Joliette – Atáxico

Verdaderos por accidente.

Existe una casi imperceptible y curiosa similitud en el feedback que da inicio a la primera canción de Atáxico de Joliette y el primer tema del más reciente disco de Deftones titulado Gore: un sonido difuso que desata una delicada furia.

Mientras la escena del rock local es invadida por camisas bien planchadas con estampados de palmeras y cuya zona de confort es la Roma-Condesa, “Verdadero Por Accidente” es un codazo sin intención en pleno slam necesario que provoca la vida moderna llena de malas noticias, memes antes que opiniones concretas y bandas teloneras vendidas por sus managers como si fueran el santo grial de la música mexicana.

“Tiónkel” porque la música dice más que los títulos, los gritos suenan en algunos casos mejor que las palabras, la poesía también es el sudor y la sangre de un show en directo llevado al estudio, la energía que a veces se extraña, quién necesita colores cuando en el gris de una portada con un disco destruido encontramos la tierra prometida.

“Henry Coyote” busca escapar del cazador, pero al verse cansado decide atacar: la batería que impide que nos quedemos quietos, la guitarra dislocada y sin mayor efecto que la sangre en los dedos que tal vez provoca tan furioso golpeteo en las cuerdas, como una pelea entre los difusos riffs de Bellini y la implacable técnica del mathcore. El violento final que recuerda a la última obra de Young And In The Way, un sonido digno de Deathwish Records antes que de una playlist del Verano Indie.

“Vibraparrot” y la experiencia manifiesta que dejan los tours por Europa y marcan las actuaciones en directo, “Las Arepas de Mi Padre” para relajar el paso y jugar con los arpegios y los mensajes subliminales. “Apaccico” para dejar de manifiesto que Joliette es una de las bandas que en verdad se desangra durante su inventiva, pero que revive ante cada afrenta con su gente que compra su mercancía y asiste a sus explosivas presentaciones.

“Código” es un largo ejercicio mayormente instrumental que nos rumora la conexión que existe entre los integrantes de esta banda que es, sin sonar despectivo, un mal necesario ante tantas baladas fáciles sobre los mismos rompimientos amorosos de siempre y la moda actual de las bandas locales de evocar el sonido vaporwave o maquilar temas para que bailen las niñas bien: no todo en la vida es un fin de semana en Acapulco. Joliette es aquella chica que arruina tu fiesta quitando el éxito del momento para poner a Converge.      

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PREMIERE: Escucha + descarga nuevo disco de Miss Garrison

Llega la tercera entrega por parte de Miss Garrison.

Han pasado 8 años desde que se formó en Chile Miss Garrison, con Fran Straube en la voz, batería y teclados, Rodrigo De La Rivera, que aporta las guitarras y sintetizadores, y Tomás Rivera en el bajo y las bases.

La alineación lanzó su álbum debut de estudio, Tire Y Empuje, en 2009 cuando estaban muy influenciados por el punk. Con este material, lograron colocarse como uno de los principales grupos independientes de Chile.

Dos años más tarde se mudaron a España y ahí nace su segundo disco DeAaB, en donde predomina un estilo electrónico y el uso de sintetizadores. En 2014, Miss Garrison grabó su EP Land of Aloha, que tiene un sonido más pop.

Cabe mencionar que en 2010, Miss Garrison fue la banda invitada para tocar en el concierto de Crystal Castles en Santiago en 2010, y este año fueron uno de los actos destacados de latinoamérica dentro del festival SXSW.

Mañana, la banda libera su tercer placa discográfica, Al Sol De Anoche, en la cual declaran lo siguiente "hicimos bastantes experimentos en la grabación para que todo fuera más orgánico que electrónico y crear una mezcla muy interesante".

"Estamos muy felices con el disco que emana claramente un viaje interior hacia los sueños, los miedos, las inseguridades, las felicidades... hacia el sol de noche", concluyeron.

Escucha, en exclusiva, Al Sol de Anoche y descárgalo por aquí.

Red Bull Soapbox Race 2016

No, no solo se trata de una carrera de coches sin motor. En Red Bull Soapbox Race se reta a los participantes a diseñar y montar sus coches de acuerdo a un tema, por lo que además de la velocidad, la creatividad y originalidad también forman parte del juego. Después de Monterrey (2010) y Guadalajara (2012), el Estado de México se convirtió en la sede de este evento de talla internacional.

Más de 40 equipos participantes se dieron cita en Atizapán de Zaragoza y aproximadamente 75 mil asistentes disfrutaron de caídas, choques, bólidos inspirados en un trompo de tacos al pastor, en caricaturas, super héroes, videojuegos y hasta en Donald Trump. En un evento de Red Bull no podía faltar la música y Los Master Plus se encargaron de poner el ambiente ante un público que no dejaba de bailar sus canciones.

Los ganadores del Red Bull Soapbox Race 2016 fueron: Rock n' Tour Brothers en tercer lugar, Team Rex en segundo y Chile en Papas de Calabaza en primer lugar -sin albur-.

red bull donald trump

red bull barco

red bull rojo 2

red bull caldero

red bull chile 2

red bull super man 2

red bull publico 2

red bull estructura

red bull metal 2

red bull grumpy cat 2

red bull camote 2

red bull star treek 2

red bull moto

red bull muerte

red bull los master plus 2

red bull master plus

red bull ganadores

Kim Gordon estrena "Murdered Out"

Escucha esta nueva canción de Kim Gordon.

La integrante de Sonic Youth, Kim Gordon, ha grabado música por casi 35 años, pero nunca ha publicado nada bajo su propio nombre hasta hoy.

Gordon ha lanzado un nuevo sencillo llamado "Murdered Out", una contagiosa melodía noise-rock con un ritmo monstruoso.

Para este tema, Kim trabajó con Stella Mosgawa de Warpaint en la batería y con el productor Justin Raisen, que también ha colaborado con Sky Ferreira y Angel Olsen.

"Conocí al súper talentoso productor Justin Raisen bruscamente. El trabajaba en un proyecto con otro artista y seguía mandándome tracks para oírlas con la posibilidad de cantar en algunas de ellas. Cuando supe que podía escribir las letras, acepté", dice Kim. "'Murdered Out' fue una gran sorpresa. Estoy pensando en nuestra próxima colaboración", comenta Gordon en un comunicado.

Este corte tuvo como inspiración la tradición de pintar los autos con aerosol negro en Los Angeles: "La pintura negra es la máxima expresión de la extracción, de deshacerse de algo, de purgar el alma. Como un agujero negro, una mirada al interior, una cultura que se colapsa sobre sí misma, el forastero como un participante involuntario de 'el' look.", concluye Gordon.

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Regina Spektor comparte "Black and White"

Hace unas semanas les compartimos el lanzamiento de "Small Bill$", una canción con mucho ritmo y fuerza, pero ahora Regina Spektor vuelve con una balada para todos los corazones rotos.

Tras no mostrar actividad por cuatro largos años para dedicarse a su familia, la cantante está tratando de darle un giro a su carrera con la ayuda del productor Leo Abrahams (David Byrne/Brian Eno). Un cambio de estilo tan radical puede no ser del agrado de algunos fans, pero con "Black and White" nos demuestra que no piensa dejar atrás algunos de sus toques característicos, como el uso del piano y su suave tono de voz.

regina spektor

La cantautora nacida en la unión soviética está muy satisfecha con su nuevo proyecto, que contará de 11 canciones y tres bonus tracks en la edición de lujo. Todo el material fue escrito durante y después del embarazo, lo cual fue toda una experiencia. En palabras de la artista: “Fui más artística, no me sentía así de inspirada desde hace mucho tiempo”.

La cautivadora canción "Black and White" es parte del disco Remember Us to Life, que será lanzado el 30 de septiembre de este año y que promete cambiar toda nuestra visión sobre Regina.

Vince Staples – Prima Donna EP

Después de su larga duración del año pasado, Vince Staples ahora le apuesta a un EP.

Ningún hombre debería tener tanto poder. ¿O sí? Las palabras del tío Kanye podrían parecer como una alegoría irónica/psicología invertida hacia toda persona deseosa de convertir sus confesiones en una especie de evangelio para dominar a las masas que compartan un punto de vista. Seguramente el joven Vincent Staples grabó esa frase en piedra en algún lugar de su mente (o de forma literal) para motivarse a alcanzar la gloria artística en la música contemporánea. Va por excelente camino.

Después de sacar sus memorias de la pubertad a manera de antología discográfica en Summertime ’06 (2015) con un lirismo y agilidad que muchos ilustres no logran alcanzar en la cúspide de su vida al empezar a escribir una bibliografía, Staples empezó a gozar –con justa razón, según este humilde escritor– de fama, fortuna y aclamo por parte de la crítica y los fans. Su manera de yuxtaponer lo crudo y honesto de los 13 años con una producción inmaculada que correspondería a alguien veterano del género lo convirtió en punto de referencia obligada para la música urbana californiana de mediados de los 2010. A juzgar por lo acérbico de sus letras e ingenio, seguramente recibió todo este furor un tanto incómodo y decidió hacerle burla (¿o aceptarla de lleno?) en su nuevo EP, Prima Donna.

Como el título lo indica, es una mirada deseosa y cansada de los lujos, los excesos, el bling bling y el bang bang que han venido siendo el pan de cada día desde actos como N.W.A hasta Casey Veggies. El punto fuerte del mini álbum, lleno de potencia, dinamismo y veracidad como su obra anterior, es que explota, rima y divaga acompañado de beats creativos, sampleos de la vieja escuela y mucha melodía, pero casi al término de la canción parece decir “se acabó la fiesta” y se retira a algún rincón oscuro y purulento donde apenas y puede entonar un estribillo, como si estuviera recordando los estragos de la noche anterior y se lamentara de las consecuencias o del por qué hizo Dios sabe qué.

La creatividad musical también está en orden. Sus colaboradores incluyen a gente de la talla de James Blake (adornando la efímera y adictiva “War Ready” con un sampleo de Outkast y pocos elementos más allá de eso), No I.D. (uno de los acólitos del ya mencionado Tío Kanye), John Hill (mente maestra detrás de los éxitos más consistentes de Shakira y Santigold, entre otros) y A$AP Rocky (quien otorga un verso de locura en el tema que le da el nombre al disco). No cabe duda que Staples es un partidario de que el hip hop debe ser una experiencia envolvente más allá de algún mensaje particular o algún beep que le haya gustado al dueño de la disquera. Si la intención del joven Staples es convertirse en un “rapper’s rapper,” aquel que toca sensibilidades tanto en sus contemporáneos como en jóvenes aspirantes –Kendrick Lamar y Earl Sweatshirt son dos finos ejemplos– no puedo esperar a ver cómo lo lleva a cabo. Y todo eso lo concluí con sólo siete canciones.

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Verano PLOP Radio 2016

Amigos, independencia, rock and roll. ¡Esto fue el Verano PLOP Radio 2016!

Es mediodía y mis amigos aún no han llegado por mí. Me pongo bloqueador, agarro mis cosas y me aseguro de empacar unas cuantas ziplock para escabullir licor al festival. Observo en mi teléfono que el soundcheck de DIIV ya inició, yo sigo aquí. Advierto a mis camaradas que ya es tarde para eso del precopeo y al scrollear mi timeline tropiezo con el nombre de “Ese Mi Erich”, recuerdo entonces una noche del Festival Marvin 2015.

Caminaba hacia el Caradura, cuando un rostro apenas conocido me interceptó. Era un hombrecillo de unos 25 años, con el cabello aplastado para atrás y un ligero rastro de bigote. Su medio, PLOP Radio, comenzaba a hacer ruido entre aquello fervientes buscones de bandas nuevas, independientes, de calidad y mexicanas. Erich no paraba de hablar acerca de anhelos, propuestas y periodismo musical, en ese entonces apenas planeaba su primera fiesta.

De pronto escucho un claxon y sé que es hora de irme. Verano PLOP Radio estaba por comenzar, uno de los festivales más prometedores en tiempos recientes, con un lineup exquisito y la promesa de una fiesta épica en puerta. Llegamos a Constituyentes 500 más rápido de lo pensado. Diego Puerta caminaba hacía al baño, nos habíamos perdido el set de EXNOVIAS y para nuestra mala suerte, Jóvenes Adultos ya se estaba desconectando.

El retraso nos había cobrado factura, sin embargo me dirijo a la mesa de merch a comprar un tee de Pure Morning, mientras escucho los primeros acordes de “Louder”. Inmediatamente porto la playera con el rostro de Rachel Goswell y me acomodo a disfrutar el set. La banda liderada por Jesús Sandoval dio un show sobrio y contundente, tiempo faltó para disfrutar su shoegaze nostálgico en plenitud.

A partir de ahí, las guitarras comenzaron a ser más rápidas, los amigos comenzaron a aparecer por todos lados y el baile se inauguró. Policías y Ladrones tomó el mando y pequeños slams aceleraron el ritmo de la tarde. El sol era robusto, pero más que aturdir, inyectaba de energía a aquellos que se sacudían al ritmo de “Andy Warhol”.

 

Si eso fuese poco, un grupo de románticos provenientes de Zacatecas, subían a demostrar que la fama no hace daño. Sus éxitos fueron coreados hasta por los rejegos que juraban no estar de acuerdo que figuraran en el lineup. Rolas como “Corazón” y “Nuestro Amor” acompañaban el inicio del atardecer.

Para ese entonces era necesario un break, así que procedí a la zona #ControlCachete a darme unas buenas costillas, mientras Alemán arrojaba rimas. La recta final se acercaba.

Los hijos pródigos de la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins, subieron a dar un show épico. Como pocas veces, los gremlins demostraron la enorme banda que son (y que aún pueden ser, en mayor medida). Uno de los mejores momentos fue escuchar “Give It Up”, “Closer & Closer & Closer” y “Bright Lights” mientras el sol se ocultaba.

La noche cobijaba la zona poniente de la ciudad. El terreno anexo al lienzo charro, tan solo era iluminado por el escenario y unas cuantas luces rojas que colgaban de los arboles. El Último Vecino se adueñó del festival, la banda que vino a dejar sin aliento a mucha gente en el Festival NRMAL 2015, regresó a ganarse más adeptos con una presentación honesta y llena de pasión. Gerard Alegre bailaba de un lado a otro, cantando, a veces gritando las letras, su júbilo era tanto, así como el del público, que parecían viejos camaradas en un conmovedor reencuentro.

Verano Plop 2016

Los españoles anunciaron que se presentarán en Departamento en la CDMX, para aquellos aún sedientos de su música. Encontré a Gerard después de su set. Sonriente me abrazó y resaltó las horas que pasó en vuelo para llegar acá. Él sufre de aerofobia. En ese instante Beach Fossils rompió con los primeros acordes de “Careless”.

Al principio un tanto flojo, su set fue adquiriendo color con oldies como “Sometimes” y “Youth”, consentidas como “What a Pleasure” y otras más slow-tempo (para romancear) como “Sleep Apnea”, incluso dedicaron un momento para insultar al multimillonario candidato a la presidencia estadunidense, gritando con el público “a la verga, Donald Trump”.

DIIV puso final a un día perfecto. Los de NY son de esas bandas que en algunos años serán de las más respetadas del mundo. Zach y compañía hacen las cosas exquisitamente, tocando canciones de su última placa Is The, Is Are, y algunos clásicos de Oshin (a parte de ser la única banda con visuales del festival) observamos un acto épico.

Contra todo pronóstico, Verano PLOP Radio logró algo que pocos festivales consiguen; juntar calidad, propuesta, comodidad y precio accesible. ¿Cuántos festivales no hemos visto desmoronarse en esta Ciudad?, algunos incluso con mayor presupuesto y mayor apoyo. Erich mantuvo el dedo en el renglón, demostrando que quien quiere, puede.

Verano Plop 2016

Nunca olvidaremos VPR, al menos, yo no lo haré.

Porter en el Teatro Metropólitan

 Una noche rodeados de viejos amigos.

www.myspace.com/porterband. Once años han pasado desde la primera vez que muchos visitábamos este link para saber información y dar click una y otra vez sobre las canciones de Porter. Ahora, al hacer el recuento de los daños, con el paso del tiempo es muy emotivo ver cómo las cosas han cambiado durante todo este tiempo; estremece el corazón darse cuenta que por más de diez años de nuestra vida, la música del cuarteto tapatío, como soundtrack ha acompañado el paso de nuestra adolescencia a la etapa adulta, y esto en lugar de hacernos sentir viejos, nos hace sentir bien, ya que al verlos en vivo es como reencontrate con un viejo amigo con el que puedes conversar acerca de los antiguos amores, los malos tiempos y los mejores que están por venir.

Con un set dividido en dos partes, Porter presentó más que un concierto, una experiencia de vida ante un Teatro Metropólitan que colgó el letrero de localidades agotadas desde quince días antes, y en el que miles de corazones llenos de amor y energía positiva se entregaron a la agrupación tanto en las canciones clásicas, como con los temas del mítico Moctezuma.

A las ocho de la noche con treinta minutos, las cortinas del teatro se abrieron y mostraron entre un impresionante juego de luces a la banda vestida con sus típicos ponchos. “Host Of A Ghost”, “Cuervos”, “Vaquero Galáctico” y “Daphne” dieron inicio al show, a la par de las palabras de un conmovido David Velazco ante euforia de sus seguidores: Con tanto que nos entregan, lo vamos a dejar todo en el escenario, esta noche es para ustedes.

Mientras se escuchaba la frase: Perdón que ya no aguante tu partida pero es la perra soledad, a una sola voz y con todos los celulares en posición para grabar el momento, “Espiral”, el último gran clásico del Rock Mexicano, como máquina del tiempo transportó a todos a épocas de las que seguramente ya no recordaban con claridad, pero que en algún momento los hicieron suspirar durante su juventud en éxtasis.

Después de poner el ambiente disco y los movimientos  de pelvis al ritmo de “Xoloitzcuintle Chicloso”, llegó un interlude en el que se escuchó la voz de Juan de la Torre, uno de los principales responsables de introducir a Porter al conocimiento que dio paso a la sensibilidad, acordes y el flujo de energía brota de Moctezuma. Así se dio paso al comienzo de “Murciélago”.

Por nuestra Pachamama que nos da todo. Como una ceremonia que en un orden casi cronológico narró el descubrimiento del continente americano, acompañada de la mística del folklore mexicano que recorre al disco nombrado como el último gobernante de Tenochtitlán. Porter interpretó en la segunda parte del concierto todos los temas de dicho álbum, haciendo de un momento épico el cierre con “Palapa” y “Huizil”, en donde como una celebración, los sonidos prehispánicos sonaron tan fuerte que en la sangre corrió más que nunca el orgullo que hay que sentir por lo que somos y de dónde venimos.

Que buen regalo nos dan hoy. Así se despidieron David, Fer, Bacter, Victor y Juan Pablo, quienes en compañía de todo su staff que los acompañó a despedirse arriba del escenario y sus fans extasiados que en todo momento estuvieron al filo de las butacas cantando, vivieron uno de los conciertos más entrañables que se han presenciado de Porter desde que se presentaran por primera vez en el Hard Rock Live de la  CDMX en el lejano 2005.

424 fue la banda encargada de abrir el show, quienes presentaron algunos temas de su más reciente álbum Siempre Mar. A pesar de que el cuarteto costarricense sólo tocó 20 minutos, entregaron un bello set que todo el tiempo estuvo acompañado por dos bolas disco que a lado de unos reflectores, en el que llenaron de pura vida, magia y luz a todo el Teatro Metropólitan.

424 - Siempre Mar

Las olas se llevaron el dolor.

¿Cuántas cosas conocemos de Costa Rica? A no ser que se sea un experto en la materia, pocas cosas son las que abundan en nuestra mente respecto al país de Centroamérica. Reconocido por sus paradisiacas playas y variada gastronomía. En México algunos de los recuerdos más presentes sobre el país Tico son el “Aztecazo” comandado por Hernán Medford en 2001 y su histórica participación en el pasado Mundial de fútbol.

En cuestiones musicales se puede mencionar que fue el lugar que vio nacer a Chavela Vargas, que el año pasado el festival Nrmal realizó una pequeña edición allá y que en años recientes dos de sus talentos locales han comenzado a sobresalir como nunca en la escena musical independiente de América Latina: Las Robertas y 424, siendo estos últimos los que acaban de dar conocer un impecable segundo álbum.

Después de la publicación de su disco debut Oro en 2012, y algunos sencillos sueltos en años posteriores entre ellos un cover al clásico de Emmanuel “La Chica de Humo”, 424 presenta Siempre Mar, material que a través de once temas que como olas que se desplazan a través de la superficie de un océano, contagian de nostalgia, bañan al cuerpo de oscuro pop y sirven como tónico para curar algunas heridas.

Es innegable la eterna influencia de la obra de Gustavo Cerati y Charly García en la música de 424, en donde los sintetizadores y las guitarras crean armonías de ensueño. Lleno de letras para corazones rotos, temas como “Atlántico”, “No Tenernos”, “Respiremos” y “Socórreme” son sensuales como la brisa y en “Lengua”, "Las Olas”, “Por El Bien De Todos”, “Cediendo” y “Se Me Escapa” la música tiene cierta furia contenida como en una tormenta, que después se llena de bella calma. En este álbum todas y cada una de las canciones podrían funcionar como sencillos. “El Tranquilo Camino” es un tesoro.

Las olas se llevaron el dolor, sanaron más que el tiempo ésta es la premisa de Siempre Mar, entre cantos de despedida y optimismo, el segundo material de 424 cuenta con una producción perfecta, buenas melodías acompañadas de gran lírica que sin ningún tipo de hype detrás y con pasos seguros, convierte al cuarteto costarricense en autores de uno de los trabajos más sobresalientes de la escena musical de habla hispana.

Whitesnake en el Pepsi Center WTC

¡Así vivimos el poder de Whitesnake!

¿Qué quieres hacer antes de morir? Los humanos tenemos una lista interminable de cosas por hacer; sueños y anhelos que nos hacen vivir y vibrar intensamente para que al final podamos hacerlos realidad. Anoche yo cumplí uno de los míos.

Recuerdo la primera vez que escuché la batería y guitarra de “Judgement Day”, esa introducción contundente me hizo saber que la música de Whitesnake iba a ser el soundtrack de mi vida, y así fue.

Las puertas del Pepsi Center se abrieron de par en par para recibir una ola de rockeros en búsqueda de un encuentro fulminante. La gente emanaba emoción, euforia y felicidad absoluta; la edad no importaba, el tiempo y el espacio dejaron de existir y los latidos del corazón se volvieron uno solo.

“My Generation” de The Who empezó a sonar, el alma de los presentes coreaba orgullosa de pertenecer y al final David Coverdale, Tommy Aldridge, Reb Beach, Joel Hoekstra, Michael Devin y Michele Luppi salieron al escenario.

La guitarra inauguró la noche con su riff, el aullido de David Coverdale retumbó, la batería de Tommy Aldridge marcó el tiempo y “Bad Boys” explotó frente a nuestros ojos como indicio de lo que venía. “Slide it in” sonó a pasado, sus acordes hicieron bailar y brincar al público, mientras que la voz marcaba el ritmo de los cuerpos sudados.

El teclado de “Love ain’t no stranger” inundó el ambiente, los gritos de amor y desamor no se hicieron esperar y la gente se entregó a la banda y a las historias que contaba. “The deeper the love” unió irremediablemente a las almas perdidas con pasado, a través de la lírica, y “Fool for your loving” convirtió al encuentro en un concierto con más de tres mil voces mientras que el solo de guitarra llenó nuestros oídos de virtuosismo.

Como es característico en la banda, la guitarra marcó el inicio del ritual y “Ain't No Love in the Heart of the City” nos regaló un momento íntimo a cargo de la voz muy bien conservada de David. Como arte de magia, las notas desembocaron en los golpes de una batería enfurecida y dieron paso al infierno que estuvo a cargo de “Judgement Day”. Las cabezas volaban, los movimientos sensuales se esparcían, la música inundaba el alma y los presentes se entregaban al día del juicio ardiendo en deseo mientras Coverdale recitaba: “We walk toward desire, hand and hand through fields of fire, with only love to light the way on the road to Judgement Day”

Los músicos tomaron posesión del escenario, uno por uno Tommy Aldridge, Reb Beach, Joel Hoekstra y Michael Devin demostraron el dominio completo del instrumento que tenían en las manos y el grito avasallador del público no se contuvo.

“Slow n’ Easy” irrumpió en nuestros cuerpos para presenciar el momento más sensual de la noche. Las mujeres nos volvimos supersticiosas y movimos las caderas, los hombres respiraron lentamente y explotaron con la guitarra que marcaba el baile nocturno; otros cantaban, muchos otros grababan y todos nos sentimos afortunados de estar ahí.

“Is this love” se presentó lentamente y lleno las gargantas de nudos, o no sé sí solo fui yo, nunca lo sabré; “Gimme All Your Love” suplicaba por todos los que no tenían voz y “Here I go again” encendió la llama e iluminó el camino de los corazones que buscaban una respuesta en la soledad.

El Pepsi Center ardió en llamas, “Still of the night” y “Burn” cerraron majestuosamente una noche llena de rock y euforia; dieron el adiós inminente a una noche mágica.

La grabación de “We Wish You Well” empezó a sonar y se me llenaron los ojos de lágrimas. Whitesnake siempre formará parte del soundtrack de mi vida a través del recuerdo de un gran amor, un inicio y futuro prometedor, una noche de deseo o un día cualquiera.

Mi sueño se cumplió.