Khruangbin anuncia versión dub de 'Con Todo El Mundo'

Hasta El Cielo nos presentará nuevas versiones de los temas de Khruangbin.

Hace un año el trío texano publicó su segundo álbum de estudio, Con Todo El Mundo, un disco que sorprendió a la crítica y los puso como uno de los proyectos más interesantes de la música psicodélica. El disco fue un material tan importante para el grupo que ahora se ha anunciado el lanzamiento de la versión dub de todas las canciones.

Un post en redes sociales publicado en mayo comenzó los rumores de que Khruangbn había grabado un nuevo disco junto al músico Leon Bridges. Después de una larga espera y muchas deducciones por parte de sus seguidores, el día de hoy por fin sabemos de lo que se trata.

La agrupación estadounidense ha revelado los detalles de Hasta El Cielo, disco que incluirá nuevas versiones de recientes temas y dos bonus tracks por parte del productor jamaiquino The Scientist. Este material saldrá el próximo 12 de julio a través del sello discográfico Dead Oceans.

Esto fue lo que dijo Khruangbin sobre su siguiente lanzamiento."Para nosotros, el dub siempre se ha sentido como una oración. Espacioso, mediativo, capaz de transportar al oyente a otro reino. Los primeros discos de dub que escuchamos fueron discos mezclados por The Scientist con la música de Roots Radics. Laura Lee aprendió a tocar el bajo escuchando a Scientist Wins the World Cup. Su estilo de mezcla único, con el énfasis en el espacio y la textura, crea la sensación de tiempo congelado; Fue una gran influencia para nosotros como banda. Poder trabajar junto a The Scientist, una leyenda en la historia del dub, es un honor”.

También la banda compartió un primer adelanto con "Mary Always", que es una nueva versión de "María También". Puedes escuchar ambas justo aquí:

El Cadillac de Chuck Berry, intrigante pieza del Smithsoniano

¿De dónde surge tal fascinación por el Cadillac Eldorado de Chuck Berry?

El cantante es una de las figuras más importantes en la historia de la música estadounidense, pues trazó el camino de varias generaciones de guitarristas y es considerado como el padre del rock & roll. Chuck es uno de los músicos más famosos del siglo XX, así que no es algo extraño que sus guitarras sean piezas dignas de exhibición. Pero ¿por qué su auto permanece en uno de los museos más importante de Norteamérica?

El valor de una sociedad recae en su cultura y su pasado, pues son los factores que determinan la identidad colectiva y asientan el terreno de lo que somos y lo que podemos ser. Para Estados Unidos, el rock & roll y los autos son dos de sus emblemas, fieles representaciones del ímpetu norteamericano. Pero también hay una extraña relación, casi obsesiva, entre estos dos, y el culpable de eso es Chuck Berry.

En la década de los 50, la gente quería olvidarse de la guerra y el rock & roll era perfecto para eso. La música fuerte y la introducción de los motores V8 de alta compresión por parte de Cadillac fueron la combinación perfecta para que se creara una nueva cultura entre los jóvenes. "Johnny B. Goode" se escuchaba en las carreteras, con autos que ya pasaban sin problema los 100 kilómetros por hora. Una expresión total de la libertad.

En la sección de Arte y Cultura Afroamericana del Instituto Smithsoniano, junto al vestido de Rosa Parks y botones de la campaña de Barack Obama, se resguardan dos de los objetos más preciados de Chuck Berry: su guitarra Maybellene y su Eldorado convertible. Tiene sentido tener ambas piezas, pues el músico no solo cambió el destino de la música con su guitarra, también condujo a su público lejos del odio, la segregación y la sociedad conservadora a bordo de su Cadillac.

Exclusiva: Entrevista con Clinic

Todos los días es un día de mierda.

Hace poco todos los organismos de Clinic lanzó un álbum nuevo después de siete años sin compartir música nueva… Pero el disco es tan demencialmente bueno que de alguna manera pudimos contactar a Blackburn "Ade" para platicar de esas cosas extrañas de la vida.

Cuando platicamos por teléfono con “Ade”, este canijo andaba rifando la vida en Crosby, un pueblito costero al norte del centro de Liverpool disfrutando de un raro clima cálido y agradable, pasándola de súper lujo para variar. Quizás por eso lo encontramos de buenas y nos trató de la manera más cordial posible, es un sujeto muy amigable.

¿Siete años de inactividad?

“Bueno nosotros decidimos tomarnos ese tiempo. Mientras tanto Hartley y yo lanzamos un disco e hicimos algunos shows bajo el nombre de Higher Authorities, pero también hicimos unos shows esporádicos con Clinic”, revela Blackburn.

Y es que hay que ver más allá de las redes sociales y los medios musicales, compas. Pensar que en esos siete años no hicieron absolutamente nada de sus vidas y se quedaron mirando al suelo sin hacer nada musicalmente, es muy tonto. Además, el disco que sacaron Hartley y “Ade” como Higher Authorities está bastante cerdo.

Muchas veces solemos ser muy fatalistas, pensar que nuestra banda favorita ya murió o está a punto de morir por la falta de actividad en sus redes sociales o porque no se habla de ellos en tu blog musical es estar muy acostumbrados a la inmediatez de las redes sociales y eso hace daño.

“Siete años es mucho tiempo. Pero me pareció sorprendente que cuando anunciamos este álbum había mucha gente esperándolo y bastante de México. Eso es muy halagador. Pero en el transcurso de esos años abandonamos nuestras redes sociales, de cualquier manera, nosotros no somos nuestras redes sociales, ¿sabes?”, dice “Ade”.

La voz principal de Clinic, después de ese comentario, confesó que tiene muchas ganas de regresar a México y lo más pronto posible, espera que dentro de poco alguna promotora los contacte. Tomen nota si es que están leyendo esto.

El regreso al estudio

“Regresar el estudio fue bastante bueno y un poco extraño, como algo que nunca has hecho en tu vida, incluso cuando no ha pasado tanto tiempo sin hacerlo. Se siente como si estuvieras en un estudio por primera vez y eso es exactamente lo que quieres sentir cuando regresas”, nos confiesa Blackburn.

Wheeltappers and Shunters es un gran regreso y “Ade” nos hace creer, con sus palabras, que de verdad fue más una cuestión de liberación espiritual ese receso de música nueva. Pues el resultado de ese breve receso del estudio fue muy fructuoso para estás mentes creativas.

“En realidad, ya nos estábamos acostumbrando a hacer álbumes cada dos años, supongo que nos aburrimos de esa rutina y quisimos cambiar un poco. Y creo que tomarnos ese tiempo hizo que grabar el nuevo disco fuera tan divertido”, “Ade” justifica esos siete años sin música nueva.

Escuchar su última entrega de principio a fin es casi una experiencia religiosa y, por más corto que sea, hay grandes momentos, enormes tracks, sonidos destroza cerebros y letras espantosamente buenas. Seguramente, cada quien, tendrá su parte favorita y estás son las partes favoritas de “Ade”.

“Mi parte instrumental favorita está en 'Ferryboat of the Mind', es un poco cálida, pero también es muy oscura, es casi completamente instrumental y por eso se me gusta mucho. Y mi letra favorita es ‘todos los días son un día de mierda, D.I.S.C.I.P.L.I.N.A., oh, oh, eso todo lo hay, ah’”, contesta satisfactoriamente el vocalista.

Clinic en concierto

“Una vez nos disfrazamos con trajes y sombreros de guardias, como si estuviéramos en la milicia… creo que ese ha sido mi disfraz favorito”, recuerda “Ade” su vestimenta favorita en concierto.

Durante toda su carrera, Clinic, ha usado distintos modelos de vestimenta para satisfacerse a sí mismos y a su público, pero además de la producción, hay muchos detalles musicales que tienen planeados para próximos conciertos.

“Nuestro regreso al escenario ya comenzó, hace poco tocamos en Liverpool y también hicimos una sesión para la BBC. En próximos conciertos estaremos usando diferentes vestimentas y planeamos hacer algo muy distinto en vivo de lo que hemos estado haciendo en el pasado”, comparte “Ade”.

Por cierto, “Ade” recomienda escuchar la sesión que se aventaron en la BBC porque ahí viene parte de lo que tiene planeado musicalmente para próximos conciertos. Por otro lado, esperamos que pronto vengan a México ya sea en festival o en concierto solos… pero más en concierto solos.

“Me gusta más hacer nuestros propios conciertos, aunque sea más complicado. En festivales es más sencillo porque no tenemos que organizar nada, pero lo que pasa con la música no pasa de la misma manera en festivales que en nuestros propios shows. Podemos decidir con quien compartir escenario y eso lo hace más especial que ser parte del cartel en un festival”, confiesa “Ade”.

Es cierto que con el lanzamiento del nuevo disco, por este lado del globo, andamos muy emocionados y nos derretimos por verlos ya, pero aquí no importa lo que nosotros queramos… ¿Qué quieren ellos? Y ¿Dónde quieren ir a tocar?

“Nunca hemos ido a Islandia, me gustaría que tocáramos ahí en un futuro muy cercano”, revela el tecladista, vocalista y guitarrista.

"Rock The Casbah", el single que persiguió a Joe Strummer

Conoce la historia de "Rock The Casbah": el boom de The Clash, la guerra del Golfo y el conflicto de Joe Strummer.

Cuando una banda publica una canción, puede que tengan un objetivo o ciertas pretensiones, pero nunca se sabe lo que va a suceder y no es algo que puedan controlar. No tienes poder sobre tu fama y tampoco no puedes hacer nada si la gente malentiende o altera tu mensaje. Compartir tu música es dejar tu trabajo en las manos de todo público, para bien o para mal.

Un 11 de junio de 1982, The Clash publicó "Rock The Casbah", el segundo sencillo de Combat Rock. Para ese momento, la banda ya tenía una carrera estable en el Reino Unido e incluso figuraba en las listas de Estados Unidos, pero a pesar de eso no se les podía considerar como parte del mainstream.

La canción hablaba sobre el dictador Ayatollah Khomeini y su prohibición de la música rock en Irán. La idea era simple, hacer una sátira de los gobiernos del medio oriente que decían cuidar a los ciudadanos de la decadente cultura occidental. Sin embargo, el grupo jamás pensó que este sería un tema casi maldito y el que más conflictos les causaría.

Hubo dos asuntos que molestaron Joe Strummer: la fama y el dinero que generaba; y tiempo después que la canción fuera usada para bombardear a Irak durante la guerra del Golfo. 

The Clash logró llegar por primera y única vez a los primeros 10 lugares en Estados Unidos con "Rock The Casbah", fue el tema más grande y exitoso en la carrera carrera de los británicos e incluso en su momento superó a "Should I Stay Or Should I Go", tema con el que ahora son conocidos por las nuevas generaciones. Suena absurdo que alguien tenga problema con la popularidad y sus beneficios, pero Strummer llevaba detrás de él la filosofía punk y no le gustaba hablar de rebeldía mientras ganaba millones. El conflicto fue tal que Joe pensó seriamente dejar al grupo.

Lo siguiente ocurrió años después a principios de los 90 cuando Estados Unidos y su coalición de las Naciones Unidas invadió y bombardeó sin cesar a Irak por su invasión al estado de Kuwait. Los soldados estadounidenses tergiversaron el mensaje de The Clash y lo convirtieron en el himno de la fuerza norteamericana. Aunque Joe Strummer ya estaba trabajando en solitario, la noticia de que las bombas tuvieran escrito "Rock The Casbah" le afectó bastante.

En 2007, en el documental Joe Strummer: The Future Is Unwritten, un amigo suyo de Granada dice que Strummer lloró cuando escuchó que la frase "Rock the Casbah" estaba escrita en las bombas que iban a ser detonada en Irak.

La música es libre, esa es su naturaleza, no podemos impedir que a alguien le guste cierta canción ni tampoco que la usen o la canten. Así como un Donald Trump puede usar a The Rolling Stones, un hombre pacifista como Strummer termina siendo parte del "soundtrack" de una guerra. Lo único que podemos hacer es contar las historias y esperar que se respeten los ideales del artista.

 

The Chemical Brothers lanzará versión deluxe de 'Surrender'

El dúo de música electrónica está preparando una edición deluxe para el 20 aniversario de uno de sus álbumes más emblemáticos, Surrender (1999).

Para la conmemoración de este proyecto, Tom Rowlands y Ed Simons han decidido lanzar tres versiones diferentes, todas incluirán los 11 temas originales de Surrender y la versión remix de las mismas pistas, además de material inédito que el dúo tiene preparado para sus fanáticos. Las otras ediciones, incluirán un DVD con videos promocionales, la grabación de su presentación en Glastonbury en 2000, y un vinilo de Electronic Battle Weapon. A continuación te compartimos el costo de cada una de las ediciones:

2 CDs $325.25

3 CDs + DVD $956.61

4 LPs + DVD $2,066.27

Esta edición deluxe estará disponible a partir del 18 de octubre a través de Virgin EMI. Si estás interesado, puedes ordenarlo en el sitio web de The Chemical Brothers.

El dúo británico, aprovechó para compartir el video musical de su sencillo “Eve Of Destruction”, tema perteneciente a su más reciente larga duración: No Geography. También, anunció las primeras fechas de su nuevo tour.

28 Junio: Eden Sessions, Cornwall
29 Junio: The Other Stage, Glastonbury Festival
24 Agosto: Creamfields, Daresbury
21 Noviembre: Leeds First Direct Arena
22 Noviembre: MEN Arena, Manchester
23 Noviembre: Hydro, Glasgow
28 Noviembre: Motorpoint Arena, Cardiff
29 Noviembre: Barclaycard Arena, Birmingham
30 Noviembre: O2 Arena, London.

Frank Ocean confirma vinilo de 'Channel Orange'

Descubre a continuación todo lo que reveló el cantautor estadounidense en una reciente entrevista.

Frank Ocean ofreció una dinámica entrevista para la revista Dazed, la cual consistía en que en artistas de la industria musical enviaran sus preguntas para que fueran respondidas por el mismo cantante. Rosalía, John Waters, Arca, Big Freedia, Matt Ox, y muchos otros fueron partícipes de esta dinámica que logró descubrir aspectos importantes de la carrera musical del compositor estadounidense.

El artista Billy Porter preguntó: "¿Cómo estás navegando en el negocio de la música? ¿Te sientes marginado? Si es así, ¿por qué crees que este es el caso?". A lo que el músico respondió: "Navego bastante suave hasta ahora. En todo caso mi vida personal necesita el GPS a veces".

Por otra parte, el músico Nile Rodgers preguntó a Ocean que cuándo saldrá el vinilo de Channel Orange, a lo que el músico respondió: "Tan pronto como sea posible". Cabe recalcar que desde su lanzamiento en 2012, esta ha sido una pregunta que ha retumbado constantemente en los oídos del cantante.

Esta sería la primera edición en vinilo de Channel Orange, el primer álbum de Frank Ocean, el cual definió su estilo y carrera musical, mismo que le dio el reconocimiento de mejor artista. Un proyecto que muchos estamos deseando poseer en un formato diferente.

Nombran calle en honor a Notorious B.I.G.

Laurie Cumbo, miembro del Consejo de Nueva York, hizo oficial el nombramiento de una calle de Brooklyn en honor al rapero estadounidense.

A partir del lunes pasado, la intersección de St. James y la calle Fulton en Brooklyn, Nueva York, se llama como uno de los mejores raperos de todos los tiempos: Christopher 'Notorious B.I.G.' Wallace Way. La propuesta aceptada noviembre del año pasado se hizo oficial con una emotiva ceremonia. Donde asistió Laurie Cumbo, miembro del Consejo de Nueva York, junto con la madre y amigos del rapero.

"Nosotros creamos este municipio, y Biggie Smalls creó la banda sonora de la inspiración", Cumbo mencionó en su discurso. Y es cierto. Las letras del rapero solían hablar de la vida en su natal Brooklyn. Desde las pandillas, el crimen y las drogas; hasta los anhelos de querer algo más.

Con una corta trayectoria, Notorious B.I.G. logró posicionar su flow pausado en el gusto de muchos. Logrando, con solo dos discos de estudio —previos a su deceso—, el reconocimiento como uno de los artistas más influyentes dentro de la escena del hip hop y el East Coast rap.

Esta no es la primera vez que Biggie es homenajeado de esta manera. Ya que, hace dos años, la cancha de baloncesto que el rapero frecuentaba de pequeño, fue nombrada como él. Ambas conmemoraciones enfatizan el valor simbólico que estos lugares tuvieron para el músico. Sitios que vieron crecer e inspiraron al músico detrás de grande éxitos como "Juicy" o "Hypnotize".

Band of Skulls — Love Is All You Love

De los riffs a la pista de baile.

La agrupación Band Of Skulls, originaria de Inglaterra y formada en el 2008, nos presenta Love is All You Love, su quinto álbum de estudio. Bajo las mentes creativas de Russell Marsden y Emma Richardson, el compilado de 10 canciones incluye una mezcla de sonidos rock, por el cual la banda es conocida, pero a diferencia de sus primeras producciones, en este disco los tracks son más optimistas y contienen influencias de ritmos pop y electrónicos.

A pesar de no contar con el baterista original, Matt Hayward, Band Of Skulls nos muestra su evolución como maestros para la pista de baile, en esta ocasión, bien podrían compararse con el lado más suave de The Black Keys.

El nuevo sonido se establece desde la primera canción “Carnivorous" inspirado en el rock gótico y donde los sintetizadores abren paso para la pista de baile. El ritmo del bajo y de la guitarra se suman para complementar el track. Es desde este momento que el sonido desgarrador de las guitarras parece desaparecer para dar paso a un sonido más eufórico del que le conocíamos a la banda.

"Cool Your Battles”, el primer sencillo del álbum, es una canción de protesta disfrazada de un éxito de la radio, y es que tendrás que escuchar varias veces la pista para prestar atención a la letra e ignorar el sonido pegadizo que la acompaña. En palabras de la banda es un “grito antiguerra por nuestros tiempos turbulentos”.

“Sound Of You” es una canción sexy, la voz de Richardson se une de forma suave y armónica para regalarnos una de las mejores canciones del álbum.

That's My Trouble es probablemente la única canción que te recuerde a las producciones pasadas de Band Of Skulls, con una poderosa guitarra acompañando las potentes voces de Richardson y Marsden podemos encontrar un sonido que bien te remitirá a “I Know What I Am” de su producción del 2009, Baby Darling Doll Face Honey.

El contraste es notorio con We're Alive una canción más bien pop, un pop que desafía los límites de lo que actualmente escuchamos en la radio sin dejar de parecer “muy comercial” para lo que conocíamos de la agrupación. El último track del álbum es “Gold”, una pista oscura pero totalmente bailable y divertida de escuchar, aunque no resulta un tema memorable.

Love Is All You Love es un álbum con el entusiasmo que actualmente escasea en la sociedad y que acorde tras acorde intenta confrontar los tiempos de de ansiedad y depresión que rodean al Reino Unido, sin embargo, si esperas escuchar pistas similares a las de otras producciones de Band Of Skulls este no es el álbum para ti.

M.I.A. recibirá su título por parte de la Reina

Con su MBE la artista M.I.A. se une a músicos como John Lennon y George Harrison.

Se acaba de revelar que la cantante británica será galardonada en la lista de honores por el cumpleaños de la Reina Isabel II. La artista ha mostrado a través de redes sociales su emoción por el reconocimiento y menciona que le dedicará la medalla a su madre.

M.I.A. será honrada por sus servicios a la música con un MBE que se traduce como el reconocimiento de Miembro de la Orden del Imperio Británico. A pesar de la medalla, no se le añade a Mathangi Arulpragasam el título de Dame que es el equivalente a Sir en hombres, pues ese se recibe después obtener el CBE.

 

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La cantante respondió con un post en Instagram, donde le rindió homenaje a su madre, quien pasó gran parte de su vida trabajando en la fabricación de esas medallas. "Me siento honrada, significa mucho por mi madre. Quiero honrar lo que mi madre pasó muchas horas de su vida haciendo. Es una de las dos mujeres en Inglaterra que cosieron estas medallas a mano durante los últimos 30 años. Después de recibir asilo, mi madre y mi prima tomaron este trabajo en 1986, porque era el único trabajo manual que pudieron encontrar. Pasó su vida cosiendo a mano miles de medallas para la Reina. No importa cómo me siento o lo que pienso, mi madre estaba extremadamente orgullosa del trabajo que tenía. Es una situación muy especial para mí, pues puedo formar parte de su trabajo".

También M.I.A. compartió con orgullo la última vez que un compatriota Tamil recibió un reconocimiento de la Orden Británica.

 

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'Lost Girls', el nuevo álbum de Bat For Lashes

Bat For Lashes revela detalles sobre su nuevo álbum de estudio y comparte su primer adelanto musical.

El proyecto liderado por Natasha Khan anunció a través de sus redes sociales que, el próximo 6 de septiembre a través de AWAL Records, lanzará el sucesor de The Bride (2016). Se trata de Lost Girls, un LP de 10 canciones que reflejará una vez más la esencia de la cantautora.

Este nuevo material está inspirado en Los Ángeles, lugar en el que residió Khan durante su infancia en la década de los 80. Un álbum que reflejará amor, y sobretodo nostalgia.

Aprovechando esta publicación, Bat For Lashes compartió "Kids in the Dark", el primer adelanto de lo que podremos escuchar en esta producción discográfica. Un melódico tema cargado de fuerza que se refleja en la voz de la cantante, acompañado de sintetizadores que le dan un ritmo bailable. Da play para escucharlo a continuación:

Si estás interesado en este material discográfico, podrás ordenarlo a través del sitio web de la cantante. A continuación te compartimos la portada y el tracklist que conformará este nuevo álbum de estudio:

Tracklist de Lost Girls 

  1. "Kids in the Dark"
    2. "The Hunger"
    3. "Feel For You"
    4. "Desert Man"
    5. "Jasmine"
    6. "Vampires"
    7. "So Good"
    8. "Safe Tonight"
    9. "Peach Sky"
    10. "Mountains"