Entrevista con A.Chal

A.Chal: de trap, R&B, norteñas y sonidos andinos.

Lo universal en la música es un valor intrínseco que hace posible que en las distintas partes del mundo las manifestaciones sonoras puedan parecerse entre sí y formar puentes virtuales que unen y conectan a escuchas y artistas en todo el orbe. Aunque todo esto ha sido exponenciado por las plataformas digitales, redes sociales y servicios de streaming en los tiempos recientes, la realidad es que los intercambios culturales (y musicales específicamente) siempre han existido y han creado en los corazones de millones de personas la cercanía con géneros nuevos e inexplorados en las distintas latitudes.

Alejandro Chal es una clara prueba de esto. Mejor conocido como A.Chal, la historia de Alejandro es una llena de retos, incertidumbre y unas ganas enormes de comerse al mundo. “Siempre supe que iba a ser mi vida alrededor de la música, aunque hubo tiempos en los que peleaba con mis padres… incluso mi papá a los 13 me botaba de la casa porque yo solo quería hacer música, lo que no sabía era la responsabilidad que conlleva el ser un músico. Creo que eso es algo muy grande que he encontrado en todo este tiempo y me hace sentir que voy por buen camino”. Vestido con una chamarra de piel, una cadena con un dije religioso, unos pantalones negros y unos AF1 blancos con detalles en rojo que me aseguraba compró apenas un día antes en una tienda de sneakers en Reforma, A.Chal y yo conversamos de distintas cosas, en un tono bastante ameno y siempre con esa honestidad que se palpa entre dos extraños.

La música del peruano se cataloga de buenas a primeras como un trap al uso, pero en realidad es un tanto más compleja: con fuertes influencias rítmicas del R&B además de un guiño directo a la música andina en alguna de sus producciones, el sonido de este joven cantautor es un único en su tipo. “¿Sabes?, nunca quise hacer la música que hago y que dijeran: ‘Ah, esto es música indígena y música trap’, sino que fuera más orgánico y que de esta manera se empezara a ver a la música indígena de mi país de otra manera”. Pero va más allá de eso, Alejandro quiere que su arte conecte con quien lo escucha de una manera profunda. “Si pudiera dejarle algo a quienes me siguen sería el que crean en sí mismos, que no se derroten, que al final si tienes o no tienes algo en la vida deberías de pensar en ti mismo como si nada de eso importara, como si al final pudieses hacerlo todo. Quisiera compartir eso con los niños, que sepan que tienen que estar aware of themselves, pero que eso no sea el punto que define todo. Tú eres único, tienes herramientas que puedes usar, pero no dejes que las herramientas te usen a ti”.

Con respecto de lo que viene para él adelante fue bastante conciso y claro. “Ahora estoy terminando un álbum, supuestamente es mi primer álbum oficial. No quiero pensarlo demasiado antes de sacarlo, pero al mismo tiempo quiero enfocarme ahora mucho en los detalles y para mí es muy obvio el ir a un nivel muy alto así que tengo que ser muy real conmigo, no soy un joven de 20 años que va a hacer pura música para muchachitas, que pega y demás. Quiero ir más allá y por eso veo a gente como Bob Marley, Luis Miguel, Prince, (Michael) Jackson y eso ha tomado tiempo… para que el talento sea más grande y más latente. Odio decir a global superstar, pero quiero ser un artista global”.

Con el pasar de los minutos se notaba a una persona mucho más relajada y que buscaba las respuestas con menos preocupación y con más espontaneidad. Alejandro emigro a los cinco años de su natal Perú a los Estados Unidos, hecho que lo marcó y le dio una identidad bastante peculiar. “De la cultura hispana no sé suficiente como creo que debería de saber, pero el hecho de crecer en lugares como NYC o Boston me hicieron apreciar un poco más el ser peruano. No creo que nadie tenga que ser un role model, pero siento que tengo que ser educado o ser más cercano y no sé si es una cuestión de ser latino, pero es lo que me forjó como soy y la manera en la que crecí”, porque al final no todos fueron buenos tiempos y el estar solo en un ambiente tan hostil como lo puede ser el país del norte en una época tan importante como lo es la infancia se puede convertir en algo complicado. “Mis amigos y yo no teníamos nada en común, pero me aceptaban. En New York o Boston no había ningún peruano y aunque mi mamá se quejaba de mis amigos, ellos eran los únicos que me aceptaban allá”.

Lo que EXOTIGAZ significó en la carrera del de tierras Incas podría ser equiparable a lo que en su momento resultó de un EP titulado So Far Gone de un artista canadiense que no necesita presentarse, guardando las respectivas distancias, claro. La cuestión es que EXOTIGAZ pegó con fuerza y lo hizo después de ser impulsado por las diversas colaboraciones de A.Chal con artistas como 2 Chainz, C. Tangana o Nicky Jam. Pero el éxito no es gratuito, pues Alejandro ha creado una base de fans seria, entregada y sedienta de más música por parte del de Perú, todo esto gracias a su carisma, lo real de sus letras y la entrega en cada trabajo. “Quiero hacer música con gente real, porque creo que yo soy real. He visto artistas de ranchero en México que bajan con sus fans a cantar y conectan con el público muy fuerte. Yo quiero hacer eso con quien me escucha, ¿sabes?”.

Palabras más palabras menos, lo platicado con A.Chal me dejó un recuerdo grato. A veces es complicado charlar con la gente que mantiene su máscara por delante, pero en esta ocasión ni máscaras ni complicaciones fueron partícipes de la conversación y gracias a ello me voy con una frase que quedará en mi memoria por bastante tiempo, estoy seguro. “Haz de cuenta que nada existe, que eres como el resto… así vas a llegar más lejos de lo que crees”.

Akamba 2019

Celebración de contrastes, variedad y mucho baile.

Mientras subes las faldas del volcán de Tequila puedes sentir la energía que guarda la tierra y el poder de los rayos del sol que iluminan el hermoso contraste entre el azul del cielo y el verde de los campos de agave: los campos de Akamba (agave en purépecha). En su segunda edición, este festival que celebra la armonía entre la naturaleza, la música y el hombre, contó con la participación de artistas como Kelela, Toro y Moi, Chancha Vía Circuito, Sotomayor, Connan Mockasin y una gran selección de DJs que retumbaron en una variedad de ritmos, sabores y colores que propagaron un ambiente de alegría y gozo.

Al entrar al lugar una serie de banderas daban la bienvenida y delimitan el camino hacia una celebración de contrastes, variedad y mucho baile donde las primeras personas ya se encontraban disfrutando de Sotomayor. Al principio de su show, los hermanos Raúl y Paulina junto con su banda tuvieron algunas fallas de sonido de las que lograron librarse y pusieron a bailar a la gente con sonidos tropicales, tribal y afrobeat adornados por la abrazadora voz de Paulina. La fuerza de las percusiones era equivalente al calor, pero todos seguían divirtiéndose, por lo que antes de dejar el escenario la banda agradeció a los asistentes.

Después de presentarse en el festival Nrmal, Golden Dawn Arkestra regresó a nuestro país recargados y el grito “¿están listos?” dio paso al dinamismo de ritmos funk, ska, blues y jazz. Así mismo, la velocidad del aire se concentró en los instrumentos de viento para deleitar al público con una sesión de improvisación a través del capturador sonido de los saxofones. La banda convirtió el festival en un carnaval que se vio dibujado por papeles y listones de colores, así como el performance que se vio representado con las bailarinas y disfraces que ocupó la banda. El colectivo se despidió después de transmitir su “mensaje de amor y alegría” y se declaró enamorado de nuestro país.

El aprecio que le tiene el público mexicano a Connan Mockasin fue evidente. El intérprete dio un concierto diferente a lo que se esperaba. Comenzó con un cover a “I Will Always Love You” de Whitney Houston, pero después el show se convirtió en un juego entre el músico, su banda y el público. Ruidos con la boca, bailes sensuales y bromas sobrepasaron a la música. Sin embargo, hubo momentos en que pudimos disfrutar del sonido introspectivo de canciones como “Forever Dolphin Love”, “Why Are You Crying?” y “I’m the Man, That Will Find You”.

El calor iba disminuyendo con el atardecer, pero el baile continuó con Chancha Vía Circuito que dio uno de los sets más disfrutables. “América Latina sea unida hermanos” fue una frase que tomó un gran sentido durante su presentación, ya que con una fusión de ritmos ancestrales de Brasil, Bolivia y Colombia mezclados con electrónica, cumbia, cantos y gritos, la agrupación logró transformar siglos de tradición en un momento de paz y abundancia.

La noche se iba transformando y el sol tomó una forma gigante, colocando sus últimos destellos dorados sobre la tierra, al mismo tiempo que un tono negro pintaba lentamente los campos de agave. Muchos permanecían en la zona de comida y disfrutaban de los conciertos desde ahí, otros exploraban el terreno, pero la mayoría se encontraba esperando a Kelela, quien se transformó en una estrella que brilló durante una hora. La forma en que se apoderó del escenario fue impresionante y nos robó el aliento. La artista salió a entregarse totalmente, en una muestra de talento y aprecio hacia el público mexicano, agradeció ser bienvenida y eso se notó en la conexión que estableció con los asistentes. Su hermosa aura irradió cada rostro, y con su maravillosa voz nos hizo sentir felices. Cabe destacar que presentó un espectáculo completamente diferente a los que había dado en el Festival Ceremonia y Nrmal. Un grupo de bailarinas la acompañó y el DJ con el que ha estado compartiendo el escenario últimamente, para así interpretar éxitos como “Enemy”, “Go All Night”, “Bank Head”, “Rewind”, “A Message” y “LMK”. Pero lo mejor fue cuando nos sorprendió con canciones como “The High”, “Cherry Coffee”, “Bluff”, “Better”, “Take Me Apart” y “All the Way Down”, que no suele cantar. En cuanto a sonido, la vibra fue muy parecida a la de su disco Take Me a_Part, the Remixes, la energía y éxtasis estuvieron en alto cada minuto, convirtiendo su performance en el clímax del festival. Simplemente mágico y difícil de olvidar.

L’Impératrice fue la banda que congregó una mayor cantidad de fans. Proveniente de Francia cautivó con sintetizadores espaciales, y su manera sutil y genuina de producir funk y electrónica acompañada con la dulce voz de la vocalista Flore Benguigui, que se movió por todo el escenario robando miradas. El escenario “Uni” tomó la forma de una discoteca donde las luces y la esencia de finales de los 70 se vieron plasmadas en canciones como “Matahari”, “Là-haut”, “Ma Starlight” y “Erreur 404”.

El acto principal correría a cargo de Toro y Moi, Chaz Bear lucía muy feliz y su actitud positiva se esparció alrededor del ambiente. La confianza escénica que ha ganado con los años ha crecido y se ve muy cómodo sobre la tarima, por lo que la música fluyó naturalmente. El sonido era bastante claro y cada detalle se podía escuchar. La mayor parte del setlist fueron sencillos de su último álbum Outer Peace, “Ordinary Pleasure”, “Fading”, “Freelance” y “Monte Carlo” encendieron la pista, completadas por el ritmo de “Still Sound”, “New Beat”, “Mirage” y “Rose Quartz” que nos dejó con una sonrisa al final. Este fue el final de nuestra cobertura, sin embargo, la fiesta continuó con David August, Stavroz, Romare, Roderic y Monolink hasta que las luces se apagaron a las 5:00 H.

L'impératrice en el Auditorio BlackBerry

L'impératrice: La música como idioma universal.

Lo fundamental de tener una banda, es demostrar tu pasión hacia la música que haces. Cuando esto sucede, es imposible que fracases en tu objetivo: conectar con el público.

Esto fue lo que sucedió este viernes 26 de abril en el concierto de L'impératrice.

Las luces, la propuesta y el ritmo de esta banda de pop-funk francesa, nos dejó sin palabras y sin piernas. A través de cada una de sus notas, provocaron que se moviera cada hueso de nuestro cuerpo. Removió los cimientos del Auditorio BlackBerry.

Los músicos franceses, vienen realizando una serie de conciertos presentando su primer álbum titulado Matahari. Esta banda se formó en el año 2012 en París.

Su alineación original fue Charles de Boisseguin el fundador (teclados), Hagni Gwon (teclados y sintetizadores), David Gaugué (guitarra y bajo), Achille Trocellier (guitarra eléctrica), Tom Daveau (batería). En 2015 se integró al grupo Flore Benguigui con su magnifica voz, la cual nos guió durante toda la noche.

Empezaron su show con un agradecimiento y una muestra de emoción por estar en nuestro país. Como siempre el público mexicano con su gran pasión y un poco de locura, dejó a L'impératrice en shock. Gritos y una tremenda aclamación fue lo que recibió. Gracias a esta respuesta, la banda dio el mejor show que pudo. Y créanme que si fue el mejor.

Al pensar en el nombre de esta reseña, me di cuenta que la música no tiene barreras y por eso decidí titularlo de esta manera.

El día de ayer lo presencié. Vimos a una banda que la mayoría de sus canciones están francés. Y sin importarnos en lo más mínimo (si estábamos diciendo bien las letras o no), todo ese evento musical nos movió y fuimos parte de algo muy grande.

Es impresionante cómo podíamos sentir cada palabra, cada vibración. Crearon un ambiente excepcional. En un principio un poco tranquilo, pero al final todas estas vibraciones explotaron, y se notaba en el público entre brincos, baile y aplausos.

En el momento que empezaron las primeras tres notas de “Agitations Tropicales” todos perdimos el control. Desde el manejo del bajo, hasta esa voz que incluso suena poética, llegamos al clímax del concierto.

Un momento en el que todos cantamos a coro y bailamos con más emoción que en toda la noche. Como sabíamos que venía el final, decidimos disfrutarlo más que nunca.

Un detalle que me gustaría subrayar, es cómo cada uno de los instrumentos de la banda tenía su espacio para brillar. A pesar de ser seis personajes en escena, cada uno logra destacar a su manera. Y es aquí donde nos damos cuenta que cuando una banda tiene química entre sus integrantes, se ve en el escenario. Todos notamos que es el tipo de grupo que comenzó como un proyecto entre amigos en un garaje o lo que sea y hoy recorren el mundo haciendo lo que más les gusta.

Ellos tenían su propia fiesta y nosotros fuimos parte de ella.

Lo hicieron tan bien, que estoy segura que el día de hoy, más de la mitad de las personas que asistieron ayer al concierto, tienen dolor de pies. No pudimos parar de bailar en ningún segundo y eso hizo de este show algo grandioso. Uno de esos que no podremos olvidar jamas.

Hollie Cook en el Foro Indie Rocks!

That party night!

Nada es más reconfortante para el alma en una noche primaveral de viernes que una ligera lluvia y música de Hollie Cook en vivo. La cantante inglesa regresó al Foro Indie Rocks! a casi un año de haber abarrotado dos fechas en el mismo. El resultado fue una grandiosa (y calurosa) fiesta con sus fanáticos.

Más lleno que las filas para ver Endgame (su película de superhéroes en tendencia), el foro me recordó a un lugar de reggae, activo hace una década, del barrio de Cuautitlán Izcalli, donde la hermandad se codeaba y bailaba con música anglosajona, además de perseguir ligues y compartir un poco de marihuana.

El olor a hierba desvaneciéndose alrededor de las 22:20 H. fue una representación de: “que comience la fiesta”. Y sí, el escenario se pintó con los colores de la bandera rastafari, para dar paso a “Postman” del álbum Twice con el clásico intro: “I wish i could walk by your side and be happy the other way”.

Hollie irradiaba a todos con su majestuosa sonrisa, mientras emitía gestos de gratitud. Los gritos de emoción y aplausos estuvieron presentes la noche entera.

“Bienvenidos a mi fiesta”, gritó Hollie emocionada. Enseguida el público se dejó llevar con icónicas canciones como “Looking for real love” y “Milk & Honey”. Ella me transportó en el tiempo para imaginarme la belleza del contacto humano, la fortuna de tener amigos que te compartían música durante algunos viajes en carretera; todo resumido a la escala máxima de la buena vibra. La música de la talentosa inglesa se hizo para celebrar el amor a la vida.

La esencia del reggae puede verse a través de esos recuerdos de oro, así como en la presencia de Hollie, que mostraba su sencillez y carisma en cada canción. Sonó “Stay Alive” y otros temas de su más reciente álbum Vessel of Love.

La reciprocidad de la artista y sus fanáticos mexicanos fue lograda. Ella agradeció hasta el cansancio por haber estado con ella todo este tiempo de su carrera como solista, enfundó un pañuelo y limpió lágrimas de su bello rostro. Para concluir sonó otra canción, quedando como recordatorio de un festejo en grande, tanto para todos los que volvieron a ver a Hollie Cook en su regreso a la CDMX, como para los que la vieron por vez primera la noche del 26 de abril de 2019 en el Foro Indie Rocks!.

No se pierdan a Hollie Cook hoy en festival Tierra Beat.

Paz y amor para todos.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos este top con los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Mucha música se ha estrenado en este 2019, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 22 al 28 de abril de 2019. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como “Eagle Birds” de The Black Keys; “El afecto afecta”, tema que vendrá incluido en Fronda de Apache O'Raspi y mucho más.

Escúchalos a continuación y no olvides decirnos cuál es tu favorito en nuestras redes sociales:

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Toro y Moi en el Auditorio BlackBerry

Cuando la emoción se vuelve música y color.

La primera vez que fui a un concierto tenía alrededor de 15 años y un amor por el hardcore que nunca se fue. En aquella ocasión recuerdo haber sentido una excitación en el pecho y cierta electricidad correr a través de mi cuerpo al escuchar las guitarras estridentes sonar por los amplificadores. El show de ayer por parte de Chaz Bear y su banda me hicieron revivir aquel sentimiento.

A las 20:59 H. Clubz salió al escenario y nos regaló un show un tanto desabrido. Con el venue a mitad de su capacidad, la gente que llegaba al evento se mostraba apática y eso terminó contagiando la dinámica en la tarima de la banda mexicana que, solo al final de su show y con la ayuda de Girl Ultra en un par de canciones logró sentirse medianamente en el ambiente.

Pasaron algunos minutos después de que Clubz agradeció y a las 22:17 exactamente las luces se apagaron y el espectáculo de Toro y Moi inició.

Con un setlist lleno de éxitos de su más reciente producción y tracks de sus discos anteriores, Chaz logró conectar con el público de una manera sublime. El sonido por momentos llegaba hasta las fibras más profundas de cada persona ahí reunida y el magnífico juego de luces terminó por llevarnos a un espacio lleno de baile y música.

La música de Toro y Moi es única en su tipo y puede identificarse desde los primeros acordes, la gente responde al primer sonido y los movimientos se acompasan de una manera tan natural que parecen coreografías aprendidas desde los primeros años de edad. Temas como “Ordinary Pleasure”, “Fading”, “Freelance” y “So Many Details” convirtieron hasta al más taimado de los asistentes en bailarines desenfadados y libres de prejuicio que gozaban de contonearse y mover sus cuerpos al ritmo de un chillwave exquisito. Con una mezcla de emociones y atmósferas el show no defraudó, además de la actitud carismática y seductora de Chaz que en todo momento agradecía al público, incluso bajando del escenario y dando la mano a quienes se encontraban contra la valla de seguridad.

La banda en vivo fue simplemente maravillosa y la voz de Chaz se mantenía en un nivel que raya la perfección. Lamentablemente todo lo que empieza debe terminar y con “Rose Quartz” la presentación de Toro y Moi en el Auditorio BlackBerry llegó a su fin con el corazón de quien escribe esto lleno de colores y sonidos.

Semana IR! 2019: TR/ST lanza el video de "Gone"

Mira el misterioso clip que TR/ST creó con el director Jordan Hemingway.

Hace solo unos días, el proyecto canadiense publicó su tercer álbum de estudio, la primera parte de The Destroyer, y anunció fecha en México como parte de la Semana Indie Rocks!. Ahora la agrupación liderada por Robert Alfons ha revelado un nuevo video relacionado con su reciente material.

El clip que acaba de estrenar TR/ST es para "Gone", uno de los sencillos promocionales de su reciente disco. Esta fue la canción que acompañó el anuncio del álbum y el primer sencillo que el grupo sacó en 2019. El tema fue uno de los favoritos entre sus seguidores, junto a "Unbleached" y "Bicep".

El video estuvo dirigido por Jordan Hemingway, cineasta estadounidense conocido por su trabajo en documentales y arte fotográfico. Esta no es la primera vez que el artista de Nueva Jersey colabora con músicos, ya que fue él quien estuvo a cargo de la portada del sencillo "Noid" de Yves Tumor.

En el video podemos ver diferentes imágenes que nos producen una extraña sensación de claustrofobia y miedo, pero también hay un atractivo visual indiscutible.

TR/ST visitará nuestro país el viernes 7 de junio, pues es parte del lineup de la Semana Indie Rocks!. Otros de los artistas que celebrarán los 13 años de la revista son Cuco, Lee Fields, Atari Teenage Riot, Inner Wave y Cloud Nothings.

Mira el video de "Gone" justo aquí:

"Mulholland", el nuevo sencillo de James Blake

Como parte de la versión deluxe de Assume Form (2019), el músico británico liberó en formato digital un nuevo sencillo.

Hace unos meses, el cuarto material discográfico de James Blake llegó a nuestros oídos. Con colaboraciones con Travis Scott, André 3000, Rosalía, entre otros, Assume Form (2019) se posicionó con muy buena críticas en distintos medios. 12 canciones podrían parecer suficientes para este nuevo capítulo; sin embargo, hoy el músico nos deleita con uno más.

"Mulholland" es el bonus track que vendrá en el formato vinilo de su cuarto álbum de estudio. Afortunadamente, James Blake se apiadó de nuestras almas (y bolsillos). Y ya podemos encontrar este sencillo en versión digital. Aquí se los compartimos.

Con beats marcados que contrastan con la suavidad de la melodía y la sutileza de los vocales, el compositor británico nos presenta este track que le pone la cereza al gran pastel que representa Assume Form (2019). 13 canciones nos dejan ver un lado distinto del músico británico.

Para todos aquellos que quieran adquirir la versión en vinilo de este material discográfico. La preventa ya se encuentra activa en el sitio oficial, y estará disponible a partir del 10 de mayo. Pero para aquellos que no, les dejamos la versión deluxe de este gran disco. 

“Essentially”, lo nuevo de Japanese Breakfast

La músico coreano-estadounidense nos sorprende con música nueva.

Japanese Breakfast, el proyecto musical de Michelle Zauner, compartió un adelanto del trabajo que ha estado realizando estos últimos meses, se trata de su nuevo single “Essentially”. Esta es una canción original creada para el sello discográfico W Records, y la primera después de dos años de la publicación de su último material discográfico Soft Sounds from Another Planet (2017).

En este tema, lo que más resalta es la voz de la cantante, la cual es contrastada por ritmos suaves experimentales. Una canción muy disfrutable que habla sobre el amor.

“Originalmente iba a grabar una canción diferente, pero decidí escribir algo sobre la marcha una vez que llegué a Bali. Me gusta el reto de escribir y arreglar rápida e intuitivamente a veces, y acababa de comprar una máquina de instrumentos nativa y quería explorar muchas de las librerías de muestras con las que venía y trabajar en los sintetizadores que había en el estudio. Era un lugar muy idílico para trabajar. Suelo grabar en estudios fríos, así que Bali fue un cambio bastante glamuroso", comentó Japanese Breakfast en una conferencia de prensa.

Te compartimos el sencillo titulado “Essentially” a continuación:

Bikini Kill ofreció su primer concierto en 22 años

La agrupación regresó a los escenarios para estremecer el Hollywood Palladium de Los Ángeles.

Bikini Kill fue una banda que brilló en la década de los 90 por su sonido punk rock, pero sobre todo por ser uno de los abanderados del movimiento Riot Grrrl. La última presentación que se tenía registrada de los originarios de Olympia, Washington fue en mayo de 1997, donde sacudieron a sus fanáticos japoneses en el Guilty de Tokyo.

Tras años de su disolución, y una breve presentación en 2017, la banda anunció algunos conciertos de reunión. Siendo la primera en el Hollywood Palladium de Los Ángeles. Sin más que esperar, Kathleen Hanna, y compañía subieron al entarimado para hacer lo que mejor saben, poner a su público a gritar y cantar con su agresividad y potencia. A lo largo de la velada, dieron un recorrido conciso por su repertorio, en el que interpretaron temas de sus cinco álbumes de estudio.

Por ahora, el conjunto solo tiene programadas estas fechas en el mes de mayo y junio, en Inglaterra y un par más en Nueva York, por lo que aún existen interrogantes en torno a la duración de esta gira de reunión, o si es un regreso oficial a la escena musical, que pueda verse materializado con un nuevo material discográfico.

Checa algunos de los mejores momentos del concierto, grabados por los asistentes y el setlist completo de su presentación.

  1. "Carnival"
  2. "New Radio"
  3. "Jigsaw Youth"
  4. "Don’t Need You"
  5. "Feels Blind"
  6. "I Hate Danger"
  7. "In Accordance To Natural Law"
  8. "Demi Rep"
  9. "Reject All American"
  10. "Alien She"
  11. "No Backrub"
  12. "Sugar"
  13. "Hamster Baby"
  14. "Tell Me So"
  15. "This Is Not A Test"
  16. "Capri Pants"
  17. "Resist Psychic Death"
  18. "Rah! Rah! Replica"
  19. "Outta Me"
  20. "For Only"
  21. "Distinct Complicity"
  22. "Magnet"
  23. "Rebel Girl"
  24. "Lil’ Red"
  25. "Double Dare Ya"
  26. "Suck My Left One"
  27. "For Tammy Rae"