'Rebel Diamonds', una recopilación de lo mejor de The Killers

Lo mejor de su trayectoria y hasta un nuevo sencillo será parte del nuevo álbum de uno de los íconos del rock.

Pon atención porque este 8 de diciembre, The Killers lanzará un nuevo álbum llamado Rebel Diamonds a través de Island; surge de la selección de los 20 mejores temas de la banda, una recopilación que abarca desde el álbum Hot Fuss hasta Pressure Machine, asi como su nuevo sencillo “Spirit”, mismo que describen como un “himno listo para ser cantado en festivales de todo el mundo”.

Éxitos como “When You Were Young”, “All These Things That I've Done”, “Human” y, por supuesto, “Mr. Brightside”, seran parte de  Rebel Diamonds, en donde también incluirán algunos cortes más profundos que la banda también considera esenciales para su catálogo, como “Be Still” y “Dying Breed”.

La banda tiene la intención de que sus fans puedan reflexionar y apreciar la evolución que han tenido a lo largo de los años y para que esto tenga la perspectiva que The Killers necesita, han organizado su disco en un orden cronológico.

A un mes de su lanzamiento puedes anticipar tu compra y ser uno de los afortunados en tener esta joya en tus manos, solo da clic aquí y no te quedes sin el tuyo.

the killers rebel diamonds artwork 2023

 

 

Yaeji comparte “easy breezy”

Un lanzamiento que nos recuerda el sonido de bossa nova brasileña y la música tradicional asiática.

En el pasado mes de abril pudimos escuchar With A Hammer, el tan esperado álbum debut de la productora coreana con residencia en Nueva York y parece ser que no le gusta hacernos esperar porque a través de redes sociales anunció el lanzamiento de “easy breezy”, su nuevo sencillo.

En este lanzamiento Yaeji sigue la misma pauta que en su álbum, es decir, una canción catártica y personal. “easy breezy” toma elementos musicales de diversas partes del mundo para hacer una melodía única, en esta podemos escuchar una base de guitarra brasileña salida de un tema de bossa nova, una caja de ritmos electrónica al estilo europeo y su enorme influencia de música coreana y japonesa con una melodía y voz que nos recuerdan mucho a artistas asiáticos actuales.

Desde el punto de vista sonoro, la canción conecta un hilo entre mi presente y mi pasado en la escuela secundaria, cuando descubrí la bossa nova, el drum and bass y el house a través de la electrónica pop coreana y japonesa. 'easy breezy' es un hilo conductor, un homenaje, una rememoración de recuerdos y un empujón alentador para que propiciemos el cambio con valentía y risas. Tenemos el poder en nuestras manos, y nunca deberíamos dudarlo. El cambio es ahora", explica Yaeji en un comunicado de prensa.

El video no se queda atrás, en este podemos ver a Yaeji recorrer las calles de Nueva York a toda velocidad en su scooter, acompañada de su perrito Jiji. Nos recuerda mucho a una carrera del Mario Kart porque la vemos esquivando obstáculos como cascaras de plátano, algo que solo la misma Yaeji podría dirigir.

Ya puedes escuchar “easy breezy” en todas las plataformas digitales, corre a hacerlo y dale una oportunidad a la productora que te aseguramos que se convertirá en una de tus favoritas.

Entrevista con Polo & Pan

Una historia de amor con México .

Tanto nos quiere Polo & Pan que, además de tocar constantemente en el país y en un futuro en #MeUrgeTrópico, desde su luna de miel en Bali, Paul tuvo a bien darnos 20 minutos para platicar de su más reciente EP: Carrossel do tempo y su conexión en el cora con México. 

México es nuestro país #2. Tenemos a Francia y luego a México. Siempre hemos tenido una  historia de amor. Hemos tocado mucho ahí; amamos la cumbia, la música latina, la cultura, la  comida, la ambición, la energía...".

Básicamente, son fans. Además, vienen a visitar amigos una o  dos veces al año. Y sí, se nota la influencia, empezando por "Charanga".

Queríamos escribir una canción con los vocales de niños en español. Nuestra amiga Ángeles trabaja en escuelas en México. Y ella nos ayudó a organizar el coro de unos niños en Santiago Llano Grande en Oaxaca. Pasamos dos días ahí. Fue una experiencia hermosa vivir en una casita ahí y  grabar con los niños diario".

Cada canción de este EP es bastante diferente.

Son diferentes universos. Están más del lado pop que del electrónico, excepto 'Charanga'. Y es lo que me gusta de estas canciones. Además, nos interesa saber qué piensa el público; si quieren esto o quieren más club".

Pero esto no significa que  este EP sea una especie de encuesta o focus group.Nos gusta lanzar algo cada año y pensamos que era el momento. Las canciones estaban listas y las queríamos compartir".

Así, mientras "Carrossel do tempo" está en portugués, "Nagori" nos lleva un ratito a Japón. "Fun fact, escribimos la letra usando Inteligencia Artificial. Fuimos a ChatGPT a que escribiera algo en japonés que tuviera sentido".

El resultado fue algo muy al estilo haiku, que les encantó. Y es que "Carrossel do tempo" es el preview de un nuevo álbum. Sin embargo, no hay que comer ansias porque de menos, seis meses tendremos que esperar.

Queremos que el nuevo álbum sea lo mejor que hayamos hecho. Para eso necesitamos ver a través de estos 10 años juntos y ver qué ha  pasado, cómo hemos cambiado, evolucionado juntos y en nuestras vidas personales". 

Sí, Polo & Pan están en un break. Paul, de luna de miel y en una especie de detox (cero alcohol y  vegetarianismo), estará grabando con otros artistas en India, Calcuta, Cuba y Brasil. Mientras tanto, su contraparte Alex estará en Paris haciendo lo suyo.

Siempre he sentido que somos como yin y yang. Tenemos diferentes temas y colaboraciones que queremos hacer. No nos enviaremos nada. Fue un trato que hicimos. Después, nos traeremos tesoros musicales que juntos haremos como Polo & Pan".

Lo mejor del Rock and Roll Hall of Fame 2023

Missy Elliott hace historia como la primera rapera en el Salón de la Fama.

La clase del 2023 incluye desde Willie Nelson hasta Rage Against The Machine, una selección de artistas que reconoce a todos los géneros, elegidos por el público, con el “mayor honor del rock”. Una noche de momentos inolvidables y grandes crossovers de la música, entérate de todos los detalles.

Sheryl Crow inauguró la ceremonia con la presentación de “If It Makes You Happy”, con Olivia Rodrigo, y una especial versión de “Everyday Is A Winding Road” en compañía de Stevie Nicks y Peter Frampton.

Missy Elliott hizo retumbar el escenario con un medley de sus mayores éxitos, todo el público se levantó al ritmo de “Get Ur Freak On” y “Work It”. Su inducción finalmente reconoce la influencia de la cantautora en el hip hop, además del rap, que desde su composición hasta producción renovó el género.

Tom Morello, guitarrista de Rage Against The Machine, recibió el premio en nombre de la banda. Mencionó que, así como tienen puntos de vista diferentes en todo, cada miembro piensa distinto sobre esa premiación. Sin embargo, reconoció el impacto que tiene formar parte del salón de la fama, siendo una banda contestataria y activista.

En un emotivo homenaje, Andrew Ridgeley (Wham!) introdujo a George Michael, quien falleció en 2016. En el escenario sus canciones “Careless Whisper”, “One More Try” y “Faith” fueron presentadas por Miguel, Adam Levine y Carrie Underwood.

Además, Willie Nelson presentó canciones como “On The Road Again”, con la ayuda de Sheryl Crow, Chris Stapleton y Dave Mattews.

Elton John homenajeó a su amigo y compositor, Bernie Taupin, con una versión a piano de “Tiny Dancer”. Mientras que, St. Vincent (Annie Clark) rindió una interpretación de “Running Up That Hill” de Kate Bush. Así como Jimmy Page que presentó “Rumble” de Link Wray.

La ceremonia completa está disponible para streaming en Disney+. ¿Cuál será la clase de 2024?

Ty Segall anuncia el álbum, ‘Three Bells’

“My Room” es el tercer sencillo de su próximo disco.

Este 2024 será un buen año para los fans de Ty Segall, pues el músico californiano estrenará su nuevo álbum titulado Three Bells. A tan solo unos meses de lanzar Hello, Hi, el cantautor vuelve a colaborar con Cooper Crain para producir un material de 15 canciones, de las cuales ya ha compartido tres hasta ahora.

Luego de liberar los sencillos “Void” y “Eggman”, Ty Segall regresa con el tema “My Room”, el single más reciente de este disco que también cuenta con la participación de Denée Segall, su esposa, al igual que de algunos miembros de Freedom Band.

Retomando los característicos riffs del cantautor de “Every 1’s a Winner”, la melodía llega con un videoclip oficial en el que vemos a Segall interpretando todos los instrumentos de la canción en un cuarto oscuro y con un peculiar papel de unos plátanos. Puedes darle play al video a continuación:

Además de lanzar su álbum el próximo 26 de enero a través del sello Drag City, el originario de Laguna Beach emprenderá un tour por Norteamérica a partir de febrero. Si deseas adquirirlo en formato físico, ya puedes preordenarlo a través de este enlace.

Acá te dejamos el tracklist de Three Bells:

  1. “The Bell”
  2. “Void”
  3. “I Hear”
  4. “Hi Dee Dee”
  5. “My Best Friend”
  6. “Reflections”
  7. “Move”
  8. “Eggman”
  9. “My Room”
  10. “Watcher”
  11. “Repetition”
  12. “To You”
  13. “Wait”
  14. “Denée”
  15. “What Can We Do”

'El Hombre Que Cayó a la Tierra' llegará a la Cineteca Nacional

Un viaje cinematográfico único que desafía la narrativa convencional.

Buenas noticias para los amantes del cine pues pronto podrán experimentar una clásica puesta en escena en la Cineteca Nacional. La icónica película El hombre que cayó a la Tierra dirigida por Nicolas Roeg, llegará a este prestigioso recinto mexicano.

El filme protagonizado por David Bowie en uno de sus papeles más memorables, se ha convertido con el tiempo en una obra de culto, y su regreso a la gran pantalla promete ser un evento emocionante. Con una poderosa metáfora en su trama, los fanáticos continúan intrigados incluso varias décadas después de su lanzamiento en 1976.

El estilo único del director de cine inglés, que desafía las convenciones narrativas tradicionales, ha dejado una marca indeleble en el mundo audiovisual. El hombre que cayó a la Tierra es una travesía fílmica que te introduce en una narrativa no lineal y te hace cuestionar la realidad de la misma manera en que lo hacen sus personajes.

La oportunidad de ver esta obra en la Cineteca Nacional es una experiencia que no querrás perderte; la película se exhibirá en la Sala 1 Xoco del recinto cinematográfico a este 06, 07 y 08 de noviembre en los horarios de 15:15 y 20:30 H. A pesar de que los amantes de Bowie exigen más fechas de proyección, hasta el momento estas son las únicas funciones programadas, así que aprovecha para comprar tus boletos antes de que se agoten.

¡Prepárate para vivir una experiencia que te sumergirá en una profunda contemplación sobre la alienación en la vida moderna!

Entrevista con Alonso Arreola

El virtuoso músico mexicano nos acercó un poco más a este proyecto que dejará atónitos a muchos.

Indie Rocks! tuvo la oportunidad de platicar con el músico Alonso Arreola con motivo de su proyecto que tal vez para muchos sea nuevo pero que nació desde hace aproximadamente 10 años por motivo de un encuentro entre tres grandes musicos, 3 Below. Compuesto por el mexicano Alonso Arreola, los estadounidense Trey Gunn y Michael Manring, que juntos comparten una amistad de más de 20 años.

¿Qué es 3 Below? “Un cometa que pasa de vez en cuando”, así lo describe el virtuoso, Arreola. Son tres bajistas que debido a un encuentro no planeado conocieron que juntos podían hacer otro estilo de música, en la cual la presencia de los sonidos graves fueran el ancla para el escucha. Aunque parezca curioso el trabajo de estos amigos nunca se ha grabado y únicamente se han reunido para tocar cuando el destino así lo requiere o cuando llega ese momento de complacer de nuevo a sus seguidores y, ¿por qué? Simplemente porque así es la naturaleza de 3 Below.

¿Pero qué lo diferencia de otros proyectos de bajistas? Sin duda es esta ejecución de instrumentos que no suelen ser tan escuchados normalmente en bandas y eso se convierte en la principal virtud al momento de estar reunidos sobre un escenario. Es una muestra del cómo son estos músicos en la parte individual de su trabajo así como en lo colectivo.

El instrumento principal son las frecuencias graves del bajo pero no sólo se trata de eso, el instrumento que Trey Gunn ejecuta es un instrumento de 12 cuerdas que combina las virtudes de un bajo y las de una guitarra procesada con muchos efectos, tocado a través de un técnica de tapping.  Manring con el hiperbajo (hyperbass) lleno de mucha tecnología, lleno de micrófonos y otras cosas que hacen cambiar su afinación cuando se está ejecutando y yo con el bajo e ideas percusivas, con técnicas extremas, métricas y medidas peculiares”, en palabras de Alonso.

Y es que 3 Below nos mueve de la zona de confort (musicalmente hablando) en la que estamos todos los días, también nos empuja y nos lleva a investigar y escuchar nuevas cosas, nuevos proyectos que reúnan a grandes instrumentistas fuera de serie que nos lleven a través de sus sonidos a otros lados del mundo, que podamos conocer cómo suena África pero también cómo suena el jazz, la música árabe, cómo suenan tres bajistas.

Gracias a estas presentaciones efímeras la banda a consolidado su maduración a lo largo de tantos años de creación. Lento y natural es cómo se han desarrollado Arreola, Gunn y Manring.

En este año, Emmanuel Pina será el cuarto integrante que junto con los ya mencionados tres amigos hicieron distintas presentaciones en México. Comenzaron el 30 de octubre en  el Festival de las Calaveras de Aguascalientes, el 1 de noviembre en el Teatro Diana de Guadalajara en el que hubo una peculiar interacción con el público, el 2 de noviembre en la Ciudad de México en el Foro la Paz Palacio de la Música y 5 de noviembre en el Palacio de la Música en Mérida. Sedes importantes dentro de la música en México en las cuales 3 Below dejarán una grata satisfacción a su publico y será algo que podrá quedar grabado en la mente de cada uno, recordando que ellos son fugaces y no sabemos cuándo vuelvan a reunirse.

Es importante conocer este tipo de proyectos musicales que nos comparten creaciones fuera de lo común, saber quiénes están detrás de esos instrumentos y cultivar nuestros oídos.

 

 

Escucha ‘Dr. Gabber y Su Problema Mental’ de Jesica Sarraf

Al estilo electrónico y noise, Voltage Control presenta este atmosférico material.

Nacida en Buenos Aires Jesica Sarraf es una artista dedicada a la comunicación audiovisual, además de ser escritora y ávida lectora; es después de haber renunciado a una extensa carrera como productora de contenidos en televisión, que dio sus primeros pasos en la música.

Su trayectoria parte de tener sus primeras experiencias como DJ y MC con el proyecto Chanty OTM (On the Mix), hecho que le permitió lanzar su primer sencillo “K Dios Te Bendiga” junto al colectivo sudamericano de neoperreo liderado por Tomasa Del Real, consolidándose la argentina como artista experimental.

Jesica Sarraf_2023

Sin embargo, una vez declarada la pandemia y ya viviendo en CDMX, comenzó a tratar con sonidos diferentes; combinando el arte generativo, la síntesis y las grabaciones de campo, nació la idea de producir su primer disco y su segundo proyecto como DJ. Con ello Jesica logró fortalecer sus habilidades como productora musical de electrónica experimental.

Bajo ese contexto y al finalizar la pandemia, es como surge su EP debut Dr. Gabber y Su Problema Mental, un disco envolvente y llamativo. Prueba de ello, es el single llamado “Problema Mental”, una canción darkwave que te llevará por un ambiente gótico donde no dejarás de danzar.

Observa el videoclip:

Asimismo el EP arroja colaboraciones con Sylvia Pop, Faraoika, AguaDeLaFuente y ArtKeto que sin duda, son el gancho que invita a escuchar frecuencias ácidas que emana ritmos punzantes y erizan la piel. De manera que con voces del sur global demuestra que Latinoamérica puede hacer nuevas poéticas post-industriales que trascienden tiempos.

¡Aquí te dejamos el EP para que lo agregues a tu playlist!

 

Hipnosis 2023

De robots rosas gigantes y festivales que hacen la diferencia.

Un año más. Más bandas, más gente, más lugares en los que se pone un escenario para disfrutar de la música. Si hacemos un análisis rápido de cómo ha ido evolucionando la cultura festivalera en México, podemos ver que, poco a poco, se han ido creando ofertas especializadas. Por ahí tienes un festival de metal, otro de ska y uno más de pop. El Hipnosis siempre ha visto por un nicho especial; ése en donde las guitarras tienen mucha distorsión, las canciones se alargan por largo tiempo y, en general, las bandas se pueden considerar de culto.

El Parque Cuitláhuac nos recibía con un panorama bueno y uno malo: el bueno era que no había una sola nube en el cielo, lo que vaticinaba una tarde tranquila y sin lodo, el malo era que, al no haber nubes, el Sol nos iba pegar inclemente durante varias horas. Pero eso no importó mucho. Desde que se abrieron las puertas la gente empezó a dispersarse por el lugar. La Ciencia Simple, banda chilena de post-rock estaba sobre el escenario y con su música se anticipaba que iba a ser un buen día. De ahí vinieron Los Mundos, banda regiomontana que de alguna forma ha cimentado bases para que otras agrupaciones voltearan a ver la psicodelia como forma de expresión. Muchas sonrisas, muchos celulares en el aire y un ambiente de esos que se agradecen.

El primer gran momento del festival llegó con Agar Agar. El dueto francés cautivó al público con una propuesta llamativa y contagiosa. Si los conocías, estabas feliz, pero si no los conocías, te ibas del festival con una nueva banda para ponerle atención. Su música calza muy bien en festivales. Dumbo Gets Mad y All Them Witches siguieron con esa tónica de banda que, si algo hace bien, es que la gente no se quede estática. Lo bueno de una curaduría como la del Hipnosis, es que sabes que las bandas están ahí por algo.

Fue entonces cuando los grandes nombres del festival empezaron a emerger. Si en el 2005 escuchabas el nombre de The Brian Jonestown Massacre, seguramente estarías sesgado por un documental en donde se retrataba a una banda con colapsos y tropezones. Lo cierto es que, a sus más de 50, Anton Newcombe es un rockstar de los de antes. De esos que con una guitarra y un sombrero esparcen un aura de las que forjaron lo que es ser alguien que ama la música y vive de ella.

Qué podemos decir de Panda Bear y Sonic Boom. Dos figuras que han destacado tanto en lo colectivo, como en lo individual. Ver su show en conjunto fue uno de los grandes highlights del día. Es música que te pone de buenas, de esa que es juguetona y le tienes que poner atención para no perderte el más mínimo detalle en la producción porque, de seguro, que hay un guiño por ahí que te saca una sonrisa.

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Otro de los grandes momentos se avecinaba. Altin Gün es una propuesta fresca y contundente. La influencia del rock psicodélico tuvo una importantísima influencia en un sonido que podemos bautizar como rock anatolio. De aquellos grandes guitar heroes como Jimmy Page, surgieron re-interpretaciones con los clásicos sonidos del folclore turco y así tenemos a bandas como ésta. Visuales que te transportan a otras dimensiones y esa guitarra que, quieras o no, te hace mover las caderas. Es una joya que bandas así encuentren un espacio para tocar por acá.

Melody’s Echo Chamber y Temples son dos viejos conocidos del público mexicano. Música para pasarla bien y fanear a todo pulmón. Sin duda Melody se ha convertido en una figura muy reconocida en lo que hace. Tiene esa mística etérea de diva de otros tiempos, combinado con música que calza muy bien para los nuevos aires. Muchas historias de instagram tenían que tener algo de ambas bandas en las stories o si no es como si nunca hubieras asistido.

Y luego llegó la oscuridad. Si algo tenemos por acá, es que nos encanta ese sonido que surgió con los sintetizadores y el spray capilar. Boy Harsher es un proyecto con una identidad muy bien trabajada. Canciones que coquetean con un pop de fina manufactura y esa bruma darkie que tanto nos gusta. Otro de los grandes momentos del festival en donde no faltaron los meneos de cabeza con los ojos cerrados. Después, todo acababa para recibir a Toro y Moi. Baile, baile y más baile. Chaz ya casi es mexicano y el público ama sus canciones. Son composiciones que te ponen de buenas, sonríes y te dejas llevar por el ritmo.

Tocaba el momento mágico, el entrañable. La primera vez que escuchas a The Flaming Lips sabes que son personas que proyectan una vibra especial. Si la maldad adquiriera corporeidad, Wayne Coyne estaría ahí para combatirla con coros y arcoiris. Alguna vez tuve una plática en la que preguntaban qué banda de nuestros tiempos no te podías perder. Después de mucho deliberar, The Flaming Lips emergieron como una de las respuestas más repetidas. Sí o sí los tienes que ver y disfrutar de una puesta en escena como pocas bandas. Coros que hacen mella, robots rosas gigantes y en general, ese sentimiento de que estás presenciando algo que se te va a quedar en la memoria por el resto de tu vida. Una vez más, fue una joya que el Hipnosis trajera la celebración del disco consagratorio de una banda atemporal.

Ya el cansancio hacía de las suyas. Después del Sol de la tarde y ese cúmulo de emociones, el festival cerraba con Los Pirañas. Un perfecto soundtrack para aquellos que querían seguir la fiesta y la música de fondo ideal para aquellos que se iban del Parque Cuitláhuac con esa sonrisa que sólo te deja una experiencia redonda.

Un año más de bandas y propuestas escogidas con ojo de conocedor. Gracias, Hipnosis, que sean muchos años más de tener una identidad bien forjada para dejar satisfechos a todos los que creen en su apuesta.

 

A 40 años de 'Clics Modernos' de Charly García

Aún hay dinosaurios en la cama: Clics Modernos, la obra maestra de Charly García y el álbum escencial para definir la evolución del rock latino cumple 40 años.

Hay discos que son los 'primeros' en algo, quizás de forma accidental o en ciertos casos de forma intencionada. Podemos pensar en la primera ópera rock o en el primer disco de más de los 40 minutos que permitía el formato de los vinilos. Así es como se teje y evoluciona la música, con muchos primeros pasos, y Clics Modernos, la obra maestra de Charly García, significa muchos de ellos.

Ya consolidado como un referente del rock argentino, Charly García estaba en su mejor momento cuando se presentó en el Estadio Ferro de Buenos Aires y cerró la presentación de su primer álbum solista Yendo de la Cama al Living, evento en el que simuló un bombardeo, reflejo de la turbulencia política que vivía el país azotado por la guerra de las Malvinas con Inglaterra.

El éxito de Charly García era indiscutible, se podía palpar. Lejos estaban los tropiezos de los primeros discos de Serú Girán y ahora parecía que la prensa estaba de su lado. Y más allá de distraerse o buscar el lugar común, el nacido en Caballito buscó un nuevo camino, un disco que rompiera con todos los estándares de la música, al menos de la música en Argentina, y vaya que lo logró.

Clics Modernos es el segundo mejor álbum en la historia del rock argentino según la Rolling Stone, y para muchos es uno de los álbumes más innovadores en al música hecha en español, que hasta la fecha es referencia para miles de artistas. El propio Fito Páez en días pasados hizo una declaración polémica con la que concuerdo, ya que argumentaba que de México para abajo, es decir, en Latinoamérica, era escencial conocer el legado de Charly García y de Luis Alberto Spintetta, y Clics Modernos es un buen motivo para hacerle caso.

Muere la dictadura, nace Clics Modernos

Mientras la dictadura de Jorge Rafael Videla iba de salida luego de más de seis años de imposición, Argentina dejaba años de represión que se reflejaron en la desaparición de miles de jóvenes y que hicieron que la música de aquellos años fuera profundamente censurada.

Charly García con el trabajo hecho por Sui Generis y Serú Girán ya era bastante conocido en aquel entonces, y luego de presentar Yendo de la Cama al Living se fue a vivir un tiempo a Estados Unidos, donde comenzó a construir Clics Modernos.

El artista, maestro de piano desde los 12 años, buscaba un nuevo comienzo, ya que consideraba que en Argentina querían volverle una figura pública de pronunciamientos, que estuviera alejada de la gente y de la que esperaban que cumpliera con ciertos estándares, mientras que el objetivo de Charly García era "hacer música desde el corazón", así como conectar con la gente, involucrarse con movimientos y sobre todo tocar indiscriminadamente, no solo en estadios, sino en lugares chicos.

Fue entonces que a mitad de 1983, luego de que Charly ya tuviera los primeros vocetos de Clics Modernos, grabados junto con Willy Iturri en Argentina, se fuera a Nueva York y comenzara su avetura por Estados Unidos, donde además de acercarse a la música que estaba a la vanguardia en el país, tuvo cercanía con decenas de nuevos instrumentos que le permitieron acercarse a nuevos sonidos.

Poco tiempo después, Charly García finalmente llegó a los Electric Lady Studios, legendaria instalación de grabación fundada por Jimi Hendrix. Algunos de los testimonios narrados por el propio Charly indican que llegó, tocó la puerta y mientras le negaban la entrada sacó un enorme fajo de billetes, por lo que finalmente le abrieron la puerta.

Es ahí que entra a la ecuación Joe Blaney, quien sería uno de los grandes productores del rock argentino luego de su trabajo con Charly García en Clics Modernos.

El propio Blaney ha dicho emocionado cómo fue trabajar con Charly García, quien mientras estuvo en Los Ángeles y Nueva York compuso y grabó arreglos junto a su excompañero de Serú Girán, Pedro Aznar, lo que sirvió para que las sesiones fueran efectivas.

Clics Modernos, el primer disco en muchas cosas

Ya en marcha con las grabaciones en los Electric Lady Studios, y con poco tiempo para grabar, Charly García tenía listo prácticamente cada acorde de Clics Modrenos, un disco que compuso prácticamente en todos los arreglos y que parte de la experimentación le hizo un álbum adelantado en muchos sentidos.

Si bien su anterior disco, Yendo de la Cama al Living, ya tenía baterías eléctricas y elementos de producción menos orgánicos que los álbumes convencionales en Argentina, Charly García finalmente implementó uno de los primeros álbumes con beat de batería en prácticamente su totalidad.

Además de Charly, Aznar y Blaney, al equipo de grabación de Clics Modernos se unieron músicos estadounidenses como el guitarrista Larry Carlton, el baterista Casey Scheuerrell y el saxofonista Doug Nourwine, quienes se apegaron a las instrucciones de García para seguir los arreglos y también para dejarse ir libremente en las grabaciones del álbum.

Clics Modernos, además, incorpora el primer sample en la historia de la música en Latinoamérica. Se trata de un recorte de la voz de James Brown de su canción "Hot Pants", mismo que se incorporó en "No Me Dejan Salir" hasta 88 veces como un arreglo más.

Otro sample que apareció fue el coro de la canción "Please, Please, Please", también del mismo Brown, esto al final de la canción.

Para estos samples fue fundamental el uso de uno de los primeros emulators a los que Charly tuvo acceso. Y ahora dirás: "bueno, es nada más un sample", pero no. El sample fue un recurso que apenas y se popularizó a finales de los años setenta en Estados Unidos por raperos principalmente, y el hecho de que un rockero argentino llegara con tanto anticipo a este recurso fue fundamental para que más artistas le siguieran la pista.

Otro detalle curioso en la producción es que la canción "Ojos de Videotape" tiene un pitch, lo que hacía que en la versión original tuviera una armonía entre fa y fa sostenido. Parte de esto se muestra en la serie de Fito Páez que salió este año.

Ya si nos vamos al discurso del álbum, Clics Modernos por su puesto que es uno de los primeros en tocar ciertos temas sensibles como la homosexualidad con temas como "No Soy un Extraño", que abordan la desaparición del prejuicio en muchos aspectos de las relaciones con personas del mismo sexo.

De 'nuevos trapos' a Clics Modernos

El álbum se iba a llamar Nuevos Trapos; sin embargo, Charly vio en Nueva York una esquina que decía Modern Clix, y consideró que así tenía que llamarse el álbum.

Clics Modernos es un álbum que en cada canción representa la llegada de nueva música, de un nuevo mundo sonoro, impulsado por la inspiración y por no pertenecer a ningún género. Esa libertad es política en canciones como "Nos Siguen Pegando Abajo" o "Bancate ese Defecto", que hablan un poco de ese temor que aún tenía el argentino de otra imposición militar.

El álbum se toma el tiempo de salir de las estructuras convencionales con obras como "Dos Cero Uno" y "Plateado sobre Plateado", que dejan los ritmos fluidos y aspiran a las percusiones electrónicas, esto mientras otros temas como "Nuevos Trapos", "No me Dejan Salir" y "No Soy un Extraño" se salen del estándar de los sonidos orgánicos.

'Cuando el mundo tira para abajo, es mejor no estar atado a nada'

El punto más importante del álbum aparece con "Los Dinosaurios", un tema más profundo que el resto que narra la brutalidad militar de la dictadura, el miedo de las desapariciones y un mensaje optimista sobre que algún día aquellos hombres que nublan la libertad se irán.

El tema adquiere más peso si pensamos en la situación que vivía Argentina en esos años, y que hasta la fecha es motivo de nostalgia para quienes vivieron esa situación y aún sienten las palabras de Charly en aquel tema.

En su MTV Unplugged, Charly García cantó "Los Dinosaurios" y aseguró que era una canción que le gustaba a mucha gente, particularmente a los muertos, en referencia a las personas desaparecidas por la dictadura.

Aún hay "dinosaurios en la cama" en Argentina, país que enfrenta una de las elecciones presidenciales más importantes en su historia entre la ultraderecha y la izquierda que ha generado descontento social. La turbulenta situación económica ha llevado en buena parte a eso al país, que está dividio entre las dos alternativas para solucionar la crisis que vive.

El último tema es "Ojos de Videotape", otra canción en la que en Charly y el piano son protagonistas y donde cae toda la energía del disco, pasando de sonidos coloridos a suaves notas que te hacen sentir incompleto.

Charly García_Clics Modernos_portada

'No creo que pueda dejar de protestar'

Clics Modernos es un álbum completo en todo sentido. Es curioso escucharlo 40 años después y darte cuenta que aún suena fresco. Sin emabrgo, cabe mencionar que no fue del todo bien recibido, pues los fans esperaban a un Charly García más rockero.

Sin embargo, con Clics Modernos, Charly García logró su objetivo, que era comenzar de cero, deslindarse de sus anteriores proyectos y crear una obra monumental, que protesta, que habla de amor y muestra un nuevo mundo, un nuevo camino que abrió paso al new wave de los ochenta y a dejar los prejuicios convencionales del rock.

40 años después, la esquina de Nueva York en la que Charly vio aquel "Modern Clix" tendrá su nombre, esto será en una ceremonia este lunes 6 de noviembre.

Clics Modernos es un álbum escencial para entender y apreciar el rock latino, y con él para entender parte de todo el universo que implica Charly García. Para muchos es el mejor álbum en la historia del rock hispano, y te aseguramos que si lo escuchas en su 40 aniversario puede que pienses lo mismo.