CHAI, la nueva promesa traída del Japón

Foto: Nadeshiko Nakahara

Una reinvención del pop asiático, así es como se presenta CHAI al mundo.

Actualmente la industria pop en Asia ha sido invadida por los grupos de k pop, cuyas formulas elaboradas producen miles de millones en el continente oriental y recientemente han trascendido a Norteamérica. Pero algo nuevo, completamente distinto e inesperado, ha llegado a Heavenly Recordings.

CHAI es una agrupación conformada por cuatro jóvenes japonesas, que sacó hace un año un disco bajo la división japonesa de Sony Music Entertainment, pero que no logró llamar la atención por la falta de difusión. Ahora, con un sello independiente, las cosas lucen muy distintas y mucho más prometedoras para la banda.

El cuarteto sacará un mini LP el próximo 12 de octubre, ya con la disquera Heavenly Recordings. Este al parecer contendrá algunos tracks de su primer álbum de estudio Pink, de hecho ambos materiales comparten el mismo título.

Como adelanto, CHAI reveló "N.E.O. Kawaii", que como dice el nombre, exalta lo adorable y la alegría, algo que plasman perfectamente en esta canción tan entusiasta y acelerada. Es difícil clasificar esto en un género, pues es una combinación de no wave, pop y hasta garage punk.

Esto fue lo que dijo el grupo del track. "Todos, si pudiéramos ser exactamente lo que somos, sería genial ¿no? Preocuparse es normal, ¿sabes? Los complejos son individualidad, los complejos son arte. ¡Kawaii es un viaje sin fin! Esto es 'N.E.O. Kawaii'!!!!! Disfrútenlo".

Escucha la canción de CHAI justo aquí:

Tracklist de Pink:

1. "Hi Hi Baby"
2. "N.E.O Kawaii"
3. "Boyz Seco Men"
4. "Horechatta"
5. "Fried"
6. "She Is Kitty"

 

Father John Misty en El Plaza

Experiencia religiosa con Father John Misty.

Si había caído un inclemente aguacero a meros minutos antes de empezar el recital de Father John Misty, uno de los cantautores más inquisitivos y sardónicos en años recientes, seguramente era el catalista perfecto para entrar en ánimos torrenciales y solemnes. Después de todo, su música puede encontrarse cómodamente sonorizando un bar solitario y mugriento inundado de neón; un paseo romántico en carretera o una tarde justamente como la de ayer, visto tras una ventana desde la comodidad del hogar… o presenciado en un recinto del nivel de El Plaza Condesa.

Sí, hubo dolencias y tarareos con sentimiento, tal como uno podría esperar de un concierto de J. Tillman (el alter ego para el mundo real de Misty). Sin embargo, los que ya lo habían presenciado en vivo y los neófitos que venían a su iniciación quedaron pasmados con la energía, flexibilidad y porte que exhibió Misty canción tras canción, sin importar que fuera un lamento cínico ("Please Don’t Die") o un número rockero (“Date Night”).

Pero me estoy adelantando. Como aperitivo de la celebración, subieron Carla Sariñana y el resto de sus cómplices musicales bajo el nombre de Silver Rose. Saliendo un poco de la línea de su otro proyecto, Ruido Rosa, Sariñana le da infusiones con sabor intenso de shoegaze y dream pop a las canciones de Silver Rose, provocando una capa llena de energía y sombras que intrigaron a los que llegaron la tarde/noche de ayer con puntualidad inglesa. Temas como “Crimen”, “Sueños de Amor” y “Take Me Home” fueron bien recibidos por el presente que ya llegaba con la noción de recibir madrazos de romance, y sin duda será un acto que veremos destacando más seguido.

Poco después de las 21:00 H. Misty subió, con traje blanco clásico, camisa con patrones abstractos y su emblemática melena larga con barba, a ofrecer misa a todos aquellos con un corazón en busca de cura. Junto a otros nueve músicos que incluían secciones de viento y sintetizadores, Misty inició esa memorable noche con “Nancy From Now On”.

Era sorprendente el ver entre la multitud como una figura como Misty ha rebasado el culto para volverse ya un nombre habitual entre los fanáticos del rock alternativo, o hasta el pop más clásico. Aunque elocuentes y laberínticas, sus letras fueron coreadas verso por verso por los asistentes, incluyendo “Only Son of the Ladiesman”, “Disappointing Diamonds Are the Rarest of Them All”, “I’m Writing a Novel” y “Total Entertainment Forever”, esperada entre todos solo para escuchar la parte en donde presume acostarse con Taylor Swift todas las noches en un visor virtual.

Aunque de pocas palabras, Misty se expresa más por su gracia, elegancia y dominio del escenario, al mismo tiempo que su tenue voz no pierde nunca el hilo ni el sentimiento. Esto se evidenció en la austera y teatral “Bored in the USA”, con la que confesó: “se siente muy raro cantar esta canción en este país. Pero el personaje del que hablo solo se ha vuelto más repulsivo a través de los años. Ustedes lo saben muy bien”. Mismo caso con “Hangout at the Gallows”, en donde mostró un lenguaje corporal libre y fluido junto a las letras fuertemente políticas y acusadoras. Me recordó un poco a Stop Making Sense, el icónico documental de Talking Heads, excepto que aquí sí le queda el saco, tanto en sentido literal como figurado.

El virtuosismo de su extensa sección de acompañantes dio también gala de sus talentos con los temas que conllevarían al cierre, como “Pure Comedy”, “God’s Favorite Customer” y el himno “I Love You, Honeybear”Misty se veía más efusivo, menos serio (quizás por la temática de las canciones) y dispuesto a hacer que el respetable se rindiera a sus pies como tributo, cosa que estuvo a nada de suceder.

Posterior al tradicional descanso y las peticiones del público para escuchar más temas, Misty y sus acólitos regresaron recargados para ofrecer un combo poderoso de humor negro, cursilería, cacofonía sensual y rock sucio con “The Palace”, “Real Love Baby”, “Holy Shit” y “The Ideal Husband”. Fue como un pequeño paso de cuatro temas por todo lo que representa su discografía, cosa que deberían hacer todas las bandas en vez de reservarse solo “las más famosas”.

Aunque esa noche El Plaza no tenía la calibración tan adecuada para el audio, característica por la cual es conocido y recomendado por los melómanos citadinos, la vibra general entre todos los barbones formales, las chicas elegantes, los nerds musicales, las parejas y los amigos de tragos fue de euforia, redención y bienestar. Justo como debe terminar cualquier ritual. Sumado a una cuidadosa selección de repertorio, un juego de luces dinámico y experimental y músicos excepcionales, todo embonó para convertirse en una auténtica experiencia religiosa, como de la que cantaba Enrique Iglesias. Amén, Father John Misty. Que siga predicando para todos aquellos con el alma perdida.

Escucha la música de Thom Yorke en el trailer de 'Suspiria'

La mente detrás de Radiohead participará en la banda sonora de un remake italiano.

Se ha presentado el primer teaser del remake de Suspiria, una nueva versión dirigida por Luca Guadagdino misma que será estrenada el próximo 2 de noviembre. El filme contará con la participación de Thom Yorke como creador del soundtrack del largometraje de suspenso y terror.

La película es protagonizada por Tilda Swinton, Dakota Johnson y Chloë Grace Moretz. La trama gira en torno a una joven llamada Susie Bannion, que realiza un viaje a una academia de Berlín en 1977. Durante su estancia una persona de la compañía desaparece en medio del misterio, tal situación desencadena una serie de momentos oscuros y secretos de gran magnitud.

En el trailer se pueden apreciar escenas caóticas mezcladas con un tema creado por Yorke, en el que los sonidos ascendentes y el suspenso harán que te sientas incomodo con las imágenes que se presentan. Dale play a a continuación:

La composición de la banda sonora representa un reto para Thom Yorke, ya que Suspiria se destaca por su enorme suspenso, así como por su peculiar mezcla entre lo estético y el gore. Seguiremos al pendiente de más novedades de este soundtrack y claro, más avances del largometraje.

Blood Orange — Negro Swan

Un cisne negro grazna en el trayecto musical de Devonté Hynes.

Si la cubierta de Freetown Sound (2016) es deslumbrante por su estética y la declaración que se puede interpretar desgranando los elementos que la integran (la pareja de color abrazándose, el cuadro de Michael Jackson colgando de la pared), la notable fotografía de Negro Swan es la reafirmación de que estamos ante un autor inglés que afincado en Estados Unidos está retratando una juventud negra en crisis emocional mediante su música y las letras que pone en ella. Blood Orange presenta lo que él describe como una exploración de su depresión “una mirada honesta a las esquinas de la existencia y la continua ansiedad de la gente queer de color”. El cisne negro grazna sus lamentos.

De la ventana de un auto blanco en movimiento, un chico de color saca la mitad de su cuerpo, de la cintura hacia arriba, recarga sus manos sobre el toldo y la cabeza dirigida hacia la cámara está sobre sus brazos, como si se estuviera consolando así mismo, solo se aprecia la mitad de su rostro porque su brazo oculta el resto, el ojo está semiabierto, la mirada refleja tristeza. ¿Está mirando hacia la cámara o hacia un agujero existencial? Vestido de blanco, con una playera, un durag y unas alas de cisne adheridas a su espalda, es el cisne negro. Blanco por fuera, negro por dentro. El nombre del álbum implica una denotación peyorativa por el uso de la palabra “negro” en español, usada así cuando se insulta a una persona de color.

En el sencillo “Jewelry” la declaración es contra el clasismo y la homofobia, al inicio del tema  Janet Mock habla sobre quienes no “pertenecen” a determinados lugares y son señalados por su atuendo, y en “Family”, también ella expande el concepto de la familia como una comunidad en donde no se tiene que actuar o pretender, un sitio sin juicios y sin reglas, sin miedo, porque “no estamos determinados por la biología”, dice al terminar la canción. Junto con A$AP Rocky y  Project Pat, Blood Orange narra que la transformación para ser apreciado, reclama la falta de reconocimiento y aceptación de los demás, “Chewing Gum” es una de las composiciones más logradas de este álbum, un complejo embrollo de 16 temas que se detiene por momentos y en otros toca la cima.

Devonté Hynes se ha caracterizado por experimentar con el ritmo de los álbumes manteniendo una considerable distancia de la canción y el álbum pop, no obstante en Cupid Deluxe y en Freetown Sound el acierto estaba en que la amalgama de diferentes mezclas –y de muy pocos hits– había temas de formas discordantes pero sólidos por el tono, los instrumentos, el coro o la composición. No era necesario que todos los cortes fueran como “Augustine” o "It Is What It Is”, las canciones estaban paridas por un mesías del pop moderno que se coronaba en el pop barroco, funk, R&B y/o jazz. Eran álbumes ambiciosos por arriesgar. Y Negro Swan continua empujando hacia nuevas composiciones, buscando una nueva forma de acercarse al escucha, burlando la tradición y la rutina, pero tarda un poco en tomar vuelo.

“Orlando”, “Family”, “Charcoal Baby”, “Vulture Baby”, “Holy Will” y “Smoke” son esos cisnes negros que no acaban de adecuarse al resto de la entrega, al resto del grupo, lo hacen lento innecesariamente. “Chewing Gum”, por el contrario de esas piezas, es un cuasi hip hop de producción sobrenatural desde el beat inicial, con los pasajes del synth y la voz distorsionada que contrasta con el coro suave de Hynes. Una canción en tres tiempo. Ambiciosa. Estamos ante un autor que aquí alcanza uno de los mejores momentos de su carrera, es una rueda que va sorprendiendo en cada segundo que avanza. El aceitoso tema “Dagenham Dream” se resbala del chillwave, notable grabación con unos distorsionados synths, un potente bajo grueso y un monólogo de Janet Mock que habla sobre un ser educado bajo un esquema maniqueo de lo “normal” y lo “anormal” y vive enfrentado con poca tolerancia hacia lo diferente. En “Runnin’” el tiempo es un caracol que avanza lento (en círculos, como dice la letra), la combinación de sonidos electrónicos, el punteo acústico y las diferentes voces a ritmos desiguales le quitan el sentido de la velocidad al tema, una posible lógica para entenderla se pierde, funciona de otra manera. Luego hay un giro en el tema y se rompe el sentido.

Hynes se reafirma como un compositor con un talento notorio que rompe el canon del pop y que como Kendrick Lamar lanza filosos discursos en sus letras sobre el sentir de los negros en Nueva York, pero en Negro Swan ha jugado demasiado con la forma, con la cantidad de temas y muy probablemente con el sentido del álbum. La fuerza de lo individual no logra sostener las variantes musicales. Es un flan que se tambalea sobre una base de harina que no terminó de hornearse.

Nuevo video de Courtney Barnett

Foto: Mi Mala McDonald

Ashley Connor dirigió el clip que Courtney Barnett sacó para "Charity".

Hace algunos meses, la cantante australiana publicó su segundo álbum de estudio en solitario, Tell Me How You Really Feel, pues no se considera al disco que sacó en colaboración con Kurt Vile. Hoy, justo el día en que inicia su gira por su país natal y Nueva Zelanda, la interprete decidió revelar el video de uno de los temas de su reciente material.

El clip que estrenó Courtney Barnett fue para "Charity", tema que no fue parte de los sencillos promocionales, pero que llamó mucho la atención junto a "Crippling Self-Doubt and a General Lack of Confidence" por el estilo de la guitarra, parecido al de Tom Petty.

La dirección del video estuvo a cargo de Ashley Connor, quien se ha destacado por su trabajo con Austra, Angel Olsen y Mitski, ya que en todos sus visuales siempre añade una estética lo-fi con colores brillantes y una atmósfera nebulosa.

Las imágenes fueron tomadas en película de 16 milímetros cuando Courtney Barnett y su grupo pasó unos días en Toronto, Canadá, luego de su presentación en el Danforth Music Hall a mediados de julio.

Hace unos días Courtney Barnett terminó su gira por el Reino Unido, la cual incluyó sold outs en Manchester, Bristol y Londres, así como una presentación en el All Points East abriéndole a Nick Cave y Patti Smith.

Para saber más de su nuevo disco, puedes leer la entrevista que le hicimos a Courtney Barnett.

Ve el video de "Charity":

J. J. Abrams entra al mundo de la música

Un nuevo proyecto que hace crecer la productora de J. J. Abrams.

El director, productor y escritor estadounidense Jeffrey Jacob Abrams es conocido en el mundo del entretenimiento por haber dirigido obras como la serie Lost , el reboot de Star Trek, los episodios VII y IX de Star Wars ahora se incursiona en el negocio de la música creando un sello independiente.

El nombre de este nuevo proyecto a cargo de J. J. Abrams será Loud Robot, similar al de la productora Bad Robot (de la que es dueño).

Según datos de la revista de entretenimiento The Hollywood Reporter, el nuevo sello musical de J. J. Abrams se asociará con la compañía discográfica Capitol Music Group y gracias a esto se podrá utilizar música original en los proyectos realizados por Bad Robot, además se encargará de proporcionar su amplia variedad de recursos y los conectará a su red de distribución mundial.

Para este nuevo proyecto, el director estadounidense se unió a McKee Floyd, actual jefe de marketing del grupo Glassnote Entertainment (Mumford & Sons, Childish Gambino y Phoenix) y Nicky Berger, fundador de Berger Management (Grizzly Bear, Fleet Foxes, The War On Drugs).

J. J. Abrams en encargará en sus inicios de realizar colaboraciones a corto plazo para lanzar música original con la finalidad de atraer a talentos emergentes y fusionarlos con el trabajo de Bad Robot.

 

Interpol estrena video con Kristen Stewart

Kristen Stewart muestra su lado más salvaje en el nuevo clip de Interpol.

El día de mañana la banda neoyorquina lanzará su sexto álbum de estudio, Marauder. Sin embargo, la agrupación liderada por Paul Banks decidió hacer un último estreno antes de la fecha de publicación para agradecer la espera de todos sus seguidores.

Lo nuevo de Interpol se llama "If You Really Love Nothing", y es el tercer sencillo promocional, así como el tema que abre el próximo material del grupo. Este cuenta con un video dirigido por Hala Matar y protagonizado por Kristen Stewart.

Esto fue lo que dijo Paul Banks del clip."Hala es una directora joven que tuve el placer de conocer hace unos años, y he sido fan de su trabajo desde entonces, su brillante uso de colores e iluminación, su dirección juguetona y profunda, para mí, es lo que la caracteriza. Siempre hay humor, drama y atmósfera de sobra en su trabajo. Veo todas estas cualidades en su video y estamos muy orgullosos de haber tenido la oportunidad de hacer esta colaboración".

También, el líder de Interpol habló sobre la participación de Kristen Stewart.“Es la actriz perfecta para este papel. No creo que haya nadie que lo haya podido hacer mejor. Le da al clavo, y me gusta el performance de Wittrock. Otra decisión de elenco impresionante, interpreta el papel de acompañante de Kristen, hermosamente.”

Puedes ver el nuevo video de Interpol justo aquí:

Escucha el nuevo tema de Disclosure

Sumérgete en los sonidos retro del nuevo tema de Disclosure; su tercer estreno en tres días.

Los hermanos Lawrence continúan sorprendiendo a sus seguidores y en esta ocasión comparten “Love Can Be So Hard”. Se trata del tercer estreno del dúo inglés en la semana. Así es, tres canciones en tres días. Esto como parte de la promoción del próximo álbum de Disclosure.

El nuevo corte de 4:08 minutos nos lleva de viaje a través de los años ochenta, gracias a que mezcla una lírica sencilla basada en el título de la canción, la cual entra en juego con una alegre base de sonidos funk y ambiente retro.

Para esta nueva pieza el dúo volvió a recurrir a la técnica del sampling y en esta ocasión, la voz protagonista corresponde a una linea de la cantante británica Princess, interpretada en su tema “I'm Your Number One”. Este estreno se suma a los cortes previos “Moonlight” y “Where Angels Fear To Tread”.

“Inspirados por nuestro amor por los artistas pop de los 80 como Alexander O'Neal y Luther Vandross, cortamos y dimos un giro a este viejo clásico de Princess. Esperamos que sea de su agrado”. Es parte del mensaje a través del cual, los hermanos GuyHoward, compartieron esta nueva pieza.

Aquí puedes escuchar “Love Can Be So Hard”.

Entrevista con Girl Ultra

Girl Ultra: El alter ego de una chica del vecindario.

Viernes lluvioso, viernes de quincena, viernes caótico en la CDMX. Desde la comodidad y calidez de Tijuana tuve a Girl Ultra en la línea del teléfono, y platiqué con ella con la sensación de que hablaba con una amiga que conocí en la escuela y estábamos haciendo un catch up de logros en la vida y puntos de vista.

Nan de Miguel tiene una vibra cálida desde la primer nota de voz que le escuchas en un “hola”, y eso mismo es lo que nos transmite con su música. Una chica en sus veintitantos que basa su estilo en diseñadores locales, creció escuchando a la gran Aretha Franklin, y ama presentarse frente al público que espera verla, y que toma como un reto positivo el dejar que la gente se suelte mientras ella se deja ir en la música.

“El artista siempre se adapta al recinto y a la gente. En el primer paso que das arriba del escenario, sientes enseguida la vibra de la gente, la cual depende de la cultura y la ciudad cuesta un poquito más desenvolver al público, así que esa es también chamba del artista, pues es un entertainer”.

Yéndonos más atrás en su vida y trayectoria, Nan comenzó dibujando y pintando, una inquietud de crear y recibir sensaciones con su arte, pero estas sensaciones se inclinaron cien por ciento a la música y a lo que esta le regresaba. Después de Affer, Nan tuvo la necesidad de experimentar ritmos diferentes y transmitir un mensaje claro, sobretodo con el R&B. Así nació Girl Ultra.

“El género [R&B] de por sí ya está cargado con tonos muy pasionales, la música busca hacerte sentir bien desde el principio, pero eso no es lo que a mi me motiva, yo busco dejar un mensaje. Este mensaje va más allá; musicalmente sí se siente, es como un comeback de esta vibra, pero el mensaje en sí no es ese. Yo como mujer estoy cargada de erotismo, pero en mi proyecto como tal, no es el punto medio de todo. Veo a Girl Ultra como una parte de mi personalidad que solo sale cuando estoy en el escenario, cuando escribo, cuando canalizo ahí todas mis emociones”.

El R&B es un género que existe desde hace muchos años y en el que se han creado grandes cosas a nivel mundial, pero es hasta fechas recientes que podemos disfrutarlo en nuestro propio idioma y relacionar las canciones con nuestra vida en otro nivel. Personalmente creo que tener a una mujer segura de sí y experimentando con sus emociones, su vida, sus letras y sueños al frente de este movimiento, es algo de admirar. Y más aún cuando es una artista que aprende, aprecia y vive sus presentaciones.

“Me siento privilegiada al tocar cualquier tipo de escenario, pues subirte a uno suma a todo tipo de experiencias y aprendizajes, y en esta ocasión, el show de Kali Uchis me emociona mucho porque es música que me gusta, es algo que escucho y está en mi playlist. Me parece una persona que ha ascendido muchísimo y me puedo reflejar en ella porque es latina, y a pesar de ser gringa, representa esta cultura. Intento aprender mucho de cada persona con la que comparto el escenario y espero poder tener alguna conversación interesante con ella”.

Usualmente en shows grandes o importantes, esperamos que los artistas nos sorprendan con algo enorme y magnífico, pero Nan prefiere hacer presentaciones orgánicas con sus músicos y  con arreglos especiales en las canciones.

Si bien Nan es una persona introvertida y como todos nosotros, admira a otros músicos y personajes. Pero Girl Ultra es el medio para dejar salir lo que lleva dentro, y es este proyecto el que la ha llevado a lograr lo que se propone, y el siguiente escalón es abrirle a la colombiana Kali Uchis en El Plaza Condesa.

Ron Gallo estrena sencillo

Una nueva canción con video musical a cargo de Ron Gallo.

El polifacético artista estadounidense Ron Gallo estrena un sencillo titulado "Always Elsewhere" el cual será parte de su próximo álbum de estudio titulado Stardust Birthday Party.

"Always Elsewhere" llega después del estreno de "It's All Gonna Be OK" y es un material que presenta una nueva visión del más reciente trabajo de larga duración a cargo de Ron Gallo, un poco de indie rock, otro tanto de garage punk y algunos matices de art rock.

El sencillo no viene solo sino que es estrenado con un video que cuenta con la dirección de Dylan Reyes, el cual nos muestra a un personaje que realiza una larga caminata por la ciudad cargando una caja de cartón, una especie de analogía que hace referencia a el peso de nuestras propias vidas. Un final inesperado que deja abierta la posibilidad de tener una segunda parte. "Todo nuestro miedo y ansiedad se deriva de las especulaciones sobre lo que podría suceder, no lo que realmente está sucediendo aquí y ahora". Opina Gallo acerca de la inspiración de este trabajo.

Escucha el nuevo sencillo y mira el video aquí.

Stardust Birthday Party es el segundo álbum de estudio a manos de Ron Gallo en su proyecto como solista y saldrá a la venta el próximo 5 de octubre bajo la compañía discográfica New West.