Death From Above 1979 anuncia álbum y comparte nueva canción

Is 4 Lovers será el próximo material discográfico de Sebastien Grainger y Jesse F. Keeler.

Death From Above 1979 ha anunciado su cuarto álbum que le da seguimiento a Outrage! Is Now de 2017, este próximo material se titula Is 4 Lovers y llegará el 26 de marzo a través de Universal Music. Puedes pre-ordenarlo aquí.

Asimismo, el anuncio también llega con el lanzamiento del primer sencillo, "One + One". Este tema juega con la simplicidad de su material anterior, pero con elementos de baile elevados y un aspecto más humano en la letra.

‘One + One’ es una canción de amor. Es la secuela kármica de ‘Romantic Rights’. Mi esposa, Eva quedó embarazada poco después de que comenzamos a trabajar en ella y, después de escuchar una de las primeras versiones, dijo: ‘ojalá esta canción fuera más bailable’. Así que regresé al estudio y volví a trabajar en la batería. A medida que el disco iba tomando forma, cada vez que volvía del estudio a casa, el bebé empezaba a bailar en el vientre de Eva. Incluso antes de que entrara a la habitación, la fiesta comenzaba", comentó en un comunicado Sebastien Grainger.

El track también cuenta con su propio audiovisual dirigido por Eva Michon. En este metraje podemos ver un collage de fotogramas que están inspirados en la fotografía del artista David Hockney, además, fue grabado en un jardín de Marmora en Ontario, Canadá. Dale play a continuación:

Mientras esperamos lo próximo del dúo canadiense, te dejamos acá abajo la portada y el tracklist de su LP Is 4 Lovers:

Death From Above 1979-Is-4-Lovers_2021

Is 4 Lovers tracklist:

01 "Modern Guy"

02 "One + One"

03 "Free Animal"

04 "N.Y.C. Power Elite Part I"

05 "N.Y.C. Power Elite Part II"

06 "Totally Wiped Out"

07 "Glass Homes"

08 "Love Letter"

09 "Mean Streets"

10 "No War"

Steven Wilson — THE FUTURE BITES

Vanguardia para ser uno mismo y elegancia para destruir el consumismo desde dentro. Steven Wilson desafía al futuro tecnológico con THE FUTURE BITES.

Se ha vuelto común en la extensa trayectoria de Steven Wilson el factor sorpresa. Es complicado diseñar una posible estética sonora de sus materiales próximos, ya que siempre suele romper cualquier expectativa y dar vuelta con virtuosas y emocionantes obras. THE FUTURE BITES no queda atrás, de hecho es un trabajo donde el conocido como Rey del rock progresvo desafía sus propios parámetros y llega a un nuevo mundo.

Desde abril de 2020 ya teníamos noticias de lo que sería este material, mismo que estaba pactado originalmente en junio a través de Arts & Crafts Productions en colaboración de Caroline International. Primero y muy destacable, la mano en producción del integrante de Bat For Lashes, David Kosten, quien ayuda al autor en esta etapa de cambios sonoros. Segundo, Steven se mueve de manera emocionante a los terrenos del electro, de hecho es el disco más pop que ha hecho la leyenda del progresivo.

Este salto es parte de una linea creativa que ha evolucionado desde su anterior registro, To The Bone, donde se comenzaba a desprender del rock progresivo. Ahora, THE FUTURE BITES muestra al artista en un horizonte aún más lejano, mismo que le ha valido críticas y al mismo tiempo admiración. Pero estos cambios son los que hacen los grandes discos, donde los artistas se retan a sí mismos. El nuevo disco de Steven Wilson es tan retador a lo largo de nueve canciones, que solo podría asimilarse como una experiencia llena de energía y espontaneidad.

En el aspecto musical, este nuevo álbum no cuenta con los virtuosos arreglos de guitarra de Steven, más bien, llegan sintetizadores, cajas de ritmo, guitarras acústicas, pianos y procesadores de voz, más algunos samples que en conjunto crean una atmósfera llena de matices y discrepancias. Cada tema tiene una estructura inteligente, que es acomodada conforme pide la curva dramática y no es la misma en cada canción, no hay una que repita la fórmula. Por ende, es posible disfrutar de temas de poco más de un minuto, y algunas de hasta diez.

Lo que si une a THE FUTURE BITES es una crítica constante a la cultura del consumo actual. En cada canción se puede percibir el sufrimiento, la necesidad de encajar en la sociedad, la urgencia por obtener cosas desechables con el afán de tener por tener y al amor como una posible cura ante estos males creados por la globalización y el desprendimiento del individualismo. La protesta de Steven Wilson destruye al sistema desde dentro, es música comercial (en teoría) que con la letra hace que te cuestiones cosas.

Temas como "Self", "12 Things I Forgot", "Man Of The People" o "Follower" juegan con coros sencillos de recordar, sumado a ello algunos sintetizadores que marcan colchones en las notas y una atmósfera genial, que te hace sentir cómodo en cada parte. No se puede dudar del enorme talento de Steven Wilson, quien nutre sus canciones de todas esas cosas que gustan masivamente para dar un mensaje que pocos quieren escuchar.

Steven Wilson_

Drama y revolución en un mundo sin drama y televisión.

La campaña publicitaria en torno a THE FUTURE BITES entabló la llegada de una elegante e innecesaria tienda online, misma que vendía rollos de papel higiénico, latas de aire, perforadoras y bolsas para Laptop. No se puede negar que su diseño es genial (yo caí), pero la crítica del artista va hacia esos compradores compulsivos, que creen estar a la vanguardia mientras tienen cosas bonitas y no se preocupan por la dolorosa realidad que embarga a la mayoría de la población mundial.

A estos productos instagramables se les une una edición ultra deluxe del nuevo disco, misma que ya está agotada. En un unboxing es posible ver dos vinilos, un casete y cuatro CD's que incluyen las nueve canciones del nuevo disco más la serie THE B-SIDES COLLECTION, misma que estuvo disponible incluso antes que el álbum. Dentro de una caja minimalista se pueden ver todos estos productos más instructivos y papeles que llamarían la atención si un influencer la abre.

Vivir dentro de todo este sistema enoja, más que nada porque parece imposible soltarlo. Pero Steven lo tiene claro, hay que encontrarse con uno mismo, darse cuenta que es lo innecesario por consumir y dejar que el amor viva en un entorno libre es una respuesta que se puede tomar al hacer reflexión. Es en este momento tan crítico donde aparecen canciones con carácter más fuerte, tales como "Personal Shopper", "King Ghost", "Eminent Sleaze" y "Count of Unease".

Esta serie de temas tiene pasaje un poco más sombríos y complejos, además tienen tanta rabia adentro que es emocionante escucharles. "Personal Shopper", que fue el primer single, representa un poderoso golpe de energía que no se puede dejar del lado, a lo largo de nueve minutos hay una explosión discursiva y una mención a todas esas cosas ridículas que tanto añora la sociedad, se podría decir que es el climax de toda esta obra.

THE FUTURE BITES, finalmente, es la colisión de muchas cosas que se tienen que escuchar en un mundo que está tocando los extremos ambientales, sociales, laborales, económicos y de privacidad. Steven Wilson hace un salto afortunado e inteligente a un mundo electro al que pertenece si él quiere, que los demás opinen lo que quieran. Es entonces que nos damos cuenta que muchas revoluciones vienen de los audífonos y de la conciencia.

Steven_wilson

Te invitamos a descifrar la nueva obra de Steven Wilson a continuación, también puedes conocer en sus redes sociales y su canal de YouTube una serie de clips con un eterno personaje que viste elegante y le cambia el rostro. Puede ser Wilson, puede ser Robert Downey Jr. y también podemos ser nosotros cada que decidimos abandonarnos por cumplir con la agenda de pertenencia.

 

Steven Wilson_The Future Bites_Cover

St. Germain — Tourist (20th Anniversary Travel Versions)

Un viaje musical delicioso.

Parece ser que a Ludovic Navarre, el productor y DJ francés mejor conocido como St. Germain, o lo odias o lo amas. Por un lado, vendió cientos de miles de copias y ganó el Victories de la Musique (equivalente francés del GRAMMY) como Artista Revelación en 2001; por otro, puristas de la música expresan descontento por “el indiscriminado uso de sampleos” o “el intento fallido de mezclar un género tan noble como el jazz con la electrónica”. S’il vous plait, amis…

Como todos, Navarre no está exento del escrutinio público, de las ideas cerradas y de la ceguera que supone el cambio. La realidad de las cosas es que St. Germain llegó, en 1995, a proponer y crear una nueva perspectiva en torno a la fusión de los géneros antes mencionados. Boulevard fue solo el comienzo. Imagínense que (muy a pesar de dichos puristas) Ludovic compartió escenario con el mismísimo Herbie Hancock y vendió más de 3 millones de copias de su segunda producción discográfica.

En 2000 Tourist confirmó el éxito que ya se esperaba, aunque, incluso con el multi-platino en la vitrina, el proyecto tuvo un largo vacío, hasta su regreso en 2015, con el LP homónimo, St. Germain, con el que se acercó a los sonidos de Mali.

20 años después de Tourist, Ludovic le pidió a amigos que también son fans que le dieran un toque mágico a cuatro de las nueve piezas que conforman el disco original para lanzar Tourist (20th Anniversary Travel Versions).

¿Por qué cuatro? Vayan ustedes a saber. Pero aquí viven cinco versiones de “Rouse Rouge”, la célebre pieza que contiene la voz de una de las más grandes del jazz y blues, Marlena Shaw; cuatro de “Sure Thing”; una de “What You Think About…”; y una (nos quedamos con ganas de más) de “So Flute”.

Es precisamente esta última la que llamó más mi atención, no solo por estar huérfana alrededor de sus hermanas, sino por el giro inesperado que le dio el mismo Navarre (Ludovic Navarre Amapiano Version) en el que las características flautas pasan a segundo término y le dan paso a un sintetizador homogéneo, constante, y un beat más cadencioso, sensual, alejado del kick clubero de la original.

La colaboración del neoyorquino Osunlade, en una de las versiones de “Sure Thing” (Osunlade Yoruba Remix) es una fusión entre la versión original, el clásico toque housero y la tradición nigeriana contenida en el nombre, misma que logra incorporando una sección de tambores que incluso hacen pensar en un mundo más espiritual.

De lleno en el pack de “Rose Rouge”, la versión de Nightmares on Wax, con un piano degradado y un rim que marca el paso durante los poco más de siete minutos de duración, es un destaque obligado (por cierto, ya había sido estrenada como sencillo). Para los amantes del house clásico, la versión de Jovonn, (Oldskool 90s Remix), con su base rítmica predominante kick-clap-hat, será una delicia lo mismo para bailar que para sentarse a escuchar.

La segunda huérfana del disco “What You Think About…”, probablemente de los tracks menos connotados de St. Germain, y originalmente funky, fue tratada de fina forma por el también francés, nacido en Burdeos, Traumer, que le dio un groove de jazztrónica digno del creador original, pero mucho más contemporáneo.

Mención especial a la versión de “Rose Rouge” del inglés Martin Iveson a.k.a. Atjazz, viejo conocido de la escena del deep house, que agregó nuevas percusiones y una línea diferente de bajo en su Galaxy Aart Remix.

El disco se completa con versiones de Black Motion, DJ Deep y Jullian Gomes para “Sure Thing” y de Terry Laird y Ron Trent para “Rose Rouge”.

Las reinterpretaciones en este LP invitan a servirse un buen cóctel, relajar el cuerpo y dejar que la fusión de géneros y ritmos, ideas y estilos, nos lleven, como bien lo dice el título del disco, a un viaje musical delicioso. Bon voyage!

Entrevista con Mengers

Rebeldía juvenil y caos de las grandes ciudades, Mengers abre las avenidas de Golly para darle una nueva visión al rock.

Es emocionante cuando el concepto del rock evoluciona. Ese momento en que te das cuenta que no se le puede encasillar al mundo de las guitarras eléctricas con hombres de pelo largo tocando a puro overdrive con chamarras de piel (que ya no hay que usar), y demás indumentaria cliché, es resanador, y cambia ese ideal hasta machista del que el género siempre debe competir en lo más alto. Mengers ha luchado por no vivir debajo del concepto tradicional del rock y con su nueva producción, Golly, lo comprueba.

Golly es una obra que fusiona el fuzz con ritmos punk y referencias al shoegaze. A lo largo de 12 canciones se crea una narrativa emocionante que da reflejo a la intensidad y el caos de ciudades como la capital mexicana, por lo que el movimiento nunca se detiene. Carlos Calderón, vocalista y guitarrista de la agrupación cuenta que la realización, producción y promoción de este material tuvo muchas complicaciones a raíz de la pandemia, aunque al mismo tiempo considera que el resultado es irreal.

Es raro porque la verdad la esperanza de que el disco saliera nos mantenía ocupados, pero ahora que ya está es pensar en qué sigue ahora. La neta estuvo muy cabrón promocionar Golly, ya lo teníamos anunciado y llegó la pandemia, entonces tuvimos que aprender a editar videos, manejar redes sociales y mandar correos y contactar con gente, creo que nos ayudó mucho."

Mengers tuvo que reinventarse, el plan de lanzamiento de su nuevo disco para mitad del 2020 se vio mermado a raíz de la pandemia. Además, la agrupación buscaba tener apariciones en vivo para promocionar de esta manera sus nuevas canciones, claro está que no fue posible. Carlos señala que la grabación del álbum también tuvo que ser postergada, y al ver que la pandemia retrasaba todo, el proceso se tuvo que completar de manera remota.

Progreso Nacional fue un lugar vital para poder dar un camino al sonido de la nueva música de Mengers, el recinto ubicado en la Ciudad de México pudo materializar el potente sonido de la banda que tanto le caracteriza en vivo. La mano del experimentado productor, Hugo Quesada, fue importante dentro de este proceso, la agrupación señaló que les pidió confianza para poder hacerlo posible y el resultado fue lo que el tridente de la Magdalena Contreras tenía en mente, aquí una muestra.

Fue muy complicado, cuando tocamos en vivo nos gusta siempre atascar todo de fuzz y distorsiones y que haya feedback. No habíamos podido meter todo ese ruido de las presentaciones en vivo. Progreso Nacional es un cuartito de tres por tres, apenas y caben cuatro personas ahí, nos preguntamos cómo íbamos a poder meter todo el sonido que tenemos pensado hacer. Hugo nos pidió confianza y si funcionó".

A mitad de la difusión de Golly, Mengers se unió al sello nacional independiente Devil In The Woods, mismo que ha formado parte del lanzamiento hasta ahora y ha trabajado de la mano con la banda para sencillos como "Pantitlán" y "Santa Fe". En palabras de Carlos, la banda no sabía que iba a pasar con el disco debido a complicaciones, aunque previo a la pandemia hubo contacto con el sello, donde firmó el tridente. Gracias a esta alianza es que fue posible orientar la difusión del nuevo álbum, esto porque se pudo hacer videos musicales y obtener formatos físicos en vinilo.

Respecto a Devil In The Woods, este sello nacional ha podido cambiar la cara de la escena nacional independiente, basta voltear a ver el 2020 y encontrarse con enormes producciones como El Peso del Mundo de Vaya Futuro, Tiempos Raros de El Shirota, Mazunte 2016 de Los Blenders y ahora Golly. "Nos une el hecho de hacer música por amor a la música, sabemos que en un país de tercer mundo no esperas otra cosa que hacer buenas canciones y discos. Hay bandas que están haciendo cosas muy chidas", expresa Carlos respecto a la manera en que Mengers se ha podido sentir identificado en la industria independiente.

Mengers

¿La vida es una simulación?

Golly es un proceso computacional, donde a partir de reglas sencillas (como el Tetris o el ping pong del Atari) empiezan a surgir comportamientos complejos. Muchas cosas de la vida podrían funcionar como aquel juego del siglo pasado, el tráfico, el desarrollo de ciertas células o algunos casos de cáncer. Entonces se nos hizo muy interesante pensar en algo que podría simular vida, y de ahí pensar que toda nuestra realidad es parte de un juego de computadora", explica Calderón respecto a una parte del discurso del álbum.

Los tres integrantes de Mengers tienen estudios en carreras referentes de las ciencias exactas, entonces la letra del tema homónimo al título del disco no es un disparate. ¿La vida es una simulación? ¿Y si es una simulación por qué puede ser tan monótona a veces?, eso no podemos saberlo, aún, pero el vocalista de la banda añade que con sus canciones intentan brindar un mensaje liberador. Y es que si estamos en una simulación, será la música, los amigos, la rebeldía y el caos lo que nos hará salir de ella, eso argumenta la banda.

Y si tenemos una referente del caos, de lo atípico y también de lo rutinario es la Ciudad de México ¡La urbe más grande del mundo goza de nunca dejar de moverse! y la agrupación refleja mucho de la Zona Metropolitana en Golly, basta con pensar en "Pantitlán" y "Santa Fe", viene de inmediato a la cabeza la realidad de los millones de personas que viajan día a día de oriente a poniente para trabajar. Ese camino implica atascar el metro, horas de tráfico, accidentes, asaltos, violencia... caos. Es entonces que podemos comprender a la gran ciudad como una especie de simulación que existe, pero que cada día es distinta.

Dejemos de encasillar al rock... por favor.

¿Qué podemos esperar a la hora de escuchar un nuevo disco de rock? ¿Qué podemos esperar del rock en sí? ¿Lo mismo de siempre?, parece prudente dejar de pensar que este género es solo posible de hacerse con distorsiones crujientes, voces musculosas, baterías ruidosas y demás clichés, que hoy día más que brillar encasillan. "En Mengers tratamos de combinar muchas cosas que siempre han estado en el rock. Nos gusta la psicodelia, el garage, el punk. Pero también convergen otras cosas que a lo mejor no están tan presentes, como la trova, la canción chilena, entonces somos una fusión de muchas cosas, y así va a ser la música nueva, si te vas a la definición de rock tradicional no va a ser lo que esperas", argumenta Carlos.

Los elementos de caos, descontrol y furia están en Golly, esa potencia tan característica del rock está ahí para la banda, y para quien puede escucharlo. Entonces recomiendo dejarse llevar. Si la emoción y la adrenalina del rock están ahí, ¿Por qué esperar lo mismo de lo tradicional?

Cualquier roquero que no intente ser rebelde no está haciendo rock, nos gustan mucho las bandas que dejan un mensaje, que no necesariamente tienen que hablar de rebeldía, sino reflejar la actitud a través de su manera de ver el mundo", expresa la banda.

Mengers_

El grupo del sur ha dado sus pasos más recientes dentro de una pandemia que ha azotado al mundo entero. La producción de conciertos es nula en México, y como parte de lo que sigue para la banda es poder presentar las canciones. Si bien, no hay algo definido por el momento, se espera poder realizar una sesión para hacer latir los monitores en casa, aunque claro está que en cuanto se pueda se realizará un concierto para poder tocar las canciones, porque así nacieron, en vivo.

"Más que ser una banda por querer aprobación o fama, queríamos tocar porque nos gusta la música, y ahora poder tener un disco y un vinilo que la gente puede escuchar en sus casas es un logro muy chido y nos sentimos muy afortunados", señala Carlos. Los planes de Mengers para este año tienen sugieren una live session en los próximos meses para promocionar Golly, además, a mitad de año tendremos nueva música de la banda como parte de una causa especial, de la que se conocerá más con el tiempo.

Mengers es una banda que adora el caos, la rebeldía y la ciudad. Como buenos roqueros preferirían vivir en Pantitlán sobre Santa Fe, y si la vida es simulación, poner la energía para detonar la monotonía de la rutina. Te invitamos a disfrutar Golly a continuación y también conocer sus novedades en Indie Rocks! y en sus redes sociales. Puedes adquirirlo en formato vinilo vía La Roma Records, Georgetown Records y Savage Music Store.

Estamos en un momento donde se ha intentado encasillar al rock, y eso ha ocasionado que la gente crea que el rock está muerto. Para nosotros es algo más de apreciación, para nosotros está vivo en cada persona que tenga un espíritu adolescente y quiera denunciar algo, ahí está el rock", expresa finalmente Mengers.

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Premiere FARO: Índigo presenta video de “Excesos en espiral”

La agrupación nos recuerda que siempre existe un final.

Finalmente -luego de cuatro años de silencio discográfico- la banda peruana Índigo está a puertas de presentarnos su esperado tercer álbum MAR, una colección de 16 tracks que prometen envolvernos entre atmósferas etéreas y recrear aquellos sentimientos de nostalgia, melancolía, esperanza, fuerza y desenfreno que nos evoca el mar y su inmensidad.

De allí, se desprende "Excesos en espiral", tercer corte del disco, cuyo videoclip oficial presentamos en exclusiva mediante los ocho medios de FARO, la alianza de medios musicales y culturales de Iberoamérica.

El video fue dirigido por Miguel Miyahira quien muestra los altibajos que vive una pareja de chicas que se encuentra cerca de tener que decir adiós. Índigo aparece en cameos interpretando la canción en un espacio solitario alumbrado con luces neón.

Decidimos por una pareja de chicas para también dar nuestra postura como banda acerca de la libertad de género. Creemos que un grupo de música no solo se debe limitar a hacer canciones, sino también dar a conocer su posición acerca de temas sociales y políticos. En nuestro caso hacemos uso de los vídeos como medio artístico para expresar nuestro punto de vista”, expresó la banda en un comunicado de prensa.

Da play ahora para poder disfrutar del video:

Para más sobre esta propuesta su página en Facebook.

5 discos imperdibles

Esta semana estuvo cargada de muy buenos estrenos, aquí les dejamos 5 recomendaciones para escuchar de principio a fin y seguir llevándola amena en esta pandemia.

ND- Rostro del Sol

Rostro del Sol – Rostro del Sol

El sello mexicano independiente LSDR Records estrena el debut de esta banda de la Ciudad de México, Rostro del Sol, que con su material homónimo de seis canciones llega cargada de dinamismo, hipnotismo y mucho ácido para viajar. El cuarteto trae una mezcla bien armada de riffs, teclados, bajo, sax y una batería donde en conjunto juegan, se divierten macizo y acentúan una producción bien conjugada entre la psicodelia, el jazz, blues y el progre. Una pieza muy emocionante para el rock mexicano con una ilustración surreal de Elena Ibáñez. Escúchalo completo aquí.

ND- The Notwist Vertigo Days

The Notwist – Vertigo Days

Una de nuestras bandas independientes alemanas de ya muchos años, regresa después de 6 años de su último material de estudio con Vertigo Days. Una producción bastante ecléctica y libre, que subsiste entre el shoegaze, kraut, el clásico post punk y más texturas que muestran nuevos caminos de esta experimentada banda. Vertigo Days tiene la colaboración de Juana Molina, Angel Bat Dawid, Ben LaMar Gay, Saya de la banda nipona Tenniscoats y Zayaendo. Dale una escuchada aquí.

on all fours goat girl

Goat Girl – On All Fours

On All Fours es un trip cósmico lunar para bailar, rockear, rebelarse y conectar con uno mismo en esta época. Muchos colores y texturas regidas por un juego de sintes, acordes off-beat y estilos de voces que tiene esta segunda producción. Nuevamente el sello Rough Trade Records presenta el material que viene con un sonido más maduro, en el que cuenta la banda inglesa, surge para discutir las injusticias del mundo y los prejuicios sociales, siendo la música un medio para explorar el bienestar global, humanitario y ambiental. Escúchalo completo aquí.

NP-Divide and Dissolve Gas Lit album cover

Divide and Dissolve – Gas Lit

Dando inicio en este material con el poderoso “Oblique” delimitan un territorio de bello caos. Este dúo femenino es la dualidad que muchos confrontan en mente, cuerpo y alma y a la vez da perfección de todo lo que existe. “Gas Lit es una ofrenda a nuestros antepasados, el planeta, el agua y la tierra. Busca reconocer lo no reconocido”, declara la banda conformada por Takiaya Reed (saxofón, guitarra, efectos en vivo) (Black & Tsalagi [Cherokee]) y Sylvie Nehill (batería, efectos en vivo) (Māori).

Drone/doom y post-rock oscuro en este destacado debut, bajo la producción de Ruban Nielson (Unknown Mortal Orchestra) y editado bajo el sello inglés, Invada Records. Escucha aquí.

ND- Arlo Parks debut album

Arlo Parks – Collapsed in Sunbeams

Indie Pop con fuertes guiños al r&b, new wave, lo-fi que se ve matizado con la increíble voz que tiene esta chica inglesa de apenas 20 años. Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho es su nombre de nacimiento y con un notable apoyo mediático previo a este estreno, por fin podemos escuchar su material completo debut, Collapsed in Sunbeams via Transgressive Records. Escucha este debut aquí.

Checa las reseñas de estos discos y más recomendaciones musicales en nuestra sección de reseñas. 

Juan Wauters estrena “Real” en colaboración con Mac DeMarco

El próximo álbum de Wauters promete ser una mezcla cultural y sonora derivada de sus colaboraciones y viajes por Latinoamérica.

El cantante uruguayo basado en Nueva York, Juan Wauters, acaba de estrenar una canción y video en colaboración con Mac DeMarco. Ésta lleva el nombre de “Real” y pertenecerá a su próximo álbum de estudio, Real Life Situations, que se estrenará el 30 de abril vía Captured Tracks.

Con el toque country de sus guitarras, “Real” invita a mantener el optimismo en un mundo competitivo y duro. Esto se corresponde con el video musical dirigido por Matthew Volz, donde Wauters y Mac DeMarco recorren Los Angeles en auto, bicicleta y hasta montados a caballo.

La idea original detrás de la canción era celebrar el hecho de que seguimos haciendo lo que amamos después de todos estos años, así como reconocer todo lo que hemos atravesado para llegar hasta aquí”, comentó Wauters sobre su trabajo con Mac DeMarco en una entrevista.

Por otra parte, Juan Wauters promete que el álbum Real Life Situations rescatará la vieja sensación de encender la radio para dejarse sorprender por diferentes ritmos, lenguajes y sonidos. Esto se debe a que para este material colaboraron artistas internacionales de diferentes estilos como Homeshake, El David Aguilar, Air Waves, entre otros.

“Real” sigue al estreno de “Presentation”, primer tema del nuevo álbum hecha en colaboración con Nick Hakim & Benamin. Puedes preordenar Real Life Situations en este enlace.

Juan Wauters Real Life Situations_2021

1. "A JPW Headspace 2020"
2. "Moonsoon (with Homeshake)"
3. "Sentimiento Queens"
4. "Locura"
5. "Ventana"
6. "Presentation (with Nick Hakin & Benamin)"
7. "Unity (with Cola Boyy)"
8. "Real (with Mac DeMarco)"
9. "Keep Cool"
10. "Carmina Pensá"
11. "A Peter Pan Donuts Conversation"
12. "Lion Dome (with Air Waves)"
13. "JPW Talking"
14. "Acordes (with Tall Juan)"
15. "Bailando"
16. "Estás Escuchando (with El David Aguilar)"
17. "Crack Dabbling"
18. "A JPW Theme Song"
19. "Yendo"
20. "Powder"
21. "NY Weaz"

Jaialai, la idónea combinación entre rock psicodélico, shoegaze y dream pop

Tránsitos latinoamericanos que convergen en un misma ciudad: la música.

Caso hipotético: durante una fresca noche veraniega cuatro amigos caminan por el puerto de Miami Beach. Con bajo y guitarras en mano, un par de baquetas y la vibrante ciudad acompañándolos, "Jovi", Richard, Mario y Oscar se dirigen a ofrecer un show lleno de luces psicodélicas en algún pequeño venue.

En medio de ambientes alucinantes y al ritmo de canciones que van del rock psicodélico al shoegaze, pasando por un poco de dream pop y stoner rock, el grupo se presenta como Jaialai. Y no precisamente por el deporte, sino más bien por el placer que les produce beber la cerveza que lleva el mismo nombre.

Jaialai_2021

El proyecto antes mencionado tiene sus orígenes en Venezuela, El Salvador y Cuba; comenzó a escucharse de él en la escena local de Miami en 2016, luego de que el guitarrista “Jovi” Adames conociera al compositor Oscar Sardiñas. Tiempo después se les unirían Mario Lemus Richard Boullon en el bajo y las percusiones, respectivamente.

La banda ha mencionado en diversas entrevistas que sus  influencias musicales provienen de grupos como Radiohead, Unknown Mortal Orchestra, Sonic Youth, Led Zeppelin y Stone Roses, sin embargo, en su propuesta sonora encontrarás muchas referencias de los sonidos característicos de Latinoamérica tales como el bolero.

Por ejemplo, escucha "Curaçao", canción incluida en su EP debut When I'm On The Run (2017).

Es así como, en 2019 Jaialai compartió de forma independiente su álbum debut titulado Say So, material que llevó a la banda a presentarse en diversos festivales de su ciudad y a salir de gira por México. El LP se caracteriza por un estilo relajante y ensoñador sin dejar de incluir ritmos vertiginosos y ruidosos como en el caso de la pista "In the Catacombs".

Actualmente, el grupo se encuentra trabajando en As Sweet As I Was, la continuación del EP Culebra de 2020. Su nuevo material saldrá el 12 de marzo a través del sello Super Music Group y lo han descrito como "una referencia a los errores del ayer y la necesidad de enfrentarse al pasado para poder disfrutar el presente".

Como primer adelanto promocional, la banda compartió recientemente el sencillo "Vesuvius", una pista que te recomendamos escuchar con mucha atención pues las líneas de guitarras son realmente hipnotizantes, además de que se conjugan muy bien con versos como "Siempre pensando en el futuro. Sobre nuestra necesidad de comenzar una nueva vida".

El video oficial que acompaña el estreno está inspirado en las novelas gráficas de Alan Moore como Watchmen y V de Vendetta. Además, el artista mexicano Manuel Fermont se encargó de la animación correspondiente.

'Vesuvius' se escribió el día que comenzaron las protestas de George Floyd. Estaba viendo las noticias y estaba conmovido, pero también me sentía un poco sobrecargado sensorialmente.

Protestas masivas a nivel nacional en medio de una pandemia durante la presidencia de Trump. La extrema derecha y los anarquistas participan en las protestas y avivan aún más las llamas. Ese período expuso profundas heridas que este país aún tiene que curar", expresó Oscar Sardiñas.

¡Dale play, aquí!

Jaialai es un proyecto al que no debes perderle la pista en todas sus redes sociales pues muy probablemente su nueva producción sea una de los más prometedoras de este 2021. Mientras tanto, checa el loco video que crearon para "Chariot" (desde mi punto de vista, uno de sus mejores tracks).

 *Te recomendamos verlo desde un celular.

 Recuerda que puedes escuchar, descargar y comprar la música de Jaialai en Bandcamp.

Bratty estrena "Chocolcate y Nata" ft. Carlos Sadness

Tropical Jesus y la cantante norteña liberan un nuevo y místico tema.

Jenny Suárez, mejor conocida como Bratty, abre las puertas a la onírica vibra tropical en “Chocolate y Nata”, su primer colaboración del año en compañía del músico español Carlos Sadness, la cual ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

La cantautora de 19 años presentó el año pasado su último single “una canción muy corta de navidad”, un tema lento en el que aborda la nostalgia desde la temática decembrina, y “Tu Canción”, sencillos que podrían pertenecer a su segundo larga duración, el cual anunció estará listo para este año desde sus redes sociales. Además, presentó en diciembre del año pasado, “Otros Colores”, sencillo que forma parte del álbum de Daniel Quién, Aroma A Nostalgia.

Mientras tanto, Sadness presentó el año pasado su cuarta producción de larga duración Tropical Jesus, liberada en julio 2020, misma que contiene algunos tracks como "Todo Está Bien" ft. Manuel Medrano y "Mira Que Eres Linda". Por otra parte, el compositor e ilustrador anunció una gira por México y España, por lo que añadió presentaciones presenciales en nuestro país para el 13, 14 y 15 de mayo en León, Cancún y Mérida.

Escucha “Chocolate y Nata", de Bratty ft. Carlos Sadness en plataformas digitales, aquí.

No te pierdas el videoclip oficial de "Chocolate y Nata":

Escucha “Household Names”, el nuevo remaster de Stereolab

Desde 2019, el grupo liderado por Tim Gane había anunciado una serie de reediciones a su discografía, así como el lanzamiento de su nuevo compilado.

El legendario grupo inglés de avant-pop, Stereolab, estrenó en plataformas digitales una versión remasterizada de su tema “Household Names”. Ésta formará parte de Electrically Possessed [Switched On Volume 4], álbum que recopilará lados B y rarezas de la banda desde 1999 hasta 2008, cuyo estreno se prevé para el próximo 26 de febrero vía Warp y Duophonic.

En “Household Names” encontramos la suave mezcla entre la guitarra, el modular y la voz de Laetitia Sadier tan característica del grupo. Este tema apareció originalmente en The First of the Microbe Hunters, EP del año 2000 que se ha vuelto pieza de culto para los fanáticos.

En comunicado de prensa, Tim Gane explicó que “Household Names” fue grabada durante los primeros días de descanso en la gira para Cobra and Phases (1999):

Fue como regresar al lado más pop de Emperor Tomato Ketchup. El track está cantado espléndidamente y lleva grandes arreglos de teclado cortesía de Sean O’Hagan. Tocamos muy integrados como banda y, a diferencia de los álbumes pasados, no usamos ninguna computadora”, explicó Gane.

“Household Names” se suma al reciente lanzamiento de “Dimension M2”. Escucha a continuación el nuevo estreno y preordena Electrically Possessed en este enlace. También, revive la última visita de Stereolab a México a través de nuestra reseña en Indie Rocks!