La Habitación Roja comparte video para "You Gotta Be Cool"

Para empezar bien el verano, déjate llevar con "You Gotta Be Cool".

Más frescos y veraniegos que nunca, con diez placas de estudio y casi 20 años de carrera, La Habitación Roja regresó este año con el estreno de su más reciente producción, Sagrado Corazón, a través del sello discográfico Mushroom Pillow. La décima placa en la carrera del quinteto originario de Valencia, España, nos regala como primer corte "You Gotta Be Cool", un tema extremadamente pegajoso y perfecto para recibir el verano en estas vacaciones.

Y así es como lo plasma el nuevo acompañamiento visual de los valencianos. Con un grupo de jóvenes –Kevin Mccoy, Elber Medina, Vladimir Medina, Jesús Valencia, Judith Ruiz, Víctor Fernández, Neus Márquez y Ronald Ferreira– pasándola bien, sin preocupación alguna, sin perder la calma y en pleno rayo del sol a la orilla del mar, tal y como lo incita la letra. En cuanto al trabajo del videoclip, la dirección corrió a cargo de Marc Lesperut y la producción, de Blat Studios y Tania Louro.

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"Ser cool no solo significa ser guay, también significa estar tranquilo, mantener la calma. Y eso me decía también a mí mismo: Mantén la calma, tienes calidad, déjate llevar, haz las cosas como las sientes. Canté la canción en el estudio y el resto del grupo vistió mi sueño de verano de la mejor de las maneras. Todos colaboraron a que ese sueño de una noche de verano se convirtiera en realidad. "You Gotta Be Cool", es el single de adelanto de Sagrado Corazón, y nuestra primera canción del verano de la historia, pero atentos al resto, a lo que viene detrás: un álbum lleno de hits hecho desde y para el corazón de gente romántica y sin complejos", compartió el líder y vocalista, Jorge Martí.
Después del éxito obtenido con La Moneda En El Aire y el recopilatorio especial de Veinte años de canciones 1995/2015, La Habitación Roja ya tiene fechas programadas por algunas ciudades de España, la cuales terminarán en noviembre de este mismo año.

Aquí abajo te compartimos el nuevo video de La Habitación Roja"You Gotta Be Cool". ¡Disfrútalo!

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Gepe estrena video para "Punto Final"

El chileno dedica el audiovisual "Punto Final", a la comuna de San Miguel en Chile.

Directo desde su natal comuna en San Miguel, Chile, Gepe comparte el acompañamiento visual para "Punto Final", sencillo que se desprende de su más reciente material discográfico Estilo Libre.

"Punto Final" fue rodado en San Miguel, lugar donde pasó su infancia y juventud David Alejandro Riveros Sepúlveda, mejor conocido hoy en día como Gepe. Este audiovisual fue realizado por la productora Cinestación encabezada por su directora Dominga Sotomayor, y allí es donde se le ve al chileno en medio de un grupo de niños que bailan y cantan a la par de la pista, al mismo tiempo recorren los rincones de del lugar que marcaron momentos especiales en la vida del músico.

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Aunque Estilo Libre se estrenó el año pasado bajo el sello Quemasucabeza, la quinta placa de estudio del chileno se caracteriza por la frescura que le impregnó a su último trabajo, y que gracias a ello, es que los extractos que compartió en su momento se volvieron los favoritos en las listas de música en Latinoamérica, como es el caso de "Hambre", el cual contó con la participación de Wendy Sulca, "Marinero Capitán""TKM" e "Invierno" con la aparición de La Lá, así como la colaboración de su compatriota Javiera Mena en "Vivir".

Recordemos que Gepe regresará a la Ciudad de México el próximo 15 de octubre para ofrecer un concierto en El Plaza Condesa como parte de su gira Estilo Libre.

Mientras tanto, te compartimos el videoclip para su nuevo sencillo, "Punto Final".

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Alexis Taylor – Piano

Un piano y la voz de Alexis Taylor bastaron para la tercer producción del vocalista de Hot Chip.

Desde abril de este año, el vocalista de Hot Chip ya había anunciado que su tercer producción discográfica vería la luz en junio y adelantó la canción con la que iniciaría: “I’m Ready”, un track que sin duda era una señal de cómo sería el resto del material: un registro de piano casi de inicio a fin.

Taylor tiene una característica muy peculiar que imprime con su voz, el ser melancólico, pero poder acoplarse a diferentes ritmos. Piano es de esos discos que te puedes sentar a escuchar con una taza de té o en la oscuridad y te pondrá a reflexionar sobre la vida. Así es, se apega mucho a la personalidad de Alexis.

Pareciera que cada canción cobra vida y que el vocalista le está hablando al escucha. Como si le contara cómo se siente, cuál es su impresión ante la vida, el amor, realmente es una serie de melodías emotivas.

Para muestra hay que escuchar el inicio con “I’m Ready”, donde se siente vulnerable e inicia preguntando “¿Crees que no estoy listo?” Este material es un recorrido en los devenires de la vida, sus ciclos, inicios y fines. La primera pista comienza cuestionando, luego el disco te lleva por una senda de reflexión en la que vas a pensar en el amor, la soledad, la falta de algo o de alguien, el anhelo y la paz, reflejado en “In the Light of the Room” o en “I Never Lock That Door”.

Finalmente cierra con "-" una pista que tiene el tinte de ser casera, en ella suena el latido de un corazón al fondo, luego entra el sonido de una guitarra acústica, es distinta al resto –incluso en el título–, y es la conclusión del disco y la respuesta a las preguntas de la primer canción con un repetido “quédate conmigo”.

El integrante de Hot Chip dijo para diversos medios que Piano había sido motivado por el deceso de un amigo cercano. Ahí el porqué de un disco lleno de pena, miseria y reflexión. Sin embargo, Taylor explotó uno de sus mayores talentos: su voz. Me parece que a estas alturas, los integrantes de la banda británica de electropop pueden explorar en distintos géneros y formas musicales, siempre con la simpatía de sus seguidores.

Pedropiedra – Ocho

Los ocho caminos de Pedropiedra.

El cuarto álbum solista de Pedro Subercaseux, nombre de pila de Pedropiedra, da una muestra de evolución y el alcance musical con un contenido digerible y de muchos ritmos, algo muy distinto a lo que fue aquel entrañable primer material homónimo, y un poco parecido a Cripta y Vida y Emanuel. Se perciben cambios radicales en la base sonora, donde encontraremos una amplia riqueza musical.

Ocho canciones, con 32 minutos en total, son suficientes para exponer un material sencillo. Ocho caminos que son diferentes entre sí, pero que cumplen su propósito: relajar el oído y provocar buen humor con la característica ironía en sus letras, algo que ya es su distintivo.

El material inicia su rumbo muy tremendo con “Todos mis días”, que mezcla el funk de los sesenta con el pop de los ochenta y noventa, adornada con los coros de Catalina Rojas, por momentos la canción parece como si se extrajera de los buenos tiempos de Luis Miguel.

“Pelusita” es un tema ameno, que nos trae su clásico rock pop, al estilo del Cripta y vida, para seguir con “Lluvia sobre el mar” que retrata la búsqueda inmensa, con un silbido que parecía extraído de El Bueno, El Malo y El Feo, y un sonido que tiene tintes de new age.

“Rayito / Olita” es el tema mejor logrado del álbum, que captura al instante con su estilo antillano y andino, casi al estilo de El Guincho o de su “weon” Gepe. Es ideal para el “perreo”, sobretodo con esos efectos vocales característicos del reggaetón o de la chicha, es el camino de la sensualidad tropical.

Siguiendo con el estilo andino, “La balada de J.González”, lanzado el año pasado, le brinda homenaje al líder de Los Prisioneros, con referencias a su repertorio en las letras. Promete para ser un himno de la escena chilena en esta década.

“Era tu vida”, que habla de ausencias y de alguna pasada relación tormentosa, nos da una finta con un sampleo a “Enola Gay” de O.M.D., pero posteriormente se transforma de electropop ochentero al rock pop acompañado por trompetas de mariachi, lo que nos muestra una fuerte influencia de la música mexicana.

“Loco”, la canción mas breve, experimental y conmovedora del disco, es una muestra clara de un tema al estilo Pedropiedra: pura ironía. Recuerda por momentos a “Inteligencia dormida” o a “En esta mansión”.

Por el contrario, “Matando el tiempo” le hace honor a su nombre, es el mas largo del disco y muestra de forma enérgica el folclor latino. Une el rock con lo andino y, de nuevo, el mariachi. Curiosamente, esta canción le da fin al álbum de la misma forma con la que inició, de forma tremenda.

Los caminos reflejados por Pedropiedra en Ocho tienen altas y bajas evidentes en el ritmo, pero que muestran de forma amplia la amplia riqueza musical de su autor, que lo mismo mezcla el rock con el mariachi, lo tropical y el new age. Se garantiza una sencilla, rápida y relajante travesía.

Entrevista con Molotov

Platicamos con Paco Ayala de Molotov sobre los 20 años de carrera de la banda y más.

Corría el año 1996. El PRI, sin saberlo aún, tenía su último mandato antes del famoso “cambio” de 2000. La Ciudad de México, en ese tiempo gobernada por un regente elegido por el poder ejecutivo, también se preparaba para la transición liderada por Cuauhtémoc Cárdenas. En cuestión musical, el rock nacional vivía un momento de esplendor nunca antes visto. Los foros de conciertos ya no estaban prohibidos y salían bandas por doquier. Entre ese mar de guitarras distorsionadas y baterías poderosas nació Molotov.

Provocadores, controversiales y, sobre todo, fieles a sí mismos, este cuarteto de amigos tomó por sorpresa a un país y un continente. Su primer disco vendió un millón de copias, gracias en parte al sonido que fusionaba el rock pesado con el rap pero sobre todo a la indiferencia con la que usaban el lenguaje. Sin tabúes, en una época en que la televisión y la radio seguían recibiendo fuertes multas al mencionar una mala palabra, se atrevieron a decir “puto” o “chinga tu madre” y retaron a los medios a voltearlos a ver, cosa que después de las ventas y éxito obtenido, no les quedó de otra. Han pasado dos décadas y mucho ha cambiado, aunque para Paco Ayala (bajista y todólogo de la banda) hay cosas que siguen igual.

Molotov ha dedicado gran  parte de su carrera a criticar a los medios de comunicación masivos de nuestro país, encabezados por Televisa. Sin embargo, en la historia del grupo, han trabajado muy de cerca con Telehit, por ejemplo, grabaron un spot (que no salió, pero se convirtió en un éxito del internet) e incluso tocaron en las instalaciones de la tan criticada (por ellos y muchos) televisora. Pero... ¿es esto una contradicción?

“Se convirtió en nuestra chamba explicar nuestro mensaje. Nosotros tiramos mierda a los dinosaurios que manipulaban información, al famoso telefonazo, al sesgue de información dentro de Televisa, al hecho de que muchos medios de información dependieran de los que ellos les mandaran”.

¿Acaso el hecho de que Molotov trabaje a su lado significa que estas prácticas de manipulación mediática dejaron de existir? “Siempre ha pasado y seguirá pasando y no hemos parado de decirlo. Pasa en TV Azteca y en cualquier medio masivo de entretenimiento. Eso no quiere decir que todos sean iguales: casualmente pasaba eso y el canal de música de Televisa, Telehit, nos abrió las puertas y siempre nos dejaron decir lo que queríamos. Nos apoyaron en la promoción cuando más censura había.”

“Cualquier medio que nos abra las puertas para decir lo que queremos libremente, por supuesto que lo vamos a utilizar. En este caso lo iban a ver millones de personas y preferimos eso a ser de esas bandas que por defender algo, solo las escuchan diez”.

Molotov
 

Molotov es tan seguro en sus ideales que no le da miedo la crítica ni tampoco busca jalarse de la fama de nadie para sobresalir. En su momento, no apoyaron al EZLN, ni a AMLO o al Yosoy132, a pesar de tener letras con un mensaje crítico y directo en contra de los gobernantes en turno. Según Paco este distanciamiento, sobre todo con Marcos al momento del auge del mismo, tiene dos motivos:

  1. “Dime dónde está ese movimiento y esas bandas. Justo en el momento en que aparecieron hicieron mucho ruido y luego se desvanecieron".
  2. “Hay que criticar a los que nos gobiernan mal pero, si vas a hacerlo desde el lado artístico, necesitas tener tu propia identidad. Hay que tener tus influencias y tus musas sin colgarte de nadie."

A Ayala y compañía les tocó romper con la censura. Tener que vender ellos mismos su disco en la calle porque las tiendas no lo querían (o podían) exhibir en sus aparadores. Pero hoy, a dos décadas de distancia, la realidad no puede ser más diferente. El músico cuenta con los medios para poder grabar su material sin necesidad de una disquera. También puede promocionarlo y, si llega a tener éxito comercial, no necesita preocuparse por el mensaje a transmitir porque ni el gobierno ni las instituciones privadas lo van a dejar de pasar sin importar que tan fuerte se critique al presidente o a las mismas instituciones. Aún así, el rock parece negado a hablar de los sucesos político-sociales que aquejan a nuestro país. Esto parece un acto apático pero Paco piensa que para nada es obligación de los músicos hablar de esos temas.

“La gente, no sé si esté cansada o por qué será, pero prefieren escuchar reggaetón que poner atención a lo que está pasando en Oaxaca. Es triste pero es real. No solo las bandas, los seres humanos, ciudadanos mexicanos, son los que deberían alzar la voz. No le corresponde al rock, no es la vía para canalizar el empute. El empute es tuyo y lo tienes que hacer notar, pero no a través del Twitter, yendo en un taxi. Te tienes que manifestar de algo que no te gusta pero en serio”.

Un quinto de siglo es lo que llevan Paco, Tito, Randy y Miky. Dos décadas en las que no han bajado del gusto de la gente. Veinte años de romperse la madre sobre el escenario, de vivir como adolescentes haciendo lo que quieren, cuando quieren y como quieren y al hacerlo, sin querer, ayudaron a moldear el inicio del nuevo milenio, la forma en la que nos comunicamos y la manera en que las altas esferas ven a la juventud. Pero... ¿hasta dónde podrán llegar? ¿La edad acabará con su espíritu?

“No ha pasado jamás. Las canciones las haces para ti, no para quedar bien con nadie. No hay límites más que la imaginación.”

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León Larregui en el Teatro Metropólitan

Unos locos en el Metropólitan: León Larregui en concierto.

El momento esperado llegó. Dentro de una ansiosa gira de presentaciones en el interior de la República y parte de Estados Unidos, León Larregui entregó la noche de ayer su primer show en la Ciudad de México. Acompañado de un recinto esplendido para su espectáculo, el Teatro Metropólitan, recibió un sold out inagualable.

En punto de las 19:00 H, las puertas del teatro fueron abiertas para recibir al público deseado por disfrutar la individualidad del vocalista de Zoé. Con un clima nublado y lluvioso, el tiempo fue pasando con calma y desazón. Un escenario acogedor para recibir al músico; sencillo, completo y auténtico.

Una guitarra electroacústica inició sonidos de bienvenida. Una chica solitaria al centro del escenario recibía con sus inéditos temas a todo espectador que ingresaba al recinto. Su nombre, Ruzzi, una artista de Chihuahua y miembro de los músicos (tecladista) de León. Después de cuatro temas de autoría propia, saltó al escenario Love La Femme, actuando como segunda banda de apertura.

En punto de las 21:30 H, seis músicos adaptados con atuendo sin igual, dieron la alerta de que el show estaba por comenzar. León Larregui surgió de la parte trasera-central del escenario mostrando la energía que suele distinguirlo y vistiendo una auténtica gabardina negra.

El concierto inició encendiendo los sentimientos de los presentes, una noche que prometía ser como ninguna. En un recorrido por su primer material discográfico como solista, Solstis, León entregó “Aurora boreal” para continuar con “Souvenir” y la rítmica canción “Como tú”, en donde los presentes se desprendieron de sus asientos para corear y bailar al ritmo emblemático del músico. «Estamos muy contentos de llegar al Distrito Federal; dentro de esta gira no habíamos logrado visitarlos », agradeció Larregui a su público.

La velada continuaba como un suspiro musical, con temas que arman Voluma, material que explota el lado sentimental de León, al cual dedicó a su etapa como padre. «Esta canción fue la inspiración de este disco», declaró el músico al interpretar “Visitantes”. Gritos, llantos y emociones se exponían en cada rincón del teatro. El repertorio para Voluma Tour continuaba con temas como “Mar”, “Tremantra” y “Luna llena”, canción que habla de todo lo que ocurre en el mundo.

La noche se llenó de psicodelia con los viajados sonidos de “Visiones”, una melodía que completa la alucinante forma de ver la vida para el vocalista de Zoé. «Si tienen algún estupefaciente que los ayude, no creo el Metropolitan se moleste si los sacan», incitó León de forma cómica al interpretar el tema; una canción que acompañó con los estruendosos sonidos de un disco asiático golpeado por el mismo León.

En un momento mágico de la velada, León dio la bienvenida a Adanowsky, su viejo amigo que forma parte de este material y proyecto. «Es un gusto recibir a un gran amigo que comienza su nueva etapa como papá», dijo León al recibir a Adán. Y así, acompañándolo con el bajo y saco color blanco, lograron cerrar este inolvidable espectáculo con “Brillas”. Aplicando el ya conocido cierre, León y sus músicos regresaron al escenario para interpretar “Locos”. «Se me olvidaba esta canción», bromeaba al cantar como cierre su tema No. 1 en las listas de canciones.

Fue así como Larregui demostró su magno talento y la manera de hacer música fuera de Zoé. Una noche clara y completa que logró acaparar los sentimientos y alegrías de la gente que lo sigue. Un concierto como ninguno, que deja abierta la ansiedad por más música de León.

Crystal Castles estrena teaser para "Femen"

Después de varias confirmaciones de un próximo álbum, Crystal Castles por fin libera una pequeña muestra del nuevo material con un teaser para el sencillo "Femen".

La historia de un nuevo rumbo para el exitoso proyecto canadiense, Crystal Castles, inició a finales de 2014 cuando Alice Glass informó de la manera más cortante, que dejaría la banda. Después de casi un año, Ethan Kath presentó dentro del festival SoundsWild de manera oficial a su nueva compañera, Edith Frances, también conocida como Au Vyst.

Crystal Castles_

Anteriormente hemos escuchado, con la participación de Au Vyst“Frail” y “Deicide”, ambos tracks formarán parte de este nuevo material, anunciado antes a salir en primavera de este 2016. Al no suceder esto, parece ser que ya está todo listo para ahora sí salir el próximo agosto, como lo indica el teaser de "Femen". Un corto material audiovisual, que muestra algunos hermosos pájaros atorados en unas redes especiales que utilizan lo biólogos para sus estudios, mejor conocidas como redes de niebla.

Aún no hay un nombre exacto del nuevo material, pero estemos pendientes de más noticias de Crystal Castles, porque seguro las habrá.

Theophilus London comparte nueva canción

El rapero Theophilus London estrenó "Whiplash", en el marco de su presentación en el Boiler Room en Brooklyn, Nueva York.

La noche de ayer, Theophilus London sorprendió cuando empezó a sonar "Whiplash", canción que tuvo su debut dentro del marco de Boiler Room en Brooklyn, Nueva York, ya que gracias a un fan que se jactó del nuevo corte, grabó la presentación y así fue como el día de hoy nos enteramos de este extracto.

El evento fue curado por Virgil Abloh y la reconocida marca de lentes Ray-Ban, donde algunos de los DJ invitados a esta fiesta fueron Benji B y Heron Preston, además del ya mencionado Theophilus London, quien también amenizó el ambiente con el estreno de "Whiplash".

"Whiplash" contó con la fabulosa presencia de Kevin Parker, líder de la famosa banda Tame Impala, quien fue el encargado de producir e impregnarle esa esencia psicodélica que ha caracterizado a la agrupación australiana.

Lo último que le habíamos escuchado a Theophilus London fue Vibe, su segunda placa de estudio en lo que va de su carrera musical, cuyo trabajo estuvo producido nada más y nada menos que por el controversial rapero Kanye West, quien también participó en el disco además de Leon Ware, SokoJesse Boykins IIIDev Hynes.

Mientras, esperemos que "Whiplash" sea el primer indicio de que Theophilus London está de regreso en el estudio para regalarnos otro trabajo discográfico.

Aquí abajo te compartimos la presentación donde se dio a conocer "Whiplash", lo más nuevo del rapero Theophilus London.

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Esa Mi Pau estrena EP

Hoy que es #ViernesDePerreo, te compartimos el lanzamiento del primer EP de Esa Mi Pau.

Después de 10 años de carrera, Paulina mejor conocida como Esa Mi Pau, decidió festejar esta década con el estreno de su EP debut, el cual lleva por nombre Remixes Vol. 1. Dicho material es la culminación de sus cuatro primeros remixes a algunas de las personalidades femeninas más propositivas de la música actualmente, como es el caso de Mariel Mariel y Kali Uchis.

Esa Mi Pau se animó a dar sus primeros pasos en la producción musical y logró rescatar piezas musicales que no estaban pensadas originalmente para la pista de baile, logrando reinventarlas e imprimirle su sello personal.

Laptop on a work table with DIY and construction tools all around top view hobby and crafts concept

Remixes Vol. 1 es un pequeño compilado de sus inicios como DJ, donde el primero corte que lanzó fue un remix"Los Bajos Vibran En Mi Pecho" de Mariel Mariel, mismo que dio pie para mezclar otros temas de chicas cuya música le gusta mucho: Alo Wala, Kali Uchis e Isa GT, que también están incluidas en este EP.

Esa Mi Pau se basó en tracks que se prestan para poder usar la voz y llenarlas de beats con su creatividad. Acerca del debut del EP, Paulina cuenta: "Una de las cosas que más disfruté fue que tres de estas canciones no estaban concebidas para la pista de baile, e hice mi mejor esfuerzo por tornarlas a eso y agregarles un poco de sol y cocos. ¡Ojalá que lo gocen y lo bailen!".

Actualmente, Esa Mi Pau se encuentra aventurando y conquistando nuevos lugares del viejo continente con su gira Verano en Uruapan Gigs.

Aquí abajo te dejamos Remixes Vol. 1 para que lo escuchen, bailen y compartan.

Sigue más de cerca el trabajo de EsaMiPau! a través de Facebook y Twitter.

Gojira – Magma

Desde las entrañas de la tierra.

La vida nos enseña que todo tiene un principio y final, que el adiós es algo inminente al terminar de recorrer el camino, y que, por si fuera poco, los humanos tenemos que aceptarlo como la única verdad absoluta. “Nosotros aprendimos mucho acerca de la muerte”, dijo recientemente para una revista Joe Duplantier, vocalista de Gojira.

Mucho ha pasado con la banda francesa desde su último álbum L’Enfant Sauvage de 2012. La muerte de la madre de Joe y Mario Duplantier –vocalista y baterista de la banda– unida a la creación de su estudio, Silver Cord Studio, en Nueva York, dieron al disco los sentimientos y atmósfera lúgubre necesarios para la creación de Magma, su último disco.

“Todo lo que tenemos que pasar a través de la vida nos inspira a escribir canciones, y esto era un acontecimiento trascendental. Para nosotros, ser músicos es una forma de hacer frente a la vida en general, así que por supuesto que con un momento tan intenso e importante como este, no había otra manera de expresarlo que a través de la música… Este álbum está lleno de esa experiencia”, comentó el vocalista de la banda.

“The shooting star” comienza con un ritmo tenso, sombrío, casi industrial de la guitarra. Inmediatamente queda claro que la dirección de este álbum es totalmente diferente del pasado. “Everlasting love is ever-dying. It’s in the past, you have to let it go”, canta Joe para finalizar el inicio de todo, enterrado en reverbs y otros efectos. “Silveria” llega a los oídos con un asalto más rápido y pesado. La voz áspera se apodera de la melodía, el riff toma posesión de la guitarra y el coro canta suavemente para deleite de todos los que prestan atención.

Las guitarras de Duplantier y Christian Andreu desembocan en el ritmo de una batería poseída. El riff se abre paso entre tanta brutalidad y suena “The Cell”“Stranded” inmortaliza uno de los mejores riffs de este álbum, el bajo de Jean-Michael Labadie marca la decadencia y oscuridad y los guturales hacen fluir la fuerza que estaba varada desde su último disco. Los acordes de la guitarra suenan, “Yellow Stone” musicaliza la entrada de “Magma” sin perder en ningún momento el impulso.

Riffs sombríos, guturales, bajos y el ritmo bestial de la batería le dan forma a “Pray” y “Only Pain”, la oscuridad se hace presente de forma inminente. Gojira nos regala “Low Lands”, un viaje que se intensifica con cada paso que damos a través de su sonido hasta el final. Para terminar y en contraste a todo el poder, tenemos una pieza instrumental acústica que nos brinda un final quieto y armonioso con “Liberation”.

El álbum fluye como la lava al bajar del volcán, explota como la lava al huir del interior de la tierra, quema con su sonido. El amor eterno fluye como la lava, el amor eterno nunca morirá.

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