tengo tiempo, o si alguien lo quiere, está allí ".

Si bien no se pueden revelar más detalles de sus futuros proyectos, puede tenerse la certeza de que las promesas musicales de Damon Albarn protagonizarán los últimos meses de este año, pues además de mantener a sus fans en espera de más información acerca de sus constantes paradas en Sudáfrica, el material discográfico con The Good, The Bad & The Queen apunta a compensar los siete años que han pasado desde su presentación en The Coronet. Sin contar con el nombre o la fecha exacta de lanzamiento, el trabajo conjunto del supergrupo integrado por Albarn, Simonon, Allen y Tong se caracteriza por estar bajo la producción de Tony Visconti –reconocido por su trabajo con David Bowie desde 1969– y por una narrativa que se apoya en la atmósfera de un bar ubicado al norte de Inglaterra.

A continuación puedes escuchar la entrevista completa con Radio FM4:

 

Blood Orange estrena el clip "Saint"

El viernes pasado Blood Orange nos compartió su nuevo álbum y para darle difusión ha dado a conocer un clip.

Como parte de su placa Negro Swan —estrenada el pasado viernes—, Blood Orange ha subido a su cuenta de YouTube el videoclip del track "Saint", una canción que está dedicada a una persona especial que consideraba una figura venerable.

El videoclip estuvo a cargo del propio Dev Hynes y se puede ver al cantante interpretar el tema en medio de una reunión de amigos en un departamento, en el que el también productor toca instrumentos como el violín, la caja de ritmos y un teclado.

¡Dale play!

“Mi más reciente álbum es una exploración de mis propios y muchos tipos de depresión negra, una mirada honesta a los rincones de la existencia negra y las ansiedades constantes de las personas homosexuales / de color. Un regreso a la infancia y los traumas modernos, y las cosas que hacemos para superarlo", declaró el oriundo de Londres, Inglaterra sobre este proyecto.

Negro Swan ya está disponible en formato digital y físico. Además hay una edición deluxe que incluye un LP color oro edición limitada con un póster de dos vistas, y viene con MP3, esta presentación está disponible en la tienda de Domino Records.

Si no lo has escuchado te lo dejamos aquí:

Jimmy Eat World en El Plaza Condesa

Es mejor disculparse que dar excusas.

Domingo de resurrección para algunos, de redención para otros, la lluvia que nos ha acosado las últimas semanas y que por lo menos ha sido compasiva esta tarde de camino a El Plaza Condesa a comparación de otros días. Kill Aniston y sus esbozos del pasado cuando los veíamos tocar casi al ras del suelo, un gran escenario no les pesa, el tiempo no los debilita, la emoción permanece, y la gran ejecución persiste. Say Ocean y su alegría que no termina de cuajar, discretas emociones, tal vez el ánimo festivo no contagia tanto como en otras ocasiones, tal vez estamos demasiado cansados, pero los primeros acordes de Jimmy Eat World nos recuerdan por qué acudimos ansiosos: por verlos por primera vez de forma estelar, por disfrutar su set completo más allá de un festival, por descubrir antes que esperar.

“Sure and Certain”, el momento y el lugar correctos, “I Will Steal You Back”, los primeros coros al unísono, el gran recibimiento para una banda que hemos esperado demasiado, “Big Casino” para perseguir la luz que en tiempos remotos nos hacía ansiar un concierto como este, tanto tiempo que tuvimos que aguantar, tantas cosas que tuvimos que pasar. “For Me This Is Heaven”, la conjunción melódica, el perfecto delirar sonoro, las primeras palabras de Jim Adkins: “es mejor disculparse que dar excusas, así es que perdón por tardarnos tanto en venir”, y la ausencia se recompensa al compás de “Futures”, y así el recorrido por su obra discográfica.

“Polaris” como todo lo que realmente necesitamos: música confortable, acordes para que cerremos los ojos, devaneos instrumentales para que nuestro cuerpo pierda el control. “Pain” como remedio perfecto para todo aquello que nos aqueja, tendremos que volver a la rutina después de apreciar en directo la música que tanto nos alivia, disfrutamos el momento entre los amigos entrañables que entre desvelos repetían las mismas playlists, cantar hasta ahogarnos, movernos por inercia, emular los solos de guitarra y los redobles de la batería. “Pass The Baby” para dejar en claro que Integrity Blues es una evolución más que un forzoso afán de persistencia, que los géneros musicales mutan de formas tan diversas, que al final la creatividad gana ante el estancamiento o el aferrarse al pasado, a lo comercial, a lo que tiene que trascender casi a la fuerza.

“Just Tonight”, momentos que debemos de aprovechar sin miedo, instantes que no debemos dejar ir como las personas que un día deciden desaparecer, sentimientos que se esfumaron cual trago de cerveza, personas a las cuales ya no les queremos hablar, pero la música que persiste nos hace ser mejores. “Get it Faster”, el regreso de golpe a los primeros días, al descubrimiento de la banda que sobrevivió de cierta forma a una camada de agrupaciones que se fueron perdiendo entre la obligación de hacer hits o la pérdida absoluta de inspiración. Los coros curiosos que nos siguen alimentando el alma y moviendo nuestras entrañas. “Get Right” porque tal vez ya no somos los mismos pero seguimos sintiendo de la forma correcta. "If You Don't, Don't", porque muchas cosas que salen mal dependen de nosotros, por todas esas cosas que debimos decir, por todos los sentimientos que no pudimos expresar de la manera correcta, porque hay cosas que simplemente no se dan a la fuerza: “If you don't, well honey, then you don't”, a fuerza ni los zapatos entran.

“It Matters”, la calma obligada, “Lucky Denver Mint” y lo mejor que está por llegar, “Always Be”, rompe el silencio, todo se pondrá cada vez más difícil pero tendrás que superarlo, “Hear You Me”, canta conmigo, estaremos bien siempre y cuando haya música para salvarnos. “Love Never” para aclarar el camino creativo de Jimmy Eat World: siempre abogando por la inventiva antes que la forzosa ansia de crear hits, la armonía perfecta, la apreciación ideal en directo, la demostración de que las grandes bandas también se glorifican en pequeños escenarios y con producciones discretas.

“23”, un número, una edad, los años que pasan, los instantes que recordamos, las cifras que nos aterran, los balances que nos estresan, pero por un momento al escuchar y cerrar los ojos y cantar, la normalidad y la calma nos reconfortan. “Bleed American” pare recordar el instante en el que Jimmy entró a nuestras vidas como un amigo imaginario que tal vez olvidaríamos, pero que nunca dejaríamos atrás. Involuciones frenéticas, puños al aire, mañana volveremos a la normalidad pero esta noche debemos agrietarnos la garganta con los coros de “Sweetness”, "sing it back", el momento cumbre para avivar la nostalgia y regresarnos el ansiado deseo complacido por escuchar esas canciones en directo que tanto nos encantaron: “The Middle”, la fiesta en la que siempre quisimos estar, la situación en la que tal vez nunca supimos como reaccionar, pero finalmente, intentamos lo mejor que podemos, todo estará bien, que nada nos preocupe aunque sea por un instante, no importa si no somos lo suficiente perfectos para alguien más, todo estará bien.

Y todo terminó maravillosamente ante la despedida de Jimmy emocionado después de comerse a El Plaza Condesa, sin importar qué pensarán de nosotros aquellos corazones amargados que se quedaron fuera de un gran concierto que tanto tuvimos que esperar.

PREMIERE: Upgrayedd Smurphy estrena video

Checa este nuevo visual de Upgrayedd Smurphy para su canción "Palmera".

Luego de su impactante presentación en el festival NRMAL hace tan solo unos meses, la productora y DJ mexicana publicó su más reciente álbum #PENÍNSULA como un homenaje a la península de Yucatán. Este material, en palabras de la artista, está hecho para bailar, dedicado al cuerpo y su poder de transformación.

Ahora, Upgrayedd Smurphy estrena el video musical para "Palmera", uno de los temas extraídos de dicha producción. "Es una pieza dinámica que cambia de principio a fin, similar a una palmera desde su raíz hasta su palma", comenta la productora acerca de la melodía.

En el clip podemos ver a Upgrayedd Smurphy ejecutar una coreografía junto a unas bailarinas frente al Muro Articulado, una escultura de Herbert Bayer ubicada en el trébol vial de la avenida Insurgentes Sur y Periférico. También se aprecian meticulosos cortes en las imágenes que emulan la estructura de la escultura, lo cual en combinación con la música, crean una experiencia visual única.

Cabe mencionar que esta es otra entrega de la serie desarrollada por Mov Mag titulada Sounds Good, la cual busca difundir al talento nacional al mismo tiempo que se muestran distintos puntos arquitectónicos de la llamada Ruta de la Amistad. Para ver los otros episodios, haz clic aquí.

Mira el video de Upgrayedd Smuprhy a continuación, más abajo podrás encontrar los créditos:

Sounds Good: Episodio IV
Dirección de Producción: Oswaldo Erréve
Producción: Oswaldo Erréve / Azucena Baeza / Sntg Vvs
Fotos: Oswaldo Erréve
Edición de video y foto: Oswaldo Erréve
Dirección de Arte: Sntg Vvs
Música: "Palmera" interpretada por Upgrayedd Smurphy
Escultura: "Muro Articulado" de Herbert Bayer
Maquillaje: Cholas x Chulas
MUA/Styling: Em Flores
Ropa: Deerton MX
Danza y coreografía: Dilery Sánchez / Dalia Xiuhcoatl
Realizado con el apoyo de Patronato Ruta de la Amistad A.C.

Mac Miller — Swimming

El mejor disco de su carrera con la única ambición de “estar bien”.

"My regrets looks just like texts I shouldn't send…" con estas líneas abre el quinto disco de estudio del rapero, cantautor, productor y multiinstrumentista originario de Pittsburgh, Pennsylvania.

Rodeado de un aura de controversias debido a su no tan reciente ruptura con quien fuera su pareja, colaboradora y musa por dos años: Ariana Grande; además de un arresto después de conducir bajo la influencia de alcohol y narcóticos y chocar contra un poste eléctrico en California, el disco es un punto medio entre una disculpa pública y una carta de despedida para Grande. Y al final es más que eso.

Miller nos entrega 13 tracks en los que vemos su perfil más vulnerable y trasparente y es que aunque a lo largo de los últimos cinco años ha sido bastante abierto con respecto a temas como el consumo de drogas y su salud mental (Macadelic, Watching Movies With the Sound Off, Faces, GOOD:AM y The Divine Femenine sirvan como pruebas) en Swimming encontramos a un Mac Miller más introspectivo y sincero que nunca. El disco comienza con una canción que en realidad funciona más como prelude del álbum en sí: “Come Back to Earth” y sintetiza lo que significa este material para el MC con respecto a todo aquello por lo que ha tenido que pasar: “… and I was just drowning but now Im swimming”.

Infravalorado: es ironía hecha música, pues es al mismo tiempo una obra maestra y un disco que no busca la grandeza, lo cuál quizá se deba a que para llegar a nuestros oídos tardó dos años enteros en gestarse, dos años en los que podemos estar seguros de que las emociones y sentimientos del propio Miller cambiaron radicalmente a lo largo de los meses, y en los que tuvo tiempo para reflexionar y meditar sobre su carrera y su propia vida.

Escuché por primera vez a Mac por allá de 2010 con “Live Free”, un track incluido en su mixtape The High Life y creo que es justo decir que, desde ese momento, Mac y yo tenemos una historia bastante cercana. Después de cuatro LPs, múltiples maquetas y un lista de alter egos con los que ha hecho desde EPs hasta discos colaborativos con otros raperos, estamos frente al mejor álbum de Miller de toda su carrera e incluso, me atrevo a decir, frente a la mejor versión del mismo Malcolm. Su música ha madurado y viceversa. Su estilo ha escalado desde su cuestionado frat-rap con el que saltó a la fama hasta convertirse en un referente del camino alternativo de un rapero que no suena ni a Kendrick Lamar ni a Drake. Su sonido se ha decantado por un R&B mezclado con funk y jazz mientras que su lírica ha explorado temas más oscuros, personales y difíciles.

El segundo track del álbum es “Hurt Feelings”, producido por J.Cole y Pharrell Williams, nos recuerda temas como “Brand Name” y “100 Grandkids” del GOOD:AM por el delivery y el ritmo de sus raps además de que la atmósfera general del corte tiene notorias reminiscencias al material de 2015. En el que habla de tomarse tiempo para estar fuera de problemas, de su vida como un cambio constante y de cómo aquel choque en una van Mercedes lo hizo despertar de una caída en picada. Le sigue “What’s the Use?” en la que comparte créditos con Snoop Dogg en los coros y con Thundercat en el bajo y los vocales de fondo. Un tema lleno de funk y groove con el que mientras nos pone a bailar se cuestiona la necesidad de su propia adicción.

“Perfecto” y el single “Self Care” (acompañado de un videoclip magistralmente logrado con referencias a Kill Bill Volume 2) son dos temas contundentes y en los que encontramos claros mensajes a su pasada relación con Ariana Grande. En ambos podemos escuchar a un Mac Miller maduro y completamente consciente de su papel en la relación. Canta lo mismo que rapea y lo hace mejor de lo que lo ha hecho en toda su vida. El cambio de ritmo en el beat de “Self Care” es una prueba de maestría en la composición y de su capacidad como productor, la forma en la que corta de golpe con la primera parte de la canción y la manera en la que hace que conecte con el siguiente track: “Wings” es simplemente una genialidad. Este último es quizá el tema en el que mejor podemos apreciar su crecimiento como rapper y cantante: su voz es más tersa que nunca y su cadencia, timming y flow en los raps son simplemente perfectos. Esta misma fórmula la repite en “Small Worlds” un track que ya habíamos escuchado un par de meses antes en conjunto con otros dos: “Buttons” y “Programs”. Este corte es en realidad aquel en el que realmente, me parece, habla acerca de su ruptura y las emociones que conllevaron. Es un punto de vista que más que reproche se apetece como una plática de quien está sentado frente al espejo con su reflejo. Es una revisión a sí mismo y una terapia que por más dolorosa que sea le es necesaria.

En general el álbum es una mezcla entre ritmos y géneros mientras las ideas van de un lado a otro y el ánimo sube y baja en tropel, pero no todo es tan caótico como se lee. Al escuchar el disco por segunda ocasión empezamos a notar que cada tema es un viaje en sí mismo, pero representa una historia completa: la de Malcolm McCormick. El álbum no entra en una categoría como la de un DAMN o la de un Scorpion, pero sí comparte el podio con trabajos como Blonde o Ctrl, con la diferencia de no ser una pobre aproximación a estos si no una reinterpretación de esta fórmula desde la música rap puramente. La premisa no es tan glamurosa ni tan impactante como lo son en muchos de los discos de rap contemporáneos a Swimming como el Redemption de Jay Rock o el Stay Dangerous de YG en los que la vida en torno a la fama, lo peligroso de las calles y el conseguir cientos de mujeres gracias a cantar sobre ello conforman la línea de su material, pero es una que vale la pena revisar. Mac no busca nada más que estar bien como lo dice en “2009”: “I don't need to lie no more, nowadays all I do is shine, take a breath and ease my mind…”. Este track es quizá mi favorito de todo el álbum y es en el que encuentro más emotividad de todo el LP. Con apenas unos compases de piano en loop y unas cuantas capas de batería y voces, “2009” es desgarradora y la voz a punto de quebrarse de Miller terminan por provocar un vacío en el pecho.

Estoy casi seguro de que Swimming pasará desapercibido para la industria de la música y que el público hip hop lo volteará a ver apenas para escucharlo de paso, pero si puedo decir algo sobre este disco es que es el mejor trabajo en la carrera del MC de Pittsburgh y sin lugar a dudas uno de los mejores álbumes de 2018.

Entrevista con Mitú

Épicos momentos para la pista de baile con Mitú.

Franklin Tejedor y Julián Salazar no son ninguna novedad en el panorama musical actual. Sin contar lo que han hecho de manera individual, como Mitú lleva casi 10 años y su primer disco, el alucinante Potro, este año cumple seis. Ha sido una carrera larga, paciente y llena de éxitos. “Estamos tocando un montón, por todas partes”, dice Julián al hablar de su momento actual como proyecto musical. ¿Cuál es la reafirmación de la disciplina en el estudio? Los conciertos. Y Mitú se ha convertido en unos expertos al momento de salir al escenario.

No es ninguna coincidencia, pues los años han brindado una experiencia que lo provoca. Con cuatro discos ya bajo el brazo, el grupo no es ningún novato al tocar en vivo, así como tampoco a la hora de componer. En menos de un año lanzó dos discos: “Los conciertos constantes son resultado del impulso de que nuestros últimos álbumes fueron relativamente cercanos. El primero (Cosmus) lo lanzamos en agosto de 2017 y el segundo (Los Ángeles) en marzo de este año. Eso ha hecho que nos enfoquemos en tocar más que en cualquier otra cosa”. El grupo está en su mejor momento, no solo porque Los Ángeles es el mejor disco de su carrera hasta ahora, sino porque, aseguran ellos, los conciertos que están tocando son todo aquello que siempre quisieron hacer.

“Antes traíamos un show demasiado intenso y en ciertos momentos bastante ruidoso. Ahora es intenso pero en otro ámbito, más bailable. Tiene otras cosas y esa intensidad ha sido canalizada hacia otros lugares. Los últimos conciertos nos dicen que estamos en un muy buen punto de la carrera de la banda”.

A pesar de que el nuevo disco fue hecho en poco tiempo, la tradición del grupo está presente y arroja un par de sorpresas más. Los Ángeles es una serie de canciones que encuentran paciencia en donde sus antecesoras hallaban ansiedad. Un disco que se toma el tiempo de construir épicos momentos para la pista de baile. “Era como un núcleo de ideas que salieron en un periodo de tiempo bastante corto y como en un mes, poco más, el disco estaba listo”. Esa inmediatez no se siente por ningún lado al escucharlo.

Lo que sí se siente, incluso más que en sus discos anteriores, es una sabiduría especial. El tiempo y los recorridos a través de conciertos le han dado al grupo una perspectiva mucho más aguda, tanto a las influencias que rescatan, como a los experimentos en los que las tratan. Se percibe un dúo más ambicioso y al mismo tiempo más mesurado.

Cuando esta personalidad aparece, es fácil ver por qué Salazar es tan bueno recomendando grupos compatriotas colombianos. “Hay una banda nueva, los integrantes no son tan nuevos pero la banda sí. Se llama El Leopardo y está conformada por Dani Boom de Systema Solar y Pedro Ojeda de Los Pirañas, Frente Cumbiero y Romperayo. Ellos dos se juntan con un mexicano y están haciendo una música más cercana a lo que hacemos en Mitú. Está muy bueno lo que hacen”.

Ojeda y Boom, al igual que Salazar y Tejedor, no son ajenos al público mexicano. Con sus respectivos grupos han construido una unión entre ambos países que no sucedía desde la rebelión cumbiera hace muchos años. “La relación viene y va, pero la musical es larga. En términos de cumbia culturalmente tenemos un montón de cosas que compartir. Colombia, de hecho, es de los países que más cultura de mariachi tienen y eso es encantador. En un marco de música electrónica más actual, ambos países vienen haciendo cosas muy interesantes y no hay otro modo que encontrarse en ese camino. Los músicos, los espectadores, la prensa, todos estamos ahí encontrándonos todo el tiempo”.

Mitú regresa a la Ciudad de México a reforzar esa relación una vez más con un concierto en el Foro Indie Rocks! el próximo 30 de agosto y planean algo especial. “Vayan a vernos porque más allá de los discos, el fuerte de la banda es el show en vivo. No los va a decepcionar el concierto. Después de Los Ángeles –que para mí es el mejor disco que hemos hecho–, los conciertos son el mejor punto de la banda actualmente. Vale la pena”.

No se los vayan a perder.

We Are the Grand en el Foro Indie Rocks!

La noche que rescató We Are the Grand.

El 24 de agosto una tarde caótica se vivía en la Ciudad de México, las intermitentes pero fuertes lluvias entorpecían el tránsito y complicaban el movimiento de los capitalinos, sin embargo, la fecha había llegado y la agrupación chilena We Are the Grand, se encontraba lista para dar el concierto más grande de su carrera en México en el Foro Indie Rocks!.

Alrededor de las 21 H. apareció Oh! Cometa en el escenario para dar inicio a una noche repleta de música. La gente comenzaba a llegar al recinto y buscaba un lugar lo más cercano al escenario para deleitarse con la banda mexicana, quienes estaban completamente entregados a su público, mismo que no paró de disfrutar cada momento.

Poco más tarde Súper Tigre tomó el escenario. El foro comenzaba a verse cada vez más lleno y la energía de los asistentes no parecía agotarse. Cada minuto que transcurría los gritos se incrementaban mientras que la banda originaria de San Luis Potosí daba de sí. Fue cuando terminó la presentación de Súper Tigre que el recinto lucía casi a su totalidad mientras las personas impacientes esperaban el acto principal de la noche.

Cerca de las 23 H., el cuarteto chileno apareció con "Vientos", canción que abre su más reciente material Raíz y cuyos primeros acordes desataron la euforia de los asistentes. Sebastian Gallardo, vocalista de la banda, parecía sorprendido al escuchar a los capitalinos cantar las canciones de su nuevo álbum, por lo que interrumpió un momento la presentación para preguntar si ya habían escuchado el disco, a lo que un grupo de personas gritaron con exaltación que sí.

Pocos minutos después, el lugar se encontraba lleno, los asistentes no dejaban de corear y bailar en el lugar. La banda lucía feliz e interpretaba cada canción con intensidad al mismo tiempo que no dejaban de agradecer el cariño del público mexicano.

Canciones como "Huellas", "Arráncame", "Luna", "Pienso en ti" y "Al despertar" sonaron en aquellas cuatro paredes de tal forma que hacían sentir que todos éramos uno.

El concierto terminó poco después de la media noche. Sorprendentemente, la banda apareció unos momentos después de terminar su presentación en las instalaciones para convivir con las personas que aún estaban en el Foro, sacarse fotos y comentar sobre el evento. Sin duda, la lluvias y el caos de la Ciudad de México se desvanecieron por unos momentos gracias al talento de los “chiquillos” de We Are the Grand.

Kali Uchis en El Plaza Condesa

De historias de amor y movimientos sensuales que hicieron vibrar al Plaza Condesa.

El sold out anunciado días previos al show debía de servirnos como aviso de lo que íbamos a vivir ayer por la noche. Al llegar a El Plaza Condesa todo era caos y júbilo: gente, en su mayoría jóvenes de menos de 30 años, hacía fila para entrar, esquivaban a los vendedores o se detenía para comprarles algún souvenir barato que seguramente terminaría arrumbado en alguna vitrina de mi abuela. Eran las 20:30 H.

Me acerco a la entrada, pregunto por la persona que me permitirá el acceso al lugar, me colocan una pulsera de papel con una impresión verde chillante y paso al lobby. Pido una cerveza y camino hasta hallar un lugar agradable para pasar lo que se convertiría en la mejor hora que he tenido en los últimos meses. Termino encontrándome con quienes había quedado para el show y después de cruzar unas palabras, abrazos y risas las luces bajan, el playlist se detiene y suben tres músicos a la tarima para que una Karly Loaiza enfundada en un vestido negro y un corset traslúcido abriera su show con "Dead To Me". La gente no se contuvo y estalló en un grito cuando los primeros compases sonaron a través de los altavoces. Desde ese momento lo que pasaba dentro de El Plaza era nada menos que una fiesta enorme.

Lo de Kali fue más que un concierto: fue un acercamiento directo con el público asistente y una muestra de cariño y agradecimiento para todos quienes hemos escuchado sus temas cuando menos una vez en la vida. Temas como "Rush" y "Nuestro Planeta" solo provocaron que las paredes temblaran y la temperatura subiera, de uno y otro lado podíamos ver cómo parejas consumaban miradas con un beso, amigos cantaban al unísono y el resto de nosotros bailábamos a ritmo sintiendo nuestro cuerpo ser poseído por un movimiento incontrolable. Pero nadie bailaba como ella, contoneos y el bamboleo de su cadera provocaban suspiros y admiración cuando su tersa voz no nos acariciaba plena y profundamente.

Siguieron algunas canciones más de su disco Isolation, el cual era el pretexto para que se consumara una cita que veníamos añorando desde su presentación en el Vive Latino 2018, las letras de "Tyrant" y "After the Storm" se cantaban o gritaban en cada una de las gargantas de las casi 2,000 personas que presenciábamos la imponente actuación de Kali Uchis.

Lo de sus músicos también era un espectáculo aparte: tres hombres a cargo de la música en vivo con una batería, sintetizadores y controladores hicieron que la presentación de la cantante de Virginia fuese 100 veces mejor. Nos regaló “Loner”, seguida de una interpretación magistral de su cover a “Sabor a mí”, algo que sin duda no podía faltar en la noche.

Después de eso, los ánimos habían entrado en un trance de melancolía y Karly aprovechó el momento para contarnos la historia de cómo conoció al hombre con el que comparte su vida y el cómo esto sirvió de inspiración para escribir una de las canciones más dulces y apasionadas de su álbum: “Flight 22”. Repetir que la gente enloqueció y cantó a todo pulmón es innecesario; la euforia en el recinto había alcanzado un punto del cual era muy difícil regresar y los que estábamos ahí solo pedíamos más.

El tiempo seguía y Kali se despedía, pero tenía una sorpresa más: sobre una silla que había sido colocada frente al micrófono y nos regaló un a capela de “Tomorrow”. Ese era el final.

Disfrutar de la voz de esta artista colombiana es simplemente magnífico, pero quizá lo que más aprecio del show de ayer fue la conexión que logró con sus fans ya fuera con un simple guiño de ojo, aventando pañuelos impregnados de sudor o haciéndolos partícipes del espectáculos y preguntándoles qué tema querían escuchar, lo que Kali Uchis logró en esta presentación suya en El Plaza Condesa va a quedar en la memoria de quienes lo vivimos por mucho tiempo.