A 30 años del ‘Blood Sugar Sex Magik’ de Red Hot Chili Peppers

Posted on septiembre 24, 2021 by -

Una licuadora musical en la que todos los sonidos se pueden combinar.

El rock, a pesar de su carácter de rebeldía, también ha sufrido de pensamientos retrógradas a lo largo de su historia. Desde que las mujeres no pueden ejecutarlo hasta que los blancos son incapaces de rapear. Pese a la oposición, siempre aparecen personas que rompen paradigmas y sirven de ejemplo para las generaciones posteriores. Aunque algunos permanecen como grupos de culto otros trascienden hasta la cima del estrellato y el caso más claro consta de cuatro palabras: Red Hot Chili Peppers.

Como en muchas historias, todo comenzó cuando unos amigos adolescentes se reunieron para crear una nueva banda. Sus conocimientos musicales no eran demasiado grandes pero lo que les sobraba era energía. A pesar de la blancura de su piel sentían una profundo respeto y admiración por ritmos como el funk y rap. Hoy puede sonar como algo convencional pero a inicios de los ochenta todavía existía una fuerte segregación en Estados Unidos.

Los cuatro mozalbetes crecieron junto con su música y enfrentaron lo mismo que termina por provocar la separación de la mayoría de conjuntos. Hubo fracasos, rupturas, cambios de integrantes y hasta el fallecimiento del guitarrista original, Hillel Slovak. Pero al igual que un ave fénix, el combo logró resurgir de las cenizas y no solo mantenerse a flote sino llegar al punto más alto de su carrera.

El productor que unió el rock con el rap

En medio de la explosión del rock alternativo, el cuarteto conformado por Anthony Kiedis (voz), John Frusciante (guitarra), Flea (bajo y trompeta) y Chad Smith (batería) logró algo que marcaría para siempre su carrera. La unión con Rick Rubin como productor vislumbraba que se acercaba algo grande. Para ese entonces el hombre de la barba eterna había trabajado con Slayer, Beastie Boys, Run DMC y Public Enemy. Era una de las pocas personas que había entendido la capacidad que tenía el rock para integrarse a otros estilos.

La relación fue tan prolífica que derivó en 16 composiciones propias y un cover del bluesero Robert Johnson que tuvieron que ser reunidas en dos discos. Finalmente, el 24 de septiembre de 1991 vio la luz el quinto álbum de estudio de Red Hot Chili Peppers. Dentro de su trayectoria marca un punto de inflexión entre el sonido juvenil y despreocupado de su primera época junto a un estilo maduro que ha estado presente desde entonces.

Cómo pasar de la furia a la introspección

El primer sencillo publicado fue “Give It Away”, acompañado de un video que tuvo una constante rotación en MTV. Se vivía una época en la que era necesario salir en la televisión para triunfar. El tema muestra un cálido funk pero desde la visión de unos veinteañeros blancos californianos. La mezcolanza hubiera sido imposible sin el trabajo previo de agrupaciones como Jane's Addiction.

Sometimes I feel like I don't have a partner

Sometimes I feel like my only friend

Is the city I live in, the city of angels

Lonely as I am, together we cry

Mientras que en las antípodas se encuentra una pieza que refleja el punto de mayor madurez alcanzado por los cuatro integrantes. Hasta ese momento parecía poco probable que pudieran crear una balada melancólica sin caer en cursilerías. Todo cambió con “Under the Bridge” y las primeras notas que emana la guitarra de Frusciante. Es una pieza tan poderosa como el mensaje que envía Kiedis al desahogar su dependencia hacia las drogas. Aunque en apariencia tenía una vida perfecta, por dentro estaba vacío y a punto de quebrarse. Desde que Led Zeppelin le presentó al mundo “Stairway to Heaven” no se escuchaba una canción de rock que combinaba a la perfección el poder con la depresión.

La forma en que el grupo puede pasar de la máxima festividad a la íntima emotividad no es del todo extraña si se consideran sus influencias. En su autobiografía Acid for the Children (Grand Central Publishing, 2019), el músico y actor Flea dedica una parte para mencionar sus álbumes favoritos. La lista es tan variopinta que abarca desde Miles Davis y Funkadelic hasta Fugazi y Joy Division.

El tiempo pasa y este álbum de Red Hot Chili Peppers se mantiene como una de las muestras más claras de las infinitas posibilidades que ofrece el rock. En ocasiones es un ritmo frenético que incita al pogo y en otras tiene el mismo poder de una cebolla para provocar el llanto. No existe otro género que pueda conseguirlo con tanta facilidad.

José González — Local Valley

Posted on septiembre 24, 2021 by -

Un breve recordatorio de que estamos juntos a pequeña y gran escala. José González presenta su álbum más íntimo hasta la fecha.

A todo esto, ¿Qué es la localía?, ese fenómeno extraño y al mismo tiempo desafiante que surge al escuchar aquella palabra nos puede referir de inmediato al deporte, cuando juegas en la cancha de tu ciudad, donde la mayoría son tus espectadores, todo bien hasta ahí. ¿Pero qué ocurre cuando hacemos de otro lugar nuestra casa?, es extraño, ya que en realidad nada nos pertenece, pero al mismo tiempo somos capaces de adaptarnos a distintos contextos y hacer de nuestra localía cualquier lugar. Curiosamente, José González llega este 2021 donde todos estamos llenos de incertidumbre para hacernos respirar mejor con su nueva placa Local Valley.

"De ningún lado del todo y de todos lados un poco" enunciaba Jorge Drexler en "Movimiento", una canción que habla del fenómeno de la migración en la humanidad, y lo tomo como referencia porque parece que el nuevo registro de José González nos muestra otra perspectiva indirecta de este proceso. Hijo de padres argentinos y criado en Suecia, el cantautor tiene una serie de influencias muy variadas que se reflejan bien en su obra, podemos pensar en las leyendas del folk como Nick Drake o incluso los grandes cantantes de Latinoamérica como Mercedes Sosa o Silvio Rodríguez.

La música de José toma un poco de todo eso, aunque al mismo tiempo se alimenta de la contemporaneidad y de su propia realidad que seguramente no es la misma que hace seis años, cuando sacó su anterior trabajo de larga duración llamado Vestiges & Claws. Entonces, al escuchar Local Valley podremos acercarnos a la propia realidad de José de una manera bastante noble, que al mismo tiempo nos deja mensajes claros y bastante organizados por parte del artista.

Grabado y autoproducido por José González desde las instalaciones de Studio Koltrast, Local Valley representa el cuarto álbum de estudio del cantautor. Contó con la colaboración en mezcla y mastering de Hans Olson y en su totalidad esta pieza de 13 canciones fue realizada en su natal Suecia.

Jose-Gonzalez_2021

De ascensos y caídas.

El trabajo lírico de Local Valley nos muestra la madurez que ha adquirido el artista en los últimos años, así como una serie de matices que ofrecen diferentes perspectivas, ambientes y sobre todo estados de ánimo en cada canción. Todas las historias del álbum se llevan al lugar más emotivo, al más introspectivo, al más personal, y es por eso que resulta bastante conmovedor dejarse llevar por el planeta que sugiere cada pista.

Hay temas que dedica José a su hija como "El Invento", que bien puede referenciar todas esas dudas y enigmas que van surgiendo de manera maravillosa mientras la infancia comienza a florecer. Por otra parte aparecen temas como "Swing" y "Horizons", que de varios modos resultan amistosos en sus letras, que en resumen te invitan a estar bien, esto puede ser mediante la relajación o el baile.

Si hay algún adjetivo que puede definir a Local Valley es "desafiante". José González encara con elegancia temas como la colectividad, el cuidado de la naturaleza y la motivación personal para salir y enfrentar los problemas, para moverse y para cuidarse, esto en solitario pero también en comunidad. Y es curioso, porque a pesar de la voz suave del exponente podemos sentir en su interpretación diferentes motivos que incitan a levantar la energía.

Por otra parte, no se puede negar que Local Valley es un álbum político, el cantante criado en Gotemburgo hace críticas a diferentes sectores de la sociedad que se han encargado de hacer de este mundo un peor lugar día a día, y por otra parte incita a cambiar la brújula, a no tener miedo y romper los paradigmas.

Y es muy emocionante que al acercarse a los clímax de la placa encontremos frases dedicadas a los "Buscadores de rentas, extractores de valor Oligarcas, corruptos, ladrones de poder, Incentivos pervertidos, bucles lúdicos, Nepotismo, tropas tribales". Por otra parte, destaca mucho "Tjomme", una pieza donde José González llega al extremo con la siguiente frase:

Confía ciegamente en un libro viejo, no te atrevas a pensar por ti mismo. Y una vez que pienses por ti mismo te enamoras de amenazas cobardes para que dejes de pensar por ti mismo, completamente terminado..."

José González_2021

El lugar donde todo es nuestro.

Hace unos meses tuve la oportunidad de disfrutar del concierto en streaming de José González, Up Close & Personal, ofrecido desde un jardín Botánico, lleno de naturaleza. José se mostraba tranquilo haciendo lo suyo, parece que nunca ha buscado lo mismo que el resto de músicos porque más allá de encarnar algo donde fuera el centro de atención, dejó que la música y la naturaleza se unieran y que su figura se tornara como un puente que permitía a la gente conectar, llegar a una emoción nueva, quizás estar tranquilos nada más y pasar un rato agradable.

Y es que hay que reconocer que el sonido del cantautor es sumamente cálido, honesto y al mismo tiempo humano. Aunque sea un hombre junto a su guitarra, unos zapatos con suela de madera para golpear el piso y algunos cuantos efectos, su música parece llena de capas sonoras gracias a su enorme capacidad como guitarrista. La primer mitad del álbum podemos ser testigos de arpegios brutales, que suenan sumamente complejos pese a que seguramente fueron grabados sencillamente por José, un claro ejemplo es "Horizons", aunque no se puede dejar del lado a "Head On" y "Valle Local", que cuentan con una instrumentación muy bien trabajada.

La interpretación melódica del juego de voces de José González parece plana durante la mayoría del álbum, pero aunque no tenga precisamente momentos de mucha intensidad logra dar en el blanco de las intenciones de cada tema. Resulta conmovedora por momentos esa voz suave, que habitualmente recurre a notas largas y que se empareja con la madera y la oscuridad de su guitarra.

La segunda mitad del disco es un poco más libre, ahí el artista recurre a guitarras un poco más flexibles, así como alguno que otro detalle atmosférico que nos hace escuchar sonidos de aves, trasladándonos a paisajes sonoros llenos de naturaleza. Ritmos groseros aparecen en "Lilla G", "Swing" y "Tjomme" gracias a la implementación de algunos beats artificiales que sin duda le dan una dinámica un poco más bailable respecto al resto del álbum y está claramente influenciada por ritmos de la música proveniente de África.

Local Valley es un disco bastante valioso, que aspira a momentos diferentes que el resto. José González se atrevió por primera vez a cantar en español, inglés y sueco durante el álbum y eso también es una muestra de como ha hecho de cada idioma algo suyo, donde se siente local, "En Stund Pa Jorden" es la muestra clara.

Finalmente, Local Valley es el reflejo de muchos sentimientos, lugares y personas que volvemos nuestras, al mismo tiempo es un homenaje a todas esas cosas, personas y pensamientos que atesora el artista. La emoción de sentirte en casa es complicada en un mundo que pocas veces te permite detenerte a tomar ánimos, pero cuándo entiendes la importancia de estar bien contigo, con los que te rodean y al final estar bien con tu comunidad, eres local en cualquier cancha, ciudad o idioma. Disfruta del nuevo álbum de José González a continuación.

A 25 años del 'Dance Hall at Louse Point' de John Parish y PJ Harvey

Posted on septiembre 24, 2021 by -

El blues de PJ Harvey y John Parish.

El amor y desamor, conflictos internos, consecuencias de guerras, representaciones de personas envueltas en violencias o simplemente vivencias importantes, son retratos musicales que PJ Harvey lleva a la mente de muchos; la multi instrumentista, escritora y poeta que va más allá de cualquier tiempo, tanto en el aspecto musical como en su manera de escribir. Cada álbum que Polly a elaborado en su larga carrera musical se ha convertido en una mejor interpretación de ella misma. Su protagonismo está constituido a partir de su lenguaje musical y performativo.

En este 2021 se cumplen 25 años del lanzamiento del cuarto álbum de PJ Harvey el primero en colaboración, Dance Hall At Louse Point, donde la introvertida cantante prueba y comprueba su habilidad innata para escribir y es que, cada una de las letras en este material fueron creadas por ella y en las cuales su gusto por la poesía se ante puso a todo, mientras que la música fue compuesta por quien sería su colaborador en dos ocasiones, John Parish, y con quien comenzó su carrera musical dentro de la banda Automatic Dlamini, donde este lideraba la agrupación.

Dance All At Louse Point es el sucesor de To Bring You My Love (1995), que se convirtió en una especie de mezcla lentamente atrayente entre rock, folk y blues, sumado a otros arreglos que el dúo realizó para lanzar un álbum tan ajeno a ellos, pero al mismo tiempo tan representativo de esta dualidad musical existente entre Harvey y Parish. Las cuerdas son las protagonistas en este material al mismo tiempo que la voz de Harvey, que por ocasiones esta rodeada de un frenesí y en otras son simples susurros, sin hacer que las canciones luzcan forzadas en su creación sino únicamente algo que fluyó y se concretó como se puede escuchar en su pieza "Taut", rodeada de percusiones y más cuerdas cuenta una historia entre un sufrimiento por violación y la espera de una salvación, o la extraña narración en "Is That All There Is?",  donde surge la pregunta ¿es todo lo que hay?, cuando las cosas que acontecen a lo largo de la vida, sean buenas o malas no llegan a ser suficientes ni sorprendentes. El disco que se lanzó en 1996 fue un impulso necesario dentro de la carrera de PJ Harvey, a partir de este, la profundidad de sus letras comenzó a ser más peculiares a ella así como en las composiciones musicales.

Si hablamos de las voces femeninas que han dejado huella en la música, Polly Jean Harvey no se queda atrás, ya que ha sabido explotar su talento a través de diversos instrumentos y de las historias que describen cada una de sus canciones. Dentro de sus trabajos están sus incontables materiales musicales como solista, realizados desde 1992 y también sus inicios dentro de la banda Automatic Dlamini en 1988, donde tocaba instrumentos y cantaba. Polly Jean, también se ha visto involucrada en las elaboraciones de materiales audiovisuales como el caso del documental A Dog Called Money, donde junto con Seamus Murphy retrató sus viajes por Kosovo, Afganistán y Washington, y a la par se puede ver escenas de la grabación del álbum que se inspiró de historias a partir de estos viajes, The Hope Six Demolition. La grabación de este material es especial porque las personas tenían acceso a mirar este proceso de creación, pero a través de unos cristales para que los músicos no se distrajeran en el desarrollo. También, se ha visto involucrada en la creación de música para obras de teatro y películas, como The Crowded Cell para la serie The Virtudes a cargo del director inglés Shane Meadows. Pero esto es tan sólo una mínima parte de los trabajos que ha realizado la introvertida cantante. Es necesario mencionar que las colaboraciones que Polly Jean ha tenido con músicos como Nick Cave, Thom Yorke y Tricky, también han sido enriquecedoras tanto en su ejecución como en sus letras, y de estos han salido canciones como "Henry Lee", "This Mess We´re In" y "Broken Homes". Sencillos totalmente diferentes pero que están inmersos en un proceso de experimentación para bien de ambos artistas.

Esperamos que PJ Harvey nos siga sorprendiendo en los siguientes años, su música, sus letras, colaboraciones y presentaciones atípicas han hecho que muchos otros artistas se inspiren, inclusive se ha llegado a decir que Harvey ha inspirado a quienes fueron sus maestros en su camino dentro de la música. Esta por demás mencionar que la cantante inglesa se convirtió en una pieza clave dentro del arduo desempeño que llevan a cabo las mujeres en la música.

A 30 años del 'Badmotorfinger' de Soundgarden

Posted on septiembre 24, 2021 by -

Entre la potencia del heavy metal y la libertad del rock alternativo.

En una hipotética lista con los mejores nombres de bandas de rock de la historia sería imposible dejar fuera a Soundgarden. Mientras que no solo se trata de un apelativo que impone respeto sino que se complementa con el trabajo de uno de los máximos exponentes del movimiento llamado grunge. El resultado es una agrupación de gran importancia que no ha recibido todo el reconocimiento que merece y en muchas ocasiones ha vivido a las sombras de sus compañeros de generación Nirvana y Pearl Jam.

Cuando Seattle se convirtió en el centro del mundo.

Todo se remonta a la friolenta ciudad de Seattle a inicios de los ochenta. El lugar estaba lejano a la calidez de Los Ángeles o la intelectualidad de Nueva York. Tan solo se trataba de un espacio en el noroeste de Estados Unidos que parecía lejano de todo y con un futuro incierto. 

En medio de ese panorama tres jóvenes se unieron con la intención de formar una banda de rock. Todos mantenían vidas promedio con trabajos mediocres y sin nada que perder. Su inspiración era el hardcore punk de la época con Black Flag y Circle Jerks como máximos representantes. Mientras que como lo menciona Kim Thayil en el libro Everybody Loves Our Town: A History of Grunge (Faber & Faber, 2017), su máximo ídolo siempre ha sido Tony Iommi de Black Sabbath. Por lo mismo, inclusive cambió la afinación de su instrumento para conseguir el mismo sonido demoníaco que el músico inglés. Es un rasgo en común que mantiene con Buzz Osborne de The Melvins.

De la formación original hubo cambios importantes. En un inicio Chris Cornell era baterista y cantante. Sus propios compañeros vieron que tenía una gran voz pero no dominaba los ritmos y le dijeron que solo se enfocara en una actividad. Mientras que después de una intensa búsqueda un experimentado Matt Cameron se unió para formar un poderoso cuarteto.

Con dos álbumes previos que obtuvieron un discreto reconocimiento, todo cambiaría el 24 de septiembre de 1991. Fue el día que llegó a las tiendas de discos un álbum con una misteriosa portada que a la fecha resulta hipnótica. De los ojos nace el amor pero se consolida con los sonidos que hay en su interior.

La voz más aguda de la Generación X.

El tercer LP de Soundgarden abre con “Rusty Cage” y unos riffs de Thayil que dan pie a una pieza que de forma paulatina aumenta en intensidad. Es un huracán que arrasa con todo lo que encuentra a su paso como el que llevó a Dorothy a la tierra de Oz. No hay tiempo para descansar porque de inmediato se enlaza con "Outshined", una composición con un sonido pantanoso como el viejo blues que interpretaban los esclavos en los campos de algodón pero con una batería de heavy metal. Es la combinación idónea que incita al headbanging y no solo escuchar la música sino vivirla.

Por su parte, si algo demostró el cuarteto es que de toda su generación es el que se encontraba más cercano al metal de finales de los sesenta. La voz de Cornell guarda cierta similitud con la de Robert Plant de Led Zeppelin. Donde mejor se aprecia es en “Jesus Christ Pose" y su ritmo acelerado como una cabalgata que anuncia el fin del mundo. Además el bajeo del debutante Ben Shepherd se acerca a lo hecho antes por Blue Cheer.

Mientras que más allá del poder también destaca una predilección por la psicodelia. En “Somewhere” y "Searching with My Good Eye Closed" se aprecia un gusto por la experimentación y alargar las canciones que de su generación solo Screaming Trees había intentado. Con esto, se consigue un balance entre furia e introspección que se extiende por los 57 minutos del material.

Siendo un fruto de la Generación X y la época en que predominaban las extensas melenas y la ropa holgada, Soundgarden ha logrado superar la complicada barrera del tiempo. Su máximo reconocimiento llegaría después pero a la fecha Badmotorfinger se mantiene como uno de los trabajos mejor conseguidos de la última década del siglo pasado.

Top 10: Los mejores videos de septiembre

Posted on septiembre 24, 2021 by -

Adiós tequila, hola pan de muerto. Échale ojo a los mejores videos que nos dejó el mes patrio.

Parece que septiembre inició apenas ayer, pero déjanos contarte que no es así. Este es el último viernes del mes y eso significa que te traemos un regalo especial para que lo disfruten completamente tus ojos, así que ábrelos bien, ponte lentes y dale play a todo lo que encuentres en este top porque hicimos una recopilación de los mejores videos que se estrenaron durante este mes patrio.

No cabe duda que un buen visual siempre hace que la experiencia de una nueva canción logre ser mejor (o peor). Es por ello que en Indie Rocks! te mostramos los mejores 10 videos que lograron que sus respectivos temas se fueran hasta el cielo y te llevaran de la mano. Desde Rosalía con Tokischa hasta Mac Miller , date a continuación un mix visual de otro mundo.

Recuerda que puedes seguirnos en Facebook, Twitter e Instagram y contarnos cuál fue tu video favorito y cuál habrías incluido en este top. También tenemos una playlist de nuevos tracks en la que cada semana podrás encontrar muy buenos estrenos. Síguela, escúchala en aleatorio y descubre tus nuevos sonidos favoritos.

Playlist Nuevos Tracks IR!

Juku Ares, indie rock de las playas argentinas a tu playlist

Posted on septiembre 23, 2021 by -

Una nueva promesa de la música porteña nos recuerda las maravillas de relajarse y tomar el sol.

Las personas apasionadas por las nuevas expresiones del indie rock en español no dejarán mentir: en Argentina ha habido una explosión de propuestas dentro de este género, abanderada por nombres como Indios, Silvestre y La Naranja, Bandalos Chinos y muchos otros. Pues, bien, un nombre más se integra a esta lista sin fin, para regalarnos momentos cálidos de romance y festividad: Juku Ares, músico de Buenos Aires, Argentina.

Pese a su reciente debut solista, Julián Ares ya cuenta con una sólida carrera dentro del rock argentino. Anteriormente, figuraba como el líder y vocalista de la banda NIDOS, conocida en la capital argentina como “el grupo que grabó en los estudios Abbey Road”. Con ésta, logró posicionar una decena de sencillos en las radios de su país, como “Las 3”, “Accidente”, “Todavía”, entre otros.

NIDOS, aun con su cuantioso éxito, llegó a su final en 2019, hecho que dejó el camino libre a Julián para emprender una carrera solista bajo el nombre de Juku Ares. Así, debutó en 2021 mediante el álbum Nuestros, donde recuperó el estilo de indie rock con toques de balada pop en los sencillos “Lobo”, “Nuestros” y “Buenos Aires”.

Juku Ares es una mente inquieta y, por ello, decidió juntarse con el músico porteño Un Muerto Más para la nueva canción "Camarón", que coquetea con un discreto acento RnB, plasmado en la línea: “yo quiero estar como camarón, en la playita tomando el sol”. El tema fue producido por el mismo Juku Ares al lado de Joaquín Bañuelos y Santiago Napoli, y la dirección del video musical corrió a cargo de Diego Pincheira. Dale play a este audiovisual a continuación.

No había podido dormir en toda la noche. A la mañana me había quedado encerrado por una confusión con las llaves, y Toti [Bengoechea, actriz] había dejado en un cenicero lo que creí que era tabaco. Después de darle unas buenas secas me di cuenta de que era un porrito y, cuando cayeron todas las fichas juntas, vi la guitarra sobre la cama. Ahí salió esta canción, en dos minutos”, comenta Juku en redes sociales.

¡Sigue a Juku Ares en Facebook, Instagram y Spotify para que no te pierdas su nueva música!

Escucha “Tristeza” de Silvana Estrada

Posted on septiembre 23, 2021 by -

Un canto para sanar heridas.

Canciones terapéuticas que llegan al alma, así son las composiciones de Silvana Estrada, quien se ha convertido en una de las intérpretes más conocidas de México alrededor del mundo; como un adelanto de su disco Marchita, Silvana estrena “Tristeza”, un canto para sanar esas heridas que a veces duelen hasta lo más profundo del corazón.

Un sentimiento que muchas veces nos termina por dominar, así es la “Tristeza”, canción en la que Silvana Estrada plasmó su alma entera con tal de sanar y lavar esas heridas que tanto aquejan en el alma.

Para la intérprete, esta canción resultó de lo más terapéutico en estos tiempos, ya que surgió de una ruptura en la que, además, el pensamiento mágico tuvo que ver en la creación de la letra.

Es la primera canción donde asimilo la pérdida y pido por estar bien a pesar de ello. También fue la primera canción que escribí viviendo en Ciudad de México; estaba muy deprimida y asustada porque no me sentía cómoda en la ciudad, extrañaba mucho el campo, todo esto sumado a una motivación por la novedad, por la incertidumbre".

“Tristeza” llegó acompañada de un video muy cinematográfico en blanco y negro filmado en Valle Nuevo, República Dominicana, y fue dirigido por Karla Read y Edwin Erazo. Con este sencillo, Silvana Estrada se estrena con el sello estadounidense Glassnote Records.

Es tiempo de soltar toda esa “Tristeza”, dale play al video de canción:

El próximo 27 de septiembre, Silvana Estrada presentará su sesión grabada para Tiny Desk (Home) Concerts, como parte del Hispanic Heritage Month; está fue grabada en Coatepec, Veracruz.

Mientras se estrena esta sesión, te dejamos el video de "Marchita".

Hordatoj comparte su nuevo sencillo “No Resistas” y anuncia álbum

Posted on septiembre 23, 2021 by -

¿Qué significa para ti esa persona especial?

Eduardo Herrera, mejor conocido en la industria musical como Hordatoj, lleva más de 20 años deambulando dentro de la escena del hip hop, acto que le ha permitido posicionarlo como uno de los grandes representantes del género no solo en Chile -su país natal-, sino en el resto de Latinoamérica y el extranjero. El cantante, tras presentar en 2015 el volumen dos de Beat Tape, llega este 2021 con nuevas sorpresas, se trata de su nueva producción discográfica Al Amanecer que llegará este 11 de noviembre a través de Potoco Discos.

Producido por el rapero californiano Oh No, este material se compone por seis interesantes pistas que incluyen colaboraciones con DJ Dacel y la cantante y compositora Jimetta Rose, quien se hace presente en el primer adelanto "No Resistas", una que pieza irradia destellos desde el primer segundo y se conjuga a la perfección con esta ráfaga de líneas que tratan de explicar la similitud de lo que siente una persona por aquel ser especial. Te la compartimos a continuación para que la disfrutes:

Lo nuevo de Hordatoj estará cargado de sorpresas; una producción ligera y honesta que promete conquistarte inmediatamente. Te invitamos a mantenerte al pendiente para que no te quedes sin conocer más detalles sobre Al Amanecer.

Beach Fossils publica “This Year” en versión jazz

Posted on septiembre 23, 2021 by -

Sonidos de piano y sax que te transportan a una atmósfera llena de nostalgia.

Con un sonido lleno de nostalgia, Beach Fossils, publicó el primer avance de lo que será su nuevo álbum The Other Side of Life: Piano Ballads, material que incluirá algunas canciones favoritas pero con un toque de jazz; como es el caso de “This Year”, canción perteneciente al disco Somersault.

“This Year” es una canción que habla de querer regresar en el tiempo para poder hacer las cosas mejor, es un tema con una letra muy profunda, y con el sonido jazz qué Beach Fossils le ha impregnado en esta versión, la canción se ha convertido en un tema lleno de nostalgia.

I'll meet you on the other side of life/ No, I won't be there in time".

Date un viaje a la nostalgia y escucha "This Year" a continuación:

The Other Side of Life: Piano Ballads estará disponible el próximo 19 de noviembre; el disco fue grabado en colaboración con Tommy Gardner, quien fue su baterista de 2011 a 2016, y la idea de seguir este sonido, se eligió por el gusto de Gardner y Dustin Payseur por el jazz.

A continuación te dejamos el tracklist y el arte de The Other Side of Life: Piano Ballads:

beach-fossils-hte-other-side-of-life-piano-ballads-artwork

"This Year"
"May 1st"
"Sleep Apnea"
"What a Pleasure"
"Adversity"
"Down the Line"
"Youth"
"That’s All For Now"

Francisco, El Hombre estrena “Nada Conterá a Primavera”

Posted on septiembre 23, 2021 by -

El grupo brasileño abre una nueva etapa en su carrera con su tercer álbum de estudio.

Francisco, El Hombre se ha consolidado como una de las propuestas más interesantes del rock latinoamericano y la música popular brasileña, gracias a su estilo que el grupo mismo define como “transculturalismo transamericano ruidoso”. Ahora, la agrupación brasileña está de regreso en el estudio para su tercer álbum, que presenta con el primer adelanto “Nada Conterá a Primavera”, cuyo título se traduce al español como “nada contendrá la primavera”.

"Nada Conterá a Primavera” es una muestra más del cruce de influencias que caracteriza la música de Francisco, El Hombre. Esta vez, el grupo se decanta hacia un estilo de rock latino para una canción que celebra la llegada de la estación más colorida del año. Dale play a este sencillo a continuación y espera el video realizado por Amaré Audiovisual pronto.

Finalmente florece el nuevo single de este álbum muy bonito que hemos construido con todo el cariño. […] Hoy, nace en Francisco, El Hombre una nueva etapa que estamos ansiosos por ver emerger”, comenta el grupo en redes sociales.

Aún no hay detalles sobre el próximo álbum de Francisco, El Hombre. Sin embargo, la agrupación nos invita a seguirla en su cuenta de Instagram para que no nos perdamos ninguna actualización de este material.