A 10 años de 'Matangi' de M.I.A.

La artista lanzó su álbum hace ya una década, sin embargo, sus canciones continúan reflejando los problemas de la sociedad actual.

M.I.A. es reconocida por sus letras cargadas de discursos políticos y protestas, que acompañan a un sonido ecléctico. La cantante nacida en Londres, perteneciente al grupo tamil de Sri Lanka, que ha luchado durante mucho tiempo por sus derechos a causa de la opresión del gobierno cingalés, vivió en carne propia los conflictos y el desplazamiento del país donde se crio en su infancia; experiencias que ha plasmado en sus obras de manera trascendental.

El título de este álbum proviene del nombre de nacimiento de la rapera, Mathangi Arulpragasam. Matangi es el nombre de una diosa hindú asociada con la suciedad y las sobras de comida, representando a las personas que viven en las periferias de la sociedad en India. La cantante descubrió esta conexión de manera fortuita a través de una búsqueda en Google, lo que la llevó a crear una relación especial con la deidad.

Este álbum, considerado por la propia cantante como su "más espiritual" y descrito alguna vez como “Paul Simon en acido”, generó grandes expectativas antes de su lanzamiento, tras el éxito de su disco Kala en 2007, que la catapultó a la fama mundial con "Paper Planes", y su después controvertido álbum Maya, donde sobresalió el sencillo y audiovisual de “Born Free”. En este trabajo, M.I.A. aborda tanto lo negativo como lo positivo en el mundo, combinando denuncias y cuestionando el statu quo con ritmos bailables.

Tras años de espera y disputas con Interscope Records para el lanzamiento del álbum, finalmente salió el 5 de noviembre con un total de 15 pistas. Comenzando con "Karmageddon", un preludio que evoca las raíces de la rapera, seguido de "MATANGI" donde recuerda sus días de infancia en Sri Lanka con un característico "naad".

En "Only 1 U", celebra la individualidad de cada ser, mientras que "Warriors" presenta a una persona que ha superado obstáculos y sigue luchando.

El quinto track, "Come Walk With Me", se lanzó un año antes, en abril de 2012, tras la composición por parte de la artista de la banda sonora instrumental para el programa de televisión del fundador de WikiLeaks, Julian Assange, titulado ‘The World Tomorrow’. Está amistad llevó a Assange a ayudar a la cantante en la creación de "atTENTion", donde la cantante rinde una especie de tributo a los refugiados del mundo.

No obstante, su sencillo más destacado fue "Bad Girls", una canción que empodera a las mujeres, alentándolas a vivir la vida al máximo y abrazar el concepto de "chica mala".

En "Boom Skit", la cantante expresa el rechazo de la sociedad estadounidense hacia ella, tras enfrentar la censura y una demanda de la NFL por mostrar un gesto obsceno en televisión, al que ella ha vinculado con el símbolo de Matangi. Para luego pasar por "Double Bubble Trouble" en donde utiliza referencias de videojuegos para expresar el control y la manipulación en la sociedad.

 En "Y.A.L.A.", la interprete cuestiona el lema "YOLO" (You Only Live Once) y lo transforma en una celebración del renacimiento diario acompañado de sintetizadores."Bring The Noize" refleja la naturaleza caótica del mundo en el que vivimos con sonidos electrónicos, mientras que "Lights" contrasta con una melodía menos rítmica.

En su penúltima pista "Know It Ain't Right" la cantante narra el deseo de libertad en una relación opresiva. "Exodus" es la séptima pista, y "Sexodus" es la última del álbum, en la que The Weeknd colaboró en ambas, y se destacan por su sonido distinto del resto del álbum.

Así como la diosa Matangi representa a los marginados, M.I.A. a través de su álbum da voz a los "intocables", término que ella utiliza para referirse a aquellos considerados la parte más “baja” de la sociedad, los considerados impuros. Con esta obra, la artista no buscaba el reconocimiento, sino ser escuchada. Diez años después, sus letras siguen siendo relevantes en un periodo marcado por los conflictos armados que han repercutido a los más desfavorecidos.

 

Road to Hipnosis: Melody’s Echo Chamber en Foro Indie Rocks!

Como parte de la fiesta de Hipnosis, Melody’s Echo Chamber dio un sideshow lleno de dulces sonidos reverberados.

Aprovechando su visita a México durante el festival Hipnosis, la agrupación encabezada por la francesa Melody Prochet se dio cita en el recinto de la colonia Roma para dar un show más íntimo a sus fans. Pero antes, Petite Amie calentó el escenario con sus melodías atmosféricas encabezadas por sus dos vocalistas, el quinteto capitalino quedaba como anillo al dedo para ambientar al público.

Después de ofrecer 40 minutos de psicodelia pop con letras fluctuantes entre francés y español con una clara influencia de la banda titular del concierto, se despidieron agradeciendo el cálido recibimiento y. en punto de las 22:00 H. bajó al escenario Melody’s Echo Chamber en medio de una fuerte ovación. Las primeras notas sabor Raga de “Some Time Alone, Alone” causaron euforia entre los espectadores de abajo y del balcón superior del Foro Indie Rocks!, inundados en medio de visuales coloridos y psicodélicos de la naturaleza y los elementos.

“Where the Water Meets the Illusion” y “Looking Backward” de su más reciente álbum fueron recibidas con entusiasmo en seguida. Los sonidos de Melody’s Echo Chamber no inspiran precisamente bailar, pero tampoco sacudir la melena, sino un punto medio. Un estado de ánimo para dejarse llevar, incluso cerrar los ojos momentáneamente y dejar volar la imaginación.

La vocalista de la agrupación inspira timidez a pesar de estar celebrando una década de su aclamado álbum debut, pero las pocas veces que se dirigía al público demostraba su gusto por estar ahí y su agradecimiento, no obstante empezó a mostrar más soltura a lo largo del show. Su discografía es pequeña, pero aún así nos llevó de la mano entre sus primeros temas como “Mount Hopeless” hacia el presente con “Personal Message” y a “Pêcheuse de lune”, corte de su álbum perdido y recientemente recuperado.

Con “Endless Shore” aumentaron los decibeles y recordamos el sonido más distorsionado y shoegaze de sus inicios, mientras que para su más reciente sencillo (en colaboración con Crumb), “Le Temple Volant”, la banda toma un enfoque más delicado.

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La segunda mitad del show no hizo más que escalar en emoción e intensidad comenzando con “Crystalized”, quizás el momento más estremecedor y el cual se convirtió en una extendida sesión de improvisación. Con “Shirim” bailaron las almas entre dulces acordes limpios y “Bisou Magique” ahogó el lugar con sonidos y paisajes de otro mundo. Los visuales fueron una parte muy importante del momento, definitivamente convierten un show musical como este en una experiencia memorable.

El tema reciente “Visions of Someone Special” de nuevo destaca una influencia oriental y misticismo, cosa que aplaudo puedan plasmar en vivo usando los típicos instrumentos de una banda de rock y un teclado. El quinteto se despidió por primera vez del público con agradecimientos y un despliegue de habilidad en los instrumentos y para hacer ruido durante “Quand les larmes d’un ange font danser la neige”.

En México existe un público considerable para la música psicodélica y Melody’s Echo Chamber, banda inicialmente apadrinada por Kevin Parker, ha sido recibida con la más cálida bienvenida en el país desde sus inicios. En el balcón superior pude apreciar a un par de personas mostrando orgullosamente sus vinilos de la banda (quizás con la esperanza de recibir un autógrafo luego) y no tardaron ni tres minutos los aplausos e imploraciones del público en hacer a la cantante y a su banda regresar para un par de temas más.

Por supuesto, “I Follow You” fue una de las canciones más esperadas de la noche y una lluvia de celulares arriba. 10 años después, el sencillo de su primer álbum sigue trayendo fuertes emociones y nostalgia, su outro y su respectivo solo de guitarra aullador siguen poniendo la piel chinita. Las notas de teclado de “Quand Vas Tu Rentrer” acompañada en el arranque solo por la dulce voz de Melody bastaron para mantener los ánimos a tope hacia la recta final con “Cross My Heart”.

Conmovida se quedaría corto para describir la impresión de Melody Prochet al despedirse del Foro Indie Rocks! (con todo y su doctor Simi que alguien logró escabullir). El sábado 4 de noviembre Melody’s Echo Chamber se estará presentando una vez más en el mismo escenario que Temples, Toro y Moi, The Flaming Lips y muchos otros durante la edición 2024 de festival Hipnosis y seguramente será otro show imperdible para los amantes de la música que eleva a otros planos sensoriales.

The Flaming Lips en House of Vans

Una noche mágica dentro de la caja de juguetes de la banda de Oklahoma.

Lo ocurrido dentro de las instalaciones del House of Vans Ciudad de México la noche del 3 de noviembre, fue algo digno de recuerdo y goce para los amantes del rock psicodélico. Nada más y nada menos que The Flaming Lips serían los encargados de musicalizar una noche que quedará plasmada dentro de las paredes del recinto de Mixcoac por la eternidad. 

La noche comenzaba con la clásica fila que se forma a las afueras del recinto de la calle de Rubens, se podía observar que este era un concierto de alta expectación por el tamaño de la fila, que desde horas tempranas, fue creciendo hasta darle la vuelta a la esquina. En puto de las 20:00 H, los asistentes comenzamos a entrar y a tomar lugar dentro del bowl de skate. El escenario se veía repleto de objetos extraños, pero que jugarían un papel muy importante durante la presentación, sin duda todos estábamos muy emocionados por lo que viviríamos. 

Después de un rato de plática y emoción desbordante entre los asistentes, como si se tratase de una visión Wayne Coyne, Steven Drozd, Derek Brown, Matt Duckworth, Nicholas Ley y Tommy McKenzie, se asomaron por el balcón que se encuentra junto al escenario para comenzar con el frenesí interminable de gritos.  

Las luces se apagaron en punto de las 21:30 H, y Wayne comenzó a jugar con la audiencia con pequeños gritos de “hello” o “hi”, y sin más, los artistas tomaron el escenario sobre el que un gigante rosa inflable comenzaba a levantarse de su letargo, los robots rosas invadieron el escenario del House of Vans al ritmo de “Fight test” para comenzar con la primera parte del concierto que nos regalaría 16 canciones en total. 

Durante esta primera parte pudimos disfrutar de clásicos como “One More Robot / Sympathy 3000-21”, “She Don’t Use Jelly” y “The Yeah Yeah Yeah Song”  destacando esta última por el uso de diferentes inflables, que formaban un rostro que nos observaba y acompañaba nuestro canto. Este fue uno de los props que no pudimos disfrutar en el Pulso GNP, pero que sin lugar a dudas, no se iba a quedar guardado en las gavetas de los músicos, durante su gira por México. 

Durante esta primera parte se notaron algunos problemas con el audio de Wayne, además de que este fue superado por los gritos eufóricos de los asistentes, pero poco a poco, los problemas se fueron solucionando hasta el punto de ser imperceptibles. De esta manera y después de algunas pausas en las que Wayne agradecía a todos por asistir y entregar tanta energía, llegamos a uno de los puntos más altos de la noche, los robots rosas volvieron al escenario para ser enfrentados por “Yoshimi Battles The Pink Robots Pt.1 y Pt.2”

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La euforia dominó a todos al ver la entrega de los músicos que eran acompañados por unas pantallas que proyectaban cada palabra que conformaban sus canciones, lasers interminables y los inflables que no dejaban de bailar al ritmo de las dos partes de “Yoshimi Battles The Pink Robots”. Con globos rellenos de confeti y bastones que disparaban más confeti, Wayne hacía parte a cada uno de los asistentes reventando estos globos ante la emoción de la gente que veía caer el papel con forma de pequeños robots rosas. 

Al detener el ataque de los robots rosas, comenzó una sección más pausada del concierto con la interpretación de clásicos como “Flowers of Neptune” en la que Wayne usó su clásica vestimenta de flor y se tomó el tiempo de contar la historia de cómo se escribió esa canción, la cual nos llevó por un gran viaje en ácidos y hacia la apreciación de la vida de una flor parlante. Una de las sorpresas de la noche, fue la interpretación de “Borderline” canción de Stardeath and The White Dwarfs, agrupación liderada por el sobrino de Wayne y con quienes tienen un álbum colaborativo. 

Después de toda una noche llena de juegos llegamos al momento más emotivo de la noche, con la interpretación de “Do You Realize??” en la que Wayne volvió a agradecer a todos los asistentes y pidió que compartiéramos el cariño entre nosotros, porque la vida era muy corta y se pasa muy rápido como para estar rodeados de desconocidos en una noche tan increíble. Así cerró el concierto, y The Flaming Lips abandonaba el escenario por primera vez, para regresar posteriormente al encore. 

Al volver al escenario, Wayne nos contó la historia de un pájaro de juguete que usaría durante la interpretación de “My Cosmic Autumn”, el juguete original se había perdido dentro del almacén de la banda, pero ellos estaban listos para dar la bienvenida a un nuevo integrante a la familia de juguetes. Después de un primer intento de vuelo fallido, Wayne pidió disculpas y realizó otro intento, en el que el pequeño pájaro de plástico logró cumplir su cometido volado sobre todos los asistentes. 

Hay veces en las que debemos soltar lo viejo, aunque duela, y dar una cálida bienvenida a lo nuevo, que nos puede regalar momentos maravillosos como este”, comentó Wayne. 

Para culminar la noche, Wayne se introdujo en una esfera inflable para interpretar “A Spoonful Weighs A Ton” y “Race For The Price” en la que experimentamos la última y mayor exploción de energía con un ambiente repleto de gritos, coros, música, y papeles voladores. Con un letrero gigante conformado por globos, The Flaming Lips le decía al House Of Vans “Fuck Yeah CDMX”, y dejaba el escenario para ya no volver. 

La noche y la energía de The Flaming Lips, no pudieron ser mejores, ya que durante todo el concierto se notó la alegría de una banda que estaba extasiada de volver a una ciudad, que siempre que puede, les demuestra un amor y aprecio inigualable. Sin duda, la noche del 3 de noviembre, quedará marcada de por vida en la memoria de este pequeño escritor y quedo ansioso de descubrir lo que Wayne Coyne y compañia, tendrán para la CDMX en el Hipnosis 2023.

Setlist: 

1.- "Fight Test"

2.- "One More Robot / Sympathy 3000-21”

3.- "She Don't Use Jelly"

4.- "The Yeah Yeah Yeah Song" 

5.- "How??" 

6.- "Waiting For A Superman" 

7.- "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 1"

8.- "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 2"

9.- "Flowers of Neptune" 

10.- "It's Summertime" 

11.- "Borderline" 

12.- "Pompeii Am Gotterdammerung" 

13.- "Do You Realize??"

14.- "My Cosmic Autumn" 

15.- "A Spoonful Weighs A Ton" 

16.- "Race For The Prize" 

Road to Hipnosis: Temples + Altin Gün en C3 Stage

Exotico regreso de Temples a Guadalajara y una noche inolvidable con Altin Gün en C3 Stage.

Aprovechando su participación dentro del festival Hipnosis 2023, Altin Gün y Temples visitaron Guadalajara para brindarnos un concierto memorable dentro del C3 Stage.

Altin Gün fue la banda que arrancaría el recital. La combinación sui géneris de los místicos sintetizadores, aunado a los riffs psicodélicos de la guitarra y el bağlama armonizan de forma perfecta con el danzar y cantar de Merve, acompañados por distintas percusiones que a su ritmo acelerarían nuestro pulso.

El set estuvo compuesto en su mayoría por los temas de su más reciente álbum Aşk, lanzado a finales del primer cuarto de este año, siendo "Rakıya Su Katamam", y "Badi Sabah Olmadan" los temas destacados. A su vez, "Yüce Dağ Başında", "Leyla" y "Süpürgesi Yoncadan" fueron los temas que más se corearon por todo lo alto.

La respuesta del público y su interacción con Altin Gün fue única. A lo largo de todo el show, cantamos en turco, o al menos lo intentamos washawasheando, situación que enmudeció a Erdinç de la emoción, pues de momentos la voz del público se sobreponía a la suya.

Dejando la pista bastante caliente por Altin Gün, la vara se puso bastante alta para Temples, quienes con gran elegancia en su vestimenta se hicieron presentes sobre el escenario, recibidos por los gritos de las y los fanáticos.

Con su más reciente disco Exotico bajo el brazo, Temples arrancó su set con varias de sus canciones, siendo "Cicada" la mejor recibida por los escuchas, cuya energía era notablemente menor que la liberada en el show previo.

El ambiente vino de menos a más cuando "Holy Horses", "Keep in the Dark" y "Hot Motion" fueron interpretadas, aunque mucho de esto impulsado por el mismo James que alentaba al público a mostrar más ímpetu.

"Afterlife" fue todo un deleite a los sentidos, pues la interpretación de cada integrante fue impecable. El clímax de esta presentación fue cuando "Paraphernalia" sonó en los parlantes del C3 Stage, creando dentro de él una gran pista de baile.

Para rematar, "Shelter Song" concluía aparentemente este concierto, siendo muy coreada y videograbada por la audiencia. Tras una breve pausa, los ingleses regresarían al escenario para finalizar su set con "Mesmerise", demostrando aquí su alto nivel técnico, improvisando dentro de los riffs añadiendo texturas que lograrían extender este tema, cerrando dignamente su presentación.

“Goodbye”, el nuevo video de The Chemical Brothers

Además, el track es un éxtasis de techno analógico.

El dúo británico de música electrónica The Chemical Brothers, tras un mes del lanzamiento de su álbum For That Beautiful Feeling, ahora nos sorprende con el estreno de un nuevo videoclip para la canción “Goodbye”, el cual recientemente fue transformado por el super productor y amigo cercano de la banda Erol Alkan.

Asimismo, el nuevo video fue dirigido por los colaboradores de toda la vida de la banda Adam Smith y Marcus Lyall, en él apreciamos colores apagados y a una pareja que disfruta de su mutua compañía. Sin embargo, al mismo tiempo que cambia el tono de la canción (de rápido a lento) la pareja se rompe, anunciando así el comienzo del final.

En este material The Chemical Brothers nos deja ver un proceso de despedida; al inicio es mágico, después se quiebra, luego es otra vez agradable y al final se vuelve un recuerdo. Todo ello, envuelto en una capa de voces electrónicas que dicen una y otra vez: “Oh mi amor, parece tan largo mi amor, cuando dices adiós, lloro…”, y sintetizadores que nos evocan un aura nostálgica, pues también se debe a que su producción sonora es analógica.

De tal forma, el dúo nos demuestra su gran capacidad musical y de narrativa, pues en conjunto nos lleva por un ambiente que nos detiene en la reflexión cósmica, sin pasar de moda. ¡Obsérvalo a continuación!

Caifanes estrena “Inés”

El sonido clásico de la banda y una gran historia.

Caifanes está de estreno después de un año de ausencia, “Inés” es su nueva canción y ya está disponible junto con su video musical, ¿te lo vas a perder? Conoce los detalles.

Después del estreno de “Solo eres tú”, los fanáticos de la banda mexicana esperaban más música nueva y, luego de un tiempo, es que lanzaron “Inés”. Esta canción regresa al sonido que caracteriza a Caifanes: las guitarras y el bajo del rock, fusionados con los tintes de la cumbia y el saxofón.

“Inés”, cuenta la historia de la mujer con la que comparte nombre, la banda nota su ausencia en los conciertos y buscan el motivo: algo ha tomado Inés que la ha vuelto loca. La mujer puede hablar con los ángeles o con la pared, por lo que ahora está en un hospital psiquiátrico. Lo importante está en el mensaje de la banda: no es culpa de Inés.

La canción fue compuesta por Saúl Hernández y comparte créditos con Diego Herrera y Alfonso André. Su video musical fue grabado por completo con iPhone, dirigido por Alejandro Magallanes y animado por Manuel Baez, en él mezclan las animaciones con clips de un show de Caifanes en septiembre de este año. Este es el primer videoclip que lanza la banda en tres décadas, por lo que es imperdible. Escucha “Inés”:

“Run Run Run”, lo nuevo de The Libertines

Conoce el primer sencillo de su nuevo álbum de estudio.

El pasado punk está de regreso con The Libertines. Su nuevo sencillo “Run Run Run” ya está disponible, junto con su video musical. ¡Entérate de todos los detalles!

Con el anuncio de su próximo álbum, All Quiet On The Eastern Esplanade, es momento de conocer la primera parte de una serie de videos que comprenden la historia del disco. En “Run Run Run” entramos en el punto de vista de un conductor de taxi, que lleva a su destino a una serie de personajes. En medio del recorrido, el mismo chofer se libera, gracias a los viajes de los otros.

Esta canción recupera el aura anarquista que marcó a la agrupación en su pasado, ahora más orgullosa de esta. Con un himno punk, se libera del pasado: “you better run faster than the past”, un momento de reflexión que The Libertines imprimió en su álbum.

El video musical fue dirigido por Alex Brown, grabado en diferentes locaciones en Margate, Cliftonville y The Albion Rooms, el “santuario creativo” de la banda. En cada vídeo mostrarán la historia de los enigmáticos personajes en la portada del disco, ¿estás listo para conocer el mundo de The Libertines?

Girl Ultra estrena “oggy”

Solo esta canción me saca de casa.

Hoy es un día emocionante para los amantes de la música, ya que se ha estrenado la tan esperada canción "oggy" de la talentosa artista mexicana Girl Ultra. Esta nueva melodía promete conquistar nuestros oídos y corazones con su encanto único y su vibrante ritmo.

Girl Ultra se ha destacado en la escena musical por su estilo distintivo y su capacidad para fusionar géneros de una manera que cautiva a su audiencia, "oggy" no es la excepción, ya que mezcla elementos de pop, R&B y electrónica para crear una experiencia auditiva refrescante y envolvente.

La canción "oggy" resuena con versos que nos hablan de una conexión especial, donde solo una persona puede sacar a la protagonista de su casa, y solo esa persona tiene el poder de llenar su día de felicidad y energía positiva. Es un himno a la alegría y la libertad que nos brinda una relación especial.

La producción de esta canción es el resultado del talento de Sam Katz y MONVCO. Su colaboración ha dado como resultado un sonido cautivador que te atrapa desde los primeros beats y te hace mover al ritmo de la música. La canción es una explosión de alegría y vitalidad que te hará sentir de buenas en cualquier momento del día.

"oggy" es una adición refrescante al panorama musical actual y un recordatorio de la capacidad de la música para elevar el espíritu.

 

Grimes y Sevdaliza se unen para “Nothing Lasts Forever”

Una fusión musical de electro-pop en un inesperado dúo.

Después de presentar su sencillo "Welcome to the Opera", la artista canadiense Grimes une fuerzas con la compositora y productora, Sevdaliza, en una colaboración única que da lugar al nuevo single "Nothing Lasts Forever". Este estreno desafía las expectativas y explora las presiones impuestas a las artistas femeninas por la sociedad.

El tema se destaca por su atrevido trasfondo electrónico y líricas como "Somos máquinas hechas para soñar" y "Ámame y luego déjame ir". Además, se sumerge en la batalla contra las presiones provenientes de uno mismo y del entorno, resaltando la libertad que se encuentra en desafiar dichas cargas. ¡No olvides darle play!

 

Sevdaliza, la artista iraní-holandesa, comparte su proyección sobre la temática de su primera colaboración con la intérprete del álbum, Miss Anthropocene.

La admiración y la adoración se convierten en armas cuando las mujeres desafían las expectativas. La verdadera liberación es liberarse de las expectativas internas y externas, un viaje que vale la pena emprender a pesar de los moretones".

Esta asociación es un testimonio de la diversidad y la creatividad de dos talentos destacados en la industria que fusionan sus estilos musicales en un éxito introspectivo inspirado en el rave.

El videoclip oficial de la canción está programado para su lanzamiento la próxima semana, y aquí en Indie Rocks! te mantendremos informado.

Grandaddy estrena “Watercooler”

Ya podemos escuchar la primera canción de su nueva faceta.

Recientemente se ha revelado que la banda oriunda de California va a estrenar su próximo álbum, Blu Wav, el próximo 16 de febrero a través de Dangerbird Records. Además, ya está disponible “Watercooler”, el primer sencillo .

Jason Lytle, un prolífico narrador de historias que se inspira en la abrumadora belleza de la naturaleza y en los momentos mundanos que desatan los recuerdos más intensos de la vida. Introduciendo por primera vez la guitarra de acero con pedal en el repertorio de la banda, el animado primer sencillo "Watercooler" comenta sobre la dicotomía de ambos. Se inspiró en su propio estilo de vida de rockero al aire libre (en los dos sentidos de la palabra) mientras su pareja tenía un trabajo de oficina.

La mayoría de mis relaciones han sido con mujeres que trabajaban en oficinas. Esta canción trata del final de una, o quizás de unas cuantas de esas relaciones. Los oyentes también notarán la guitarra de acero con pedal en este tema y, eventualmente, en muchos otros del próximo nuevo álbum. Es una primera vez para Grandaddy, y no podría estar más emocionado por este hecho", explica Lyttle en un comunicado de prensa.

La canción tiene todo para convertirse en la favorita de quienes aman los valses y las melodías tranquilas y tiernas porque mezcla elementos del country sin dejar de lado el toque indie de la banda. El video también es una verdadera joya visual porque es como si verdaderamente estuviéramos viendo un video musical de los 80 por el estilo de la cámara, los efectos visuales, los subtítulos que maneja y todo esto acompañado de las melodías de Grandaddy. Dale una oportunidad y déjate cautivar por la nueva faceta que la banda tiene para demostrar.