A 20 años del ‘Lateralus’ de Tool

Música compleja que puede provocar pesadillas hasta a Freddy Krueger.

La vida está rodeada de misterios porque nunca se ha logrado definir si la muerte es el fin o el principio de algo. Lo mismo ocurre con la música gracias a conjuntos que se alejan de las fórmulas establecidas para adentrarse en terrenos pantanosos. La mayoría terminan relegados a las sombras del anonimato porque jamás logran trascender. Su séquito de fanáticos es incondicional pero mínimo y nunca pasan de convertirse en “bandas de culto”. Mientras que también existen casos, bastante esporádicos, como Tool en donde no se respetan las reglas tradicionales de la industria pero sí logran posicionarse como éxitos a nivel masivo. Es una incógnita por qué unos sí triunfan y otros no.

Todo tuvo su origen cuando cuatro mentes inquietas de distintas partes de Estados Unidos coincidieron en Los Ángeles. Para nada se trataba de adolescentes con el interés de hacer música para conseguir cerveza gratis los fines de semana sino que sus aspiraciones eran bastante diferentes. Todos eran adultos que ya no tenían que pedir permiso a sus papás para salir de casa. Todos eran adultos en plenitud y con una inclinación hacia el arte sonora pero también visual.

 

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¿Fusión imposible de sonidos?

De lo anterior surgió un atípico proyecto que siempre ha navegado por distintos senderos pero sin pertenecer a uno en específico. Hay rasgos de rock progresivo pero también de metal, música industrial e inclusive art rock. Con esto en mente, los sonidos se alimentan de King Crimson, Ministry, The Residents y Frank Zappa. Así de variopintas son las influencias de Tool.

Cada uno de los álbumes del cuarteto han sido de larga gestación por distintos motivos como la aparición de proyectos alternos de sus integrantes como A Perfect Circle y Puscifer. Pese a lo anterior, uno de los puntos más altos en la carrera del combo llegó el 15 de mayo de 2001. Fue el día que las tiendas de discos recibieron un material con una psicodélica portada del artista Alex Grey. Su trabajo va más allá de una simple ilustración sino que incluye diversas capas de acetato que recrean los sistemas que conforman al cuerpo humano.

 

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Mientras que en la parte musical, la suma de Maynard James Keenan (voz), Adam Jones (guitarra), Justin Chancellor (bajo) y Danny Carey (batería) genera desde ambientes de serenidad terrenal hasta densos pasajes infernales. Todo en cuestión de segundos.

Un acierto del LP es que su inicio es directo y certero como un derechazo en la mandíbula en el primer round de una pelea de box. Arranca con “The Grudge” en donde la guitarra es afilada como el cuchillo de Jack el Destripador. El tema de apertura se prolonga por más de ocho minutos, una decisión poco usual para un grupo de rock promedio pero por fortuna no estamos frente a uno así.

Después de la hecatombe llega “Eon Blue Apocalypse", un breve pasaje instrumental que se conecta con “The Patient”, un tema que avanza de forma lenta con un Maynard que por momentos parece que reza hasta llegar al clímax con todos los instrumentos fusionados en un sonido colosal.

La importancia de la parte visual en la música.

Mientras la mayoría de los músicos suelen desaprovechar las bondades del formato del video musical aquí es distinto porque se utiliza como una herramienta artística. El trabajo de Jones en el maquillaje de películas de enorme éxito comercial como Jurassic Park y Terminator 2 lo llevó a interesarse en la técnica de stop motion. La muestra de su aprendizaje se puede observar en los videos de “Schism” y “Parabola” que él mismo dirigió.

El resultado desembocó en 75 minutos de furia que conforman uno de los mejores álbumes de rock del nuevo milenio. El reconocimiento inclusive generó obtener un Premio Grammy y una cifra récord de discos vendidos, algo poco usual para proyectos de este tipo.

La música de Tool siempre se ha mantenido fuera de los cánones de lo ordinario pero eso no ha sido impedimento para ser de gran alcance. El estilo y misticismo del cuarteto puede llegar a provocar pesadillas hasta en Freddy Krueger pero también sueños idílicos en personas de oídos refinados.

A 15 años del 'Broken Boy Soldiers' de The Raconteurs

De Detroit a Nashville, una transición necesaria.

2006, gran año para ser adolescente: MySpace era la red social más genial para conectar a través de la música, los festivales musicales eran encabezados por grandes bandas de rock y uno de los proyectos más icónicos de Jack White vería la luz del sol.

Broken Boys Soldiers, sería el nombre del primer álbum de The Raconteurs, cuya historia comenzó en Detroit. Una tarde, de forma casual, Jack White le contó a Brendan Benson sobre un nuevo proyecto, invitándolo a colaborar con él. Trabajaron en conjunto para escribir canciones que realmente les inspiraran, en donde las guitarras crujieran y explotara esa esencia del rock and roll. Las influencias musicales de ambos estaban claramente impregnadas: por una parte Benson y las bandas que escuchaba con sus padres: MC5, The Stooges y David Bowie; sumadas al rock crudo salido del garage de Jack White y ese fanatismo por Led Zeppelin, The Who, The Beatles y John Lennon.

White había trabajado previamente con Jack Lawrence, invitándolo a tocar en algunas giras de The White Stripes. Este virtuoso bajista originario de Kentucky tocaba junto con el baterista Patrick Keeler en The Greenhornes, donde ambos colaboraban de maravilla. Es aquí donde White conforma el resto de la banda invitándolos a Detroit a grabar en el estudio de Benson, aprovechando un timing perfecto en los que los cuatro, aún con proyectos alternos, tenían tiempo libre para crear uno nuevo. La forma de fluir entre los cuatro era tal que en muy poco tiempo concluyeron la grabación.

El resultado fue una mezcla de 10 tracks bastante disfrutables que combinan el rock and roll con blues, un poco de hard rock, folk y psicodelia setentera, y aunque el viaje por el que nos lleva este álbum es corto es bien sabido que “de lo bueno, poco”. Tres fueron sus sencillos: “Steady As She Goes”, “Hands” y “Broken Boy Soldier”, temas que les ayudaron a llegar a ser nominados para el Grammy como mejor álbum rock, a la par de estar en los primeros 10 lugares tanto en los conteos del Reino Unido como en los Estados Unidos.

La dualidad de este proyecto se refleja perfectamente en temas como “Together”, donde se aprecia una mezcla homogénea entre la suavidad de la voz de Benson con la pasión y energía que White Inyecta en cada interpretación. En contraste, hay que destacar temas como “Level” o “Store Bought Bones” cuya intensidad y texturas erizan la piel.

Para White la vida en Detroit comenzaba a limitarle, pues el acoso de los fanáticos tras el éxito de The White Stripes era algo inevitable ante cualquier multitud que le rodeaba, y la incomodidad llegaba desde el no poder disfrutar una noche en un bar de la zona hasta al estar en alguna reunión con conocidos a los cuales no sabía si era buena o mala idea hablarles todo el tiempo sobre sus proyectos musicales.

Nashville, semillero del talento musical estadounidense, vino a traer el cambio de aires que White necesitaba, pues ahí el ojo público estaba centrado principalmente en los artistas de música country, además de que en la ciudad había infinidad de músicos, ingenieros, entre otras personas involucradas en la industria musical, facilitando cualquier adición al trabajo de The Raconteurs. Por esta razón, fue aquí donde decidieron establecerse como banda y continuar trabajando.

Se considera esta la primera vez que Jack White hacía una colaboración formal junto con otros músicos, cosa que ayudó mucho a liberar y compartir la creación lírica, ya que normalmente quien escribía las letras en The White Stripes era él, situación que para le permitió soltar un poco de presión y pudo explotar al máximo su talento para la creación de este disco. Benson y White nunca compitieron por sobresalir en la banda, sino más bien buscaban crear sonidos que retaran y dejaran satisfecho al otro, haciendo una dupla que tanto en el estudio como en el escenario funcionaran a la perfección. En cuestión de ingeniería, Benson es el responsable principal del álbum, pero para sus presentaciones en vivo sumaron a la ecuación a Matthew Kettle, ingeniero que ayudo a grabar Get Behind Me Satan en 2005.

La crítica cuestionaba la durabilidad del proyecto, pues injustamente se le comparó en todo momento con The White Stripes, mostrándose más ilusionada por el retorno de Meg y Jack a los escenarios, que una segunda producción discográfica de The Raconteurs. La banda estuvo haciendo algunos shows en venues medianos y ya instalados en Nashville se dedicaron a trabajar inmediatamente en un segundo álbum Consolers of The Lonely, que se lanzaría dos años después (2008), mismo con el que saldrían de tour por Norteamérica y Europa, siendo parte de festivales como Coachella, Glastonbury y Bonaroo.

Así como la disponibilidad de tiempo les había unido, en 2010 The Raconteurs optó por separarse temporalmente dado a que cada integrante se encontraba ocupado en otros proyectos, y no sería hasta 2019 que volvieran a lanzar música nueva, “Sunday Driver” y “Now That You’re Gone”, un par de sencillos que serían parte de su tercera producción discográfica de larga duración llamada Help Us Stranger, pero ya hablaremos de ella cuando cumpla sus XV primaveras.

Broken Boy Soldiers no solo respresenta el inicio de una súper banda, sino que es testigo del inicio de la metamorfosis que vivió Jack White en esa época: una mudanza, un bebé en camino, una mayor comodidad en el proceso creativo y la oportunidad de expandir sus proyectos. Pareciera que el tiempo no pasa en vano por el rostro de cada integrante de The Raconteurs, pero las presentaciones que dieron en México en 2019 me confirmaron que su energía sigue intacta desde aquella tarde en Detroit.

Glass Animals comparte video de “Space Ghost Coast To Coast”

Dave Bayley reflexiona sobre una amistad juvenil con una canción que homenajea al rap.

A casi un año del lanzamiento Dreamland, la banda inglesa Glass Animals compartió el video de su sencillo “Space Ghost Coast To Coast”, extraído de su aclamado tercer álbum de estudio.

Dirigido por Max Siedentopf, el video de “Space Ghost Coast To Coast” muestra escenas tanto alucinantes como inquietantes que tienen lugar en las calles de Londres, en donde podemos ver al vocalista de la banda Dave Bayley rodeado por decenas de avatares digitales que lucen igual a él y que poco a poco se van multiplicando y deshaciendo de sus ropas para bailar desnudos al ritmo de la canción. Acerca del video, Bayley comentó en un comunicado de prensa:

"'Space Ghost' trata sobre alguien que conocí cuando crecí en Texas...nos distanciamos cuando me mudé a los 13 años, pero descubrí unos años después que hizo algo realmente horrible. La letra de la canción es simplemente preguntarse qué hace que alguien cambie tanto de ser un niño inocente a alguien que incluso puede considerar hacer lo que hizo. Habla de cómo en la década de 2000, los medios de comunicación culparon a los videojuegos violentos y a las letras de ese tipo de la mala conducta en los adolescentes...pero realmente creo que había problemas sociales mucho más grandes en juego. El video es un giro de esos videojuegos. Todos los videos que hicimos en el último año se hicieron en momentos de bloqueo… tuvimos que ser creativos. En este caso, a Max se le ocurrió la idea de filmarme bailando en el parque mientras él estaba sentado en su apartamento. Me estuvo dando instrucciones todo el tiempo a través del teléfono, en mis auriculares. Empieza ahí y se vuelve cada vez más surrealista ".

Ve el alucinante video a continuación.

Con el lanzamiento de su último material, Glass Animals esta disfrutando de una buena racha, en su primer semana Dreamland, alcanzó el puesto #2 en la UK Album Chart y su éxito "Heat Waves" fue coronado como el # 1 en Triple J's Hottest 100, un galardón que no había sido otorgado a una banda inglesa desde 2009.

La banda anunció recientemente su Dreamland Tour por Estados Unidos, el cual iniciará el 30 de agosto en Lewiston, Nueva York y terminará hasta el 2022. Estas fechas se suman a las de su gira por Reino Unido y las actuaciones confirmadas en festivales como Bonnaroo, Firefly yOutside Lands.

Te invitamos a que sigas a Glass Animals en sus redes sociales para que estés al tanto de sus nuevos proyectos.

 

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Little Jesus estrena el sencillo “Buenos días, Tardes Ya”

"Todo es un malviaje", expresa la banda en su más reciente composición.

Al parecer, 2021 será un buen año para Little Jesus. Tras su colaboración con Ximena Sariñana y Elsa y Elmar, la agrupación originaria de la Ciudad de México regresa con una nueva canción titulada "Buenos Días, Tardes Ya", cuya publicación corre a cargo del sello Sony Music.

En esta ocasión, la agrupación une su característico estilo pop con la psicodelia para reflexionar sobre sus malviajes. Además, el estreno llega junto con un videoclip en el que mezclan la magia de la cotidianidad y la experimentación visual desde la sala de su casa.

¡Dale play, aquí!

Durante 2020, Little Jesus se mantuvo constante en el lanzamiento de singles y colaboraciones, entre las que destacan: "Los Esclavos" con Ramona, "Lo que necesitas es amor", "Primavera 2020" con Zoe Gotusso y "beat relajada para estudiar". Aunque la banda no ha anunciado un nuevo material de larga duración, actualmente se encuentra preparando sus conciertos en Monterrey y CDMX. Puedes consultar todos los detalles en el siguiente enlace.

Recuerda seguir a la banda en redes sociales para próximos estrenos, mientras tanto, te recomendamos leer la conversación que Indie Rocks! tuvo con Little Jesus y Ximena Sariñana con motivo de su colaboración en el cover "Se Fue", canción original de Laura Pausini.

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Mare Advertencia Lirika y Natalia Lafourcade liberan “Tú sí sabes quererme”

"El amor que merezco existe, lo estoy viviendo. Cuando lo comparto crece con el universo".

Dentro de un Canto por México Vol. 2, se encuentra "Tú sí sabes quererme", un tema icónico dentro de la discografía musical de Natalia Lafourcade. El single lo hemos escuchado muchas veces pero no con el carácter y la fuerza que hoy le imprime la rapera oaxaqueña Mare Advertencia Lirika, quien hace un dueto junto a la intérprete y Rubén Blades.

Las voces viajan en coloridas cascadas llenas de fortuna, luz y energía que te contagian al instante solo para recordarnos que hay que tomarnos un descanso, respirar y ver la vida de una forma más amena; todo en torno al sentimiento más profundo: el amor.

tu si sabes quererme

Esta canción la escribí hace algunos años para que formara parte de MUSAS (Un homenaje al folclore latinoamericano en manos de Los Macorinos), y justamente habla del buen amor, el que se vive en libertad y es bien correspondido, el amor que florece sin miedos ni cadenas, el amor que acepta, siente, comparte, se expande, vuela", escribió Natalia Lafourcade a través de sus redes sociales.

Esta nueva versión de "Tú sí sabes quererme" llega en compañía de una colorida animación realizada por Analeovy. Da play a continuación para disfrutar la canción:

 

Kele publica su tema “From A Place Of Love”

El oriundo de Liverpool comparte esta canción previo a su nuevo álbum, el cual verá la luz este mes.

Con la inspiración de un personaje antagónico en una caricatura para niños, el vocalista del grupo inglés Bloc Party presenta su sencillo "From A Place Of Love" como lanzamiento previo a su álbum solista The Waves Pt.1, disponible para este próximo 28 de mayo a través de KOLA Records

Kele declaró haberse influenciado mientras veía la serie animada  She-Ra And The Princesses Of Power junto a su hija, lo que dirigió su atención a uno de los personajes dentro de la historia: Catra. “Escribí esta canción para Catra, y la volví a imaginar cómo una joven mujer que aún sigue cargando los demonios de su pasado sobre ella”. 

En última instancia, 'From A Place Of Love' es una canción sobre cómo ver a las personas que amas lidiar con cosas que son más grandes que ellos, sabiendo que no puedes resolver sus problemas, pero puedes estar a su lado, incluso si eso es lo único que puedes hacer”, expresó el cantante. 

Como antecedente, Okereke publicó su más reciente single “Nineveh”, el cual precede de su cover del clásico ochentero de la banda británica Bronski Beat, “Smalltown Boy”,  y el primer adelanto del disco “The Heart Of The Wave”.  

No olvides pre-ordenar el nuevo larga duración de Kele, The Waves Pt.1, a través de este enlace, y escuchar su tema “From A Place Of Love”

Escucha 'La Fama', el nuevo disco de Salvador y El Unicornio

El cantautor tapatío presenta melodías meláncolicas dedicadas al amor mismo.

Luego de una larga espera, Salvador y El Unicornio publicó su segundo álbum de estudio titulado La Fama el pasado 5 de mayo. Al igual que con Madre Mía (2019) y los primeros epés del compositor, Felipe Ceballos se encargó de la producción y mezcla correspondiente. Además, entre los músicos que acompañaron a Salvador se encuentran: Johann Daccarett, Andrea Franz, Maurizio Terracina Israel González (quien tambien diseñó la portada).

Conformado por 11 canciones, La Fama es una fusión súper disfrutable de bossa nova, psicodelia, pop, folk y un poco de jazz. La temática del disco es el amor, el cual converge con un vaivén de sensaciones que se balancean de la felicidad a la esperanza. Por supuesto, el toque meláncolico que caracteriza al trabajo del músico no podía faltar.

El título de mi disco La Fama viene en gran parte de una canción de Héctor Lavoe ❤️ donde él habla de esa palabra, en un contexto completamente diferente o lo que se piensa que es”, escribió Salvador en Instagram 

Antes del lanzamiento oficial, Salvador y El Unicornio compartió cinco adelanto promocionales, los cuales ya anunciaban el estilo retro y romántico del álbum; "Hoy Te Vi" fue el último en publicarse y llegó junto con videoclip oficial dirigido por el mismo cantautor. El clip cuenta con la fotografía de Marcelo Quiñones (Vertov the Noise).

¡Dale play, aquí!

Grabado en Indiana Studios, La Fama sale a través del sello Universal Music y ya está disponible en todas las plataformas de servicios streaming. La versión física la encuentras en tu tienda de discos favorita.

¡Cuentános en redes sociales! ¿Qué te pareció La Fama y cuál es tu pista favorita?

 

Royal Blood comparte “Limbo” en versión orquestal

La sincronía del clásico y el garage rock en una potente reversión.

“Limbo”, el nuevo sencillo de Royal Blood en compañía de un grupo de cuerdas en los estudios Abbey Road, Inglaterra. La canción comprende como un extracto de su más reciente álbum Typhoons, liberado el pasado 30 de abril, a través de Warner Music

Grabar esta canción para Amazon Original fue una experiencia increíble” (...) “Tocar en una orquesta con músicos asombrosos se sintió como magia en la vida real, y hacerlo en Abbey Road Studio 2 - no pudimos pedir algo mejor”, declaró el dúo. 

La versión en streaming se encuentra disponible en exclusiva para Amazon Music, y a través de su canal de YouTube, donde se aprecia a Ben Thatcher y Mike Kerr junto a coristas, 16 cuerdas, un director musical y una luminaria que compagina con el tema. 

Hace una semana, la banda compartió una sesión en vivo de su último single “Boilermaker”, del cual liberaron un videoclip oficial dirigido y creado por Liam Lynch. 

Por otra parte, el tercer larga duración de la copla consiguió su tercer nombramiento consecutivo como el álbum #1 en el gran récord de ventas iniciales a días de su liberación. Hecho que compartieron en sus redes sociales a través de un fotografía publicada. 

Escucha la sesión orquestal de Royal Blood para “Limbo”, y reproduce a través de Amazon Music

Andrés Calamaro presenta nueva versión de “Flaca” y anuncia álbum

La trayectoria artística de Calamaro en voz de reconocidos exponentes de la música latina.

Andres Calamaro anunció el lanzamiento de un nuevo material de estudio titulado Dios los Cría. El disco está conformado por reversiones de sus más grandes éxitos y se pubicará el 27 de mayo en todas las plataformas de servicios streaming a través del sello Universal Music.

Dios los Cría contará con la participación de Julio Iglesias, Alejandro Sanz, Mon Laferte, Lila Downs, Saúl Hernández, Vicentico, Julieta Venegas, entre otros. Además, Calamaro ha preparado postales con su firma para regalarlas a quienes se animen a pre ordenar el disco.

Junto con el anuncio del LP, el músico argentino compartió una nueva versión de "Flaca" en compañía de Alejandro Sanz. Recordemos que el sencillo original está incluido en su álbum Alta Suciedad (1997).

En esta ocasión, la canción fue grabada en los estudios Red Led, y Carlos Narea se encargó de producirla. Asimismo, el estreno ya cuenta con un videoclip realizado en Madrid, España, cuya dirección corrió a cargo de Carlos Sánchez.

¡Dale play, aquí!

Los últimos lanzamientos de Andrés Calamaro incluyen: una colaboración con C.Tangana, un cover de "Paula" de Zoé y su interpretación de "Bohemio" con Julio Iglesias.

Checa la portada de Dios los Cría así como la lista completa de canciones, a continuación, y recuerda seguir a Indie Rocks! para más novedades.

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Tracklist:

01. "Bohemio" con Julio Iglesias

02. "Tuyo Siempre" con Vicentico

03. "Estadio Azteca" con Lila Downs

04. "Para No Olvidar" con Manolo García y Vicente Amigo

05. "Mi Bandera" con León Gieco

06. "Flaca" con  Alejandro Sanz

07. "Tantas Veces" con Mon Laferte

08. "Algún Día Encontraré" con Carlos Vives

 09. "Jugar con Fuego" con Raphael

 10. "En un hotel de mil estrellas" con Milton Nascimento

 11. "Engánchate conmigo" con Juanes y Niño Josele

12. "Pasemos a otro tema" con  Julieta Venegas

13. "Gaviotas" con Saúl Hernández

 14. "Horizontes" con Fernando Cabrera

 15. "Paloma"  con Sebastián Yatra, Leiva e Iván Ferreiro

Leon Bridges anuncia álbum y libera el tema “Motorbike”

Terrace Martin, Ink y Robert Glasper en el nuevo álbum de Leon Bridges.

Después de Good Thing en 2018  y de su colaboración ​​con Khruangbin en el EP Texas Sun el año pasado, Leon Bridges ha anunciado su tercer álbum de estudio titulado Gold-Diggers Sound, el cual contará con 11 canciones y colaboraciones de artistas como Robert Glasper, Ink y Terrace Martin con el tema "Sweeter" recientemente publicado.

El anuncio del nuevo álbum trajo consigo un adelanto del mismo, se trata de "Motorbike" una canción que inicia con un sonido afrobeat cortesía del productor Nate Mercera y viene acompañado de un videoclip dirigido por el rapero Anderson .Paak, inspirado en la famosa pareja de criminales Bonnie y Clyde

Antes de la sesión, estaba en Puerto Rico para cumplir los 30 con algunos de mis mejores amigos, y la energía de ese viaje inspiró totalmente esta canción. 'Moto' se trata de vivir el momento y escapar con alguien. Es la personificación de esa química tácita que tienes con esa persona. Un agradecimiento especial a mi hombre Anderson .Paak por las impresionantes imágenes ", compartió Leon Bridges en un comunicado de prensa.

Aquí puedes ver el vídeo.

Gold-Diggers Sound fue producido por Ricky Reed y Nate Mercereau y ha sido descrito por Bridges como su álbum más sensual. Aquí te dejamos la lista de las canciones que lo conformarán.

Leon Bridges Album_2021

Gold-Diggers Sound Tracklist:

  1. "Born Again" [ft. Robert Glasper]
  2. "Motorbike"
  3. "Steam"
  4. "Why Don’t You Touch Me"
  5. "Magnolias"
  6. "Gold-Diggers (Junior’s Fanfare)"
  7. "Details"
  8. "Sho Nuff"
  9. "Sweeter" [ft. Terrace Martin]
  10. "Don’t Worry" [ft. Ink]
  11. "Blue Mesas"

Gold-Diggers Sound sale a la venta el próximo 23 de julio a través del sello discográfico Columbia. Ya puedes ordenarlo aquí.