Bachelor anuncia su álbum debut y comparte “Stay in the Car”

Posted on marzo 24, 2021 by -

Experiencias sonoras repletas de amistad y diversión.

Bachelor, proyecto conformado por Ellen Kempner de Palehound y Melina Duterte, mejor conocida como Jay Som, anunció el lanzamiento de su LP debut titulado Doomin 'Sun. El álbum fue escrito y grabado en Topanga, California en tan solo dos semanas durante enero del año pasado y de acuerdo con las compositoras, el disco contiene colaboraciones de Buck Meek y James Krivchenia de Big Thief, así como de Annie Truscott de Chastity Belt.

Para celebrar el anuncio, Bachelor compartió "Stay in the Car", el primer sencillo promocional y del cual Melina Duterte mencionó: “Queríamos que esta canción fuera una experiencia auditiva visceral, inspirada en los Pixies y los Breeders".

Escribí la letra de 'Stay in the Car' en diciembre de 2019 cuando estaba en Florida para la cirugía principal de mi pareja. Salí corriendo una tarde, después de la operación, mientras él se curaba para almorzar y mientras yo recogía mis cosas en el estacionamiento, un auto grande se detuvo y esta mujer absolutamente hermosa se bajó.

Estaba vestida toda de rojo, goteando joyas y tenía la melena de fuego más salvaje que jamás había visto. Le estaba gritando al hombre detrás del volante preguntándole qué quería de la tienda y deseé ser ese hombre. Quería ser parte de su vida, su mejor amiga, su conductor, lo que ella quisiera que fuera. Estaba completamente hipnotizada", comentó Ellen Kempner en un comunicado. 

Junto con la canción, el dúo publicó un videoclip dirigido y editado por Haoyan of America, cuyo rodaje se llevó a cabo en Poughkeepsie, Nueva York. Sobre su realización, Melina Duterte dijo: "Todos colaboramos con la idea de que nuestra amistad debería retratarse de una manera divertida y elegante. Haoyan capturó esa energía en su propio lente único y creativo a través de su colección de accesorios y juguetes de los 80, 90 y 2000, y cualquier tema relacionado con el automóvil".

¡Disfrútalo, aquí!

Doomin 'Sun sale el 28 de mayo vía  el sello Poly Vinyl Records y si te interesa pre ordenarlo dale click aquí. Mientras tanto, checa el arte de la portada así como la lista completa de canciones.

Bachelor_2021_

Tracklist: 

01 "Back of My Hand"
02 "Sand Angel"
03 "Stay in the Car"
04 "Went Out Without You"
05 "Spin Out"
06 "Anything at All"
07 "Moon"
08 "Sick of Spiraling"
09 "Aurora"
10 "Doomin’ Sun"

Escucha “Erasure”, el último sencillo de Hooveriii

Posted on marzo 24, 2021 by -

¡Lánzate al espacio y sé un astronauta!

Estamos a escasos de días de presenciar la psicodelia primaveral de Water For The Frogs, el nuevo álbum de estudio de Hooveriii. Será el próximo 9 de abril cuando reinen los frenéticos sonidos y las ondas cósmicas a través de Levitation y Reverberation Appreciation Society. Mientras eso sucede, la agrupación angelina comparte "Erasure", el último adelanto de esta producción, un intergaláctico tema que literalmente te llevará de viaje por la galaxia.

Si alguna vez has imaginado qué se siente ser un astronauta y explorar los planetas, no te preocupes, pues Owen Summers se encargó de dirigir un cómico metraje en el que la banda se traslada al espacio y comienza una interminable guerra contra los robots. Sus coloridos trajes en tonos naranja contrastan el aire vintage de las secuencias que se definen por riffs psicodélicos y una constante batería que no deja de marcar el ritmo del viaje.

Quizás 'Erasure' sea el jam más agresivo en el LP, y también la única canción de amor. Originalmente se hizo un demo simple pero cuando Shaughnessy Starr agregó ritmo, se convirtió más en un canto de guerra; una gran energía primitiva, muy parecida a la naturaleza destructiva del amor. La canción también presenta un saxofón perverso. Queríamos que se sintiera como un episodio de Star Trek o cualquier tipo de película de ciencia ficción", explicó Hooveriii en un comunicado de prensa.

Te lo compartimos a continuación para que lo disfrutes. No olvides ordenar Water For The Frogs aquí. 

Technicolor Fabrics en el IG Live de Indie Rocks!

Posted on marzo 24, 2021 by -

No olvides presenciar nuestro Instagram Live junto a la agrupación mexicana este próximo jueves en punto de las 17:00 H.

Si bien no hubo tiempo perdido para el cuarteto, durante todo el año pasado liberaron una serie de sesiones en vivo de los temas “Fuma”, “Dale Calma”, “Singapur” y “Levitando”, su single “Mejor Que Nadie”, además de la reedición de su álbum de 2015 Bahía Santiago, junto a algunas colaboraciones especiales con Vanessa Zamora, Denise Gutiérrez, Daniel, me estas matando y Esteman. Si te intriga saber que trae este año para la agrupación jarocha seguramente esto te interesa: 

No te pierdas a Technicolor Fabrics en el Instagram Live de Indie Rocks! este próximo 25 de marzo en punto de las 17:00 H. junto a María Letona, donde podrás interactuar con ellos, escuchar acerca de su último lanzamiento y todos los detalles de sus planes por venir. 

Recientemente compartieron su primer sencillo del año: “Brindis”, un enamoradizo tema para dedicar producido por Adan Jodorowsky , junto con un videoclip oficial.

Sintoniza esta transmisión exclusiva, participa en los comentarios y responde a todas tus dudas con este imperdible live que Indie Rocks! trae para ti. No olvides poner tu alarma o escribir tu recordatorio y así saber sobre sus próximas producciones y futuras presentaciones. 

Mientras tanto, escucha “Brindis” el último track de Technicolor Fabrics: 

St. Vincent comparte un nuevo teaser de 'Daddy's Home'

Posted on marzo 24, 2021 by -

Daddy's Home: "Nadie lo esperaba, nadie lo creía y nadie podrá detenerlo..."

El sexto álbum de la compositora neoyorkina se publicará el 14 de mayo y como parte de la promoción, Annie Clark compartió recientemente un teaser con extractos de lo que parece ser un nuevo sencillo. Recordemos que, el anuncio del LP llegó acompañado de un clip en el que la cantante se personifica al más puro estilo setentero. Así que, esta puede ser la primera llamada de otro estreno musical luego del lanzamiento de “Pay Your Way In Pain”. ¡Dale play al teaser, a continuación!

El más reciente disco de St. Vincent llegará vía Loma Vista Records / Virgin Music y contará con once canciones inspiradas en la liberación de su padre de prisión, así como en su colección de vinilos de los 70. Además, el álbum fue producido por Jack Antonoff y la misma artista, quien buscaba al inicio de su proceso creativo que las pistas sonaran más pesadas como el estilo de Tool .

Pero eso no es todo, pues el próximo 3 de abril la cantautora se presentará en el programa de televisión Saturday Night Live por segunda ocasión.

Si te interesa pre ordenar Daddy's Home, dale click aquí. Mientras tanto, te recomendamos estar pendiente de Indie Rocks! para todos los anuncios de St. Vincent.

 

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The Flaming Lips estrena su merch de cannabis 'Love Yer Brain'

Posted on marzo 24, 2021 by -

La agrupación de Oklahoma celebrará a lo grande el 4/20.

Si algo hay que reconocer es que Wayne Coyne es una figura imparable. Cuando no está haciendo música, está tratando de innovar lo que ya se ha hecho. Los conciertos ya son posibles en Oklahoma City gracias a sus divertidos e icónicos shows dentro de burbujas gigantes. Para sus próximos eventos el líder de The Flaming Lips planea que todo tome otro color y sentido, por eso anunció que celebrará a lo grande el tan esperado 4/20.

Para esta ocasión el frontman preparó algo muy especial, se trata de su propia línea de merch de cannabis: Love Yer Brain que bajo el lema "cannabis para humanos creativos" buscará "ayudar a la gente".

Love Yer Brain fue creado para utilizar el cannabis y otros elementos basados en plantas de una manera poderosa y positiva, todo para ayudar a la gente", explicó Wayne Coyne en un comunicado de prensa.

Por el momento el catálogo únicamente cuenta con gomitas en forma de cerebro que podrás encontrar en sabor manzana verde, sandía y frambuesa, en dos presentaciones, una de 100 mg y otra de 250 mg. La merch estará disponible a través de su sitio web a partir del 4/20. Checa detalles aquí.

Mientras llega el lanzamiento, The Flaming Lips comparte el video oficial para el quinto tema de American Head (2020), "At The Movies On Quaaludes"; una compilación de cintas antiguas que acompañan a la sombría pista. Te lo compartimos a continuación para que lo veas:

MGMT realiza remix para “The Look” de Metronomy

Posted on marzo 24, 2021 by -

La agrupación inglesa celebra a lo grande a su tercer LP.

Este año, Metronomy se encuentra celebrando el décimo aniversario de su tercer álbum de estudio The English Riviera (2011); material que ha acompañado a la banda durante largas giras mundiales gracias a éxitos como "The Bay", "She Wants", y "The Look". Este último siendo uno de los temas más queridos, no podía perder la oportunidad de ser intervenido por MGMT, quien presenta un gran remix para la pista.

La dupla estadounidense experimenta con la inquietud y le mete un poco de dramatismo al inicio del single para luego fluir con armónicos beats que le atribuyen un grado de minimalismo. Te la compartimos a continuación para que la disfrutes:

"The Look" es uno de los temas más queridos por Metronomy, quien después de lanzar el disco supo que esta melodía había llegado para quedarse en su repertorio por esa esencia que tiene, y que únicamente puede explicarse cuando la escuchas.

La agrupación recién anunció que prepara una reedición para The English Riviera la cual llegará el próximo 30 de abril a través de Because Music. Esta edición incluirá temas inéditos que también podrás escuchar totalmente en vivo en la gira que realizará durante 2022. Consulta la disponibilidad de fechas aquí.

Por su parte, MGMT ha liberado recientemente remixes para Django Django, y colaborado con The Avalanches. Te recomendamos escuchar sus lanzamientos.

Geo Equihua comparte el video oficial para su sencillo “Agüita”

Posted on marzo 24, 2021 by -

"Canciones profundas que emergen con calma incendiaria", expresa la compositora sobre su nueva producción discográfica.

Muy pronto, la compositora mexicana Geo Equihua publicará su EP debut titulado Yo Soy Mi Casa. Su más reciente proyecto promete ser fiel al amor por la música tradicional latinoamericana así como a la electrónica y el avant pop, géneros musicales que ha explorado desde hace más de 10 años de trayectoria profesional. Por tal razón, Geo compartió recientemente el primer sencillo promocional titulado "Agüita", pista que ha descrito como "una reconciliación con los momentos de quiebre".

La canción está inspirada en la música ancestral del noroeste argentino y, de acuerdo con la cantante, es una vía de expresión que conlleva al alivio y evolución. Además, con la llegada de la primavera, la también antropóloga estrenó el videoclip oficial cuyas animaciones e ilustraciones las realizaron Pauz Peralta junto a Luis Cortez. De esta forma, el clip para "Agüita" es el primero de una serie de visuales que celebrarán el agua y la vitalidad.

¡Disfrútalo, aquí!

Esta canción es la primera de un registro vivo, sobre cómo hice las paces conmigo, con lo que duele y lo que no fue como hubiera querido, y de cómo lo volví el disco de mis sueños 🥰. 'Agüita' es una fiesta para celebrar el llanto y todo aquello que nos quiebra y nos transforma para bien y para siempre.

Esta rola se la dedico a mi querida Citlaly Malpica porque ella me transformó, y ahora empiezo a dimensionar cuánto", comentó Geo en su cuenta de Instagram.

El EP Yo Soy Mi Casa saldrá a través del sello Jinicuil y fue escrito por Geo Equihua en un estado de total soledad y aislamiento. Asimismo, "Agüita" fue grabado en los estudios Somus Cowork en compañía del productor Carlos Millán y los músicos Diego Franco (clarinete) y Luis Fajardo (percusión). Por otra parte, la mezlca y la masterización corrió a cargo de Nacho Sotelo y Juan García, respectivamente.

Mientras aguardamos la llegada del EP, te recomendamos no te perder de vista a Geo Equihua en Facebook e Instagram.

Middle Kids — Today We're The Greatest

Posted on marzo 24, 2021 by -

Una oda ligera a los altibajos de la vida con himnos indie, Middle Kids invita a sufrir, disfrutar y agradecer los momentos y la gente en su segundo álbum.

Desde su debut en 2017 hasta este 2021, el contexto de Middle Kids ha cambiado de manera importante. La agrupación de Sydney pasó de presentar un disco grabado mayoritariamente en una cochera, a presentar finalmente una obra llena de recursos gracias a las facilidades de un estudio de grabación. Today We're The Greatest es, entonces, una obra donde el trío liderado por Hannah Joy se mueve con mayor plenitud.

Dentro de los cambios que ha afrontado la banda nos encontramos con la manera de hacer letras y componer canciones, ya que a diferencia de su registro debut, Lost Friends, donde reinaban las canciones desenfrenadas que invitaban a moverse, Today We're The Greatest es una obra más personal, donde Hannah Joy narra pasajes complejos de su vida. Estos van de eventos traumáticos, viejos amores, relaciones fallidas y, por supuesto, su embarazo fruto del matrimonio con el bajista de la banda, Tim Fitz.

Por otra parte, la participación en producción del ex integrante de The Mars Volta, Lars Stalfors, ha sido de mucho peso en las decisiones de cada una de las doce canciones del nuevo disco. Y es que la mano de un personaje que ha trabajado con bandas como Le Butcherettes, Foster The People o Soccer Mommy se vuelve fundamental para comprender la madurez del álbum de inicio a fin.

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Tristeza y decepciones como camino.

A Today We're The Greatest se le puede comprender como un álbum de dos partes. La primera está enfocada claramente en las relaciones fallidas, las heridas que nunca sanan y aferrarse a los problemas y las personas tóxicas que no te dejan seguir. Por otra parte, se abre el material de a poco y da como resultado una oda a la devoción, la incondicionalidad y claro que al amor propio que ha nacido luego de las múltiples catástrofes que enfrentamos día a día.

Vamos por partes. En un inicio "Bad Neighbours" parte de la premisa "Esperanza es una palabra subestimada", y este es un eslabón que conecta con una historia dolorosa, de esas que guarda la gente y que no se pueden ver en una primera instancia. Desde otra óptica, temas como "Cellophane (Brain)" o "R U 4 Me?" abordan de forma dolorosa lo que es encasillarse en ideas propias, lo que genera distanciamiento, peleas innecesarias, resentimiento y una constante sensación de vacío que nos hace permanecer dañados en lo emocional. Es un inicio bastante crudo.

También, "Questions" y "Lost In Los Angeles" se acercan un poco a temas más dolorosos y profundos de acuerdo a las relaciones. Esos momentos decepcionantes donde te das cuenta que idealizaste de más a una persona pegan fuerte, y la realidad se vuelve una caída libre mientras no sabes a donde moverte. A nivel letras, el disco se torna mucho más interesante que en cuestión de elementos sonoros.

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Nada mejor que estar ahí.

A partir del track cinco de Today We're The Greatest, Middle Kids muestra variantes más coloridas y animadas. "Golden Star", "Some People Stay In Our Hearts Forever", "Run With You" y "Stacking Chairs" narran de forma pasional la predilección por las personas que nos acompañan dentro del viaje. Esas que siempre quieren estar ahí, que no te abandonan aunque existan razones.

Este sentimiento sin duda se contrapone a los de las primeras canciones del álbum, además le aporta un sentido casi cinematográfico, donde la tristeza y el dolor fueron los caminos para encontrarse con uno mismo y el valor de las personas que nos rodean. Cada corte lo hace a su manera, y pueden ser mensajes dirigidos a amigos, familiares y amores. De hecho, para "Run With You" se utilizó una ecografía del latido de corazón del hijo de Hannah para ayudar a complementar el discurso de la letra.

Por otra parte, "Summer Hill" y "I Don't Care" muestran la evolución personal que surge a partir de las situaciones que te hacen crecer y reconciliarte contigo mismo. Son temas que se acercan al amor propio y de igual manera a la persecución de los sueños sin importar que se deja atrás, es importante la manera en que Middle Kids se dirige en este nuevo álbum a las letras, ya que no son tan metafóricas en comparación a otros registros.

Cierra el disco con el tema principal, mismo que nos recuerda la grandeza que hay en nosotros pese a sentirnos diminutos, y que a pesar de todo el caos, jamás perdemos la magia interior. Finalmente, Today We're The Greatest es una obra que te deja satisfecho por su orden y por lo motivacional que puede llegar a ser, ya que cada una de las situaciones plasmadas se viven en cualquier contexto y clase social.

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Hacia un futuro emocionante.

Parece que la fórmula sonora que presenta Middle Kids en este nuevo disco se vuelve añeja rápidamente. La primera parte del álbum tiene composiciones ingeniosas que te acercan al folk, así como arreglos que remiten a ambientes medievales y baladas suaves. El orden que tiene la producción para elegir acordeones, sintetizadores, guitarras limpias o distorsionadas e incluso arreglos de viento es notable.

Rumbo al cierre, el álbum desafortunadamente se queda corto. Las canciones pasan a ser himnos indie que sin duda tienden a ser repetitivos entre distorsiones agridulces y baterías fluidas, mismas que ceden el protagonismo en todo momento a la voz de Hannah, que parece ser el único factor que jamás deja de lucir, gracias a falsetes, diálogos con los demás instrumentos y matices geniales. No se pueden dejar del lado las aportaciones de Harry Day y Tim Fitz, ya que tienen momentos brillantes.

Parece que la banda se queda en medio tanto en discurso como en lo musical, pero no se puede dejar de decir que es una evolución. Por lo que hay que entender a este álbum como el inicio de una nueva etapa que poco a poco sugiere tornarse más ambiciosa. "Summer Hill", "Run With You" y "Today We're The Greatest" son los puntos más altos dentro de todo este disco, así que te sugerimos atención en particular, ya que son sorprendentes.

Today We're The Greatest, vía Domino Recordings, es un paso importante para Middle Kids, que busca dar una vuelta interesante a todo lo mostrado anteriormente. Sin duda es una obra que formará parte de lo más notorio dentro de la escena emergente internacional. Te invitamos a escucharlo a continuación.

A 35 años de 'Please' de Pet Shop Boys

Posted on marzo 24, 2021 by -

Please: el comienzo de una historia traducida en éxitos de high energy y synth pop.

Los West End, un dúo conformado por dos jóvenes melómanos, músicos, quienes eran grandes admiradores del arte, de la música académica, la historia y la literatura. Neil Tennant y Chris Lowe se conocieron en una tienda de King’s Cross en 1981, dando como resultado una química que sería el clic fundamental para formar aquel dúo que posteriormente se conocería como Pet Shop Boys.

En el caso de Neil, ya había tenido una experiencia musical con una agrupación, pero nunca tuvo el éxito esperado. Empero, no era a lo único que se dedicaba, pues también tenía un trabajo peculiar como crítico de música en la revista Smash Hits. Por otra parte, Chris no estaba tan alejado tampoco de la composición musical, ya que él tocaba el trombón en una banda local dedicada a estándares de baile tradicional, lo que compaginaba a la vez con sus estudios de arquitectura.

El trabajo de Tennant como crítico musical lo llevó a conocer a Bobby Orlando, un productor reconocido de música bailable, quien se había destacado considerablemente por sus hits de High Energy. En ese momento, Neil y Chris ya tenían su primer demo: "West End Girls", por lo que se lo mostraron a Orlando y él, entusiasmado con lo que escuchaba, decidió firmar un contrato con ellos y producir algunas canciones más. El single fue lanzado en 1984 a través del sello de Columbia. No obstante, la relación acabó muy pronto debido a varias diferencias entre el productor y el dúo.

Más tarde, Pet Shop Boys encontró refugio en la firma de Parlaphone, donde logró trabajar con el productor Stephen Hague, quien era reconocido por sus trabajos en la música dance y por producir a OMD. Finalmente, dicha relación dio como resultado su álbum debut titulado Please. El LP vio a los músicos verter sus pensamientos en música bailable con diversas influencias que mostraba el reflejo de la época con french pop y música rap estadounidense.

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Un inicio con varios tropiezos, pero con aciertos grandes a destacar

Please fue mostrado de forma oficial el día 24 de marzo de 1986, sin embargo, no tuvo el éxito esperado, pues evidentemente aún había algunos huecos entre su concepto y para los críticos de revistas, faltaba madurez musical en el sonido de este primer vistazo. El primer single que se mostró fue "Opportunities (Let’s Make Lots of Money)", un track suave que enmarca a la época, pero que no pudo alcanzar grandes ventas.

Para Neil Tennant fue una humillación, pues al trabajar aún para Smash Hits, la editorial aseguraba que el músico regresaría de rodillas a escribir, dejando de esta manera la composición.

No obstante, no todo fue tan amargo, pues, a pesar de que el primer sencillo mostrado no fue un éxito, cuando se dio a conocer la nueva versión de "West End Girls", el tema fue una catapulta al éxito, llegando a ser reconocido en diversas pistas de baile. Por su parte, cabe destacar que este track está inspirado en el poema de T. S. Eliot, La Tierra Baldía y tiene influencias en el rap de Grandmaster Flash. Lo que podemos escuchar es un híbrido entre tres géneros musicales, ya que hay tintes de rap recitado, que termina siendo sofisticado, y los toques de jazz y soul que susurran en toda su duración.

La primera mitad de Please contiene grandes tracks que formaban una promesa joven de la música pop, tal es el caso de "Suburbia", que fue mostrado con beats de teclado pegadizos, tanto en la versión del ingle, como la versión que se quedó para completar el álbum.

A su vez, encontramos "Let’s Make Lots of Money"; el intro con la historia de "Two Divided By Zero", y una balada trascendental en "Love Comes Quickly", que explica que el amor te llega de repente, sin avisar en cualquier momento por más que intentes evitarlo.

Mientras tanto, la segunda mitad destacan los temas como "Violence" con una letra oscura y reflexiva; la promesa del high energy naciente con "Tonight is Forever" y la música disco plasmada en "I Want a Lover".

El debut de Pet Shop Boys no fue impecable, pero se destaca cómo se adentró en una nueva ola musical que estaba viendo morir la new wave y el techno pop. Este cimiento musical cruzó diversos lugares, forjando de forma inminente a uno de los dúos de synth pop más reconocidos que continúa después de 35 años de su surgimiento con múltiples éxitos.

Entrevista con Ron Gallo

Posted on marzo 24, 2021 by -

El músico celebra el lanzamiento de PEACEMEAL con pizza y detestando el streaming.

Desde que Ron Gallo decidió comenzar su proyecto en solitario el mundo lo absorbió y levantó en hombros por su mezcla honesta, personal y variada de sonidos, pues bien puede usar elementos de psicodelia, punk y pop en un mismo disco. Ahora, el cantante ha probado lo que es el éxito, lo que es tocar en Coachella, Lollapalooza y Governor’s Ball, pero también lo que es enfrentarse a las expectativas del siguiente material y nuevamente se vuelve a arriesgar con un nuevo sonido, más vivaz y brillante.

El músico estadounidense, sin ningún miedo y a pesar de la pandemia, decide no detenerse y nuevamente deposita su fe en un nuevo disco, PEACEMEAL, un álbum que lo motivó desde el principio a cambiar de aires, pero del que no sabe qué esperar.

Este se siente muy bien y es muy emocionante. Es un universo musical totalmente nuevo para mí, pero también creo que le hablará más a la gente, más que otros lanzamientos. Nunca sabes quién lo va a escuchar, a quién alcanzará este álbum, pero confío en que este disco detonará más emociones. Además, este es un álbum que no me ha hartado en lo absoluto y probablemente es porque le tengo mucha fe a este material, pero también puede ser por la pandemia, al no tener que tocar las canciones una y otra vez para una gira hace que se mantengan frescas. Así que veremos lo que sucede en los próximos días, sólo me queda dejar que todo tome su curso y esperar algo bueno”.

A pesar de la emoción que le causa su nuevo disco, Ron Gallo acepta que se ha sentido afectado por las limitaciones de la pandemia, especialmente durante el día del lanzamiento de PEACEMEAL. Era difícil tener una celebración como se debe, pero el músico se las arregló para hacer algo único y especial.

Trato de estar conectado con los fans a través de redes sociales, sobre todo ahora, pero no se siente igual, soy una persona que necesita más acción. Cuando salió el disco estaba buscando una manera de celebrarlo, porque no había nada que hacer por la pandemia. Me sentía algo impotente y ansioso por la situación, así que fui a una tienda de discos y compré un montón de pizzas para regalarlas a la gente que iba pasando afuera. Esa fue mi celebración, mi pequeña victoria ante el Covid, aunque no es lo mismo”.

Si algo define a Ron Gallo es que es un músico que ve la luz en la tormenta, pero no solo eso, también es alguien que sabe actuar rápido. Es por eso que, a pesar de su desagrado por los streamings, el cantante ha sido de los pocos que han encontrado éxito en esta alternativa a los conciertos.

Antes de la cuarentena, teníamos un festival en Ohio, que se canceló por la llegada del Covid. Estábamos muy emocionados por tocar y no dejamos que la situación nos desanimara, así que tomamos nuestro equipo y fuimos directo a mi estudio en Nashville para dar un show vía streaming. Fue increíble y mucha gente se conectó. Sin embargo, no me he acostumbrado del todo, odio cantar solo a una cámara, lo detesto. Probablemente haga un par de transmisiones más, pero no es algo que disfrute, además creo que la gente también está harta de los streamings, pues en los primeros vimos mucho apoyo e incluso gente donando y eso fue bajando con el tiempo. Creo que todos estamos cansados de esto y yo ya quiero volver a dar shows en vivo”.

Ron Gallo dio un giro de 180 grados con su nuevo disco y para lograr ese trayecto escribió y grabó durante un período de tres meses en aislamiento. El músico nos cuenta sobre su proceso creativo y las influencias que lo llevaron a dejar a un lado el garage y el punk para acercarse a la música que escuchaba siendo un adolescente.

“En realidad mi inspiración siempre ha sido levantarme cada mañana y ser honesto conmigo mismo, con lo que veo y con lo que siento. Mi mayor observación fue la introspección, el mirarme con ojos honestos. Ahora, musicalmente apunté mucho a la música con la que crecí hip hop de los 90, recuerdo que los primeros discos que compré fueron de Puff Daddy, Coolio, pero también bandas como The Offspring. Tomé toda esa nostalgia como principal ingrediente, pero también en ese momento escuchaba mucho jazz, John Coltrane, Miles Davis, y aunque no soy un músico de jazz”.