Cage The Elephant estrena el video de "Night Running" ft. Beck

Tras el reciente lanzamiento de Social Cues, la banda de rock alternativo estrena el video para su sencillo en colaboración con Beck: "Night Running".

Hace unas semanas se estrenó el quinto álbum de estudio de Cage The Elephant. Con un aura más oscura, Social Cues nos presenta 13 canciones que logran capturar nuestra atención desde los primeros segundos. Entre ellas, encontramos una pieza en colaboración con el músico estadounidense Beck.

"Night Running" es un sencillo que combina la potencia de las guitarras eléctricas con la distorsión de los sintetizadores. Todo al ritmo de un beat con tintes soul. El resultado es una canción que además de explorar un sentimiento parecido a la adrenalina, nos deja con una sensación melancólica de fondo.

Sin más, aquí te compartimos el video de esta colaboración entre Cage The Elephant y Beck.

El audiovisual fue dirigido por Jennifer Juniper Stratford, artista multidimensional que ha colaborado en distintas ocasiones con John Maus. Su estilo complementa a la canción y la envuelve en un concepto psicodélico.

La tristeza, la culpa y una profunda introspección emocional se materializa en Social Cues. Disco que, con solo unas semanas desde su lanzamiento, ya ha logrado muy buenas críticas. Recordemos que en 2017, Tell Me I'm Pretty (2015) ganó un Grammy como Mejor Álbum Rock. Así que, quién sabe. Quizás este material pudiera darnos alguna otra sorpresa.

“Black Star Dancing”, el nuevo sencillo de Noel Gallagher

El músico británico compartió un adelanto de lo que será su nuevo material ¡Conoce los detalles a continuación!

Han pasado dos años desde el lanzamiento de Who Built The Moon? (2017). Este 2019, Noel Gallagher's High Flying Birds — proyecto del integrante de Oasis, Noel Gallagher — lanzará un nuevo material. Se trata de un EP que se compone de 5 sencillos influenciados por grandes bandas como Queen, David BowieZZ Top, e INXS.

A propósito, el músico nos presenta “Black Star Dancing"; single que nombra a esta nueva producción discográfica. En esta canción, Gallagher apuesta por algo muy diferente a lo que hemos escuchado. Con una fusión de elementos funk y electrónicos, este track es una canción perfecta para bailar. Sin más, aquí te dejamos con el audiovisual.

El video fue dirigido por parte de Dan Cadan y Jonathan Mowatt. Y nos traslada a una presentación de Noel Gallagher's High Flying Birds. Existe una discrepancia temporal entre las tomas de los músicos y la del público, esto debido a que las últimas son imágenes extraídas del programa británico: The Wheeltappers and Shunters Social Club. Sin embargo, la esencia setentera se hace presente desde con los melódicos coros, el ritmos de la pista y, claro, la voz del reconocido músico.

Noel Gallagher's High Flying Birds se estará presentando en el Festival Mad Cool en España y en Reino Unido; donde los asistentes podrán bailar al ritmo de este tema y otros de sus éxitos. Por su parte, Black Star Dancing será publicado el próximo 14 de junio a través de Sour Mash Records. Además de su versión digital, los interesados podrán adquirir este EP en formato vinilo; les compartimos el link para que lo vayan pre ordenando. Y mientras llega el día, les dejamos el tracklist del material. 

Black Star Dancing

01. “Black Star Dancing”

02. “Rattling Rose”

03. “Sail On”

04. “Black Star Dancing” (12” Mix)

05. “Black Star Dancing” (The Reflex Revision)

 

TOP 5: Discos de la semana

Te compartimos nuestra selección en este top 5 con los mejores discos de la semana.

Esta semana tenemos varios proyectos nuevos y muchos otros que buscan renovarse con sus recientes lanzamientos. Aunque hay mucho por escuchar, nosotros seleccionamos para ti los discos más importantes, únicamente lo mejor de esta semana en nuestro top.

 

Vampire Weekend
Father Of The Bride
Columbia Records
Ariel Rechtshaid
Indie pop

Con su nuevo disco la composición de Koenig y su situación personal toman más importancia. En Father Of The Bride, Ezra enfrenta su búsqueda por la felicidad y la satisfacción en cada aspecto de su vida, con los problemas actuales del mundo las crisis que se avecinan. Vampire Weekend evoluciona, muestra un sonido más maduro y dilemas complejos.

The Dream Syndicate
These Times
Anti- Records
J Dilla
Neo Psychedelia

En la actualidad, pocos regresos logran convencer, pero estas leyendas del Paisley Underground fueron capaces de retomar todos sus elementos y actualizarlos. The Dream Syndicate, a pesar de los años, no se oxida y mantiene la misma calidad de siempre, como si nunca se hubieran ido.

Flamingods
Levitation
Moshi Moshi Records
Dan Carey
Psych funk

Es la primera vez que los miembros de la banda residen en el mismo lugar y eso se nota, pues este material tiene un sonido más solido y presenta ideas más concretas que en otros discos. Flamingods puede concretar sus ideas más ambiciosas y llevarnos en un viaje psicodélico lleno de imágenes poéticas y melodías perdurables.

Kedr Livanskiy
Your Need
2MR
Yara Kedrina
Electronic

Con su tercer álbum de estudio la cantante deja claro que la esencia de este proyecto es la libertad artística. Kedr Livanskiy no se limita ni juega bajo las reglas de nadie, no repite formulas y siempre está buscando evolucionar.

Tacocat
This Mess Is A Place
Sub Pop Records
Erik Blood
Garage rock

La agrupación de Seattle se ha endurecido con el tiempo, pero aunque sus letras tengan más astucia y ya no se dejan llevar por la naturaleza adolescente, eso no afecta la agresividad de sus riffs y melodías pegadizas. Es el Tacocat de siempre y que aman sus fans, pero un mensaje más claro y desenvuelto.

TOP 10: Los mejores videos de abril

Cuco, The Drums, The National, Metric y más en los mejores videos de abril.

El mes de abril culminó y a pesar de que el año apenas empieza, hubo muchos estrenos: sencillos, discos y sobretodo videos. Es por eso que, después de una larga discusión editorial con el equipo de Indie Rocks!, te compartimos una selección especial en nuestro #TopIR con los 10 mejores videos del mes.

Aquí verás videos como “From Chaos To Harmony” de Ian Brown, uno de los temas más destacados del disco y parte de los sencillos promocionales del mismo; “Light Years” de  The National, el track que cierra su siguiente material; “Between the Lines” de Robyn y mucho más.

¿Cuál es tu favorito? Compártenos tus comentarios en nuestras redes sociales:

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BETA — Segunda Piel

Segunda Piel: el rock mexicano no ha muerto.

Hoy en día, pocas bandas mexicanas pueden ser consideradas exponentes del rock alternativo. Me refiero al verdadero género en el que predominan los riffs llamativos y las baterías potentes que se puede escuchar en bandas como Apolo, Serbia, División Minúscula y Bengala, no del pop disfrazado de rock que desde hace tiempo es un éxito en grupos como Zoé, Costera, Reyno y Camilo Séptimo.

En esa lista del rock alternativo entra BETA, proyecto integrado por Blas Cernicchiaro (guitarra y voz), Álvaro Contreras (guitarra), Arturo González (bajo) y Julián André (batería), que el pasado 26 de abril estrenó Segunda Piel, su tercer material de larga duración, producido por el argentino Camilo Froideval, mezclado por el mexicano Herman Nunes y grabado en Topetitud Estudio por el también argentino Ricardo Acasuso, quien ha trabajado con bandas como Grouplove y Rey Pila.

En esta nueva producción discográfica se nota una madurez musical en lo melódico, armonioso, vocal y lírico. Atractivos guitarrazos, vibrantes bajos, intensas baterías y soberbias vocales imperan en un álbum cuyo nombre nace por la idea de Blas de que el prójimo es tu segunda piel y la importancia de ayudar a los demás al ponerse en su lugar.

En Segunda Piel, el cuarteto poblano aborda temas como lo efímero de los momentos, resistir y salir avante ante lo adversidad, reconocer y aceptarse a uno mismo y sobre todo, darse cuenta que, aunque suene trillado, la unión hace la fuerza.

Dicho esto, el disco abre con “Yo Fugaz”, enérgico sencillo lanzado en 2018 y se basa en lo que dejaron los sismos de septiembre 2017: meterse en la piel del otro para ayudarlo en la tragedia y entender que de un instante a otro todo puede acabar. “Decidir resistir, soy temporal y estaré bien. Decidimos resistirnos, espontáneo, singular, ¡soy... fugaz!”.

Las frases “Es la unión que salva/Si resistes, persistes” y “De cada espacio de mi ser tú formas parte, tú ya eres parte de mí” en “Fantasma” y en “Memoria Muscular”, respectivamente, son la prueba de que la unión y el apoyo entre las personas es vital. En “Salvador”, una envolvente batería y un seductor rasgueo de guitarra marcan el inicio de una pieza que trata sobre dejar ir en una relación (de cualquier tipo) enfermiza. Lo opuesto se escucha en la serena “Colores”, que habla sobre los errores, pero deja en claro que a pesar de ellos, los aciertos y los buenos ratos pesan más.

Los primeros segundos de “Celestiales” evocan en todo sentido a las bandas Death From Above 1979 y Royal Blood. Sin duda, el tema con mayor ímpetu en el material. En “Firmamento”, las partes “No somos eternos, lo saben mis huesos" y “Sólo somos momentos, ten tus ojos abiertos” ejemplifican de forma puntual aquello de lo pasajero de las cosas.

Las canciones restantes pueden concebirse como una sola al mantener la misma línea discursiva, pues en ellas, los espejos juegan un papel muy importante. La suave “Frágil” (“Mi vida es frágil, pero brilla al verme”) hace alusión a la fragilidad de la vida y cómo al verse por dentro, uno puede encontrar la fuerza para brillar. La cadenciosa “Segunda Piel” (“Viendo espejos no hay culpables, mantente fiel, sabes que lo que eres tú soy yo”) y la frenética “Ven a Buscarme” (“Cámbiame por espejos, quiero ver los reflejos de mi piel y saber quién soy”) se centran en la autoexploración y autoaceptación sin sentir culpa.

Segunda Piel supera, aunque no por mucho, a su antecesor (Medusa, 2016). Lo que es un hecho es que este disco no solo se trata del más maduro en la carrera de BETA, sino que además, es la prueba fehaciente de que el rock mexicano no ha muerto.

Local Natives — Violet Street

Lo mejor de 3 álbumes en 1.

Los 10 años de carrera de Local Natives son el ejemplo perfecto de aprendizaje y del consejo mundialmente conocido de tomar lo mejor de cada experiencia. La tranquilidad reflejada en su primer disco Gorilla Manor, la oscuridad que transmite Hummingbird y la positividad cargada en Sunlit Youth se unen para formar el álbum más cohesivo y armónico de Local Natives: Violet Street.

Desde el primer acorde relajante de “Vogue” se siente la confianza y seguridad de la banda. Le siguen sus sencillos, “When Am I Gonna Lose You” y “Café Amarillo”, que se contraponen de la mejor manera posible. La primera muestra, con voces fuertes y un ritmo incluso pegajoso, el miedo e inseguridad de perder a un nuevo amor antes de que se solidifique una relación; mientras que la segunda habla de la seguridad, no solo de un lugar sino de una persona: de cómo un lugar puede traer paz y de cómo las personas también son lugares.

“Munich II”, una introducción instrumental que se conecta perfectamente con “Megaton Mile”: una invitación a enfrentar de la mejor manera el fin del mundo. Baila y ríe cuando estás feliz; baila y ríe cuando todo va mal.

Por otro lado, “Someday Now” usa el mismo ritmo base que su predecesora para mostrar un lado más agridulce del amor: la inestabilidad de una relación. “How long could I ask you to wait? Wait for someday. You already waited so long. You want someday to be now”. En teoría, una relación es acompañarse en los retos de ambos sin jerarquías. Sin embargo, ¿cómo priorizar el potencial de cada uno? ¿cómo manejar el ascenso y evolución de cada uno?

La misma perspectiva de incertidumbre se presenta en “Garden of Elysian”, que explora el cliché del hubiera. ¿Cómo nuestras decisiones con el amor afectan nuestro rumbo y qué hubiera pasado si se hubiera hecho algo diferente? Todos nos lo hemos preguntado, pero no con una melodía tan dulce y sencilla.

Finalmente, Local Natives cierra este camino de introspección y análisis existencial con la joya del disco y una de las mejores canciones en su haber: “Tap Dancer”. Cuerdas orgánicas, voces corales inesperadas y grabaciones de fondo acompañan el deseo de magia en cada día, la melancolía que causan los pasados buenos momentos, y el reto que representan algunas cosas que para otros son nimiedades.

Las texturas sinfónicas, el sentimiento de calma, así como las cuerdas y piano en acordes transparentes junto a brillantes beats destacan lo mejor de Local Natives. Definitivamente, una excelente decantación de la esencia de una banda.

Festival Mode, la nueva función de Tinder

Conseguir pareja en un evento musical será mucho más fácil ahora ¡Descubre de qué se trata!

Tinder, es una red social que se encarga de ofrecer a los usuarios una manera sencilla de conocer a otras personas que se encuentran cerca de su entorno.

Desde su lanzamiento en 2012, la aplicación ha obtenido buena respuesta y reconocimiento, pero aún no es catalogada como una de las más populares del mundo, es por es que los creadores decidieron apostar por una nueva función.

Festival Mode, es un interesante proyecto que consiste en que los usuarios podrán agregar a su perfil su asistencia a algunos de los 12 festivales que se encuentran en la lista, tales como: Lovebox, EDC Las Vegas, Bonnaroo Music & Arts Festival, Foster Horses, entre otros.

Esta acción se podrá realizar con tres semanas de anticipación a la fecha del evento, para que las personas empiecen a seleccionar a los usuarios con los que les gustaría hacer match.

“No es ningún secreto que Tinder es una aplicación imprescindible para los solteros que asisten a festivales de música de todo el mundo, vemos un aumento constante en el uso de Tinder cuando decenas de miles de fanáticos de la música se unen, así que queríamos crear una nueva experiencia que facilite la conexión con otros asistentes al concierto incluso antes de poner un pie en los terrenos del festival", argumentó Jenny Campbell (Directora de marketing de Tinder).

Festival Mode se encontrará disponible por el momento en Reino Unido y Estados Unidos. Sin embargo, Tinder está trabajando para que este nuevo proyecto se extienda a más países para que logres encontrar a una persona especial en tu festival favorito.

“Disciples IV”, la nueva canción de Rey Pila

Rey Pila regresa para sorprendernos con un tema synth pop ochentero inspirado en el cine de terror.

Fue en 2015 cuando la banda mexicana lanzó The Future Sugar, su último material discográfico. Hoy, después de cuatro años de ausencia, la agrupación liderada por Diego Solórzano compartió su nuevo sencillo “Disciples IV”, grabado en Sonic Ranch, el cual formará parte de su nueva producción discográfica.

Se trata de un tema con tintes de pop que te remontan a la época de los 80, gracias a la mezcla de sintetizadores y cajas de ritmo. Una melodía que, según la banda mexicana, fue inspirada en las películas de terror que tanto les agradan. Da play para escuchar el single a continuación:

El arte de este sencillo estuvo a cargo de Signalstarr, un artista que ha estado trabajando con la banda últimamente.

“Disciples IV” es el sucesor de “Flames”, sencillo lanzado hace un par de meses que también formará parte del tercer LP de la agrupación.

Rey Pila se estará presentando en los shows que ofrecerá Phoenix en nuestro país los próximos 6, 7, y 9 de mayo en El Plaza Condesa, donde escucharemos en vivo sus dos recientes temas. ¡No te puedes quedar sin verlos!

A 30 años del 'Disintegration' de The Cure

Del abismo a la belleza de romperte.

Disintegration no necesita introducción alguna, pues a lo largo de 30 años ha sido la fuente de inspiración a través del tiempo y sigue explotando inmaculadamente bajo la estructura de la música en la actualidad, sigue siendo una obra que por más oscura que sea siempre hay una lluvia de colores en el trasfondo del mismo.

Robert Smith y su The Cure marcan ya una carrera sólida dejando sin palabras a todos aquellos que pensaron que en algún momento caerían en una fórmula repetitiva y Disintegration es importante por eso, es uno de esos últimos grandes discos no solo en la discografía de The Cure sino en historia de la música. Un disco atemporal, sombrío, petrificante y bello poéticamente, depresivo pero reflexivo, interpersonal también ya que el peso de las letras es quizá uno de los puntos más altos que lograron destacar con tanta perfección.

Es un disco conceptual minuciosamente a la hora de escucharlo en su totalidad. El equilibrio musical que uno puede encontrar con cada nueva escucha va brindando mejores panoramas vivenciales y con más conciencia que nunca, hasta que uno entiende que la banda ha respondido dando rienda suelta a su ‘yo’ más valiente.

Musicalmente a finales del 89, estaban muy lejos del sonido de su debut, pero ¿qué acaso no eso es lo que hace a una banda crecer? Disintegration marcó una movida arriesgada, incluso esos picos de sonido en “Lullaby”, “Plainsong” con uno de los sintetizadores más hermosos que se han compuesto y “The Same Deep Water As You”, pueden causar bastante emoción y alcanzar un desequilibrio en “Lovesong” que fue escrita para en ese entonces su prometida Mary y después esposa. La banda construyó y trabajó fuerte en un clímax crepitante que los hará ser recordados por siempre.

Son contados los discos que a lo largo de la historia toman una perspectiva en contra de todo lo que sucede al rededor, mucho más si tomamos en cuenta que Robert Smith escribió más de 30 canciones para este disco y básicamente surgió de una depresión cuando se enfrentó a la idea y momento en su vida de cumplir 30 años, y que creía que se había perdido en la reciente ola de éxito comercial de las grandes expositoras de videos o en la misma radio. Todo eso ayudó sin querer a redescubrir el alma de la banda, el camino por el que siempre habían estado juntos y por el cuál seguirían otros 30 años como hasta ahora.

Disintegration es un álbum triste pero increíblemente hermoso, tan hermoso y triste como el género que inventó la banda. Es sin duda un disco emblemático y atmosférico hasta el extremo, hasta llegar a ese abismo que logra un cierto sonido majestuoso en momentos en que sus predecesores no habían logrado en composiciones como “Pictures of You”, “Last Dance” y “Prayers for Rain” y sobre todo “Disintegration” que da nombre al álbum y es de paso una de las canciones más desgarradoras sobre un amor fallido que se hayan compuesto. Uno se la podría pasar llorando escuchando estas canciones, pero cuando todo haya terminado, te alegrarás de haberlo hecho, porque este disco es realmente uno de los mejores álbumes tristes jamás creados. A diferencia del The Cure “principiante” los arreglos que se incluyen son maravillosos. Es un cuento, un soneto, un mini libro auditivo en el que cada pista fluye naturalmente hacia todo lo demás, dejando la impresión de que acabas de hacer un viaje muy hipnótico en donde al final también vas a repasar tus batallas más tristes, pero por las cuales eres una mejor persona.

Discos que salvan la vidas, sueños, trascienden el tiempo y éste.

Sunn O))) — Life Metal

La alta causa del drone y la vida ante la muerte.

¿Alguna vez has sentido que al comenzar a escuchar cierto género al que no estás acostumbrado te abraza inmediatamente?, como si cual demonio blandiera sus alas a tus espaldas y con ellas te envolviera en un frío y desgarrador contacto primitivo, para después susurrar en tu oído: todo va a estar bien. Esa sensación me provocó escuchar a Sunn O))) algunos años atrás, en una etapa de descubrimiento de nuevas experiencias sonoras.

Años de distancia y la sensación sigue vigente, aunque los demonios ahora tal vez son más grandes, los monolitos más altos y los paisajes más escabrosos. “Between Sleipnir’s Breaths”, corceles escoltando la llegada al Mictlán, el golpeteo a las guitarras como zarpazos de un furioso ocelote, en ánimo orquestal del feedback, el preludio de una tormenta inminente, la voz de Hildur Guðnadóttir recitando un ancestral poema de Nezahualcóyotl, cual anunciación de la llegada de los demonios blancos, la profecía virulenta de una extinción, el lamento de Huitzilopochtli, el último vuelo de un quetzal: That precious bird with the agile neck, we will come to an end”.

“Troubled Air”, inhala desechos, exhala tu bienestar, analiza cada detalle que se desenvuelve en el fino arte del drone: sus texturas punzantes, su maravilloso pesar, el lamento que emanan los bulbos, la luz al final del túnel, las variantes orquestales, dos sujetos emulando una orquesta dirigida por Dante, anunciación y desahucio, el dolor y la gloria que emanan las cintas magnéticas. Sunn O))) tuvo a bien grabar todo este material en formato análogo, y nadie mejor que Steve Albini para mezclarlo y fusionarlo impecablemente. Las mentes maestras también trabajan mejor en conjunto.

El título de Life Metal deriva de una especie de chiste local entre Stephen O'Malley y Greg Anderson, quienes en una fiesta se encontraron con Nicke Andersson, quien fuera parte de Entombed en los inicios de la banda, una de las insignias del death metal en Suecia. Nicke les contó que a principios de los 90 cuando Entombed firmó su primer contrato discográfico, fueron señalados, e incluso amenazados de muerte por miembros del movimiento musical local, acusados de venderse y hacer “life metal”, curioso y hasta cierto punto ridículo señalamiento de aquellos “trves” que no llegaron a ningún lado.

“Aurora” enmarca a la perfección el concepto creativo de este material y los detalles perceptibles a altos decibeles, la masterización impecable que evita que el sonido haga interferencia en nuestros audífonos, y ante la era del streaming, la oportunidad de apreciarlo de diferente forma en una tornamesa, jugar con la ecualización, hacer cimbrar la habitación, tal y como vibran nuestras neuronas. “Novae” pone fin a una siniestra travesía musicalizada por una orquesta infernal. Podría ser arriesgado mencionar que Life Metal es la opus magna de este conjunto, incluso teniendo total dominio de su obra o jactarnos de ser maestros de un género que prácticamente fue creado por ellos mismos. Tal vez falte expandir nuestro espectro sonoro ante la fina artesanía del feedback, nuestro entendimiento sería distinto si supiéramos la diferencia entre el uso de ciertos amplificadores, pero al buen entendedor pocas palabras, a la malévola necesidad de tonos siniestros nunca fallarle, y que este material sea el punto de partida para hurgar entre el ansia creativa de Stephen y Greg, cuyos nombres podemos encontrar en diferentes proyectos tales como Khanate, Burning Witch y Goatsnake, y puede derivarnos a bandas como Boris, Jesu, Earth, Ulver y Merzbow. Larga vida al maldito feedback.