A 70 años del nacimiento de Joe Strummer

Las colisiones de un enfrentamiento.

Errabundo forastero en tierras que fueron deambulantes moradas. Indisciplinado peregrino. Libertador de doctrinas. Joe Strummer empuñó como bayoneta pluma y guitarra, blandiendo puntiagudas ideas, que –como estoperoles– dieron blanco en entumecidas ideas opresoras.

El cabecilla de The Clash nació el 21 de agosto de 1952 en Ankara, Turquía, registrado con el nombre de John Graham Mellor. Su padre trabajaba para el servicio diplomático inglés, motivo que lo llevó a México, donde arriba entre julio y agosto de 1956 con esposa e hijos1. En esas distantes tierras la ciudad estrenaba la Torre Latinoamericana y la familia Mellor descubría en un Cadillac2, el agreste D.F. Para el camino directo al infierno, aún habría que tomar en una democracia del tercer mundo, aviones de papel*.

El terremoto del 22 de julio de 1957, el que derribó al Ángel de la Independencia, sumado a una ulcera sufrida por el padre de John, más los padecimientos de la altura de la ciudad3, orillaron a la familia Mellor abandonar México. No sería hasta el año de 1959 que el pequeño John residiría en la isla británica.

Hay que huir de la autoridad. Y hay que atacarle desde dentro sin ser tocado4

Parte del adiestramiento del sedicioso John sucede en la escuela de arte donde primero, encubre su nombre por el de Woody y, segundo, es expulsado por proveerse de pinturas, para un collage, con usados tampones femeninos5. Woody Mellor invade junto con sus huestes casas abandonadas. Forma la banda The 101'ers, que contaba entre su audiencia a Mick Jones y Paul Simonon, pernicioso dúo que lo reclutan para formar, junto con Terry Chimes y Keith Levine, The Clash, ¡El enfrentamiento, el choque, la conflagración… el combate!

In rock and roll terms, The Clash are the shit6

En mayo de 1975 sobre la etiqueta de un cassett7, es expuesto por primera vez el nombre que esparciría proclamas de liberación, Joe Strummer. El primer concierto con su nueva banda fue el 4 de julio de 19768 ante algunas decenas de ebrios. Desde entonces brota el espíritu socialista que se expresa con letras insurretas, declaraciones guerrilleras, arengas contra el racismo, manifiestos impresos en vinilos con exhortaciones y protestas musicalizadas con un punk idealista o un rock opositor y crítico.

En toda esta etapa de su vida, ideas liberales y comunistas levantaron un campamento indefinido en su sublevado cerebro, que finalmente explotó; teniendo un último concierto, una última revuelta con su camarada Mick Jones, guitarrista y secuaz fundador de la pandilla señalada como The Clash, fue ante 200 mil personas el 28 de abril de 1983, en The U.S. Festival9.

Descarrilado el tren en vano, aborda como polizonte el del misterio

Disuelta la turba, desintegrado The Clash. Joe Strummer milita atrincherado en los 24 cuadros por segundo. Actúa en Straight To Hell, con otros personajes igual de revoltosos y anárquicos, entre el pelotón de actores inciden Courtney Love y Jim Jarmusch, quien dirigiría la tercera película en la que se reveló Strummer, Mystery Train, film de trastornada historia con actores tocados por el extravío.

Rebeldes del sur…

Retirado de la gran pantalla forma en 1999 una camarilla de nombre Joe Strummer and The Mescaleros. Banda suministrada con disímiles sonidos que también erigía retadoramente la bandera del antisistema.

Ejemplo de ello es cómo ofrecía mezcalina con guitarrazos y tamborilazos. Joe Strummer entonaba al final de cada mezcalero concierto, The Harder They Come, the Harder They Fall, la proclama de la letra, manifiesta, “Prefiero ser un hombre libre en mi tumba que vivir como un títere o un esclavo10, arenga que encumbra una atribuida al caudillo del sur, “Más vale morir de pie que vivir de rodillas11, exhortación que merodeaba una de las películas favoritas en su adolescencia, Viva Zapata!12

Y sí, vivió libre hasta el último de sus días. El 22 de diciembre de 2002 fue ultimado por un ataque al corazón. Su epitafio, aplica a todo insurgente, “Aquí, no por su propia voluntad, yace Joe Strummer. Podría haber vivido su vida de manera diferente, pero no pudo13.

 

Notas:
1, 2, 3, 7 Salewicz C. 2006, Redemption Song, The Ballad of Joe Strummer, New York, U.S.A. Farrar, Straus and Giroux,  Pag 51, 51, 52, 172.
4, 5 Campeau, A. (productora), Temple J. (director), 2007, Joe Strummer: The Future Is Unwritten, Reino Unido, Irlanda, Vertigo Films.
6 Frase expresada por The Edge al inducir a The Clash al salón de la fama del Rock and Roll.
8 Octubre 10, 2008, The birth of The Clash, The Independent, fecha de consulta agosto 13, 2019 https://www.independent.co.uk/arts-entertainment/music/features/the-birth-of-the-clash-956305.html
9 Green, A, Noviembre 1, 2012, Flasback: The Clash Say Goodbye at the 1983 US Festival, Rolling Stone, U.S.A. fecha de consulta agosto 12, 2019 https://www.rollingstone.com/music/music-news/flashback-the-clash-say-goodbye-at-the-1983-us-festival-57636/
10 The Harder They Come, the Harder They Fall, canción original de Jimmy Cliff.
11 Womack, J. 1980, Zapata y la revolución mexicana, D.F., México, Siglo XXI editores, Pag 324.
12 Gilbert, P. 2011, Passion is a Fashion: The Real Story of the Clash, London, Aurum Press Ltd, fecha de consulta agosto 13, 2019 https://books.google.com.mx/books?id=dz_LAgAAQBAJ&printsec=frontcover&dq=books+joe+strummer&hl=es-419&sa=X&ved=0ahUKEwj12t2_ke3jAhVDC6wKHerGAlk4ChDoAQhGMAU#v=onepage&q=viva%20zapata&f=false
13 Stuart C, 1999, Classic Joe Strummer interview from the Hot Press archives, fecha de consulta agosto 12, 2019 https://www.hotpress.com/music/classic-joe-strummer-interview-from-the-hot-press-archives-19408100
*Straight to Hell, canción de The Clash, sampleada por MIA en Paper Planes, third world democracy, línea de la pieza.

A 10 años de 'Solstis' de León Larregui

León Larregui, cantautor y cantante principal de la banda Zoé, lanzó su primer álbum en solitario titulado Solstis el 21 de agosto de 2012 (sí, así es, ya pasaron 10 años).

Fue en el 2013 cuando vimos el último disco de Zoé, y en el 2012 cuando Larregui se incursionó en el ámbito solista para mostrarnos Solstis, un concepto más ajeno a su banda, que experimentaba con sonidos folks y acústicos dejando a un lado la psicodelia de las guitarras y la batería a la cual habíamos estado acostumbrados con la agrupación mexicana.

Las canciones de esta producción en solista en su mayoría son apacibles, calmadas, basta oír temas tan sencillos como "Aurora Boreal" , "Carmín" , "Pérdida Total",  quizás el momento más ‘rocanrolero’ (aunque un poco contenido) es el gran tema "Como Tú” que tiene algunas influencias a The Strokes en su factura musical. Un disco bien trabajado, completo, pero a la vez un tanto prescindible.

Al ser su primer álbum independiente, cuenta con una versión de lujo, con cinco ediciones más, junto a un DVD con los videos oficiales, además de contener un video de “Resguardum Ether”. La mayoría de los tracks hablan de amor o de desamor, pero lejos del sonido de su banda, pues no quería sonar o competir contra Zoé.

Cuando el artista sacó a la luz Solstis, afirmó que no le importaba si el disco no vendía mucho, él quería quitarse la espinita y aventarse un proyecto personal. A pesar de lo que creía, de sus ‘pocas esperanzas’, León alcanzó doble disco platino y oro por más de 150,000 copias y certificado de platino con su segundo e icónico sencillo “Brillas”.

León Larregui Solstis

Un año después de su publicación, el 12 de junio de 2013 salió su reedición en plataformas digitales, que incluían versiones de “Souvenir” y “Brillas”; también, dos remixes de “Como Tú”.

En general, es un material que tiene romanticismo en cada esquina, en cada rincón, en cada milímetro de su redondo ser. Las letras metafóricas que caracterizan a Larregui y a Zoé siguen ahí pero con un sonido completamente distinto; mayormente retro 70’s rock and roll. Con la ayuda de músicos muy talentosos logró crear este discazo, grabado durante un periodo de dos meses en París y producido por Adanowsky y diseñado por Jack Lahana.

A medida que el tiempo avanza, los géneros cambian y evolucionan, lo que necesitamos es paz, tranquilidad, armonía y eso es lo que el disco de León Larregui sigue transmitiendo a 10 años de su lanzamiento.

Si por alguna (extraña) razón aún no has escuchado el álbum, aquí te lo compartimos para que revivas la sensación de cuando salió esta joya musical.

A 20 años de 'Turn On the Bright Lights' de Interpol

Entre penumbras y luces neón rojas.

El día de hoy hablaremos de los 20 años de uno de los discos más emblemáticos y revolucionarios de los 2000 que seguro más de uno ha llevado a lo largo de los años en sus reproductores portátiles.

La historia comienza en el mes de noviembre del año 2001 cuando cuatro chicos neoyorquinos que no tenían idea de en lo que se iban a convertir, se encontraban grabando lo que sería su álbum debut llamado Turn On the Bright Lights.

Después de muchos encierros de grabación y arreglos constantes, el 19 de agosto de 2002 salió a la luz el material que cambiaría por completo la vida de Daniel Kessler, Paul Banks, Sam Fogarino y Carlos Dengler.

La primera pieza que podemos escuchar es “Untitled” dónde el misterio y la melancolía de las líneas de bajo en compañía de las hipnotizantes guitarras nos envuelven a través de corrientes sonoras.

De seguro pensar que han pasado 20 años desde que escuchamos por primera vez el Turn On the Bright Lights nos hace sentir pasaditos de años. Pero nada nos quitará la satisfacción que Interpol nos ha dejado con este material.

Sabemos que el Turn On the Bright Lights es bien querido debido a la concentración que cada integrante le puso, podemos decir que el álbum no tendría gran relevancia si no fuera por la increíble voz de Paul Banks, los riffs de Daniel Kessler que son tan emblemáticos por hipnotizar a través de sus notas. De igual manera, Sam Fogarino tuvo mucho que ver con la batería rítmica o incluso las exquisitas líneas de bajo de Carlos Dengler.

Podemos decir que la recopilación de esta primera entrega es un sube y baja de emociones, podemos sentir temas bastante intensos como lo son “PDA” o “Say Hello to the Angels” o momentos inquietantes o misteriosos, es el caso de “Stella Was a Driver and She Was Always Down”.

El cierre de Turn On the Bright Lights transmite melancolía y a pesar de que todo el álbum no es hace sentir sensaciones inciertas, nos despedimos de él con un enorme sabor de boca. Hasta la fecha puede considerarse como uno de los debuts más prometedores, debido a la introspectiva que Interpol utilizó para la composición de sus temas.

Frances Bean Cobain reflexiona sobre la muerte en su cumpleaños

“Me prometí a mí misma que si lo lograba, ya no intentaría escapar de los momentos de mi vida".

La hija de Kurt Cobain, Frances Bean Cobain, celebró su cumpleaños número 30 compartiendo una reflexión sobre su experiencia cercana a la muerte, que sucedió hace cinco años, cuando se encontraba en un vuelo y uno de los motores del avión se incendió. 

Fue a través de una publicación a través de su cuenta oficial de Instagram, que compartió fotografías junto a un mensaje que hablaba sobre su entrada a una nueva década, plasmando, lo que ha aprendido desde aquel incidente.

¡Lo hice!” empezó. “Honestamente, Frances, de 20 años, no estaba segura de que eso fuera a suceder. En ese momento, un sentido intrínseco de profundo odio a sí mismo dictado por la inseguridad, los mecanismos de afrontamiento destructivos y más trauma de lo que mi cuerpo o cerebro sabía manejar, informó cómo me veía a mí mismo y al mundo; a través de una lente de resentimiento por ser llevado a una vida que aparentemente atrajo tanto caos.

Añadió: "Entonces, un evento en un avión que me acercó a la muerte es irónicamente el evento que me catapultó a correr en esta experiencia vivida con una gratitud radical. Me alegro de haber demostrado que estoy equivocado y de haber encontrado formas de transformar el dolor en conocimiento".

Sobre el futuro, Cobain concluyó: "Al entrar en esta nueva década espero mantenerme suave sin importar lo endurecido que pueda sentirse el mundo a veces, disfrutar del momento presente de reverencia, duchar a las personas que tengo la suerte de amar con más aprecio de lo que las palabras podrían hacer justicia y mantener espacio para seguir aprendiendo, para que el crecimiento nunca se detenga”.

La hija de Kurt Cobain y Courtney Love, también ha estado compartiendo música original en sus redes sociales, además firmó un contrato con Columbia el año pasado, aunque todavía se desconoce cuando lanzará su álbum debut.

 

Cata Raybaud estrenará ‘Escorpio’ muy pronto

Este álbum se estrenará el 24 de agosto y ya pudimos escuchar la mayoría de sus canciones en forma de sencillos.

Si eres un fiel seguidor de artistas como Vanessa ZamoraTessa Ia, RENEENatalia Lacunza, entonces seguramente conoces la música de Cata Raybaud, una artista de Buenos Aires, Argentina, cuyas creaciones son cercanas al dream pop en un nivel de sofisticación alto. Su carrera comenzó en 2011 con su disco Detrás De Lo Que Vieran y 10 años después, el 24 de agosto, saldrá su más reciente álbum que se titulará Escorpio, mismo que contará con el apoyo de Distribución Digital Integral. 

De Escorpio ya escuchamos los singles. “Adicción”“Heridas” en colaboración con Benjamín Walker“Muteada”“De Viaje”, es decir la mitad de la lista de temas que vendrán en el álbum. Solo faltan por estrenarse tres canciones: “Escorpio”“John Y Yoko” “Knockout”, pero lo más probable es que no salgan como sencillo y podamos escucharlas una vez que Escorpio se encuentre disponible en las plataformas de streaming.

Este álbum se perfila a ser un disco en el que las letras muestren las dos caras del amor se saliendo de lo trivial, el pop que domina Cata Raybaud es algo que supera el promedio de una artista del género. Las letras de las canciones que componen Escorpio salen de los clichés convencionales en las relaciones interpersonales y la música tiene un nivel de composición alto y de una calidad incomparable, ninguna canción tiene un ensamble instrumental básico, todas tienen un sonido o un elemento que la hace algo único entre sus semejantes del mismo disco.

Cata-Raybaud-Escorpio_2022

Escorpio, 24 de agosto:

  1. “Adicción”
  2. “Heridas” con Benjamín Walker
  3. “Muteada”
  4. “De Viaje”
  5. “Escorpio”
  6. “John Y Yoko”
  7. “Knockout”

Nortec en el Ex Convento de San Hipólito

Nortec y su fórmula infalible: Baile, fiesta y música norteña.

Era una noche húmeda y fría, sin embargo el show prometía ser único. Fue mi primer concierto en el Ex Convento de San Hipólito que es un venue espacioso con una arquitectura clásica del centro histórico, techos altos, arcos pronunciados y un patio central dispuesto efectivamente para el dancefloor. El acceso fue complicado debido a la cantidad de personas que nos dimos cita con un grandioso sold out, a tal grado que hubo momentos de tensión por gente que pretendía dar el clásico portazo y como no querer, los beats atraen hipnóticamente como el canto de las sirenas a Ulises.

La velada, que formó parte de las Vivo Sessions, fue abierta por NIña Dioz, que con una gran presencia escénica nos deleito con su rap, rimas y ritmos poderosos que calentaron las bocinas, al público y la pista de baile. Momentos después hizo su aparición Sussie 4 que levantó el ánimo e hizo bailar a todos, la fiesta se sentía en el aire.

Alrededor de las 22:00 H Pepe Mogt y Ramón Amezcua aparecieron con unas máscaras minimalistas que me recordaron películas de ciencia ficción espaciales.  Bostich + Fussible salieron acompañados de la banda completa (trompeta, tuba, acordeón y guitarra) se apoderaron del escenario con un sonido poderoso y visuales estroboscópicos. De inmediato la gente comenzó a bailar, gritar y saltar. 

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El show inició con canciones del nuevo álbum De Sur A Norte, que cuenta con colaboraciones de Kinky y del arroz de todos los moles Ruben Albarrán, que nos honro con su presencia para interpretar  "Convenceme"  track en el que se siente la presencia inconfundible del vocalista de Café Tacvba con su estilo festivo y entrañable. 

Como requisito de la presentación del nuevo disco se tiene que dar cuenta de los nuevos temas pero sin faltar a los clásicos que el público deseamos escuchar como "Norteña del sur", "Tijuana Sound Machine", "Shake it up" y la muy querida y coreada "Tijuana makes me happy".

Los ánimos estaban tan altos en la pista de baile y en el escenario que los mismo músicos alentaban al público a pedir más, todos respondimos a gritos y con el clásico “Ole, ole, ole Nortec, Nortec!” , estaba claro: nadie quería irse. Con un show de alrededor de 2 horas que acabó más allá de la medianoche, el Colectivo Nortec  representado por Bostich + Fussible  nos dio una muestra magistral de como hacer retumbar el escenario, nuestros cuerpos y corazones con este sonido único en el mundo que los caracteriza. 

En su libro Música e imaginación, el compositor Aaron Copland abre diciéndonos: “Cuanto más vivo la vida de la música, tanto más me convenzo de que el espíritu libremente imaginativo se halla en la esencia de toda creación y audición musicales”. Sin duda el fenómeno musical formulado por Nortec Collective tiene una gran dosis de imaginación y creatividad. Hay pocos placeres mayores en el arte que lograr la sensación de que puede reconocerse la belleza cuando se da con ella, digo esto porque quiero celebrar la música de Nortec, que si bien han pasado ya muchos años desde que salieron a la luz siguen cautivando y sensibilizando al público.  Hago énfasis en ese momento crucial de experimentación sonora en el cual descubrieron esta fórmula que suma la música norteña con la electrónica y que nos lleva al regocijo, al festejo y al baile. No hay mejor prueba de ello que esta magnífica presentación.

 ¡Larga vida a Nortec!

“Shotgun”, lo nuevo de Soccer Mommy

El sencillo ha recibido varios elogios, como el de Brooklyn Vegan, que define a la canción como "una pista de indie rock instantáneamente adictiva".

Sophie Allison, mejor conocida como Soccer Mommy, lanzó su último disco Sometimes, Forever el pasado 24 de junio de 2022. Tras trabajar con The Weeknd, Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never). Loma Vista fue el sello encargado de editar este LP sucesor de color theory (2020).

“Shotgun” es una canción que forma parte de este último material discográfico y desde su lanzamiento no ha dejado de recibir buenas críticas y elogios de medios como Brooklyn Vegan, Rolling Stone, Consequence y New York Times.

'Shotgun' tiene que ver con la alegría de perderse en el amor”. Quería que capturara los pequeños momentos de una relación que se quedan contigo”, dijo Soccer Mommy en un comunicado.

La canción ha sido remezclada por Magdalena Bay y, por otro lado,  ha salido a la luz una versión slowed + reverb en la que colabora Matthew Neighbour. Además, Soccer Mommy ha presentado esta canción en vivo recientemente, el pasado 23 de agosto en Jimmy Kimmel Live!  y en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon en abril.

Kevin Lombardo fue la persona encargada de dirigir el vídeo que acompaña al sencillo. No te pierdas esta canción que se está volviendo un parteaguas en la carrera musical de Soccer Mommy, una canción única que combina un oscuro riff de guitarra con un coro sibilante y armonioso que recuerda al indie rock noventero.

A continuación mira el vídeo original y algunas presentaciones en vivo de “Shotgun”:

Julieta Venegas comparte su nuevo sencillo, "En tu orilla”

"En tu orilla" está inspirada en un poema del escritor chileno Raúl Zurita y forma parte de su nuevo álbum de estudio.

“Amor mío: guárdame entonces en ti
en los torrentes más secretos
que tus ríos levantan".
Raúl Zurita, Guárdame en ti.

La cantante y compositora proveniente de Tijuana, Julieta Venegas, presenta su tercer sencillo “En tu orilla” después del lanzamiento de temas como "Mismo amor" y "Caminar sola". Se espera que este año presente su octavo material discográfico donde estarán incluidas las canciones mencionadas, este nuevo álbum estará producido por el artista chileno Alex Anwandter.

“En tu orilla” es una canción inspirada en el poema Guárdame en ti del autor chileno Raúl Zurita, mismo que descubrió la cantautora mexicana durante sus lecturas en los días de confinamiento por la pandemia.

En este nuevo single se encuentra el sonido del acordeón combinado con sintetizadores, es una combinación armónica que habla de las relaciones que dejan huella y forman parte de lo que somos. Un mensaje tierno que recuerda que, a pesar de las despedidas, hay personas que siempre nos acompañarán a la distancia, en nuestros pensamientos y recuerdos.

Como parte de su nueva gira Vernos de nuevo, la cantante tendrá presentaciones los días 25 y 26  de noviembre en el Teatro Metropólitan. La fecha del 25 de noviembre ya es oficialmente sold out, pero aún quedan entradas para su segunda fecha.

Iceage estrena “Shake the Feeling”

La banda danesa anuncia su nuevo álbum de rarezas.

Con guitarras distorsionadas, un bajo definido, múltiples redobles de batería y de la mano de la voz de Elias Bender, es como hoy nos recibe Iceage con su nuevo material Shake the Feeling.

Esta nueva canción viene acompañada con un video, dirigido por Alex Cantouris, y que plasma varios clips de la banda detrás de los escenarios y de algunas presentaciones de la misma, donde se ve la energía y entrega de la banda, lo cual se siente en esta canción.

Pero esto no queda aquí, ya que esta nueva canción fue lanzada como anuncio de su nuevo álbum titulado Shake The Feeling: Outtakes & Rarities 2015–2021 .

El proyecto danés a través de este nuevo álbum nos ofrece una lista de material recopilado que jamás vio la luz, pero que es los suficientemente sólido y bueno para compartirlo. Shake The Feeling incluye música creada durante los lapsos de producción de Ploughing Into the Field of Love (2014), Beyondless (2018) y su ultimo LP, Seek Shelter (2021).

Iceage Shake The Feeling Outtakes & Rarities 2015–2021

El álbum Shake The Feeling se divide en 12 canciones que son:

01 “All the Junk on the Outskirts”

02 “Shake the Feeling”

03 “Sociopath Boogie”

04 “My Mule”

05 “I’ll Keep It With Mine”

06 ”Balm of Gilead”

07 “Broken Hours”

08 “I’m Ready to Make a Baby”

09 “Namouche”

10 “Order Meets Demand”

11 “Lockdown Blues”

12 “Shelter Song (Acoustic)”   

Este material verá la luz el próximo 23 de septiembre a través de Mexican Summer y Escho en formato físico, y lo podremos escuchar en todas las plataformas de streaming.

Así que apunta la fecha para que no te pierdas este gran estreno, y mientras lo esperas ve y reproduce “Shake the Feelin”, ya que solo es una probadita de lo que nos espera.  

Los Estrambóticos comparte “Reír O Llorar”

Con esta canción la agrupación marca su regreso al estudio previo a su presentación en el Pepsi Center WTC para celebrar 30 años de carrera.

Hace unos días Los Estrambóticos estrenó su más reciente canción titulada “Reír O Llorar” un tema que habla acerca de la tragicomedia que es la vida amorosa para el grueso de la población. La canción formará parte de un futuro álbum del cual conoceremos más detalles en las próximas semanas.

Volviendo a “Reír O Llorar”, musicalmente Los Estrambóticos combinan géneros como la cumbia argentina, el ska y el rock. Lo que predonima son instrumentos de viento como las trompetas, trombones y el saxofón, aunque la guitarra tiene un momento de protagonismo rumbo al final de la canción con solo que se ajusta perfectamente al estilo del tema. En el video oficial dirigido por Elias “Amanecedor” Herrera vemos a Los Estrambóticos tocando “Reír O Llorar” ante un público que lleva unas bufandas con el nombre de la canción, por momentos también se muestran animaciones con las características imágenes del juego de la lotería mexicana.

LosEstrambóticos-PepsiCenter_2022

No olvides que Los Estrambóticos dará un concierto en el Pepsi Center WTC el próximo 2 de octubre como parte de la celebración de sus 30 años de trayectoria. Los boletos ya están a la venta a través de Ticketmaster y en la taquilla del recinto,  los precios van de los $350 a los $1,250 pesos.

Boletos para Los Estrambóticos en el Pepsi Center WTC aquí