Entrevista con Coma Pony

Coma Pony: melancolía desértica.

Para aquellos que nunca hemos estado en Chihuahua, es sencillo imaginar un paraje en el que el viento sopla ocasionalmente y la tierra cruje bajo las pisadas de los caballos. Es difícil imaginar que en un estado rodeado únicamente por tierra, una especie de Bolivia en México, donde las distancias entre ciudades hacen el tránsito casi imposible y la sequía física y creativa lo había mantenido fuera del radar, podría ser el semillero de algunas de las propuestas más frescas del circuito independiente en nuestro país. Y sin embargo, así lo es.

El más reciente ejemplo lo encontramos en Coma Pony, banda formada por Juan, Chuy, Diego, Leo y Marco, quienes encontraron en esa soledad la inspiración necesaria para crear los pasajes sonoros para una juventud soñadora e idealista. Una evocación universal al hedonismo de tirarse a no hacer nada y no sentirse mal por ello. Algo extraño sabiendo que su nombre deriva de un tema de Omar Rodríguez-López, pero fue en esta actitud hacia la vida donde encontraron su esencia. “Tuvimos varias bandas pero ninguna nos llenaba o ninguna nos gustaba completamente. Para no limitarnos o frenar el proyecto por falta de integrantes, decidimos formar una banda instrumental entre Chuy y yo, sólo con batería y guitarra, solamente para hacer algo y pasarla bien”, comenta Marco Ruíz, guitarrista de la banda.

Después de un descanso obligado tras haber roto su equipo por la intensidad de sus presentaciones, retomaron la banda a principios de este año, ahora con alineación completa, y grabaron el EP Pony en Coma, trabajo que los colocó automáticamente en el oído de todos por sus melodías oníricas y despreocupadas. Algo que no define solo a su música, sino también la posición de la banda frente a su trabajo. “Coma Pony es algo que te hace sentir bien, que no juzga a nadie; cuyo único propósito es que con sus melodías bonitas te haga bailar o mover la cabeza y que te olvides de todo lo malo”, continúa Marco.

Una actitud que los llevó a crecer exponencialmente en cuestión de meses. Algo que definitivamente no se esperaban, pero que si se toma en cuenta la honestidad de la banda era el único desenlace posible. “Desde que regresamos con Coma Pony hemos hecho todo por mero gusto. Las cosas se han dado solas, sin buscarlas, y creemos que todo ha sido por eso. Al crear algo con tus mejores amigos por mera diversión, sin buscar algo y que se dé lo que se vaya a dar y que pase lo que tenga que pasar, creo que es la mejor forma de hacer las cosas. No pensar cómo va a funcionar algo o cómo se hará para que 'pegue'. Creo que esto fue la clave. No pensamos para qué lo haríamos, solo lo hicimos por gusto y hasta ahora se ha dado bastante bien”, agrega el guitarrista.

Con casi 400,000 reproducciones de su tema “En Domingo Las Niñas van a Jugar al Parque” en poco menos de dos meses, y del que próximamente estrenarán su video, Coma Pony es el claro reflejo de cómo una propuesta fresca que utilice las herramientas disponibles adecuadamente puede posicionarse en el gusto del público sin una gran maquinaria detrás. “Fue algo demasiado rápido e inesperado. En verdad no creíamos que fuera a llegar a pasarnos. Eso es algo que veíamos que le pasaba a bandas grandes o bandas que ya tienen mucho tocando”, comenta Marco. “Al pasar por algo así y ver que en diferentes países te están escuchando, apoyando y escribiendo que nuestra música les gusta, es un impulso muy grande para seguir haciendo cosas y mejorando”, continúa.

Mejoras que seguramente podremos ver en sus materiales venideros, así como en su próxima gira, en la cual estarán visitando la Ciudad de México para presentarse en diferentes foros del 14 al 17 de julio y contagiar de su melancolía desértica a todos los soñadores que se dejen llevar. “Nosotros seguiremos con las mismas ganas y dando más amor y música bonita a todos. Con que nuestra música siga llegando a todas partes y la sigan escuchando, con eso será más que suficiente para seguir en esto”, agrega el guitarrista. “Los haremos creer en el amor a primera vista y nunca los vamos a defraudar. Coma Pony está aquí para quedarse así que esperen cosas muy bonitas de nosotros para ustedes”, concluye Marco entre risas.

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Justice y su nueva canción

Escucha esta nueva canción de Justice, estrenada en un DJ set de Ed Bangers Records.

Hace algunos meses, después de que Justice firmara un contrato con Ed Banger Records, Busy P anunció que el dueto se encontraba trabajando en un nuevo disco, mencionando que Gaspard Michel Andre Augé y Xavier de Rosnay se encerraban a diario en el estudio. No obstante, el dúo francés no ha publicado nada nuevo desde su Audio, Video, Disco de 2011.

El mes pasado, durante el festival Sónar en Barcelona, Busy P tocó una nueva melodía de Justice y algún fan ocioso utilizó Shazam al inicio de este set que se encuentra en YouTube y logró identificar que el track se titula “Safe and Sound”.

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La canción, que lleva varias horas circulando en la red incluso ya con carátula, tiene un pegadizo beat acompañado por un increíble bajo, suaves cuerdas y un harmónico coro; elementos clave en los materiales previos de Justice.

Disfruta aquí abajo de la animación oficial para “Safe and Sound” y si es de tu agrado, la puedes descargar totalmente gratis desde su página oficial.

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Sigur Rós estrena timelapse de "Route One"

Mira el cautivador recorrido que hizo Sigur Rós alrededor de Islandia.

El mes pasado, Sigur Rós lanzó “Route One”, una transmisión en vivo de más de 24 horas de un viaje a lo largo de una autopista que rodea Islandia. Ahora la banda ha sintetizado en poco más de cinco minutos dicho viaje en un hipnotizante video tipo timelapse.

"Route One" se filmó durante el día más largo del año mientras conducían por la carretera a una velocidad de 60 kilómetros por hora. La música, que fue inspirada en su nueva canción “Óveður”, se generó en tiempo real y ahora sirve como soundtrack para el videoclip.

Este video dirigido por Tomas Örn Tomasson captura la belleza del paisaje de Islandia, así como su variante clima, que a la par de los extraños beats de “Óveður”, crean una sensación única. En este momento, Sigur Rós se encuentra trabajando en una versión HD de "Route One", el cual estará disponible en el sitio oficial de la banda a partir del 12 de julio a las 21:00 H (16:00 H en México).

A pesar de la nueva canción, Sigur Rós aún no ha compartido información concreta acerca de un disco, que sería lo más nuevo desde que lanzaron Kveikur en 2013 con el cual visitaron nuestro país en el festival Corona Capital de ese mismo año.

Peaches estrena video

"Vaginoplasty" es el nuevo y polémico videoclip de Peaches.

El año pasado, la siempre polémica y talentosa Peaches, dio a conocer su sexto material discográfico llamado Rub, álbum que llegó 6 años después de que la cantante canadiense no publicara material inédito. Este esperado trabajo contó con las colaboraciones de FeistSimonne Jones y la exintegrante de Sonic YouthKim Gordon

Como parte de la promoción de este disco, Peaches ha compartido el videoclip de su más reciente sencillo"Vaginoplasty", el cual fue inspirado por la actriz norteamericana Esther Williams, según comentó en su cuenta de Twitter.

En él, se pueden ver a varias chicas y chicos dentro de una alberca con atuendos de color rosa, además de portar disfraces que hacen clara referencia a la parte femenina que se nombra en el titulo de la canción. El video corrió bajo la producción y dirección de Briana Gonzalez quien anteriormente trabajó con Peaches en el video de "Close Up".

De su álbum Rub, Peaches lanzó este año la versión remixed, la cual contó con las mezclas por parte de Maya Jane Coles, Evvol, Paula Temple, Planningtorock, Lauren FlaxMaya Postepski, Simonne JonesMaya Postepski, JD Samson y Ziúr.

Escucha un nuevo tema de Ryley Walker

Las buenas noticias con Ryley Walker no paran.

Después anunciar su primera visita a nuestro país el próximo 10 de septiembre en el Foro Indie Rocks! que promete ser una noche mágica llena de hermoso folk y atmósfera campirana, en la que promocionará su más reciente álbum y en la que además compartirá escenario con The Risin’ Sun y Page Sounds, el cantautor de 26 años originario de Rockford, Illinois, ha dado a conocer un adelanto más de lo que será su nuevo material discográfico.

Golden Sings That Have Been Sung será el nombre del tercer álbum en solitario de Ryley Walker mismo que saldrá a la venta el próximo 19 de agosto (el año pasado lanzó un disco llamado Land of Plenty en colaboración con el músico Bill MacKay) y del cual hace un par de semanas dio el primer avance con la canción "The Halfwit in Me" a la que se le suma la hermosa "The Roundabout", tema que acaba de subir en su cuanta de SoundCloud.

El nuevo material de Ryley Walker contará con ocho canciones las cuales fueron grabadas en la ciudad de Chicago y producidas por el exintegrante de WilcoLeRoy Bach, quien ha trabajado con gente como Iron and Wine, Andrew BirdRob Mazurek, The Autumn Defense y Beth Orton.

Wild Beasts comparte video para "Big Cat"

Los ingleses están de vuelta con el segundo sencillo de su próximo material discográfico, Boy King.

En mayo de este año, los chicos de Wild Beasts nos dieron una gran noticia: un nuevo disco vería la luz. Se trata de su quinto material de estudio titulado Boy King con fecha de salida para el próximo 5 de agosto a través del sello Domino Records. El primer sencillo que se desprende de este material lleva por nombre “Get My Bang” y es justo lo que necesitas para ponerte a bailar. En esta ocasión, la agrupación liderada por Hayden Thorpe regresa con un nuevo track acompañado de un video musical.

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La canción se llama "Big Cat" y posee un sonido sutil pero vibrante que te atrapará desde los primeros segundos. El video es bastante surrealista y nos muestra como "alguien" siempre nos está vigilando no importa a donde vayamos, además de que la publicidad está en todas partes y no podemos escapar de ella. En palabras de Pablo Maestres, director del clip, describió que se trata de un road trip en medio del bosque en el que te enfrentarás con animales salvajes.

"Pienso que 'Boy King' es un disco apocalíptico. Es sobre nadar en el abismo. Cuando piensas sobre el sexo, tienes que pensar sobre la muerte, son uno y el mismo", menciona Thorpe en un comunicado de prensa. Disfruta aquí abajo del video para "Big Cat" el cual fue grabado en diferentes locaciones fuera de Barcelona, España.

Entrevista con Tomás Davó y Mexican Jihad de NAAFI

¿La nueva cara de la fiesta?

“No nos costó trabajo, a la gente sí. Nosotros nos sentíamos cómodos con lo que hacíamos”, Tomás Davó –miembro y fundador de NAAFI, colectivo de música electrónica que busca redefinir la fiesta y la escena club en nuestro país–.

Estas palabras hacen referencia al cambio de pensamiento en las nuevas generaciones a la hora de incluir todo tipo de géneros musicales en su vida, específicamente, sus fiestas. Antes, un rockero se unía con otros rockeros a beber caguamas y escuchar a sus bandas favoritas, y solo hasta que el alcohol los dejaba casi tumbados, admitían escuchar a Vicente Fernández. Hoy las cosas cambiaron, para empezar ya casi no existe tal cosa como un rockero. No, lo que une a los jóvenes hoy va más allá de un contexto musical. Las series, los gadgets, el cine, entre otras cosas, tomaron el lugar de la música a la hora de crear una conexión entre personas.

NAAFI: La fiesta

Entonces ¿qué fue de la fiesta?, pero sobre todo ¿qué fue del soundtrack de las pedas?, ¿cómo se arma una playlist en la “party” si ya a nadie le gusta el mismo género? Pues fácil: ahora se escucha todo y de todo. Rock y reggaetón conviven en un mismo espacio como hermanos de madres distintas. Justo de eso se trata NAAFI, de hacer fiesta y que esa sea un síntoma de inclusión. Nada está prohibido. ¿Quieres perrear? Adelante. ¿Bailar? Pues para eso está la música ¿o no? Quizás solo quieres un fondo para ligar pues, date.

“La fiesta siempre fue pensada como un lugar sin prejuicios en cuestión de géneros musicales y en un principio sí costó trabajo proponerle ese tipo de pista de baile a la gente. Hoy podemos decir que si vas a una de nuestras fiestas te vas a encontrar con que, justo, es un lugar donde se puede escuchar de todo”, explica Mexican Jihad, uno de los integrantes más importantes del colectivo.

"Ahora la gente va a escuchar de todo" - Mexican Jihad

“Me encanta que el público es muy abierto a los estilos que no conoce y trata de bailarlos y disfrutarlos. Y ya después decide si le gustó o no”, completó Tomás.

Algo que caracteriza al colectivo es la búsqueda de espacios, sin encasillarse en una sola zona de la ciudad. Para realizar una fiesta buscan dos cosas: oportunidad y comodidad.

“Hacemos fiestas en todos lados, sin importar la colonia. Se trata más bien de sentirnos cómodos. Ahorita estamos en un lugar en el Centro que nos gusta mucho. Y no, no se trata de salirnos o meternos a una zona en específico. Lugar que nos abra las puertas y nos sintamos a gusto, bienvenido”, comentó Tomás.

“Durante mucho tiempo hemos intentado que las fiestas sean en Zona Rosa porque es la colonia mejor equipada para la vida nocturna, tienes comida, taxis; pero no hemos encontrado un buen lugar ahí”, agregó Mexican Jihad.

Mexican Jihad

Foto: Diego Mud

NAAFI: El arte

Si bien la fiesta es una parte primordial de NAAFI, no es su único punto de interés. A lo largo de su existencia se han acercado a otras expresiones artísticas, presentándose en museos y galerías, además de musicalizar performances. Esto se dio de manera muy natural, como explica Mexican Jihad.

“Creo que eso se dio de una manera muy orgánica. La fiesta siempre tuvo una presencia muy fuerte de estudiantes de arte y de otros miembros de la comunidad artística. Es común ver a pintores, galeristas e incluso personas que se dedican al performance. Esta gente de repente nos empezó a hacer invitaciones para formar parte de sus proyectos. Nos han invitado a tocar a la Galería Karimanzutto y tuvimos una residencia en el Museo Jumex”, agregó el productor. 

Pero el interés de NAAFI por la cultura no para ahí: “Nosotros también, como oficina, tratamos de hacer proyectos con instituciones culturales, en parte porque nos permite acceder a presupuestos sin todo el problema que significa trabajar con otros tipos de patrocinios. Trabajar con dinero cultural te permite ser más libre”.

“Hay proyectos que sabemos que tienen el sponsor y tiene que venir de las instituciones de cultura, en específico, los que queremos hacer de investigación musical como: una serie junto al Centro de Cultura Digital, que trata de recopilar géneros regionales mexicanos. O por ejemplo la residencia que hicimos en el Museo Jumex. Estas ideas hacen más sentido dentro de un contexto museístico”, explicó Jihad.

Tomas Davo NAAFI

Foto: Diego Iván Gutierrez

NAAFI: El activismo social

Para NAAFI, el rock, al ser cosa del pasado, no logra reflejar el contexto social que se vive en la actualidad. Cosa contraria a la música electrónica que, al ser un género que sigue en constante crecimiento, puede reflejar las inquietudes de la sociedad.

“La música electrónica, al ser el género más contemporáneo, tiene que hablar directamente al presente y lo que está sucediendo. Otros géneros como el rock, según mi perspectiva, viven en añoranza. La electrónica al ser cosa actual, tiene que hablar de política de una manera inmediata”.

“¿Qué significa ir a una fiesta de música electrónica latina? Que de inmediato nos remontemos a lo que pasó en el Pulse, en Orlando. A nosotros el hecho de ser productores y gente involucrada en la fiesta, nos hace tener posturas respecto a todo ese tipo de temas”, comentó Mexican Jihad.

Pero ¿los asistentes a las fiestas de NAAFI piensan igual?

"La rebeldía no solo existe dentro del rock" – Tomás Davó

“Hay dos tipos de público: los que tienen una afinidad musical y política; y los que solo van a a experimentar la fiesta y a lo mejor nunca regresan. La mayoría de los que se quedan y hacen de NAAFI su comunidad, si se encuentran en el mismo plano que nosotros. Incluso hay muchos que van tanto que se empiezan a involucrar un poco más”, respondió Tomás Davó.

“Al tener estas discusiones políticas dentro del contexto del baile, puedes participar activamente en la conversación o también puedes formar parte de ella de una manera más placentera solamente a través del baile y de tu presencia”, concluyó Mexican Jihad.

Hoy, NAAFI prepara un documental junto a Smirnoff Sound Collective Global. Además, el colectivo ya traspasó las fronteras mexicanas y cuenta con miembros en Argentina (Tayhana) y Chile (IMAABS). También han cruzado el charco al tener giras por Europa, donde han aprendido de una escena club que, a diferencia de la mexicana, tiene una larga tradición.

Por lo pronto, NAAFI seguirá en su intento por revolucionar “la fiesta”. Ya sea en un club, en un museo, una galería o un festival como el Ceremonia. Siempre intentando romper las barreras mentales que impiden a la gente disfrutar de la música.

PAWS – No Grace

¿Cómo suena el escribir sobre estar en una banda? PAWS lo define muy bien en este disco.

Para una banda, pocas experiencias se comparan con la de subirse a una van y comenzar la aventura de salir de tour. El golpe de adrenalina que genera pisar un escenario desconocido cada noche y el estar cara a cara con su  público, genera experiencias que sin duda definen la visión del músico.

La otra cara de la moneda contempla estar fuera de casa por meses, el desgaste físico que se va acumulando al correr de los días y el hecho de que algunas ocasiones las cosas no salen como son planeadas, situaciones que muchas veces pueden originar un agotamiento emocional difícil de superar.

En el caso de PAWS, trío  originario de Glasgow, Escocia, “ tourear” ha sido una constante desde el 2010, año en el que comenzó su carrera. El mes pasado vía Fat Cat Records, salió a la luz  su tercer LP No Grace, en donde a lo largo de diez temas se retrata la visión colectiva de una banda que noche tras noche apuesta todo lejos de su hogar, construyendo una audiencia sólida a la vieja usanza: a través de las presentaciones en vivo, donde se crean los vínculos verdaderamente importantes.

A diferencia de sus discos anteriores (Cokefloat!, 2012 y Youth Culture, 2014) –que fueron compuestos en medio de extensas giras alrededor de Estados Unidos y Europa–, en No Grace, el trío integrado por Phillip Taylor –guitarra y voz–, Josh Swinney –batería– y Ryan Denver –bajo–; decidió hacer una pausa para conectarse más profundamente con su proceso creativo.

El encargado de producir este material fue Mark Hoppus, bajo y voz de Blink 182, quien tras haber sido una figura de influencia durante su adolescencia, se suma al proyecto asegurándose de pulir el sonido de la banda y llevar al máximo su capacidad musical. La misión: capturar la sensibilidad de un proyecto que ha definido su sonido en los escenarios.

Líricamente las composiciones de Taylor retratan de forma sencilla y directa el cumulo de sentimientos que se derivan al estar en una banda, las relaciones entre sus integrantes, los altibajos emocionales que se producen en el camino y las crisis que han forjado su visión del mundo bajo la filosofía de “go hard or go home”.

Al hablar de lo musical se podría decir que No Grace es un álbum sobre todo divertido, en donde si bien no existe una propuesta novedosa – la mayoría de las canciones son fuertemente influenciadas por altas dosis de pop punk y guiños de garage de los 90–, la frescura emanada en las canciones y  sus melodías pegajosas hacen que el escucha pueda relacionarse sin complicaciones con ellas.

Otra cosa que tampoco se puede negar es el hecho de que a nivel de ejecución, la banda ha logrado madurez, demostrando que la complicidad ganada a lo largo de tantos años de convivencia también se vuelve evidente cuando se comunican con sus instrumentos. Basta ver como Denver y Swinney forman una poderosa mancuerna entre bajo y batería que sirve como base perfecta para que las capas de guitarras distorsionadas de Taylor hagan lo suyo sin complicación.

Destacan “Salt Lake”, tema instrumental de rítmica vigorosa que se aleja un poco de la tendencia pop punk que impera en la mayoría del disco, explotando el lado garage con guitarras llenas de licks reverberantes (menos Blink 182, más Dinosaur Jr).

“N/A”,  uno de los tracks más interesantes del disco que se aparece como un recordatorio para aquellos que se sienten vencidos. Su estructura es sencilla pero franca, sin llegar a bordear los clichés melosos del pop punk.

El disco cierra con “Asthmatic” , tema de corte tranquilo y melodía pegajosa, que se relaciona más con el sonido de los discos anteriores, sonido que a nuestro parecer, es más orgánico en los escoceses. El final de la canción, escalando en una intensidad controlada, ofrece un desenlace que cubierto por una guitarra casi a punto de desaparecer, nos regala junto con bajo y batería un renacimiento de acentos sobresaltados.

Hot Hot Heat – Hot Hot Heat

El regreso y despedida de Hot Hot Heat.

Future Breeds fue el último álbum que lanzó la banda canadiense Hot Hot Heat. Dicho material fue uno de los más aplaudidos durante el 2010, convirtiéndose en uno de los mejores discos de la banda.

Hot Hot Heat anunció en abril el lanzamiento de su álbum de despedida. Triste, pero cierto, todo lo bueno tiene que terminar. Este trabajo homónimo contiene nueve tracks y en total la placa tiene una duración de aproximadamente 30 minutos.

El disco abre con el single que anteriormente ya se había dado a conocer, “Kid Who Stays in the Picture”.  La voz de Steve Bays, en esta canción, suele escucharse por debajo de los sonidos de las melodías. Sin embargo, en “Modern Mind”, la voz de Steve con lo sonoro de la música logra tener un balance completo.

“Bobby Joan Sex Tape” tiene un comienzo majestuoso rescatando un poco el sonido con el que la banda comenzó su carrera. Ese indie pop nada incómodo que te divierte y te da ganas de bailar. La voz de Bays, siempre ha sido pieza clave en cada melodía de la banda.

“Magnitude” es una pieza que logra juntar los sonidos de un buen sintetizador con la batería suave y delicada de Paul Hawley y la voz particular de su vocalista.

“Mayor of the City”, “Alaskan Midnight Sun” y “Comeback of the Century”, contienen entradas sonoras fuertes sin caer en lo ensordecedor, mismas que de principio a fin se disfrutan completamente.

La escena final del disco termina con “Sad Sad Situation” y “The Memory’s Here”. En la primera, el poder de la guitarra y el juego con el sinte hace toda una experiencia mientras que "The Memory’s Here”, logra cerrar completamente el disco con riffs y golpes de batería.

A pesar de que la banda regresó nuevamente a sus sonidos originales y con más madurez sonora, el material antecesor a este, Future Breeds, siempre será un disco para jamás olvidar.

Entrevista con Kongos

Kongos, el impulso del ego.

Conformada por los hermanos: Johnny (acordeón, teclado y voz), Jesse (batería, percusión y voz), Daniel (Guitarra y voz) y Dylan (Bajo y voz), la banda sudafricana Kongos nos platicó de su tercer material discográfico, Egomaniac, en entrevista exclusiva para Indie Rocks!

“¡Esto es solo el comienzo! Creo que en este disco la composición ha sido muy concisa y coherente. Nos mantuvo muy ocupados, añadimos algunos elementos de la electrónica con los que estábamos experimentando. Definitivamente se relaciona mucho con nuestro disco anterior Lunatic, buscamos evolucionar en cada disco”.

Egomaniac salió a la luz el pasado 10 de junio, a través de Epic Records. Cuenta con 13 nuevos tracks con algunos riffs de rock clásico sobre una base de beats electrónicos, sin olvidar el sello característico de la banda, el acordeón: “Estamos muy contentos con el resultado, todo el disco es increíble, pero definitivamente nuestra canción favorita es el track número 7, 'Birds do it'”.

Birds do it, bees do it
Got a feeling even priests do it
I don't believe we've met before
Won't you please do it with me?

Please do it, there’s nothing to it
You don’t even know my name, I knew it
No­ one’s ever turned you down before
And it ain’t gonna start with me

Could I buy you drink, could I sing you a song
I could start a war or we could both just get along
I could build a wall, or I could tear it down
And I could tell you why everything's that same old...

Kongos Egomaniac

El estribillo de su primer sencillo “Take it from me”, refleja perfectamente la temática del disco: “A medida que estábamos escribiendo las letras, nos dimos cuenta de que tenían un tema en particular: la 'egolatría', por eso lo titulamos así. Hablando de este tema en particular –"Take it from me"–, es una canción que escribió Jesse, expresa el impulso de un impulso, ya sea el ego o el orgullo o alguna otra cosa que toma el control de ti”.

Kongos surgió en Sudáfrica, impulsados por su padre el cantautor africano John Kongos (“He´s Gonna Step on You Again” y Tokoloshe Man”), quien desde muy temprana edad los acercó a la música: “Nuestro padre ha sido de gran ayuda y será una guía para toda la vida y nuestra carrera”.

Desde entonces, los hermanos Kongos son tan unidos que componen, graban y producen su propia música, incluso mezclaron su álbum debut en Phoenix, Arizona: “Es increíble tener una banda con tus hermanos, probablemente nos une más la confianza que tenemos como familia”.

Influenciados por la música de diferentes culturas y bandas clásicas como The Beach Boys y The Beatles, Kongos continúa apoyando sus raíces sudafricanas: “¡La música sudafricana es genial! Hay una increíble escena allí abajo con una gran cantidad de variedades de festivales de rock y de música que se está generando todo el tiempo. También disfrutamos mucho la música de Stevie Wonder, Bob Marley, Jackson Browne, Dr Dre, Tinariwen, Puccini, Bach, etc. Todo influenció en la manera en que hacemos música”.

Actualmente Kongos se encuentran en una gira mundial, visitarán lugares como Londres, Sudáfrica, Canadá y Estados Unidos; pero aún no tienen planeado visitar nuestro país: “Queremos viajar a un montón de lugares y también nos gustaría tener la suerte de grabar algunos videos musicales tan pronto como sea posible”.