Vampire Weekend presenta 3 bonus tracks de 'Father Of The Bride'

Posted on febrero 28, 2020 by -

¡Sorpresa! Escucha aquí 3 bonus tracks de Father Of The Bride de Vampire Weekend.

La banda estadounidense, Vampire Weekend, ha compartido el día de hoy tres canciones que aparecen en la edición japonesa de su cuarta producción discográfica lanzada el pasado 2019, Father Of The Bride.

La primera pieza de esta colección es “Houston Dubai” y es una canción que esta compuesta por un vigorozo rasgueo de guitarra, palmadas, percusiones de pisadas y la inconfundible voz de Ezra. Esta es la única pieza original de los tres sencillos.

“I Don’t Think Much About Her No More” es la segunda canción del material extra que nos comparten Ezra Koenig y compañía y se trata de una versión tierna del éxito de 1968 perteneciente a Mickey Newbury.

Por último la agrupación nos comparte “Lord Ullin’s Daughter”, una pieza que cuenta con la colaboración del reconocido actor Jude Law leyendo un poema escocés del siglo XIX.

Vampire Weekend lanzó Father of the Bride en mayo del año pasado, marcando su primer álbum desde Modern Vampires of the City en 2013. Este álbum les permitió ganar el mes pasado un Grammy como Mejor Álbum de Música Alternativa, y una nominación para Álbum del Año. Lee la reseña aquí.

 

Harry Styles comparte video para "Falling"

Posted on febrero 28, 2020 by -

Mira como la melancolía se apodera de Harry Styles en "Falling".

A tres meses del lanzamiento de su segundo material discográfico Fine Line, Harry Styles compartió el video del sencillo "Falling". Con una duración de casi cinco minutos, el clip estuvo a cargo de la dirección de Dave Meyers. 

De alguna forma se aprecia que el clip inicia con el final, donde Harry está sentado en el suelo, mojado y con un rostro inundado en melancolía y tristeza. Al cambiar de toma el músico comienza a cantar la funesta melodía mientras es acompañado por un piano antiguo.

La letra de la canción se plasma en algunas partes del video, justo cuando Styles da un sorbo a su trago y posteriormente continúa tocando hasta que el agua que se encuentra en el interior del piano comienza a desbordarse para apoderarse de la habitación y del mismo Harry. Finalmente el compositor cede ante la presión del agua que metafóricamente podría ser el peso de las decisiones que tomó tal y como lo expresa la canción.

El intérprete de "Adore You" anunció un par de fechas a finales de octubre en el Madison Square Garden de Nueva York, dando así un gran paso en su trayectoria musical como solista. Recuerda que Harry Styles visitará la Ciudad de México el próximo sábado 3 de octubre para promocionar Fine Line en el Foro Sol. Aún quedan algunos tickets disponibles, lee aquí nuestra agenda para obtener mayor información.

Noel Gallagher estrena la canción “Come On Outside”

Posted on febrero 28, 2020 by -

Noel Gallagher's High Flying Birds ha presentado un nuevo sencillo titulado “Come On Outside”.

Continuando con la promoción del lanzamiento de su próximo EP, Blue Moon Rising, Noel Gallagher publicó una nueva canción titulada “Come On Outside”. Es un tema que muestra el lado más humano del compositor, con una letra llena de compasión y empatía.

La canción finalmente llega después de que Noel comenzara a trabajar en ella desde las sesiones del disco Dig Out Your Soul de Oasis. A lo largo de más de una década, ha ido puliendo los detalles para entregarnos el producto final que podemos escuchar ahora. Hace siete años incluso se filtró un demo de Noel Gallagher’s High Flying Birds interpretándola.

El músico británico admitió que quizás “Come On Outside” sea la última gran canción de Oasis. La melodía sí tiene toques que nos recuerdan a la legendaria agrupación y la letra es como un cálido abrazo. Iniciando el track con “To the people lost and lonely, in the fortress of your mind, come on outside. To the people taking shelter on the city streets tonight, come on inside.” Noel nos canta animándonos a tomar otra perspectiva y a encontrar un camino cuando más perdidos creemos estar.

La canción estará disponible junto a los singles previamente lanzados, “Wandering Star” y “Blue Moon Rising” en el EP del mismo nombre que este último, además de un par de remixes. Estará disponible a partir del 6 de marzo. Escucha el nuevo sencillo a continuación.

The Cuckoos — I Hate Love

Posted on febrero 28, 2020 by -

I Hate Love: Hablando de amor con los grandes.

Recordar el pasado no está mal. Recordar el pasado e inspirarte para convertirlo en música es mucho mejor. Es lo que cuatro chicos de Austin, Texas, llamados The Cuckoos intentan hacer con I Hate Love. Con una portada al estilo vintage, y un dibujo (que juega con colores blancos y negros en el que se aprecia a una chica pintándose los labios mientras llora) refleja de manera más explícita lo que nos quiere decir esta banda: El odio al amor sobre todas las cosas.

Sin embargo, más allá del odio, esta desdicha merece ser contada. Para ello, la banda que hasta el momento llevaba grabado entre 7 EPs y singles, decidió reclutar como cómplices a Chris "Frenchie" Smith, productor conocido por trabajar con bandas de los noventas e inicios de los años 2000 como Fastball o The Dandy Warhols en su mismo estudio personal, llamado The Bubble. Pero, lo que más llama la atención, es tener a Gavin Lurssen como el encargado de masterizar las 10 canciones que conforman la producción. Si el nombre no hace ruido, desde ya mencionamos a cantantes como Chris Cornell, Frank Zappa, Sheryl Crow, Iggy Pop quienes solicitaron sus servicios como ingeniero. Tampoco se puede dejar de mencionar a Reuben Cohen, quien también ayudó a masterizar. Fue ganador de un Grammy en el 2010 y tuvo como clientes a artistas como Pharrell Williams, Bruno Mars e Incubus.

Como si no fuese suficiente, la banda liderada por Kenneth Frost hizo una recopilación de vídeos musicales para cada canción del álbum realizado por diferentes artistas que se puede ver en YouTube. Los conceptos en cada video son diferentes pero la banda los une. Con mentes expertas en la producción de este álbum y con material audiovisual que lo respalda, expliquemos a los grandes las razones de porqué The Cuckoos odia al amor. 

La primera canción, "Heartbreak Paradise", es, en palabras del vocalista “un lugar que funciona como un consuelo temporal para aquellos que anhelan el amor pero que no pueden superar lo que han perdido”. Es una buena pista bailable, que coquetea con el dark wave. Cabe destacar que las imágenes de su video musical fueron tomadas del festival Bahidorá del 2017. 

El intro de "Lady Boy" resulta tan Bowie que es imposible no continuar escuchándolo. Sonidos indies se debaten y arman un buen collage que nos hacen preguntar si es bueno tomar como referencia el pasado y sus melodías ochenteras para seguir odiando al amor. Es una de las canciones sobresalientes del trabajo hecho por esta banda estadounidense. 

"We Can Take A Trip To Another Day", la tercera canción del álbum, es cuando más se destaca el sonido psicodélico y la voz desgarrada del vocalista. Asimismo, las referencias a Echo & The Bunnymen y Talk Talk también se pueden percibir. Los guitarrazos no son para nada despreciables, destacan en el momento adecuado. 

Es la canción "Rattle" que recuerda al …Like Clockwork (...Like Clockwork) de Queens of the Stone Age, en la que no hay mucho que decir cuando el odio al amar se vuelca en una combinación de guitarra y batería de la mitad hacia el final de la canción. La furia de no poder amar ni ser amado se condensa. Sin embargo, es mejor vivir el momento y darse cuenta de que nuevas oportunidades, en este caso, amorosas, se pueden asomar. Es lo que "Carpe Diem", la quinta canción de la producción, nos aconseja. Dejar que las cosas fluyan. 

"Why Don't U Ever Call Me Anymore", o ¿por qué ya no me llamas más? en español mantiene la onda psicodélica pero a la vez actual que ha funcionado a grupos como Tame Impala. Si no se comenta que la canción es de The Cuckoos, se diría que es una composición hecha por la banda de Kevin Parker. Es divertida, irónica en cuanto a melodía y título, porque es mejor reír que lamentarnos por conversaciones que, al parecer, no se darán más.  

"I Can't Get Over You" es una balada-oda a la resignación. “No puedo superarte, pero está bien, porque no te quiero”, comenta en español. Se genera un trance con la intervención de la guitarra. El odio al amor se hace más presente. Sigamos hablando de ello en "When The Pale Moon Comes" pero de manera misteriosa y coqueta. Nuevamente el solo de guitarra se apodera de la composición entre verso y verso.
The Cuckoos despierta su lado más pop con "I Wanna Hold You". Es una canción que apela tanto a la nostalgia como al pedir perdón por todo lo hecho. La banda comunica a los grandes de que llegó el momento de decirle a esa persona especial que es único y que todavía hay sentimientos de por medio. El vocalista comunica se rindió ante el amor."It's A Shame", o es una pena, como la última canción del álbum.

Aunque "It's A Shame" es una de las canciones más sobresalientes de la producción, esta pena y arrepentimiento acumulado no sirve de nada. La persona a la que ama se irá. Ya no será necesario hablar más con los grandes, el adiós es definitivo. 

 I Hate Love de The Cuckoos combina sonidos de distintas épocas: el desarrollo de los setenteros solos de guitarras y la psicodelia, entrando al ochentero synth pop, la intervención inteligente de los sintetizadores y teclado, y cómo, en canciones como "I Wanna Hold You" lucir lo noventero del pop. Sin embargo, el unir cinco canciones en una producción que se encontraban como singles solo llega a considerarse correcto o que cumple su objetivo al ser álbum, más no catalogarse como una producción que tenga el potencial de sobresalir o ser recordada. Además, se destaca la similitud en lo vocal que mantiene Kenneth Frost con el frontman de Queens of the Stone Age, Josh Homme. Intencional o no, se pierde identidad al interpretar canciones como "Rattle" o "I Can't Get Over You". Son aspectos que toda banda mejora con el tiempo. Hablar con los grandes, en este caso, también ayuda.

Grimes comparte video para "Idoru"

Posted on febrero 28, 2020 by -

Mira ahora el raro video de Grimes "Idoru".

A una semana del lanzamiento de su último material de larga duración, Grimes compartió el video del sencillo "Idoru". A diferencia del track original, el visual se compartió en una versión ligeramente más corta, sin embargo, ese no fue impedimento para que el clip fuera espectacular.

El video es sumamente dulce y con algunos detalles que simplemente no se pueden dejar pasar. Por ejemplo, la intérprete de "My Name Is Dark" usa un par de penetrantes pupilentes de distintos colores, siendo inevitable dejar de mirar los ojos de la compositora, además del uso de un cosplay repleto de colores pastel. Los pétalos de flores de cerezo dan un toque tierno y angelical al clip mientras la melodiosa voz de Claire hace lo suyo en el mismo, sin olvidarnos de las pequeñas fracciones donde aparecen personajes de ánime.

¡Reproduce "Idoru" aquí!

Aunque el visual se grabó inicialmente como una prueba de cámara, la productora optó por elegirlo como resultado final pese a los detalles que presentó el clip. Además, en una publicación en redes sociales Grimes declaró que el tema fue el favorito de sus seguidores, dejándola satisfecha con el trabajo que elaboró después de cinco años de ausencia.

Con "Idoru", Grimes cierra el lanzamiento del disco Miss Anthropocene, marcando el inicio de una nueva etapa en su vida.

Entrevista con Hinds

Posted on febrero 28, 2020 by -

Hinds: El precio de vivir una pasión puede ser una bonita maldición.

Cuatro mujeres que renunciaron a los encasillamientos musicales y de género, cantando en inglés desde la península ibérica para el mundo, no es precisamente lo que una sociedad conservadora aprueba. En seis años de trayectoria, Hinds ha sobrevivido a la crítica española, ha conquistado países como Inglaterra y Estados Unidos, y ha obtenido mayor seguridad en lo artístico y lo personal. En su tercer álbum de estudio, The Prettiest Curse plasman esta relación agridulce con la música, y se liberan de miedos personales regalándonos un disco más atrevido con líricas en español.

Con peculiar animosidad, Ana García de Hinds platicó con Indie Rocks! desde su casa en Madrid. "Estoy muy emocionada de cómo ha salido todo. ¡He superado mis expectativas que eran muy altas!". Al ser cuestionada sobre el título del álbum (La Maldición Más Bonita), la desenfadada Ana dijo que se refiere a su vida como artistas en la escena musical, pues a pesar de que dedican su vida a hacer lo que más aman, sacrifican el tiempo con la familia, y el tiempo para sí mismas. "The Prettiest Curse se refiere a que nos ha tocado de ser músicas, y sentimos que es una especie de maldición que nos llegó de esa pasión que tenemos, con la sensación de que nada nos haría tan felices como hacer lo que hacemos, pero a la vez perdemos todo lo demás que queremos, es decir, una rutina, una familia, una carrera, las parejas, nuestros novios, nuestras novias"... "Estás constantemente en la carretera, de arriba a abajo, y con jet lag. Para nosotras es eso: una maldición que nos ha tocado por esta pasión y esta vida que llevamos, pero también es la cosa más bonita que nos pudo haber pasado", añadió la compositora.

De acuerdo con Ana este viaje de evolución, experimentación y aventura inició el 10 de enero de 2019, cuando empezaron a componer en Madrid, para después viajar a Londres y Nueva York, en donde terminaron las canciones y grabaron el álbum. Sobre la temática de esta nueva entrega, la española compartió que fue una salida de su zona de confort. "Por primera vez hablamos de cosas que no son solo amor y relaciones, temas que habían sido nuestra zona de confort. Con este disco pudimos hablar de la depresión, de una crisis de identidad, y de ser mujeres en una banda. Estoy muy contenta de habernos lanzado a la piscina y escribir y cantar en español, lo que no habíamos hecho hasta ahora, por miedo, imagino". Según declaró la artista, cantar en español les ha permitido tener una conexión más directa con el público latino, pero también es un aspecto muy apreciado por los anglosajones. Sin embargo, confesó que no es sencillo quedar tan expuesta ante su familia. "También te diré que no es fácil escribir canciones que tu madre entienda (risas). Es un precio que hay que pagar".

Además la madrileña nos contó que en éste disco aprendieron a tocar nuevos instrumentos y se aventuraron a hacer cosas que no habían hecho antes. "Vamos con teclados, y una alineación diferente. Fueron muchos desafíos, que en vez de darme miedo, me dan mucha emoción. Llevamos 6 años tocando en la misma formación, y ahora las canciones son muy diferentes, y se tienen que tocar diferente. Estoy disfrutando mucho de ese cambio, como el tener que aprender a tocar el teclado en un mes".

Ser una banda de mujeres ha sido difícil sobre todo en España, cuenta la artista. "Ha sido muy duro, y donde ha sido más duro ha sido en nuestro país. La segunda canción del disco 'Just Like Kids (Miau)', es una parodia de todas las conversaciones que tenemos a diario con gente de la industria, con amigos o con desconocidos que creen que nos hacen un favor dándonos su opinión sobre nosotras. Todo el mundo intentando opinar y darnos consejos, cuando lo mejor de Hinds es que siempre hemos sido reales". De acuerdo con Ana, en países como Estados Unidos e Inglaterra se les acogió de inmediato, mientras que en su país las reseñas decían que sus presentaciones eran pésimas y su apariencia física nunca era suficiente. "Dejé de leer críticas, porque creo que es un poco tóxico. Que si somos muy guapas, que si somos muy feas, que enseñamos mucha pierna, que si somos demasiado varoniles…" añadió.

Regresando a la bonita maldición que es estar en una banda, Ana señaló que es difícil la convivencia en una agrupación, dadas las circunstancias extremas que se llegan a vivir, y las largas horas de trabajo. "Todo es muy difícil. Hay que tener mucha paciencia, nos conocemos muy bien y todas hemos estado genial de gira y hemos estado muy mal por cosas personales, cosas físicas, e intentamos suplir lo que a una le falta: un beso una cerveza, o dejarla sola".

Hasta ahora Hinds solo tiene agendada su visita a Estados Unidos y Canadá como parte de la promoción de The Prettiest Curse, sin embargo, asegura que regresarán a México. "Solo hemos lanzado dos giras, pero necesitamos ir a México. ¡No va a pasar un año más sin que vayamos, y éste año vamos a ir!", asegura la cantante.

Lee Ranaldo & Raül Refree — Names of North End Women

Posted on febrero 28, 2020 by -

Names of North End Women: Experimentación post-ruidista.

Lee Ranaldo siempre estará ligado al nombre de Sonic Youth, y eso no es necesariamente malo cuando lo que haces fuera de ese universo musicalmente no tiene nada que ver con tan imborrable banda.

Desde entonces su enfoque como creador musical lo ha llevado a experimentar con su instrumento de confianza: la guitarra y en esta ocasión, la experimentación electrónica.

Names of North End Women es una colaboración junto a Raül Refree, un productor de Barcelona con quien ya había tenido un trabajo previo con Refree en la consola de producción.

El disco y su centro de creación nace de improvisar juntos en el estudio, creando pistas desde la nada y desde el origen sin importar con qué instrumentos sonoros podrían encontrase, ya sea desde una marimba, cintas o samplers. Todo desde un aura definitivamente más experimental.

El resultado del disco en general se mueve con un motor dividido en dos palabras: extrañamente melódico. "Alice, Etc." inicia un viaje agobiante, el primer track del disco, percusiones y acústica en perfecta relación hacia un limbo subliminal que le darán vida al desenlace del disco, seguida de “Words out of Haze”.

"Humps” eleva su intensidad rítmica, se mueve por un camino turbio tanto lírica como procesionalmente, es de las composiciones más aceleradas del disco.

En otras zanjas de luz y oscuridad, hay fragmentos más indie, como en "New Brain Trajectory" y "Light Years Out", más digeribles en cuanto a los demás temas, inclusive pop que le dan un gran equilibrio. No todo tiene que ser tan clavado.

"The Art of Losing" encaja perfectamente en la etiqueta de art rock, que luce por su gran elaboración sónica y ruidista.

Para esta etapa ya estamos sumergidos en una cueva sin salida, profunda, asfixiante pero igual de emocionante que desde el inicio.

Pero aún nos queda el final de "At the Forks", que cierra irónicamente el disco con una sensación melancólica distorsionada abrazando un post rock fatalista.

Es un disco lleno de efectos especiales-espaciales interminables que van palpitado en cada vibración sónica-sonora, parece ser un experimentado precipitado, pero así ha sido siempre el ex Sonic Youth.

Lee Ranaldo y Raül Refree nos enseñan y dejan claro el mensaje, no están aquí para seguir a las tendencias y experimentar con voces, pianos, cajas de ritmo, guitarras y sampleos siempre van a ser un punto clave de partida hacia mundos nuevos y eléctricos.

Mexican Institute Of Sound estrena "Se compran"

Posted on febrero 28, 2020 by -

La nueva canción de Mexican Institute Of Sound nos recuerda de dónde somos y hacia dónde vamos.

Camilo Lara nos presenta "Se compran", el nuevo sencillo de su proyecto Mexican Institute Of Sound. Se trata de un track en el que escuchamos un sonido clásico de la Ciudad de México que nos invita a reciclar, a cambiar: "Se compran colchones, tambores, refrigeradores, estufas, lavadoras, microondas o algo de fierro viejo que venda...". 

Este es el primer sencillo de su próximo material discográfico titulado Distrito Federal.

El disco es un imaginario viaje a una ciudad que ya no existe. Lo que frente a nuestros ojos cambió; los taxis, los cafés, sus habitantes y su piel. Modernidad, riqueza, temblores y pobreza le arrancaron a golpes, el nombre del Distrito Federal para convertirse en CDMX. De Tenochtitlán a la Ciudad de México. Esta es mi carta de amor al DF. A la mítica urbe llena de contradicciones, que ya no existe más", expresó el músico en un comunicado de prensa.

"Se compran" cuenta con colaboraciones de Sergio Mendoza y el coro gospel de Defrantz Forrest, Nicole L Stephens, Jon Jon, y Nathalie Ganther. Dale play a continuación:

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más noticias sobre Mexican Institute Of Sound.

Residente presenta "René"

Posted on febrero 28, 2020 by -

Escucha la canción de Residente en la que abre su corazón como René y nos dice que los logros están acompañados de pesadillas.

Todos hemos seguido la carrera de René Pérez Joglar como integrante de Calle 13 o en su faceta como solista bajo el nombre de Residente. El cantante puertorriqueño ha compartido una canción titulada "René", en la que nos cuenta su experiencia en el mundo de la música y sobre algunas etapas de su vida como su infancia, el asesinato de uno de sus amigos, la depresión y hasta su divorcio.

Sobre la canción el también productor compartió este mensaje en Twitter:

Una noche me sentía muy mal, estaba en Mexico, el estadio esperándome, y yo no quería salir del hotel. Llamé a mami porque quería tirarme del balcón y no sabía porqué. Esa noche llegaba un amigo y se quedó conmigo. Al otro día comencé a escribir este tema".

El videoclip fue dirigido por el mismo Residente en el que nos muestra con fotografías y en un plano secuencia su andar por un campo de beisbol hasta que se encuentra con Milo, su hijo.

La locación del metraje fue su natal Puerto Rico en especifico, la región de Trujillo Alto de donde es originario. Algo que destaca del track es que en la parte final suena una percusión de Rubén Blades que va en ascenso hasta el cierre.

"Manos de Piedra", lo nuevo de Diles Que No Me Maten

Posted on febrero 28, 2020 by -

Diles Que No Me Maten estrena "Manos de Piedra", primer sencillo de su álbum debut Edificio.

La agrupación originaria de las calles de la Ciudad de México, Diles Que No Me Maten, presenta "Manos de Piedra", primer single de su álbum debut Edificio. Aunque aún no hay fecha de lanzamiento para el material entero, esta canción es una gran carta de presentación. No podemos esperar para averiguar lo que la banda tiene en puerta para nosotros.

El grupo está integrado por Jonás en la voz principal, el bajista Andrés Lupone, Raúl Ponce en batería y los dos guitarristas Jerónimo García y Gerardo Ponce. La atmósfera que busca transmitir el grupo mediante su música es aquella de una urbanidad en la que el tiempo es algo completamente distinto para la ciudad y para quienes la habitamos.

El estilo de Diles Que No Me Maten toma elementos del shoegaze, la música industrial y hasta el jazz. Todo para lograr que aquellos secretos e historias que están ocultas entre las calles y paredes de la ciudad, salgan a la luz mediante sus melodías.

Edificio fue grabado durante los últimos meses de 2019 en los estudios Progreso Nacional. Previo a que se den a conocer más detalles, puedes escuchar "Manos de Piedra":

También puedes seguir al grupo en su página de Bandcamp.