Entrevista con Rolo Mx

La música es un bálsamo que sana.

Un músico se forja por las oportunidades que lo llevan a compartir sus canciones, las tocadas que no dio, los recintos que visitó, el público que lo acompañó desde el inicio, el que lo descubrió por otra persona o el que se hizo fan ayer. Un músico está formado por sus ideales, sus acciones y la manera en la que ve la vida. Todo esto es lo que Roberto M. Polo, alias Rolo Mx refleja con su nueva música y su gran regreso.
Rolo Mx es una nueva etapa de Mr. Racoon, este proyecto siempre había estado a la par de 60 tigres, un poco a la sombra, porque no podía dedicarle el tiempo a componer las canciones, ni a las presentaciones. Me salí de 60 tigres, tuve un periodo de auto descubrimiento, y me sirvió para formar la parte ideológica de Ataraxia que para mí es lo más importante”.

Debido a la necesidad de explorarse a sí mismo, surgió el proyecto Rolo Mx y viene para quedarse. Ataraxia, es un álbum que recopila las canciones que el cantante ha realizado a lo largo de su carrera, y toca temas profundos que permiten echar un vistazo en el alma y mente del cantautor, con ritmos que van desde el pop hasta el rock.

El primer sencillo que fue lanzado lleva por nombre "No más rombos de amor", es una canción atemporal que retrata el amor frágil y sin apego por el que muchos jóvenes han optado vivir.  Rolo Mx describe así el single. "La canción habla de un amor frágil, que ya no confía en la generación que nunca se involucra, ya nadie se siente entregado, es un amor egoísta y falso. En el verso 'dime lo que harías por mí ahora que te sientes culpable' se expresa casi todo, es una canción muy transparente”.

El nombre surge como una sátira a los programas que buscan hacer del amor un reality show. “Había un programa en Monterrey, en Multimedios, era una total porquería, pero para mí es una sátira, había una canción que decía 'rombos de amor, rombos de amor'. Era un programa en donde reunían parejas, en mi caso fue como ¡NO MÁS ROMBOS DE AMOR! no más estupideces y parejas falsas”, sentencia exaltado.

Otro de los sentimientos que Ataraxia explora es la ausencia y el fin de un gran amor, el final de una relación no quiere decir que los lazos desaparezcan, sin embargo su tiempo juntos se ha terminado y es hora de afrontarlo. "La canción 'Cuerpo sin luz' habla de un amor sano, que se despide. De hecho, tuve una bronca bien cabrona con mi pareja, estaba llorando porque ella se iba a ir, entonces la grabé sintiendo bien fuerte su ausencia y escribí esa letra porque se estaba acabando todo", comenta con una ligera sonrisa.

Continuando con el ánimo de las despedidas, Roberto Polo confiesa que dentro de su nuevo disco, incluyó una canción que toca el tema de su despedida de 60 tigres. "'Península' es una canción que trata acerca de mi separación con 60 tigres, habla sobre la fe en ti mismo, y de confiar aunque a veces tengas las cosas en contra, de seguir adelante", cuenta con expresión victoriosa.

Dentro del disco hay una canción referente al nuevo material que el compositor ya tiene preparado. Aún no se tiene una fecha exacta del siguiente lanzamiento, pero podría ser en febrero del 2019. "'Tetrafarmaco' es un intro que nos hace un guiño al próximo EP, que es el que viene para febrero o marzo, son solo cuatro canciones y cada una va a tener una referencia directa al tetrafarmaco de los estoicos, que es una especie de fórmula para la felicidad".

Un disco no se define no solo por las letras que lo componen, sino también por las melodías que crea, los sonidos que los caracterizan y hacen que el público lo recuerde, pues la sonoridad también comunica y expresa emociones y sentimientos, transmiten las experiencias desde otro enfoque, uno en el que las palabras no son necesarias.

"Las canciones van desde la música disco pop, hasta dream pop, folk, balada, rock, twist, es variado, trae una diversidad de sonidos y temas, junto con el concepto Ataraxia que hace referencia a la paz en medio del caos. Hacemos un pop no tan rosa, son las letras las que entúrbiese un poco el pop que creamos".

Roberto M. Polo, está construido por historias, por sus fans que lo han apoyado desde su rápido ascenso con 60 Tigres, hasta su nuevo comienzo con su proyecto Rolo Mx. Su nueva etapa se forja con la experiencia que ha adquirido a lo largo de los años, con los amores, las desilusiones, las separaciones, los amigos y sobretodo las ganas de luchar por sus sueños y no dejarlos ir.

 

Entrevista con Biznaga

Foto: Iñigo de Amescua

Demasiados punks para ser pop y muy pop para los punks.

Aunque la tecnología es una herramienta vital que le ha brindado muchas posibilidades a la música, en el panorama actual existe una saturación de sonidos plastificados y personas interesadas en crear complicadas canciones que parece que se les olvida que durante el inicio del punk lo más importante era el contenido del mensaje y no todo lo demás.

Pero no se debe generalizar y aunque la mayoría de las agrupaciones actuales que se identifican con el género que tiene como máximos representantes a Sex Pistols y Ramones tienden a crear canciones de letras simples y en las que repiten el mismo discurso de siempre, existen otras como Biznaga que no solo le imprimen potencia a su música sino que se esmeran en contar historias.

“Nosotros no somos un grupo punk ortodoxo ni purista; el punk es una de nuestras influencias pero no es la única. Y por otra parte, otra de nuestras influencias es el pop y de hecho, en un inicio queríamos hacer una banda de pop pero realmente nunca nos salió. Al final conseguimos un sonido un poco más agresivo pero la melodía y muchas de las influencias provienen del pop, por eso nos parece apropiado describirnos como una banda de punk pop, aunque a muchos les parezca una contradicción”.

Así los expone Jorge Navarro, quien se desempeña como bajista y principal compositor del cuarteto español que ahora radica en Madrid y quien se encuentra emocionado porque el combo está a punto de regresar a México después de que en el 2017 la banda realizara una pequeña gira por nuestro país.

“Algo que tengo muy presente es que en la primera presentación de nuestra primera gira por México vimos a una persona que se fabricó su propia playera de Biznaga y eso sin duda te muestra una idea de lo entusiastas y reales que son los fanáticos mexicanos con la música que les gusta”.

En esta ocasión, el cuarteto estará de visita en México para presentarse en la Semana de las Juventudes donde será la banda estelar de unos de los escenarios, aunque también tendrá presentaciones en espacios más pequeños e íntimos como el Pata Negra y el Multiforo Alicia.

“En principio no tenemos problemas con el lugar en el que toquemos ni las bandas con las que vamos a alternar, aunque sin duda los lugares pequeños son mejores para nosotros por el ambiente con el público y siempre se agradecen mucho más que la jungla impersonal de un  macrofestival”.

El combo surgido en el 2012 es complementado por Álvaro (voz y guitarra), Pablo (guitarra y coros) y Milky (batería), quienes se dieron a conocer de forma internacional con el lanzamiento de su segundo material, Sentido del espectáculo, el cual fue publicado a inicios de 2017 por el sello especializado en punk ruidoso Slovenly Recordings y fue masterizado por Tim Warren, fundador del legendario sello estadounidense Crypt Records.

“Nos sentimos muy contentos con el resultado final porque suena crudo y es un reflejo del sonido que nos gusta proyectar en nuestros conciertos, aunque dentro de nuestros planes se encuentra regresar al estudio en enero para que a mediados del próximo año ya esté listo nuestro nuevo material”.

Pese a que algunos afirman que el rock está muerto y consideran a la guitarra eléctrica como un objeto obsoleto, la realidad no es así y actualmente existen dignos representantes de la música sudorosa, como es el caso de Biznaga y su peculiar forma de combinar estilos que parecerían antagónicos.

Cherry Glazerr anuncia nuevo álbum

La banda angelina, Cherry Glazerr regresará con nuevo disco en 2019 y comparte un adelanto.

El 1 de febrero del próximo año llegará el nuevo álbum de estudio de Cherry Glazerr, banda estadounidense liderada por Clementine Creevy. Este llevará como título Stuffed & Ready y será su segundo material discográfico lanzado a través de la disquera Secretly Canadian.

Como segundo sencillo de este material ya podemos escuchar “Daddi”, el cual viene acompañado de un peculiar video animado a cargo de Danny Cole que busca visualizar el ataque de la canción contra los roles de género tradicionales. Mira a continuación.

Stuffed & Ready es el sucesor de Apocalipstick, un álbum que demostró la seguridad de Creevy, su visión y su personalidad idiosincrática. En ese álbum fueron elogiados por el New York Times como una de las bandas que prueba que “las mujeres está haciendo la mejor música rock del momento” y fueron votada la "Mejor Banda Indie" en LA Weekly. Previamente pudimos escuchar el adelanto "Juicy Socks".

Creevy comenzó a escribir las 30 canciones que eventualmente se convirtieron en las 10 de Stuffed & Ready, encontrando inspiración inesperada viendo hacia adentro. “He sentido la necesidad de explicar mis sentimientos, no solo exponerlos, sino buscar por qué me siento de tal forma de manera honesta. En Apocalipstick, era una adolescente con demasiada confianza tratando de resolver los problemas del mundo. En Stuffed & Ready, soy una mujer y quizás mucho más cínica que cree que necesitas descifrarte a ti mismo primero", comentó.

El paquete exclusivo de preventa en Secretly Canadian de Stuffed & Ready incluye un vinilo rojo opaco edición limitada, CD, póster, tatuaje temporal y más. Puedes preordenar aquí.

A continuación te compartimos el tracklist y la portada del disco:

  1. "Ohio"
  2. "Daddi"
  3. "Wasted Nun"
  4. "That’s Not My Real Life (feat. Delicate Steve)"
  5. "Self Explained"
  6. "Isolation"
  7. "Juicy Socks"
  8. "Pieces"
  9. "Stupid Fish"
  10. "Distressor"

Cults en el Foro Indie Rocks!

Una noche mágica con la suavidad y dulzura de Cults.

Las buenas presentaciones de música siguen aferrándose a este 2018. Como ya es costumbre, tuvimos una vez más en el Foro Indie Rocks! a una banda que pese a tener una trayectoria modesta, emana en cada nota pasión y amor por lo que hacen. Cults, formada por Brian Oblivion y Madeline Follin, que con casi 10 años en activo, han publicado dos discos de larga duración de excelente calidad. La última vez que los vimos en la CDMX, fue en aquel Corona Capital del 2014 que destacó por un sensacional lineup así como por la lluvia.

Con un excelente aforo, nos reunimos a disfrutar de este dúo californiano que tiene una característica mezcla de synth pop con una pizca de estética retro, que va desde la década de los años 60 hasta los 80. Algo que cabe destacar, que además es un sello del Foro Indie Rocks!, es el encontrarse al talento nacional o regional de la escena indie. En esta ocasión, pudimos ver a músicos como Renee Mooi y Algodón Egipcio, entre los presentes.

Para la velada contamos como telonero a La Chica, proyecto concebido por la cantante Sophie Fustec de origen franco-venezolano, que nos deleitó por casi una hora con un live act repleto de buenas vibras. Una mezcla de ritmos latinos con world music, cautivó a los presentes, que prefirieron no despegarse del escenario y disfrutar de la buena música. Al terminar su presentación, salió alabada por todos.

Después de unos minutos de espera, empezaron a salir entre aplausos los integrantes de la banda cuando tocan en vivo, hasta que apareció Madeline que hizo que explotara el venue en gritos. Casi de inmediato, empezaron a tocar “Offering”, pieza homónima de su más reciente disco publicado el año pasado, que logra mover fibras en nosotros tanto de felicidad como tristeza. Siguió la delicada “I Took Your Picture”, que dio paso a la acelerada “Abducted”, para llegar a una de las piezas más queridas de la banda: “Always Forever”, romántica y tierna, que nos arrulla con la dulce voz de la cantante

Hasta el momento, entre las canciones, gran parte de los presentes había querido propiamente cantarle las mañanitas a Madeline debido a era su cumpleaños. Sin embargo, no lo habían podido lograr ya que eran interrumpidos. Pero no hay intento en vano, y por fin las voces de todo el foro se sumaron al unísono con las mañanitas en inglés. Esto causó un gran momento que seguro será recordado para siempre por la banda.

La noche continuó sin muchas interrupciones, con algunos comentarios por parte de Madeline o Brian, como cuando éste comentó que su pieza favorita de Offering (2017), era "Gilded Lily", después de tocarla. El show fue acompañado por agradables visuales que eran proyectados en unas mamparas y sobre la pared del escenario.

El setlist se compuso de piezas de sus dos discos, disfrutando de nuevas canciones como la hipnótica “Talk in Circles” o la agridulce “Right Words”. Así, como de clásicos del álbum Static (2013), como la psicodélica “High Road”, “Keep Your Head Up” con sus hermosas distorsiones y la divertida “I Can Hardly Make You Mine” con su coro pegajoso. En cierto momento, Brian comentó que este era el setlist más largo que habían tocado y no mentía, ya que incluso agregaron dos piezas de su más reciente EP, Motels (2018): el cover “Total Control” de la banda The Motels y la oscura pero encantadora “Celia”.

El clásico encore estuvo compuesto de dos piezas, que, si bien son clásicas, a lo mejor podría encontrarse en otra parte del setlist ya que no despliegan la suficiente energía: la positiva “Good Days” y la encantadora “Go Outside”. Al terminar, todos fueron despedidos entre gritos y recuerdos que perdurarán por mucho tiempo.

Así fue esta increíble presentación de Cults en el Foro Indie Rocks!, a la que les auguramos una larga carrera y que solo nos queda esperar volverlos a disfrutar una vez más en nuestro país.

Michael Jackson en México

Do you remember the time?

Oh fortuna, cuál la luna y su estado variable, el macabro tono de Carl Orff y su inmortal "Carmina Burana", un destello de luces como preludio a la sorpresa, Michael Jackson emergiendo de un salto al escenario para permanecer inmóvil. En una edad en la que no sabes nada y crees saberlo todo es difícil enfrentarte a un espectáculo de tal magnitud, tan solo disfrutas, no analizas hasta mucho tiempo después, tan solo te queda el recuerdo, y escuchar la música te arrastra hasta aquella noche del 29 de octubre de 1993 en la cancha del Estadio Azteca.

Michael la efigie, cual estatua de Horus o un monumento al héroe de una guerrilla emocional y generacional. Impávido ante los gritos de miles, devorado por los ojos ansiosos que ante cada movimiento desangran. “Jam” y sus destellos, los pasos de baile precisos, las explosiones, el interludio cual marcha de un ejercito y la dominación absoluta del pop en nuestras neuronas, estábamos inertes ante el rey.

“I said you wanna be startin' somethin', you got to be startin' somethin'”, años de distancia para figurar la evolución del sonido Motown, el pináculo de un genero que a la par de vender experiencias explota la demanda por latas de refresco, la memorabilia que se convertirá en coleccionables, ítems mint condition que ya no tienes para vender porque se perdieron en una mudanza, en una caja, en una venta de garaje. “Smooth Criminal” y la evolución del baile, el cuerpo como instrumento perfecto, las adecuaciones escénicas sorprendentes, antes de cisnes negros y musicales insulsos con coreografías predecibles teníamos estos precedentes: los trajes de gangster, el ángulo de 45 grados en un arqueo que desafiaba la gravedad, trucos teatrales que nos parecían algo de otro mundo.

Recuerdo aún más joven cuando salió el video de “Espeluznante” (así se refería la televisión mexicana a "Thriller") y el temor que me evocaba la figura de Michael rodeado de espectros de ultratumba, sus ojos amarillos brillantes al final de aquella risa macabra que año de distancia cambió del miedo a la apreciación. Si fuiste un niño a mediados de los años 80 y principios de los 90, Michael Jackson tenía un altar permanente en tu descubrimiento musical, y fue desde su gloria hasta su ocaso que aprendimos de su genialidad y nos atuvimos a sus escándalos, su estrafalario modo de vida, su rara vestimenta, su actitud extraña ante el mundo que eufórico lo seguía a todas partes. Sentíamos cierta empatía por aquel niño que nunca tuvo una vida normal y cuyo síndrome de Peter Pan hacía que la prensa imaginara lo peor y que los mitos urbanos alimentaran el misterio: confeti hecho con billetes de 100 dólares, la adquisición del cerebro congelado de Walt Disney, el séquito de niños que habitaba permanentemente el rancho Neverland, la operación a la que se había sometido para cambiar el tono de su piel, o el primer reptiliano del cual se tenía registro en las columnas sensacionalistas.

El hombre, la leyenda, las falacias, las figuraciones, lo que no podías creer se disipaba ante el indeleble tono del inicio de “Billie Jean”, emular el moonwalk en el salón de clases, tocar una y otra vez la cinta del Dangerous, saber que Slash era el creador del riff de “Black or White”, emulando la gloria anterior de la colaboración de Michael con Van Halen, cosas que vas aprendiendo sobre la marcha de la música que siempre te acompaña.

Michael el salvador haciendo cantar a coro el final de “Heal the World” por tiempo indefinido, cual coro de “Life is Life” de Opus, aún en los túneles del estadio a la salida la gente seguía repitiéndolo. Su llanto tal vez fingido y persistente, la delgada línea entre el performance y la complacencia, pocas palabras ante la euforia, afortunado aquel que logró agarrar el sombrero que lanzó y que ahora debe ser una especie de santo grial. Familias enteras que consiguieron entradas a la vieja usanza, sin intermediarios, sin preventas, las computadoras apenas comenzaban a ocupar las oficinas, no nuestras manos, me pregunto si habrá recuerdos fotográficos en algún cajón, ya que es difícil encontrar testimonios gráficos en Google. Años de distancia y el mundo sigue sin curarse, cada vez se pone peor, y ni las canciones ni las buenas intenciones lo pueden salvar. Parecía tan distante esa realidad destructiva reflejada en enormes pantallas.

Recuerdo que al final del concierto Michael enfundado en un jetpack voló sobre nuestras cabezas que por ciertos momentos como espectador tenían que esquivar basura y hasta monedas ante el reclamo de la gente de atrás que pedía que nadie se parara sobre las sillas. Un enorme tour book con fotografías que se perdió, un vaso de plástico que soportó el paso del tiempo, el boleto como testimonio fiel de mi asistencia, los recuerdos difusos pero entrañables de una noche que cambió mi visión al respecto de los conciertos y la ansiedad por el próximo show que vendría tiempo después ya que en aquellos días, México apenas comenzaría a ser un sitio estratégico para las grandes giras. Por aquellas fechas hace 25 años, que incluso Madonna estuvo la misma semana en la ciudad y Metallica y Paul McCartney el mismo año,  todo cambió para bien, y al día de hoy, le debemos al "Rey del pop" una nueva etapa para los conciertos en nuestro país.

 

Mira el nuevo video de A Perfect Circle

Visuales apocalípticos en el video de “So Long and Thanks For All The Fish” de A Perfect Circle.

El título del reciente sencillo del proyecto alterno de Maynard James Keenan es una referencia a The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy y su letra, junto con el aparente sonido optimista de este tema extraído de su disco Eat the Elephant, tiene una carga de sarcasmo.

El video para “So Long and Thanks For All the Fish” inicia con el concepto de un mundo idílico que nos remonta a los años 50, pero muy pronto nos damos cuenta de que detrás de toda esa gente sonriente con la vida perfecta se esconde la lujuria descontrolada, la avaricia y la violencia que el propio Keenan define como “la nueva normalidad”.

Keenan concibió el bizarro video junto con Kyle Cogan, quien ha trabajado con artistas como Death Cab For Cutie, The Virginmarys y First Aid Kit. Mira a continuación el visual de “So Long and Thanks For All the Fish”.

Una versión deluxe del nuevo disco de A Perfect Circle fue anunciada recientemente, la cual –entre otras cosas– contará con la novedad de incluir un holograma. “Es en gran medida una experiencia combinada de lo táctil y lo visual. Vengo de una época en la que las piezas físicas de música eran amadas… Algo así devuelve esa emoción visual a la gente”, declaró Maynard James Keenan, también integrante de Tool, para BillboardActualmente la agrupación se encuentra en medio de una gira donde serán acompañados próximamente por Chelsea Wolfe.

PREMIERE: Elis Paprika & The Black Pilgrims presenta "Mi corazón"

Foto: Pablo Camarena

En exclusiva para Indie Rocks!, Elis Paprika comparte el nuevo sencillo de su próxima placa que verá la luz en 2019.

Todos hemos sufrido en algún momento de nuestras vidas por alguien al que le dimos todo, pero al final no es lo que esperábamos. Si aún no has podido superar esta situación, te presentamos la canción ideal para decirle lo que sientes. Se trata de "Mi corazón", el nuevo sencillo de Elis Paprika a lado de su banda The Black Pilgrims.

El track formará parte de Venganza, su próximo LP que se lanzará en febrero de 2019 y habla sobre una decepción amorosa en donde Elis desea que el karma se cobre todo lo que le hicieron.

"'Mi corazón' es una rola que hice hace un par de meses, pensando cómo me sentía cuando me rompieron el corazón súper fuerte. Yo solo quería que me regresara todo ese amor que yo le di, porque lo que me había dado fue pura pedacería y ese sentimiento se me quedó en el fondo de mi ser. Esta persona quería seguir sacando provecho y es una advertencia ya que si no se alejaba le haría mucho daño", compartió la cantante sobre este tema.

Parte de la letra menciona. “Yo ya sé muy bien, todo lo que dijiste tú de mi, no quiero perdonar, quiero que sufras lo que me hiciste sufrir”. Dale play a continuación:

La cantante iniciará una gira por México y algunos países para promocionar Venganza. Algunos en la lista son Mongolia, Indonesia, China, India e Inglaterra.

Sigue a Elis Paprika en sus redes sociales para estar al pendiente de sus próximos shows.
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URSS Bajo el Árbol estrena video de "Niño atrapado"

La canción "Niño atrapado" es un homenaje a los héroes, heroínas y víctimas del 19S.

En septiembre la banda mexicana URSS Bajo el Árbol publicó el single llamado "Niño atrapado", el cual es un homenaje para todas las personas que murieron y para las que prestaron ayuda en el sismo que sacudió a México el pasado 19 de septiembre de 2017.

Ahora el grupo compartió el audiovisual de "Niño atrapado", donde hacen referencia a la niña "Frida Sofia", quien se creía que se encontraba atrapada en los escombros de la escuela Rébsamen, pero, que en realidad nunca existió. El audiovisual fue dirigido por Luis Meixueiro e incluye fotografías que fueron tomadas en los días siguientes del desastre natural.

En un comunicado de prensa Mauricio Solo dijo. “Nosotros siempre nos hemos sentido muy orgullosos de llevar la identidad de nuestro país como bandera y preservar nuestras tradiciones, pero también queremos hacerle saber a la gente que a la par, ser mexicano significa arriesgar, siempre buscar algo nuevo para seguir creciendo”.

No olvides que también puedes disfrutarlos en La Semana de las Juventudes este sábado 10 de noviembre, mientras tanto no te pierdas de su nuevo video "Niño atrapado".

La banda originaria de Ciudad de México ha tenido un año bastante ocupado, recordemos la colaboración que tuvo con  The Boxer Rebellion para la canción “Here I Am”, y el resultado fue impresionante, la melodía, aunque suave, va subiendo el nivel de intensidad, te lleva a pensar en un lugar seguro y tranquilo, podría ser una experiencia casi mágica, guiada por las guitarras y las voces de los colaboradores. La interpretación de este sencillo cambia drásticamente cuando el idioma español se apodera de ella.

 

Panda Bear anuncia nuevo disco

Panda Bear lanzará Buoys en febrero de 2019.

A través de su cuenta de Twitter Noah Lennox, también conocido como Panda Bear, anunció que el febrero próximo publicará su nuevo disco titulado Buoys, en el cual ha buscado crear sonidos que "se sintieran familiares a los oídos de una persona joven ".

 


Buoys será el primer disco en solitario, después de cuatro años, del integrante de Animal Collective. Antes de la llegada del tan esperado álbum, se compartió el primer single "Dolphin", en el que se hace gala del minimalismo que Noah desprende cada que toca su guitarra y su voz, pero rodeado por la mezclas de arreglos que llegan a lo psicodélico.

Esta es la segunda vez que Noah Lennox colabora con Rusty Santos, la primera tuvo lugar con la creación del disco Person Pitch. Otras colaboraciones que destacan en el disco son con el DJ chileno Lizz y el músico Dino D'Santiago.

Buoys llega a través de Domino Records el 9 de febrero del próximo año, sin embargo, el disco está disponible en preventa, y cuenta con diversos formatos que también incluyen un vinilo de edición limitada combinado con una camiseta y en todas las plataformas digitales. Puedes comprarlo aquí.

Este es el tracklist de Buoys:

01 "Dolphin"
02 "Cranked"
03 "Token"
04 "I Know I Don’t Know"
05 "Master"
06 "Buoys"
07 "Inner Monologue"
08 "Crescendo"
09 "Home Free"

 

Conor Oberst lanza dos nuevos temas

"No One Changes" y "The Rockaways" son lo nuevo de Conor Oberst.

A pesar de que el año pasado lanzó Salutations, el músico estadounidense ha estado muy activo recientemente. Colaboró en el nuevo disco de Phoebe Bridgers, en el soundtrack de Juliet, Naked y ahora está por sacar un disco de siete pulgadas con dos temas completamente nuevos.

Los tracks que acaba de compartir Conor Oberst se llaman "No One Changes" y "The Rockaways". Estos llegarán en formato físico el primer día de febrero, aunque ya están disponibles a través de bandcamp.

Ambos temas contaron con Bryce Gonzales en la producción, quien ha trabajado con Conor en múltiples ocasiones, así como con Kim Deal y Kurt Vile. Otro de los que participó en estos tracks fue el compositor Nate Walcott, quien toca el teclado en "The Rockaways".

Con sus recientes estrenos, Conor Oberst muestra su lado más sombrío y opta por la introspección. Ambas resultan deprimentes, pues "No One Changes" mira desde una perspectiva pesimista a las personas y el otro aborda el final de una relación.

Puedes escuchar "No One Changes" y "The Rockaways" justo aquí: