Conoce lo que pasó en el Rock & Roll Hall of Fame

La más reciente edición del Rock & Roll Hall of Fame estuvo llena de momentos emotivos.

Durante la noche del 7 de noviembre se llevó a cabo una nueva edición del Rock & Roll Hall of Fame a través de la transmisión de HBO. En esta ceremonia, se realizaron homenajes a artistas como Eddie Van Halen, Whitney Houston, Depeche Mode, entre otros. La edición 2020 pasó por múltiples cambios. Originalmente la ceremonia se llevaría a cabo en mayo, siguiendo su calendario habitual, sin embargo, tras el surgimiento de la pandemia por el COVID-19, se retrasó hasta la fecha de entonces. De esta manera, la ceremonia se realizó de forma virtual, con los homenajeados recibiendo su reconocimiento de manera remota.

Lo que se pudo ver en un inicio fue a Iggy Pop presentando la entrada de Nine Inch Nails, con un homenaje hecho por St. Vincent, Miley Cyrus y Saul Williams. Por su parte, Trent Reznor agradeció y mencionó lo siguiente:

La música siempre ha sido la cosa que me hace seguir adelante, algo que creaste desde un lugar frágil e íntimo, ha llegado, resonado y afectado a alguien más, posiblemente cambiando como ven el mundo."

Un momento a destacar fue el homenaje realizado al fallecido guitarrista, Eddie Van Halen. Donde Slash, Tom Morello y Kirk Hammett se unieron para rendirle un tributo al músico en su memoria.

No creo que haya alguien que haya tocado la guitarra desde 1978 que no haya sido tocado, de alguna forma, por la influencia de Eddie Van Halen", señaló Slash

Por otro lado, también se destaca el momento emotivo con el reconocimiento hacia Whitney Houston, en donde Alicia Keys fue la presentadora y aseguró que Whitney es una de sus mayores influencias musicales. Quienes recibieron la inclusión fue su madre Cissy Houston, y su manager, Pat Houston.

Por último, se resalta la entrada de Depeche Mode al Rock & Roll Hall of Fame. En este caso la actriz Charlize Theron fue la encargada de la presentación. Además, hubo homenajes realizados por Will Butler (Arcade Fire), Chris Martin (Coldplay), CHVRCHES y ZZ Top, quienes agradecieron su legado musical.

Creciendo escuchando música en la radio y teniendo a la música, nos hizo sentir normales, nos ayudó a sentirnos parte de algo. Eso es lo que la música le hace a la gente, y creo que eso es lo que Depeche Mode ha hecho por mucha gente. Creo que la música realmente une a las personas, y Dios sabe que necesitamos eso hoy más que nunca", comentó el frontman de Depeche Mode, Dave Gahan.

Foo Fighters anuncia álbum y estrena su single “Shame Shame”

La agrupación de Seattle presentó "Shame Shame", durante el late night de Dave Chappelle.

Foo Fighters arrancó el año con mucha actitud al ritmo de 00959525, su más reciente EP lanzado durante los primeros días de enero del 2020. Esta misma energía se mantendrá para 2021, pues la agrupación liderada por Dave Grohl anunció que su décimo LP, Medicine at Midnight llegará el 5 de febrero vía Roswell Records/RCA. Si deseas pre-ordenarlo puedes hacerlo directamente aquí.

Producido por Greg Kurstin y la misma banda, este material de nueve pistas será un viaje por sonidos más tranquilos, que recorrerán distintos episodios actuales. Una muestra de ello es "Shame Shame", su primer single extraído del material.

La canción se estrenó durante el late night de Dave Chappelle donde Foo Fighters se presentó junto a un grupo de coristas para poder interpretar el tema con tal emoción. Si te perdiste de la presentación, no te preocupes, te la compartimos a continuación. A propósito, "Shame Shame" ya se encuentra disponible en todas las plataformas de streaming ¡Corre a escucharla!

Medicine at Night, continúa a la publicación de Concrete and Gold (2017), su álbum lanzado hace tres años. Te compartimos ahora el art wok y el tracklist que acompañarán a esta nueva entrega.

foo fighters medicine at midnight

Tracklist de Medicine at Midnight:

01. "Making a Fire"
02. "Shame Shame"
03. "Cloudspotter"
04. "Waiting on a War"
05. "Medicine at Midnight"
06. "No Son of Mine"
07. "Holding Poison"
08. "Chasing Birds"
09. "Love Dies Young"

Carla Rivarola estará platicando a través de IG Live de Indie Rocks!

Agenda un rato para platicar sobre el nuevo material de la cantante.

Durante este 2020, la cantante mexicana estuvo compartiendo mucha música nueva, sorprendiendo a sus fanáticos con la continuación de Médula Silvestre (2019). Lucha o Fuga (2020) fue liberado a finales de octubre, y debido a este lanzamiento es que Carla Rivarola, estará hablando sobre este proyecto durante un live que ofrecerá desde el instagram oficial de Indie Rocks!

María Letona será la encargada de moderar esta conversación. Puedes preguntar y comentar cualquier inquietud que tengas relacionada sobre la música, inspiración, pasatiempos de la artista durante la pandemia, entre otras cosas. No te puedes perder esta charla que se llevará a cabo hoy, lunes 9 de noviembre en punto de las 17:30 H (hora del centro). Súmate a esta convivencia virtual y llega puntual para que no te pierdas ningún detalle.

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Por otra parte, Carla Rivarola se sumó a los conciertos en streaming como parte del line up del Festival Antibacterial; espacio donde pudo conectar una vez más con sus fanáticos y compartir su música. Si aún no has escuchado su más reciente larga duración, te invitamos a hacerlo para que vivas este sentimental recorrido y te animes a hacerle una pregunta durante su transmisión en el IG de Indie Rocks!

Wolfmother en Ocesa Irrepetible

Una dimensión extraña.

La nueva normalidad me llevó finalmente a postrarme frente a un monitor para presenciar un concierto vía streaming con la misión de relatarlo, y no deja de ser una experiencia meramente extraña. La comodidad del hogar, cerveza Guiness, el sillón y la ventana cerrada, el aire frío que se cuela por algún lado, una cuenta regresiva en espera del inicio del show. Publicidad siempre invasiva, qué remedio, comienza a sonar “Victorious”, porque de cierta forma hemos resultado triunfantes ante el reto que nos ha traído este año y sus noticias a veces no tan fatídicas. 

Wolfmother desata una extraña euforia que debe contenerse, y que es extremadamente opuesta a cuando se apagan las luces y termina la espera por ver a la banda en escena, aún así noto un detalle que me agrada: el sonido, la ecualización, cada tambor de la batería navegando perfectamente entre los audífonos, la guitarra y cada matiz casi de estudio, el bajo que dicta el ritmo y no vicia la fidelidad. Al comienzo de “New Moon Rising” noto que ahora no voy a necesitar foto del setlist, porque el título de cada canción precede a su ejecución, y cual nueva luna que emerge enorme casi cada noche de noviembre, nos iluminamos ante la música, mientras que algunos en el chat publican emoticons a modo, o comentan las frases cliché: “Buen rock para esta noche”. Esos tal vez son los nuevos gritos de emoción, las señales de presencia, el escalofrío ya no es el mismo, y la emoción se procesa de diferente forma. 

“Woman” y la voz de Andrew Stockdale tan necesaria, tan cercana que sientes que estás ante un ensayo de la banda en un sótano con peste a cigarro y latas de cerveza por todos lados, pero ciertamente observas el panorama de la azotea del hotel Rhapsody, el mar de Brisbane de fondo, los drones cual espías procesando las mejores tomas aéreas, un reducido público que grita y a veces se siente ajeno. “White Unicorn” y su intro de canción legendaria emanada de una rayada y vieja Gibson SG, “Higher” con más distorsión para invocar a los demonios de Black Sabbath: “Take a look at the ordinary people, tell me, what do you see?”, tal vez algunos harán caso a la publicidad invasiva del banco que casi se anuncia hasta en la alerta sísmica, mientras otros hacen air guitar, ven el show solos o en compañía, en la computadora, la televisión o hasta en el teléfono. Todo es tan Orwelliano que solo falta a que comencemos a uniformar nuestra vestimenta. 

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“Apple Tree” para recordar los primeros tiempos de la banda que en directo siempre emana corazón y perfección, un power trío que suena a una leyenda, la lírica que cuenta historias, la actitud que hace pensarnos que el rock no ha muerto, solo lo han arruinado sus acérrimos fans tóxicos. “Rock’n’Roll Survivor”, el sonido de los vinilos que se empolvan en tiendas esperando ser encontrados, el espíritu de Blue Cheer, la misión que Leaf Hound dejó incompleta, el ánimo de Kadavar como contemporáneos de una revolución necesaria. 

Y ante la pregunta de Andrew hacemos caso: “¿Quién quiere entrar a otra dimensión?, gran remedio, olvidemos por un momento el encierro, la incertidumbre, los resultados electorales ajenos, pero no los semáforos, aún debemos seguir cuidándonos, y mientras llega el momento de salir de este plano extraño  y volver a desatarnos ante la música en vivo, hagámoslo frente al monitor. Acompañemos la batería de “Dimension” con nuestros pies, que el bajo guíe el movimiento de nuestra cabeza, bailemos, al fin no tenemos ojos alrededor que vayan a juzgarnos, flotemos como avellanas púrpuras en el cielo.   

“Colossal” mientras se reduce la luz natural y la luna se asoma discretamente a espaldas de la banda, el viento que pega en sus rostros pero no en los nuestros, ese aire puro que tanto nos hace falta. Estamos en una burbuja que queremos reventar, desgarrar al compás del final melódico al estilo Motörhead, hacer slam para escapar, gritar hasta que nos quedemos afónicos y sin que el vecino de abajo piense que algo malo nos está pasando. 

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“Vagabond” a modo de un blues interpretado a las orillas del delta de nuestra memoria musical, añorando con de nuevo estar ante la cúpula celeste observando las luces de colores, entre amigos y extraños, brindando por todo y sufriendo por nada, dejándonos llevar por cada acorde en vivo que nos hace sentir que lo estamos. Y luego de un video detrás de cámaras filmado durante los ensayos de este show a modo de despedida, una cartelera nos devuelve a nuestra nueva realidad. Y no gracias a un banco nos sentimos mejor, no es por la comodidad que nos sentimos incompletos, es por la música que por momentos como este nos salva, sea cual sea el canal por el que tengamos que consumirla.

PREMIERE: COCO presenta videoclip oficial para “Otoño”

Encuentra la forma de hacerle frente a la adversidad con un poco de locura y esperanza.

A finales de octubre, el proyecto de Culiacán, Sinaloa liberó "Otoño" su más reciente sencillo, un melancólico track que en palabras del vocalista Oscar Gargutti,"es una anestesia sobre todos los sentimientos encontrados en esta época del año". A manera de liberación, esta canción ha llegado para sanar las heridas de todos los fanáticos de COCO quienes ahora se envolverán en un aire de melancolía con el metraje que presenta la agrupación, en exclusiva para Indie Rocks!

El video y la canción retratan un momento en el que la absorción de la melancolía alcanza un clímax, tanto como esas veces que por sí solo te hace cambiar la perspectiva de todo como si fuera defensa personal de tu cuerpo para encontrar algo bueno dentro de una tormenta o un desierto", expresó la banda.

Dirigido y producido por el hermano del vocalista, Felipe Gargutti, de DTA Estudio, este metraje muestra al músico dentro de una reunión en la que se encuentra sumido en sus pensamientos llevando por lo alto esta vibra melancólica al ritmo del dream pop.

Todo el proceso creativo se hizo de una manera metafórica y fue bastante interesante la interpretación de todo esto, ya qué hay algunos pedazos en los que tuve que bailar, siendo algo que normalmente no hacemos. Artísticamente hablando también fue interesante porque tuvimos que adaptar otras cosas para poder interpretar los sentimientos en el video y transmitir toda esta vibra melancólica y otoñal.", agregó COCO.

Da play a continuación para poder disfrutar del metraje:

Alfonso André estrena “Canto Lunar”

El 2020 ha traído consigo una nueva etapa musical de Alfonso André. 

Alfonso André, baterista de Caifanes, ha compartido el lanzamiento de "Canto Lunar" un nuevo nuevo tema que da continuidad e identidad a su faceta como músico en solitario.

El también integrante de Jaguares y La Barranca aportó la voz principal y la batería; de igual forma, se unió Federico Fong para producir está esperanzadora entrega en El Submarino del Aire, el estudio de grabación del propio Alfonso; además de contar con la composición lírica de Chema Arreola, las guitarras corrieron a cargo de Javier Calderón Muñuzuri y Lari Ruiz Velasco y la aportación de Darío Gonzales en los teclados.

"Canto Lunar" fue editado de manera independiente y es antecedida por el tema estrenado en septiembre pasado "Los Días Van"; tema que significó romper con cinco años de ausencia creativa.

A su vez, André cuenta con dos referencias discográficas como solista, Cerro del Aire, lanzado en el año de 2011 y Mar Rojo, editado en 2015 y que tuvo una segunda reedición en 2018. Además de toda la discografía junto a las agrupaciones a las que pertenece. Escucha "Canto Lunar" de Alfonso André a continuación.

 

 

Kylie Minogue — Disco

La reinvención de la fiesta disco en tiempos de pandemia.

En 1997 aconsejada por Nick Cave, Kylie Minogue decide tomar las riendas de su carrera, reúne a un equipo de productores inclinados en la electrónica y junto con ellos co-escribe (por primera vez en su carrera) Impossible Princess. Aquel trabajo supuso un fracaso comercial y el desprecio de la crítica que tachaba de oportunista el giro musical que tomaba su música, observación que nada tenía que ver con la realidad. Dos décadas después y varios hits más tarde, presentaba un recopilatorio con lo mejor de su carrera y se convertía en el acto más visto en la historia de Glastonbury.

Disco es el trabajo número 15 de su carrera, Minogue vuelve a co-escribir todas las canciones, trae de vuelta a viejos colaboradores y nuevos invitados, todos ellos empapados por el sentimiento hedonista de la década de los setenta o como ella lo llama grown up disco. Debido a la pandemia actual, la australiana aprendió a usar Logic Pro para componer y grabar desde casa, por lo que este se convierte en el primer álbum dónde aparece como productora vocal y es precisamente ahí dónde hay que iniciar cuando se trata de este trabajo: la voz. Kylie se balancea sin esfuerzo en estos 11 tracks, apostando por hacer una versión personal del mítico club Studio 54, todo ello con una maestría que envidiarían sus contemporáneas, y de paso entregando algunas de las mejores melodías que ha hecho en años.

“Miss a Thing” con su sección de cuerdas, secuencia disco-house y coro hipnótico, te obligan a voltear a la pista de baile. El Daft Punk de Discovery se asoma por momentos en “Real Groove” y en el sorpresivo banger de “Supernova”, qué si existe un poco de justicia, debería ser considerado como sencillo, mientras que en “Last Chance” bebe de los mejores ABBA. Como suele suceder con este tipo de proyectos es difícil diseccionar la fiesta y esa es la razón principal para el tibio recibimiento de los sencillos “Magic” (aquí excelente abridor), “Say Something” que era un grower en toda la extensión de la palabra y “I Love It” que podría aparecer en su obra cumbre Fever.

La fiesta termina con la divertida e ingenua “Where Does the DJ Go?” que parece un homenaje a Sylvester y “Celebrate You”; dónde baja el ritmo, pero no lo suficiente con la clara intención de volver a escuchar el disco. La australiana ya tiene su lugar en mundo de la música y tal vez esa es la razón para hacer uno de los mejores discos de su carrera, sin parecer necesitada de éxito. Es curioso que un trabajo como este, quepa en un momento dónde el baile es impensable y sencillamente el festejo colectivo es casi imposible. Pero no le vamos a dar más vueltas al asunto: éramos felices y no lo sabíamos, hasta que Kylie llego para recordarlo.

Vicentico en Ocesa Irrepetible

La melancolía, la alegría, el amor y la nostalgia.

Es curioso. Cuando pienso en un show en vivo pienso en el calor de gente. Las voces conjuntas coreando todos la misma canción. El llanto, la euforia, los gritos, las sonrisas. Cuando empezaron los conciertos online no pude más que levantar la ceja y pensar: no es lo mismo. Y sí, no es lo mismo pero no es malo, simplemente es distinto.

Vicentico preparó un show muy íntimo. Con el audio y la ambientación adecuada podías sentirlo cerca, como en tu casa. A diferencia de un espectáculo presencial en este no importó donde te paraste o si el de enfrente estaba más alto. O si el de a lado se peleó justo en ese momento con su pareja. No, todo, al menos en su show fue perfecto.

He visto a Vicentico muchas veces en mi vida, tanto solo como con la banda que lo hizo famoso y debo decir que este es uno de los mejores setlist que ha armado. “Ya no te quiero” abrió el espectáculo, una pequeña falla en el streaming me impidió ver si dijo unas palabras antes pero me imagino que no, Gabo (nombre real del cantante), es un hombre de pocas palabras, al menos en la charla. Su melancolía en forma de poesía habla por él.

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Empezó con pocos hits, eligió canciones no muy famosas, al menos por el público menos entrado. Eso estuvo bien porque sentó la base del tipo de show que vendría, no habría mucho espacio para el baile ni el carnaval.

“El Rey del rock & roll” fue un momento sublime. Una canción dedicada a Cerati que por los arreglos y el momento que estamos viviendo resonó en los corazones.

Un maravilloso cover de “Algo Contigo”, canción que más que de Manzanero, Vicentico consiguió hacerla suya, transformó el ambiente de melancólico a romántico. Esto siguió por un par de temas más (“Creo que me enamoré” y “No te apartes de mí”).

Con “Las Manos” vino un momento político al unir este tema con “Hasta Siempre”, una especie de himno revolucionario dedicado al Che Guevara. Tras esto tocó un par de temas que remontan al pasado “Basta de llamarme así” y “Vasos Vacíos”. La primera es una canción que viene en el primer disco de Los Fabulosos Cadillacs, mientras la segunda es uno de los mayores clásicos de la misma banda. Quizás este fue el momento que más se coreó, aunque por la naturaleza del evento tendremos que imaginarlo.

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“Solo un momento” y “Los caminos de la vida” fueron las encargadas de dar por terminado el espectáculo. En mi caso canté y bailé con las personas que me acompañaron. Brindamos porque a pesar de que este año no fue como “queríamos, ni imaginamos”, podemos estar juntos, ¡estamos vivos carajo! ¡Salud!

Se acabó, gritamos ¡otra, otra! La pantalla se puso en negro, Vicentico no escuchó nuestras súplicas ¿cómo podría?

A 40 años del ‘Ace of Spades’ de Motörhead

Rock pesado como un elefante pero con la velocidad de un tornado.

Existen muchos tipos de rock dentro del rock y no significa que uno sea mejor que los demás. Mientras algunos músicos construyeron su carrera a partir de la reinvención constante como David Bowie, también hay otros que toda su vida mantienen un mismo estilo y se niegan al cambio. Precisamente en el segundo rubro es donde se ubica Motörhead, una de las bandas más potentes que han existido en el planeta y con un sonido inconfundible que nadie ha podido igualar.

Aunque todo tiene un comienzo y en este caso el fundador del conjunto es Ian "Lemmy" Kilmister, una persona que vivió algunos de los pasajes más importantes en la historia del rock & roll. Según cuenta en su autobiografía White Line Fever (Simon & Schuster, 2002), siendo un adolescente pudo ver varias veces en vivo a The Beatles. Aunque ya tenía afinidad por la música, fue el punto que lo impulsaría para dedicarse por completo a este complicado mundo.

Unos años después el joven inglés se convertiría en roadie de Jimi Hendrix, lo que le permitió conocer las drogas y excesos dignos de un rockstar. Aunque no fue una mala experiencia, lo suyo era estar arriba del escenario y ser el centro de atención. Fue así que se integró a Hawkwind y descubrió los sonidos psicodélicos. Su estancia fue breve pero daría pie al proyecto con el que cambiaría la historia del metal.

Música que hace reventar las bocinas

En 1975 fundó Motörhead con el único objetivo de ejecutar rock & roll con la estructura clásica de las canciones de los cincuenta pero con toda la potencia del punk de la época. Música simple que no es simple música. Nunca fue un secreto que Lemmy era un fan declarado del combo neoyorquino Ramones y de sus integrantes aprendió la importancia de tocar rápido y fuerte. No importa si suena bien o mal sino que se escuche y haga enojar a los vecinos.

Ahora bien, dentro de su discografía destaca un álbum por contener la que podría ser la mejor canción en la historia del metal. Fue el 8 de noviembre de 1980 cuando llegó a las tiendas de todo el mundo un disco con una distintiva portada. En ella se observa a tres hombres vestidos de negro al estilo de Johnny Cash pero en un árido ambiente vaquero que recuerda las antiguas películas de western.

La canción que se convirtió en un himno del metal

La caratula avisa que su nombre es Ace of Spades y es también el nombre del tema abridor. Desde el primer segundo suena el bajo Rickenbacker de Lemmy a máxima potencia que simula ser una estampida de rinocerontes que resulta imposible esquivar. Además también sobresale su rocosa voz producto de todas las botellas de whisky que bebió. Aunque no está solo y como acompañantes están Eddie "Fast" Clarke (guitarra) y Phil "Philthy Animal" Taylor (batería). Los tres conformaron la alineación más emblemática de este potente trío.

Por su parte, dentro del LP también aparecen otras composiciones dignas de mencionar. Dentro de ellas se encuentra “Love Me Like a Reptile” que, muy a su estilo, se trata de una sencilla canción de amor. No es una balada ni cae en cursilerías sino que se acerca más a la estructura clásica del blues pero con la distorsión del rock. Es un escupitajo directo a los oídos.

Mientras que “(We Are) The Roadcrew” es un canto de agradecimiento a todos los utileros y ayudantes de los músicos. Son las personas que no reciben aplausos pero que se encargan de que cada concierto logre concretarse. A final de cuentas así fue como empezó Kilmister y por eso les tenía tanto respeto.

El álbum, junto a toda la obra de Motörhead, sería definitorio para el desarrollo del metal. Sin su existencia sería muy difícil de pensar que agrupaciones como Metallica, Slayer y Sepultura hubieran surgido. Inclusive llega hasta generaciones más recientes como Mastodon y Baroness.

De la simpleza nace la grandeza y con unas pretensiones mínimas este tridente británico logró consolidarse dentro de la música. Su estilo era demasiado punk para ser metal y muy metal para ser punk. Al final simplemente era rock & roll del que provoca headbanging y que durante unos minutos te olvides de los problemas que existen en el mundo externo. No había más pero tampoco menos.

Love of Lesbian en Ocesa Irrepetible

Un reencuentro inesperado en noche azul.

Probablemente durante el encierro, los sueños que invaden por la noche a nuestra mente tienen una constante: la música en vivo. Cantar y bailar con un montón de desconocidos se ha vuelto un asunto de vital importancia ya que no se reduce solamente a un repertorio de canciones, unas cuantas cervezas y ¡listo! cada quién para su casa. ¡No! Los conciertos, al igual que cualquier otra manifestación artística, nos recuerdan que estamos vivos, que tenemos todo un aparato emocional que puede llegar a desbordarse en decenas de sensaciones y de las cuales aprendemos a nombrar solo algunas.

Durante una presentación, experimentamos bofetadas o caricias de éxtasis, nos acercamos a la poesía a través de intrépidos versos de amor o apasionantes líneas sobre el sentido de la vida e incluso, la misma experiencia nos absorbe en el vacío existencial mediante un buen solo de guitarra.

Muchas veces he tratado de nombrar inmediatamente lo que me produce escuchar y ver a Love Of Lesbian en vivo y siempre fallo en el intento. Es un gran impacto emocional después de que Santi, Julian, Oriol, Jordy y Joan se despiden del escenario. Esta vez no fue diferente, a pesar de las circunstancias.

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Como muchos otros artistas del mundo, el grupo barcelonés se unió a la estrategia de Ocesa Irrepetible para presentarse virtualmente desde el estudio de grabación La Casa Murada ubicado en Cataluña, España, lugar donde la banda ha estado trabajado en lo que será V.E.H.N, su novena producción discográfica.

Aquel espacio se convirtió en una ofrenda que celebraría a la muerte a través de la vida y su compañera fiel, la música. Rodeados de veladoras, calaveritas, retratos de sus más grandes influencias y flores de papel que simulaban nuestro tradicional cempasúchil, los músicos nos invitaron a adentrarnos poco a poco a una velada muy mágica y de la cual nos llevamos gratas sorpresas.

El concierto comenzó en punto de las 20:30 H, pero como ya es costumbre, los comentarios de los asistentes en el chat del sitio web se hicieron presentes desde minutos antes. “Vendedores de chelas virtuales”, grupos de WhatsApp y Facebook, dedicatorias de amor a la distancia, videollamadas entre los más arduos seguidores y muchas otras expresiones de cariño ya empezaban a visibilizarse. De repente… la imagen se funde a negro y desde la distancia acompañamos a la banda con un brindis por lo que está a punto de suceder.

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El grupo tocó en total 15 canciones y comenzó con una de las favoritas: “Allí donde solíamos gritar”. Su interpretación fue un tierno abrazo con motivo del reencuentro de un gran grupo de fans, pero sobre todo de amigos. Luego del corte inicial, le siguió “Los días no vividos”, la cual creó una conexión muy especial en la que intentamos unir lejanos recuerdos para proyectar ansiados deseos. Basta con prestar atención a la letra y adaptarla a nuestros tiempos para resignificar su sentido e intentar no desbordar una lágrima.

Viaje imposible hacia un no-lugar. Materia oscura de vacíos. Butacas que ahí quedarán… no recuerdo una anti-historia mejor, de contenido incierto…Niego al mundo como es. Sin brindar, celebraré, los días no vividos”.

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Al principio, la ausencia de aplausos y vitoreo creaba un ambiento raro, sin embargo, no tardó mucho para que Santi se apoderará de la cámara con su carismática personalidad y transmitiera genuinamente sus emociones a la distancia. Su alegría y efusividad nos convocaban a no dejar de cantar ni bailar.

La tercer entrega fue “1999/2009”, cuya combinación con “La Llorona” de Chavela Vargas y “¿Por qué te vas?” de Jeanette le abrieron paso a “Voy a romper las ventanas”. Personalmente, prefiero cuando esa bonita mezcla ocurre en la recta final del espectáculo, pero recordemos que la lógica de elección del setlist corrió a cargo de los seguidores a través de sus propios repertorios. Además, sin lugar a duda, es una de las más esperadas y coreadas.

Incondicional” antecedió a “Música de Ascensores” y “Cuestiones de familia”. Todas ellas con ciertos esbozos acústicos. Una vez que comenzaron los acordes de “Wio, antenas y pijamas”, se reafirmó la relación de Love of Lesbian con México, pues hasta este momento del show no escuchamos algo que ya se hubiera experimentado en sus anteriores visitas a nuestro país. Definitivamente se cumplió el lema de ser “irrepetible”.

Resulta que de las dinámicas que planteamos para México fue crear una serie de playlist y una de las canciones que se repetían mucho era ‘Incondicional’.

Es una canción que en realidad no hemos tocado demasiado (una vez en diez años). Entonces, pues queriendo hacer caso un poquito a vuestras peticiones y hacer un show un poquito más dinámico y compartido, hemos decidido tocarla para el pueblo mexicano.

La verdad es que ¡gracias! Desempolvarla ha estado bien”, expresó Julián y Santi.

Conforme transcurrió el tiempo, los músicos se dejaron llevar por el momento. Desde las baterías, Uri no dejaba de sonreír al mismo tiempo que los visuales de calaveritas detrás de él, creaban mágicas imágenes caleidoscópicas. Mientras tanto, Julian siempre concentrado y dedicado, homenajeaba a Jimi Hendrix cuyo retrato se sumaba al particular ritual.

La noche continuó con “Belice” y “Club de fans de John Boy”, pero me detengo un momento aquí, porque si estuviste ahí habrás experimentado esas cosquillas burbujeantes en tus pies y el rápido latido de tu corazón, al darte de cuenta de lo que estaba terminando y de lo que en unos instantes comenzaría. Estoy segura de que, por unos segundos, el silencio en el lugar en donde te encontrabas se hizo presente: “la luz se desmayó, ¿con cuál van a empezar? A ti te daba igual. Dijiste: Acertará”.

Y acertaron. Un hermoso y conmovedor cover de “Afuera”, canción original de Caifanes arrasó con nuestros corazones. ¡Love of Lesbian, hermanos, ya son mexicanos!

Esta es una canción dedicada a todos los que están pasando por un momento delicado, sea de salud o económico, o los dos a la vez. Son tiempos complicados y esperemos que todo lo que nos está pasando sean ‘Males Pasajeros’”, señaló Santi.

Después de la subida llega el inevitable descenso, pero la banda no nos dejó caer repentinamente, sino que fue con un consuelo nocturno: “Males Pasajeros”, un oasis que siempre encontrará cabida entre las miles de desgracias por las que atraviesa la humanidad actualmente. Desde mi perspectiva, la canción es un poema sonoro cuya esencia describe el espíritu sincero y honesto de la banda.

"La vida es más fácil si andas despacio. ¿No ves que nadie llega al fin? Que fuera epitafio de el hombre más sabio un ‘yo solo pasé por aquí’”.

Para terminar el concierto, Love of Lesbian interpretó cuatro canciones más: “Contraespionaje”, “Bajo el Volcán”, “Cuando no me ves” y la mítica “Oniria e Insomnia”.  Todas ellas entre graciosos comentarios, sonrisas traviesas, agradecimientos y buenas vibras para México. Sobre la realización del concierto, Santi mencionó que llevaban demasiado tiempo sin verse para tocar en directo, pero que cada uno por su cuenta ha estado ensayando mucho desde sus hogares, por lo que el streaming también fue un muy buen pretexto para reencontrarse como banda. Por supuesto, con todas las medidas de seguridad sanitarias.

Aceptando los tiempos que corren y que toda la vida que nos ha tocado vivir parecen sucedáneos de lo que vivíamos, yo estoy bastante agradecido de hacer este concierto para el público de México, volvernos a juntar ha sido muy bonito y es una buena despedida hacerlo con 'Onirira e Insomnia'”, comentó Julian.

Una vez más nos adentramos a las cosmovisiones sonoras de Love of Lesbian. Asomarnos a través de una computadora, un celular o cualquier otro dispositivo hasta el otro lado del mundo, nos acercó un poco al tan anhelado contacto humano, el cual aumenta progresivamente con el transcurso de este encierro. Cabe resaltar que el repertorio de la banda nos proporcionó un poco de paz y sanación, lo que nos recordó que no habrá barrera que nos impida cantar, bailar y disfrutar de la vida con amor y música.