Frank Ocean ya tiene su propia estación de radio

A partir de hoy, el rapero de Nueva Orleans tiene su propia estación de radio en la versión online de Grand Theft Auto V gracias a Rockstar Games.

La nueva estación de radio está integrada en una reciente versión online del videojuego Grand Theft Auto V. La estación, llamada Blonded, es presentada por Vegyn, Roof Access y Federico Aliprandi. La curaduría musical corrió a cargo del mismo Frank Ocean –quien también tiene apariciones en el juego–, incluyendo temas de Jay-Z, Panda Bear, Aphex Twin, FutureChief Keef, Schoolboy Q, Todd Rundgren, Marvin Gaye, Curtis Mayfield, y más.

Esta característica del juego fue aparentemente puesta en secreto por Rockstar Games. A pesar de que promocionaba The Doomsday Heist –nombre de la nueva actualización de Grand Theft Auto–, una expansión masiva añadiendo nuevos contenidos y misiones en línea, la noticia de la participación de Frank Ocean en la banda sonora del juego se mantuvo en secreto hasta que en el lanzamiento oficial se mencionó brevemente "una sorpresa en la radio".

Este es solo un ejemplo de la larga historia de grandes estaciones de radio de la serie Grand Theft Auto. Desde el lanzamiento de Grand Theft Auto III en 2001, los juegos siempre reciben grandes elogios por su uso de canciones con licencia mezcladas con las propias estaciones de radio y DJs desarrolladas por la compañía de entretenimiento. En esta ocasión, Ocean se une a Flying Lotus, quien también cuenta con su estación radiofónica en el juego.

El disco de estudio más reciente en la carrera del rapero fue Blonde lanzado en 2016 vía Def Jam Recordings (casa discográfica de Rick Rubin), donde tuvo como invitados a Tyler, The Creator y Pharrell Williams. Esperemos pronto visite nuestro país uno de los actos más importantes en el mundo del hip hop actual. Aquí puedes escuchar un pequeño extracto del proyecto radiofónico virtual:

Chvrches ya trabaja en su tercer álbum

El próximo año tendremos música nueva de Chvrches.

Han pasado ya dos años desde que el trío escocés publicó su segundo álbum de estudio Every Open Eye vía Virgin EMI, del cual se extrajeron sencillos como “Leave a Trace”, “Clearest Blue” y “Bury It” por ejemplo.

Ahora, la líder de Chvrches, Lauren Mayberry reveló en una entrevista para Entertainment Weekly las intenciones de la banda por lanzar un nuevo material el próximo año. Adicional a esto, la cantante dijo que han decidido trabajar en conjunto con el productor Greg Kurtsin, quien recientemente colaboró con artistas como Liam Gallagher, Kendrick Lamar, Foo Fighters y Beck, por mencionar algunos.

“Él impulsó lo que estábamos haciendo a ser más grande en algunas maneras, pero también nos animó a ser más raros. Él decía, ‘si las melodías vocales son así de dulces y precisas, porque no hacemos estos otros sonidos tan jodidos y retorcidos y extraños’. Eso me encantaba”, comentó Mayberry sobre el trabajo de Kurstin con Chvrches.

Aunque aún no se ha confirmado nada sobre la fecha de publicación de este disco, la líder de Chvrches declaró también que su tercera producción será su trabajo más pop hasta ahora.

chvrchesHaz clic en la foto para revivir el show de Chvrches en El Plaza. Foto: Michel Trevilla.

Conoce los talentos que se suman al Salón de la Fama del Rock and Roll

Ni Radiohead, ni Depeche Mode pudieron quitarle el pase a Bon Jovi.

Los confirmados para entrar a este aclamado Salón de la Fama del Rock and Roll de Cleveland por todos los logros e impacto obtenido durante su carrera artística, han sido hoy revelados y en la lista de los celebrados el próximo 14 abril de 2018 están Bon Jovi siendo el elegido por los fans con más de un millón de votos–, Nina Simone, Dire Straits, The Cars y The Moody Blues. También se anunció con el premio de “Influencia Temprana” a la cantautora de Arkansas, Sister Rosetta Tharpe.

Rage Against the Machine, Kate Bush, Judas Priest, Eurythmics, Depeche Mode, LL Cool J, The Zombies, MC5, Link Ray, Rufus with Chaka Khan, The Meters y J. Geils Band también formaron parte de la lista de los nominados, pero no lo lograron. Esta votación fue determinada por 900 artistas, historiadores y miembros de la industria musical, así como el voto de la gente. Además, la elección se basó en los nominados que han publicado un material de más de 25 años de antigüedad.

La ceremonia del próximo 14 de abril será transmitida por SiriusXM y habrá un programa transmitido por HBO.

Checa el video oficial de estas confirmaciones.

 

 

Escucha lo nuevo de King Gizzard & The Lizard Wizard

¿Este será el quinto disco del año de King Gizzard & The Lizard Wizard?

En este año, la banda australiana de psych rock King Gizzard & The Lizard Wizard ha editado los álbumes: Flying Microtonal Banana, Murder Of The Universe, Sketches Of Brunswick East y Polygondwanaland. Ahora, Stu Mackenzie, Ambrose Kenny-Smith, Cook Craig, Joey Walker, Lucas Skinner, Michael Cavanagh y Eric Moore nos presentan dos nuevas canciones tituladas “All Is Known” y “Beginners Luck”.

Hasta el momento no se ha dado a conocer más información, pero posiblemente estos tracks estarán incluidos en su siguiente material discográfico que los llevaría a cumplir su promesa de editar cinco discos de estudio este 2017.

Escúchalos a continuación:

“All Is Known”

“Beginners Luck” 

El pasado 2 de diciembre, la banda realizó su ya tradicional Gizzfest en el Melbourne Showgrounds en Australia, el line up incluyó a bandas como Kikagaku Moyo, La Luz, Mild High Club, The Murlocs, Orb, Leah Senior, Parsnip, Clever Austin, HTMLflowers, The Moontown Improvised Orchestra, Superfeather, Vulture St Tape Gang, Suss Cunts, Hi-Tech Emotions, Pleather, Purrs, Hexdebt, Loose Tooth, Lazer Tits, Stiff Richards, Closet Straights, Moon Lover, entre otras.

Su reciente disco Polygondwanaland está disponible en descarga digital y lo puedes hacer a tu gusto y en el formato que desees.

Nuevo clip de Corrosion of Conformity

El stoner y sludge metal de Corrosion of Conformity está a punto de estrenar material de estudio y lanza el video de su primer sencillo: "Wolf Named Crow".

La banda de Carolina del Norte tiene disco en puerta y da a conocer su primer audiovisual. Su décima placa No Cross No Crown, estará disponible el próximo 12 de enero a través del monstruo discográfico que se encuentra celebrando sus primeras tres décadas de existencia: Nuclear Blast Records (Anthrax, Brujería, Carcass, Immortal, entre muchas otras leyendas).

El nuevo LP de Corrosion of Conformity —que saldrá en versiones CD, vinilo y box set representa su segundo material publicado tras el descanso que el grupo tomó entre 2006 y 2010. Además, la placa marca el regreso del guitarrista rítmico y vocalista Pepper Keenan —quien tomó esta posición cuatro años después de la formación de C.O.C.—, ausente por atender a Down, proyecto que comparte con el vocalista de Pantera, Phillip Anselmo.

Así, el grupo regresa con su alineación original y lanza el video del tema "Wolf Named Crow"clip animado que te dejamos a continuación:

Mientras llega su nuevo LP, C.O.Cse encuentra en una gira por los E.U.A. con algunas fechas como telonero de Black Label Society.

Courtney Barnett en contra del acoso en la industria

A través de una carta Courtney Barnett y otras actrices, músicos e involucrados en la industria musical australiana hacen un llamado al cambio.

Inspiradas en la carta que artistas suecas como RobynNina Persson, Zara Larsson y First Aid Kit firmaron en noviembre pasado en contra de los abusos sexistas en el mundo de la música, un grupo de más de 300 mujeres australianas lanzaron una misiva en la que se unen a la inconformidad y denuncian conductas sexuales inapropiadas y ofensivas así como discriminación en la industria musical de su país.

Entre las firmas de las artistas de esta nueva epístola se encuentra de la cantautora Courtney Barnett, y las de las gemelas Lisa Marie y Jessica Louise Origliasso (The Veronicas).

Mediante el hashtag #meNOMore, la iniciativa reúne testimonios públicos y anónimos de abusos de distintos integrantes de la industria. Te dejamos parte del contenido de lo mencionado. "Somos personas apasionadas dedicando nuestras vidas a la música. Frente a la discriminación incontable, el acoso, la violencia y la amenaza general de la jerga sexista, hemos apretado los dientes y hemos seguido con el trabajo. Pero hoy decimos, no más juntos, damos voz a estos temas y exigimos tolerancia cero para el acoso sexual, la violencia, la objetivación y los comportamientos sexistas".

Así, son cada vez más las denuncias de los abusos en la industria del entretenimiento en un negativo fenómeno que parece global.

 

 

Entrevista con SOJA

SOJA celebra dos décadas con visita a México.

Han pasado 20 años desde que en algún lugar de Arlington, Virginia (EEUU) un grupo de amigos decidieron reunirse a formar una banda y usar el reggae como la manera de expresarse; con dos décadas de una trayectoria destacada, SOJA (Soldiers Of Jah Army) se ha consolidado en nuestro país como un proyecto querido, y ya está en México para complacer a sus seguidores.

Además del festejo por tantos años, el grupo está promocionando su sexto álbum nombrado Poetry in Motion, placa que ya arrojó dos sencillos que han sido bien recibidos “More” y “Bad News”. Indie Rocks! tuvo la oportunidad de cuestionar a Jacob Hemphill vocalista y uno de los líderes de la agrupación sobre estos temas y así conocer algunos detalles.

La manera de trabajar en este nuevo disco no cambia mucho a sus antecesores, la fórmula es parecida y el resultado muy satisfactorio. “Es el resultado de trabajar los ocho miembros de la banda en un estudio por semanas, escribiendo y componiendo; este proceso es similar al que hemos usado en discos anteriores. Queremos que este trabajo refleje la belleza que encontramos al colaborar todos juntos y contribuir cada uno en las canciones de los demás. Estamos muy contentos con el resultado”, precisó Jacob.

Encaminados a hablar sobre su trayectoria, el cantante aseguró que con tantos años han recibido muchas lecciones y uno de los aprendizajes más grandes es que no importa cuánto tiempo lleves en esto, siempre hay que mantener la mentalidad de cuando empiezas, tal vez es el secreto para que los proyectos no pierdan su parte honesta.

¿Pero cuál es el secreto para tocar juntos por tanto tiempo?, Hemphill lo atribuye a esto. “Ayuda que antes de la banda éramos amigos y ahora seguimos siendo, somos un grupo de hermanos que se respetan entre ellos, y también hay respeto por el talento y la contribución de cada quien”.

La banda de Washington D.C. ofrecerá un par de shows en escenarios muy diferentes, el 9 de diciembre en el Festival Catrina en Puebla y el 15 de diciembre en El Plaza Condesa, SOJA no hace distinciones y siempre da lo mejor. “En todos los shows tocaremos canciones nuevas y de discos anteriores, independientemente del escenario o el tamaño del lugar queremos brindar la misma energía y tocar con las mismas ganas”.

Hace un par de años los norteamericanos dieron una gran exhibición en el escenario del Vive Latino, del cual tienen un buen recuerdo y aseguran estar emocionados por estar de vuelta, califican al público mexicano uno muy bueno y con mucha energía.

Y para cerrar la entrevista el músico reflexionó sobre la parte más complicada de dedicarte a la música y estar de gira, aunque ya sabemos que cada sacrificio lo vale. “Viajar y estar lejos de tus seres queridos es difícil, aunque nosotros mientras giramos somos como una familia, todos en este trabajo nos perdemos eventos familiares importantes, pero es parte del negocio y hay que aceptarlo; de igual manera cuando estoy en casa echo de menos la carretera, a los músicos y a los fans”.

Así que este es el momento para disfrutar de SOJA y celebrar con ellos.

Yung Lean — Stranger

Stranger, el regreso del sad boy con su mejor disco hasta la fecha.

Cuando años atrás, cuatro para ser exactos, Yung Lean llegó a los oídos de los productores y críticos de rap era fácil reírse e incluso voltear a ver de manera cínica al productor y rapero sueco. Hoy ya no lo es tanto. Desde que las cosas cambiaron en el panorama de la música hip hop y el reflector pasó a darle protagonismo a la escena trap liderada por jóvenes originarios de ATL, la forma de ver a los artistas también fue diferente. Sin entrar en controversia y decir que uno es mejor que otro o que la evolución es necesaria y demás parafernalia, propia de algún artículo de investigación, sí puedo afirmar que la música hip hop tomó nuevos rumbos y dentro de ellos Yung Lean y sus sad boys, se hicieron de un lugar que, para muchos, ya es esencial en el playlist diario.

Esta propuesta, si bien no nueva, ha ganado notoriedad y se ha hecho de un público fiel y extenso. Figuras actuales como Lil Uzi Vert, Lil Yachty, XXXTentación o, el recientemente fallecido, Lil Peep (RIP) forman parte del amplio espectro musical que se identifican más con una estética oscura y ritmos propios de instrumentales del grime o incluso composiciones inclinadas más hacia el punk rock o el emocore.

Con todo ese contexto podemos empezar describiendo a Stranger como el mejor disco de Yung Lean a la fecha. La razón es simple: es el verdadero Jonatan Leandoer quien está al frente, cantándonos al oído esas letras descarnadas y dolorosas que caen sobre beats y piano; ya no intenta ser alguien que no es, no busca la aprobación de su público ni intenta fórmulas que le son ajenas. Tenemos al sad boy por excelencia en cada una de las canciones tan desnudo y sincero como podríamos tenerlo. Es, además, un disco más honesto en cuanto a sus sonidos: uno más limpio y menos rebuscado. Las atmósferas que crea a través de las primeras canciones se van transformando segundo a segundo en algo más, pero siempre paulatinamente. El cambio entre corte y corte se siente completamente natural y nada forzado, es una evolución natural de sentimientos y emociones entremezclados y sumergidos en codeine y una densa capa de humo.

El álbum inicia con Muddy Sea que es, probablemente, una de las canciones más flojas de todo el álbum. Pero funciona. El fondo suena como un tema de Tumblr adolescente y la letra no transporta a una recámara en la que las drogas están regadas sobre la alfombra mientras el mismo adolescente del Tumblr se mira al espejo y se ve por primera vez. Cruda. Le sigue Red Bottom Sky que es su canción más catchy y transitable en toda su carrera. Se siente totalmente natural la manera en la que las rimas se extienden a través del ritmo y el skrrt skrrt suena en los versos. También es su canción más real, pues en ella habla del tiroteo del que fue víctima junto con su crew durante un tour en Estados Unidos; además de ver a la cara a quien lo critica por estar tanto tiempo en sus propios pensamientos y hacer canciones tan deprimentes.

“Skimask”, Silver Arrows y Metallic Intuition funcionan como un buen puente llegar a la parte media del disco en las que Yung hace una buena demostración de aptitudes en su delivery con temas como Push / Lost Weekend yDrop It / Scooter.

Pero lo mejor del quinto material de estudio del rapero sueco está al final del camino: “Iceman”, en la que los temas del desamor, la soledad y las drogas son punto de discusión nuevamente; “Fallen Demon”, una canción de profunda de dolor en la que la base es apenas perceptible y su voz rasga los tímpanos hasta el llanto. En Agony, el piano sobre el que Jonatan canta es una sábana que cubre una caricia que queda como un fantasma y se hace presente solo en la melancolía de un sueño diurno, es tan suave y poderosa que las lágrimas pueden correr sin darnos cuenta sino hasta que caen sobre el trackpad de la computadora. Aún hay más. El disco cierra de una manera sublime con Yellowman, una pieza de casi cinco minutos con la que la ambientación que, a través de todo el recorrido del disco, se formó explota y desaparece el velo nebuloso con el que Yung Lean envolvió su quinta opera.

Hace tiempo Yung dijo en una entrevista que no estaba siquiera seguro de estar haciendo hip hop refiriéndose a sus últimos materiales (incluido Frost God) y tal vez tenga razón, pero si algo podemos pedir es que, sea hip hop o no, sus próximos materiales suenen más a esto.

Trópico 2017

Una celebración a la fiesta en Acapulco: Trópico 2017.

No hay que dejarse engañar. Más que un simple festival de música, Trópico se ha convertido en una celebración a la fiesta. Su locación no es en vano. Acapulco es una tierra casi sagrada que ha sido olvidada con el tiempo y una zona que prevalece en el subconsciente colectivo como un recuerdo más que una realidad, sin embargo, el festival –además de otras cosas– se esfuerza por mantenerlo vigente. ¿Cómo? Con una fiesta en honor a su legado y, además, en homenaje a sus mejores tiempos.

Sábado

El sábado se convirtió en un rave de la vieja escuela. Con Awwz recibiendo el atardecer y con TITÁN reafirmándose como una de las leyendas más divertidas que tenemos actualmente activas. Mientras tanto, Teen Flirt brindaba un set que iba desde lo más oscuro del latin trap hasta el reggaetón más elegante, confirmando una vez más que Finesse no es solo una disquera, sino toda una forma de vida que permea hasta en la gente que disfruta de su obra.

El resto continuó hasta el amanecer, para que el sábado se convirtiera en el día más memorable de todos. El día abría con el Frente Cumbiero tocando uno de los sets más largos que se le hayan conocido y todo un sueño para la música que representa: cumbia, salsa, dancehall e híbridos entre uno y otro se hacían presentes al lado de la playa, en una fiesta de piscina que cada minuto se ponía mejor.

Thundercat recibió el atardecer como algo histórico. Entre su fusión de jazz experimental, R&B y hip hop, la tarde del sábado en Acapulco se sintió especial, como si una nueva forma de música inaugurara una nueva etapa de sus fines de semana. Con dos músicos en el escenario, Thundercat brindó cátedra de cómo es un concierto que saque de la zona de confort a su audiencia.

Todo haría sentido después, cuando Los Wembler's de Iquitos hizo su primera aparición en México. El grupo, conformado por una serie de personajes cuya edad hablaba por sí misma, hizo historia cuando no solo tocaron sus canciones más emblemáticas, sino que además ofrecieron una especie de popurrí por la chicha peruana, un género musical del que hay que sentirnos orgullosos por tener vigente hoy en día y del que hay que aprender más de lo que pensamos. Eso, más la capacidad de Ondatrópica más tarde de conjuntar la eterna rivalidad entre la salsa y la cumbia en un solo set de una hora, le dieron a Acapulco un aire de viejos tiempos transformado en modernidad. La cumbia sonó sin restricciones y la fiesta creció a la par.

Después el festival se convertiría en una reminiscencia de aquellas fiestas míticas de música electrónica que se celebraban en la zona hace más de diez años. Mientras Jesse Baez y Fuego hacían lo propio por la oferta urbana, Neon Indian y Cut Copy ofrecían un poderoso recordatorio de por qué son dos de los grupos más queridos por la audiencia nacional. De “Deadbeat Summer” a “Hearts On Fire”, el escenario principal se convirtió en una pista de baile imparable que después alcanzaría su punto máximo.

Lo hizo con Jungle y Vitalic, dos actos que hicieron sentido al paso del tiempo. Por un lado los experimentos disco de uno y por otro la brutalidad electrónica del otro. Visto en retrospectiva, Jungle sirvió para un par de cosas: reafirmar su legado y cariño por la audiencia mexicana y ser la antesala perfecta de un acto que cada vez que se presenta en México destruye neuronas. Para cuando Vitalic anunciaba un día nuevo, el público de Trópico no hacía otra cosa más que iniciarlo con brío.

Domingo

El día transcurrió de la misma forma. Con menos audiencia –porque el lunes había que regresar a la vida real– el festival arrojó una oferta para la recuperación: de la discreta fiesta de Discosis a la fiesta tropical de Matanza y Dengue Dengue Dengue (un viejo conocido de Trópico) y la nostálgica despedida de –atinadamente– Encore. El fin de semana en Acapulco fue todo lo que esperábamos y, además, un poco más.

La centralización de los festivales ha hecho que la ciudad se convierta en el lugar predilecto para escuchar música en vivo, sin embargo es tremendamente valioso cuando experimentos como el Trópico resultan atinados. Todo mexicano conoce Acapulco y todos conocen su legado para la cultura nacional. Trópico, además de brindarle el valor merecido a la leyenda, ofrece una ventana para la apreciación del discurso musical de sus invitados.

Trópico 2017 fue una celebración a la cumbia, una labor bolivariana por unir a Latinoamérica en un solo lugar musical, una revitalización del rave en su estado más genuino y un espacio para que todos esos esfuerzos fueran apreciados por sus asistentes. En una era en donde la ciudad está repleta de noches activas, tener un festival que invite a olvidarlo todo por un fin de semana es un regalo, una celebración a la fiesta a la que vale la pena unirse mientras permanezca activa.

Nos vemos en 2018 querido Acapulco.

Vampire Weekend inspira su próximo LP en Kacey Musgraves

La cuarta placa de estudio de la agrupación neoyorquina, sí tendrá la colaboración de Rostam Batmanglij en algunos temas.

El futuro de Vampire Weekend y su cuarto álbum de estudio Mitsubishi Macchiato, era incierto desde la salida de Rostam Batmanglij de la banda en 2016. El músico que interpretaba teclado, guitarra y secundaba la voz en el proyecto neoyorquino, decidió abandonar el barco para enfocarse en su carrera solista. Ahora, el frontman Ezra Koenig en una entrevista explicó que la relación con Rostam es muy estable y estará involucrado en el cuarto LP. "Estamos trabajando en algunas canciones exactamente de la misma manera en que siempre hemos trabajado. Tenemos algunas cosas que comenzamos hace mucho tiempo".

La banda trabajó en el nuevo larga duración con el productor de Haim, Ariel Rechtshaid, quien también contribuyó en su tercer placa Moderns Vampires of the City, disco ganador del Grammy en 2014. El nuevo material según el líder de Vampire Weekend, explorará un nuevo enfoque para contar historias. "Escribir canciones como concepto es lo más importante en este disco".

Parte de ese nuevo enfoque fue inspirado por la estrella del country Kacey Musgraves. "Fui con Ariel para ver a Kacey en el Greek Theatre en LA. Lo que más me gustó fue que no era demasiado ruidoso, definitivamente me estoy convirtiendo en un viejo malhumorado, así que realmente podía escuchar cada palabra. La música era muy clara y su voz igual. Soy el tipo de persona que ha pasado horas estudiando minuciosamente las letras poéticas vanguardistas de ciertos compositores", aseveró Ezra en la plática.

El impacto de Kacey tal vez nos muestre un Vampire Weekend más nítido y con letras muy profundas. Además, el productor puede que imprima parte de estas atmósferas con tonalidades arraigadas en el folk y el country. Aunque el disco estaba pactado para salir a mitad de 2017 vía Columbia Records, se atrasó la producción. Esperemos Mitsubishi Macchiato sea uno de los mejores trabajos de la banda, y sea anunciada la salida oficial próximamente.