Savoir Adore – The Love That Remains

Un intento de madurez que se quedó en eso.

The Love That Remains es el tercer disco de Savoir Adore, proyecto del productor originario de Brooklyn, Paul Hammer. A diferencia de sus dos primeros trabajos, esta vez no lo acompaña la vocalista Deidre Muro, pues dejó el barco en el 2014, cuando apenas se cocinaba este álbum. En cambio, en este nuevo trabajo confluyen las voces de diversas vocalistas invitadas, como Leah Hayes y Lauren Zettler.

Este nuevo trabajo de Hammer no es otra cosa que una colección de canciones medianamente buenas de (electro)pop sumamente meloso, un tanto genérico, con leves pero marcadas influencias del pop ochentero y grandes dosis de sonidos de la generación snapchat y del EDM.

Realmente es imposible escucharlo y evitar que nombres como St. Lucia (“Giants”), Gotye (“Mountains [Love Won’t Burn My Heart]” y “Savages”) o Imagine Dragons (“Other Worlds”) lleguen a la mente. Es al final, un disco con un mood sumamente festivalero, de esos actos que bien pueden aparecer en un escenario menor a media tarde en cualquier festival veraniego.

Sin embargo, no todo es pan con lo mismo, canciones como “Lovers Wake”, “Heaven” y “Night Song” logran separarse un poco del mood festivalero que tiene el disco, pues están mucho más vestidas y van más allá de la melodía fácil acompañada de un ritmo poderoso. Incluso, estos temas se sienten mucho más maduros, por momentos hasta fuera de lugar. Sin duda, los mejores temas de The Love That Remains.

Lo anterior demuestra que Paul Hammer buscó ir más allá, se esforzó y se arriesgó; sin embargo, el resultado no logró escapar del todo del sonido genérico que podemos encontrar en cualquier estación de radio del país –o del mundo–. No es un disco de poca calidad ni un disco “malo”, pero si no lo es así, mucho menos es un disco “bueno”, pues se quedó muy corto en su intento de ser un trabajo mucho más completo y robusto, se quedó corto y terminó siendo un álbum bastante olvidable y poco trascendental en pleno 2016.

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Entrevista con Ryley Walker

Ryley Walker: Revitalizando el folk norteamericano con todo y toque latino.

Ryley Walker es el nombre detrás de un melómano oriundo de Illinois de 27 años. También es el nombre de una de las figuras más prometedoras del folk estadounidense y que recién lanzó su nuevo disco –el cuarto en tres años– Golden Sings That Have Been Sung. Gracias a esto, platicamos con él.

Aunque nació en Rockford, gran parte de su vida la ha pasado en Chicago, y son justamente los días en la Ciudad de los vientos los que inspiraron este nuevo trabajo: “Vivo en Chicago, y crecí aquí, así que todas las canciones son acerca de la realidad que tengo”.  El álbum fue grabado durante diciembre de 2015 en esta ciudad, en plenos festejos navideños, lo cual según el propio Ryley ayudó a que fuera un disco más “acogedor”.

Sin embargo, a pesar de ser un disco “local”, no es excluyente con las personas del resto del mundo, pues: “el disco tiene muchas cosas con las que toda la gente del mundo puede identificarse, incluso si no son de Chicago, como la presión, la ansiedad, cosas como esas, así que creo mucha gente puede identificarse, espero”.

Hacer folk en estos tiempos dominados por el hip hop, EDM y el pop no parece ser algo fácil, sin embargo Ryley lo ve de diferente manera: “Me gusta toda la música, amo el hip hop, amo el jazz, amo la música electrónica, así que es muy inspirador ver todos esos tipos de música alrededor del mundo. Amo la música y amo a todo aquel que esté envuelto en ella, así que es más importante ver toda la música como una inspiración”.

Justo esa forma de pensar es la que hace que Ryley quiera tocar con Caetano Veloso si pudiera: “Me encantaría tocar con Caetano Veloso, me gusta mucho la música brasileña. Soy un gran coleccionista de discos y creo que un poco de la música sudamericana está presente en la mía. Es muy inspiradora y muy hermosa”.

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Durante el 2009, Ryley acostumbraba ir a “jammear” a un lugar llamado The Whistler, donde las sesiones eran organizadas por LeRoy Bach, quien fuera multiinstrumentista de Wilco –banda también originaria de Chicago–. Seis años después, él fue el encargado de producir Golden Sings That Have Been Sung, por lo cual Walker comentó lo siguiente: “LeRoy es una gran amigo mío, es muy talentoso, es un compositor brillante, así que fue un gran guía espiritual y un gran guía musical, es una persona sumamente talentosa”.

Al hablar de Chicago, es obligatorio hablar de la comunidad mexicana de esa ciudad, hacia la cual Ryley tiene cosas bastante buenas que decir: “Son la gente más trabajadora, maravillosa y hermosa de toda la ciudad. Yo vivo en un barrio llamado Pilsen, el cual está lleno de migrantes mexicanos y son las mejores personas de Chicago, tienen la mejor comida, la gente más amable que te ayuda en todo, las mejores bebidas y de verdad aprecio mucho la amistad que tengo con ellos. La influencia que tienen en la ciudad es muy grande y la cultura mexicana es sorprendente”.

Aunque Ryley se sienta muy feliz de estar rodeado de mexicanos, sabemos que el folk es un género que no ha logrado posicionarse mucho dentro del público mexicano; sin embargo, eso no le preocupa a Walker previo a su presentación en el Foro Indie Rocks el próximo 9 de septiembre: “Estoy muy emocionado de ir a México, nunca he estado allá y he querido ir toda mi vida, así que ahora que tengo la oportunidad de ir estoy muy emocionado. Todos mis amigos que han estado allá me han dicho que es una gran, diversa, salvaje y masiva ciudad, llena de fiestas, chicas hermosas, buena comida y buenas bebidas. Estoy muy emocionado, no importa si toco ante una persona o un millón, el solo estar allá es un sueño hecho realidad”.

Pero no todo es Wilco, México o Caetano Beloso en la música de Ryley, pues su pinta de Bob Dylan contemporáneo no es de gratis: “Estoy muy influenciado por muchas cosas del pasado, sónicamente de gente como Miles Davis, John Coltrane y líricamente siempre he amado a Neil Young, Bob Dylan y muchas cosas del soul clásico como James Brown. Sin embargo, soy muy feliz de estar aquí ahora en el presente, tengo muy buenos amigos, una vida maravillosa, estoy muy orgulloso del trabajo que mis amigos y yo hemos hecho”.

Y así terminó la plática con este simpático “gringo” que se despidió diciendo que no podía esperar para beber mucha cerveza.

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Congelador regresa con nuevo disco

Escucha Persona, el nuevo disco de Congelador.

Tras dos décadas de su fundación, Congelador, una de las bandas más importantes de la escena experimental chilena, regresa con su nuevo álbum de estudio titulado Persona a través del sello Quemasucabeza.

Esta placa discográfica llega después de tres años de haber publicado su sexto álbum, Cajón, y busca fusionar elementos de la música industrial y el dream pop con el fin de crear melodías más punzantes y atmosféricas.

También hubo un cambio en la forma de composición de los temas, “eso entrega una diferencia fundamental y nos permite continuar en un sentido de búsqueda mayor para que cada disco que saquemos sea un aporte y de pueda diferenciar de toda nuestra obra”, comentó Walter Roblero.

Persona ya puede escucharse a través de las distintas plataformas digitales de Congelador, como Spotify, Deezer, Apple Music, así como YouTube. Aquí abajo te dejamos el arte de este material.

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Sleigh Bells estrena video

Ve el nuevo video de Derek Miller y Alexis Krauss para "It's Just Us Now".

Después de haber anunciado su cuarta producción Jessica Rabbit de la que ya pudimos escuchar "Rule Number One" y "Hyper Dark", Sleigh Bells ahora comparte el nuevo sencillo y acompañamiento visual para su tercer adelanto titulado "It's Just Us Now".

Después de tres años de silencio desde el estreno de Bitter Rivals (2013), Derek Miller y Alexis Krauss están de regreso con 14 temas nuevos incluidos en Jessica Rabbit, el nuevo material de larga duración que estará disponible a partir del 11 de noviembre a través de ATRL, el cual fuera producido por la misma dupla de Sleigh Bells y mezclado por Andrew Dawson, quien ha trabajado con el polémico Kanye West y el rapero Tyler, The Creator.

Además, el reconocido productor Mike Elizondo que ha colaborado con Dr. Dre, Eminem y Fiona Apple por mencionar algunos, estuvo a cargo de la parte creativa para dar forma a cinco de las pistas favoritas del dúo en este nuevo esfuerzo discográfico.

Jessica Rabbit - Sleigh Bells

Producido por Jason Selvig y dirigido por el propio Derek Miller, "It's Just Us Now" muestra una esencia fuerte y al mismo tiempo un sonido fresco con ayuda de sintetizadores donde vemos a Krauss llorar desesperadamente en una alberca con el rímel corrido, mientras Derek toca energéticamente la guitarra al caminar en solitario por un panteón.

Aquí abajo puedes ver "It's Just Us Now".

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Megadeth en el Pepsi Center WTC

Una furiosa tradición anual.

Ocho meses después volvieron a abrirse las puertas del “Hangar 18” en México. Posiblemente hemos visto demasiado a Megadeth pero siempre es catártico, más aun sabiendo que en cada show la ejecución instrumental mejora y difiere gracias a nuevos integrantes. En el final del primer tema y entre el eco del primer grito de guerra nombrando a la banda, Kiko Loureiro impuso su gran estilo a los solos de este clásico que dio paso a lo más nuevo: “The Threat Is Real” en honor a la paranoia por los ataques quirúrgicos que fallan, los daños colaterales que acaparan las noticias.

Siendo arrastrados por el “Tornado of Souls” los adeptos más jóvenes encontraban el momento perfecto para codearse unos a otros tratando de alcanzar un buen lugar cerca del escenario mientras a la distancia, los viejos y cansados fans solo escuchaban atentos. “Poisonous Shadows” y su afán progresivo con coros ambientales de fondo, “Wake Up Dead” porque aún queda una larga semana por sobrevivir. “In My Darkest Hour”, la calma antes de la tormenta, “Conquer or Die” y Kiko haciendo gala de su habilidad con la guitarra a modo de flamenco infernal.

“This song is about a friend’s ex wife, she was a fucking prostitute”, refirió Dave Mustaine antes de interpretar “She-Wolf”. El riff de guitarra como mordedura que ha persistido desde 2010 que hemos recibido por lo menos una visita anual de la banda en territorio mexicano. “Dawn Patrol” y “Poison Was The Cure” rindiendo honores a Rust In Peace, “Sweating Bullets” para brindar con cerveza a falta de Black Tooth Grin, “A Tout Le Monde” para lacerar las cuerdas vocales, “Trust” y como siempre su coro en español por parte de Mustaine y su personalidad siempre punzante: “Somebody told me he didn’t understand this song…i don’t fucking care”, mencionó antes de “Dystopia”.

La sinfonía de la destrucción y su tradicional canto, alguien entre el público que decidió gritar Juan Gabriel en vez de Megadeth, “Peace Sells” y el paseo de Vic Rattlehead por el escenario, Mustaine mencionando que aprecia el respeto del público mexicano hacia la banda a diferencia de otros países de Sudamérica, una bandera mexicana con el logo de la banda en su atril del micrófono en todo momento. “Holy Wars…The Punisment Due” siempre es el final perfecto para esta peregrinación anual para algunos, y la primera vez para las jóvenes generaciones que en los hombros de sus padres descubren que lo que dice un meme que circula recientemente es totalmente cierto: “Metal is passion, not fashion”.

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FYF 2016 – Día 2

El fin de un amor de verano.

Segundo y último día de endorfinas recorriendo mi cerebro y para empezar a calentar motores Banks & Steelz, una combinación perfecta que mezcla la fuerza del productor Robert Fitzgerald mejor conocido como RZA, miembro de la legendaria banda Wu-Tang Clan, y la tranquila e interesante presencia de Paul Banks, miembro de Interpol. Tuvo un excelente recibimiento por parte de la audiencia quienes aplicaron sus mejores pasos mientras cantaban Love and War” al ritmo de este par.

Después de un bailecito, me dirigí al escenario principal en donde me dispuse a disfrutar de algo un poco más tranquilo pero sin perder tanto el ritmo. Blood Orange ya se encontraba tocando frente al inicio de un atardecer, con toda la calma que caracteriza a Dev Hynes. Uno de los temas que más prendió no solo por la letra sino por la invitada que tuvo fue “Everything is Embarrassing” que interpretó junto a Sky Ferreira. Después de unos minutos y al compás de movimientos suaves y lentos del público, salí del escenario principal para ver a Uncle Acid & the Deadbeats que se encontraban en el escenario The Club, en donde el baile cambió un poco por movimientos rápidos de cabelleras largas y perfectamente bien cuidadas, al ritmo del característico stoner rock de la banda.

FYF 2016

Tengo que mencionar que este día el público iba con una actitud diferente, vi desfilar atuendos más rockerosrudos y oscuros que el día anterior. A pesar del calor, no faltaron las chamarras de piel y las botas negras para completar el outfit.

Más tarde en el escenario Lawn, estaba por dar inicio uno de los más grandes shows. La gente iba tomando su mejor lugar y de pronto la música que ameniza la espera dejó de sonar. Al fondo se escucharon unas notas de piano y dio inicio la fiesta funk del FYF! Pasaron un par de minutos y el señor Charles Bradley se hizo presente con un atuendo que literal lo hacía brillar en la plataforma, el baile –por parte de ambos lados– no se hizo esperar.

La caminata hacia el escenario Trees comenzó. Me dirigía con la mejor actitud pues una de mis bandas preferidas estaba a punto de tocar, la gente corría para tener el mejor lugar, podía notar en sus rostros la alegría y energía que estaban dispuestos a soltar en cuanto Black Lips saliera de alguna de las esquinas del escenario. Después de cuatro minutos de espera se hicieron presentes y los gritos y chiflidos de inmediato sonaron. De pronto podías notar juguetes infalibles a la par de la gente volando por los aires mientras ”Family Tree” sonaba, seguida de “O Katrina!”.

Permanecí en ese escenario hasta el final para esperar a Mac DeMarco. Estaba muy emocionada de verlo por primera vez ya que en otras ocasiones se me había apestado el plan. Durante la espera se me hizo una grandiosa idea ir por un poco de agua y en el camino me quedé de ver con una amiga. Cuando íbamos caminado para entrar me di cuenta de que iba a ser imposible. ¡No sé en qué momento y cómo rayos pasó esto! Estaba ultra atascado, intentamos llegar a un punto medio pero fue una travesía que al final no sirvió de nada. Luchamos contra la gente que estaba embotellada. Mientras intentábamos llegar a un buenlugar escuche “Salad DaysThe Stars Keep On Calling My Name”. ¡O sea, dos canciones y no podía pasar de la mitad del lugar! Cuando al fin llegamos a un buenpunto, ¡no pudimos escuchar nada! La gente no dejaba de hablar, de empujar para salir y otros para entrar. ¿Verlo? ¡Fue peor que imposible! Mi altura y la altura a comparación de los demás asistentes no concordaba, así que mejor aborté misión. 

FYF 2016

Muy triste de no haber logrado disfrutar –nuevamente– del show, caminé hacia el escenario principal para ver a Grace Jones, quien me dejó impresionada con su vestuario y por supuesto con su voz. A pesar de la pocaasistencia y de no haber podido estar en el show completo, puedo decir que fue una de las nuevas presentaciones que disfruté.

Corrí de regreso al escenario Trees para ver a Beach House. Esta vez intenté entrar por otro lado que según yo no estaba tan complicado. Faltaban como 15 minutos para que diera inicio y ya era imposible pasar. Había huecos pero... obvio era una ilusión llegar ahí, ya que en esos espacios había gente sentada y nada podías hacer para colocarte ahí. Aunque logré estar más adelante que con Mac, de igual forma no pude ver nada. Me esperé las primeras tres rolas y me salí con la idea de mejor sentarme hasta atrás y disfrutar, pero al final ni eso pude hacer. De verdad era mucha gente. Pese a eso disfrute de temas como “Wild, Silver Soul y “Days of Candy”.

Toda la gente se dirigía al escenario principal para ver a LCD Soundsystem. Los ánimos ya estaban más que encendidos, incluso vi a Nick Zinner, guitarrista de los YYYs, moviendo la melena al ritmo de “Daft Punk is playing at my house”. Todos estaban súper prendidos, con tragos en mano, cantando, bailando de lo más raro pero bailando. Otro tema que emocionó fue “I Can Change” y así continuó hasta “All My Friends” para cerrar con broche de oro.

Después de esta fiesta, y para calmar mis ánimos de domingo en la noche, fui al escenario The Club, en donde ya estaba tocando Chelsea Wolfe. La atmósfera gótica se podía percibir desde unos cuantos pasos antes de llegar a la carpa. Fue un excelente show y la mejor decisión de haberme quedado a disfrutar un poco de ruidos y oscuridad para calmar mi emocionado cerebro que se negaba a creer que este grandioso festival había llegado a su fin.

Primer festival en el extranjero y como muchos amigos me advirtieron… ¡Sí, me enamoré de él!

Espero sigas con esta excelente curaduría, organización, producción, etc., y espero recorrerte el próximo año. ¡Hasta pronto FYF! ¡Fue un placer!

 

No te pierdas la reseña y galería del primer día.

Tino El Pingüino estrena canción

Franco Genel estrena nuevo sencillo y anuncia presentación en vivo.

Franco Genel mejor conocido por formar parte del grupo The Guadaloops y como Tino El Pingüino en su proyecto solista, acaba de estrenar su segundo corte titulado "Se Abre La Tierra (De Cara Al Sur)" el cual se desprenderá de su nuevo material discográfico De Vuelta En El Lodo.

Previamente, Tino había compartido el sencillo "Todavía (Piensa Que Podría Ser Peor)" que ya está disponible en las plataformas digitales y también estará incluido en la nueva producción de El Pingüino la cual tendrá una presentación en vivo.

De Vuelta En El Lodo contará con los beats de Goon Boy quien produjo los 11 temas que incluyen este álbum, los scratches son de T Capital y Maiky Nav en la mezcla y master, cuya placa será presentada el próximo 2 de septiembre en SALA Corona en la CDMX a las 20:00 horas donde los fans podrán adquirir el material en formato físico, mientras que los encargados de abrir el show serán Kooper Kaiser, Gordo Fu y Karim Caleth.

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De Vuelta En El Lodo será el cuarto álbum y sucesor de Aquí Somos Lo Que Hacamos (2011), Tú Antihéroe Favorito2 (2013) y Ego, Fui A Comer Regreso Pronto (2014), con los cuales ha logrado en  casi 10 años de trayectoria posicionarse en la nueva escena de hip hop en México con un estilo muy  particular y desenfadado, así como el juego de palabras y ritmos.

Aquí abajo puedes ver  "Se Abre La Tierra (De Cara Al Sur)" donde Tino El Pingüino rapea por lugares de la CDMX.

Katatonia en el Circo Volador

Metal para un corazón que cae.

La banda sueca de metal progresivo Katatonia, se presentó en nuestro país el domingo 28 de agosto con su tour Fallen Hearts of South America 2016, para tocar las fibras más sensibles del corazón de su público y hacerlos vibrar con su estilo exquisito y oscuro.

A las 8 de la noche las luces del escenario principal del Circo Volador se apagaron. Entre humo, gritos y emoción salieron al escenario Jonas Renkse (voz), Anders Nyström (guitarra), Niklas Sandin (bajo), y los nuevos miembros Daniel Moilanen (batería) y Roger Öjersson (guitarra), para impregnar el aire de notas musicales llenas de eso que solo ellos saben crear.

Una atmosfera lúgubre y melancólica envolvió el lugar para dar paso a “Last Song Before the Fade”, canción de su nueva producción The Fall of Hearts. El público se entregó de inmediato y las manos llenas de horns up no se hicieron esperar para alabarlos, aunque no hubo respuesta inmediata por parte de ellos. “Deliberation” y “Serein” tuvieron presencia para seguir enganchando al público y marcaron notablemente dos diferentes momentos de la banda a través del sonido de la guitarra.

El reverb inicial y riff de “Dead Letters” abrió paso al headbanging, y fue así como todas las cabezas empezaron a seguir el ritmo de la canción mientras Jonas Renkse cantaba “My heart couldn't feel more pale, only once could I see clear”. La banda resucitó y sonrió ante un público extasiado.  

El viaje continuaba su camino cuando “Liberation” hizo aparición en los oídos con su ritmo inestable y su estilo decadente, dejando muy clara la versatilidad musical que pueden lograr. “Teargas”, “Criminals”, “Soil's Song” y “The longest year” se juntaron para representar el pasado de una banda con historia, que aprendió a combinar diferentes estilos y géneros llenando sus canciones de emotividad y profundidad.

“The Racing Heart” del Dead End Kings de 2012 abrazó los sentimientos de los presentes y llenó los corazones de recuerdos con su lírica y melodía melancólica; colmada de verdad para el que quería escuchar la historia en sus notas. Las puertas del inframundo se abrieron de par en par y “Nephilim” dio la bienvenida. Los colores en el escenario se alternaban, el morado, verde y rojo cambiaban para darle tonalidades a la música que se escuchaba. El público estaba absorto.

Katatonia comenzó a jugar con las emociones del público a través de la música. La guitarra y batería de “Old Heart Falls” acompañaban a una lírica que contaba historias de amor lentamente. Una guitarra de sonido contundente empezó a tocar y “Leaders” se presentó frente a nuestros oídos potente, sombrío, casi industrial. “Hypnone” y “Buildings” hicieron tributo a los vestigios de algo remoto y bello, e “In the white” y “Forsaker” dictaron los últimos momentos del encuentro.  

El final estuvo a cargo de “My Twin”, “Leathen” y “July”. Al concluir, los presentes recogieron sus corazones y partieron a través de la noche en búsqueda de tu propia oscuridad.   

Ryley Walker – Golden Sings That Have Been Sung

La perfección radica en la simpleza.

¿Qué es la perfección? ¿Qué características le dan a un objeto la calificación de perfecto en una determinada categoría? Estas son algunas de las preguntas sobre las que ha reflexionado la filosofía a lo largo de la historia. Las respuestas son muchas según la época y según el intelectual; sin embargo, la respuesta no está tan solo en la opinión de los filósofos y genios del pasado, múltiples músicos a lo largo de la historia nos han demostrado lo que es la perfección, solo hay que pensar en un Nevermind de Nirvana, The Dark Side of the Moon de Pink Floyd o Abbey Road de los Beatles para darse cuenta de que la música tiene su propia versión de la perfección, concepto del que encontramos otra acepción en Golden Sings That Have Been Sung, el más reciente álbum de Ryley Walker.

Golden Sings That Have Been Sung muestra un claro avance de Walker desde sus dos LPs pasados, Primrose Green y All Kinds Of You. Al igual que el título del material, el disco tiene una esencia retro y nostálgica con un sonido claramente influenciado por el folk rock de los 60 combinado con tintes de jazz y blues. Se percibe la influencia de artistas legendarios como Tracy Chapman, Cat Stevens, Bob Dylan y John Fahey; además de cierta similitud con Jack Rose, Steve Gunn, William Tyler y Jonathan Wilson.

Esta nueva placa destaca por su simpleza: en ninguno de sus cortes abusa de los instrumentos, son notas simples y letras sencillas, pegajosas y, en ocasiones, repetitivas. Todo inicia con “The Halfwit in Me”, una canción con un comienzo calmado en guitarra donde poco a poco empiezan a entrar otros instrumentos, sumiéndote en un estado profundo de relajación y concentración.

Después continúa con “A Choir Apart”, "Funny Thing She Said” y “Sullen Mind”, pistas que combinan jazz y folk. Destaca “Funny Thing She Said”, rola que despierta en la imaginación esa escena en blanco y negro, en el bar con un vaso de whisky mientras reflexionas acerca de ese desamor que acabas de sufrir recientemente.

Posteriormente llegan “I Will Ask You Twice” y “The Roundabot”, los tracks más más alegres, melodiosos y pacíficos; con unos coros pegajosos con los que terminarás cantando “[…] And will you marry me baby? I will ask you twice” y “You can find me in the roudabot”, respectivamente.

Finalmente, el material concluye con “The Great and Undecided”, pista con la característica melancolía y tonos tristes que acompañan al blues; y “Age Old Tale”, el cierre perfecto, con un intro que suena a golpes de lo que parece ser un martillo, evocando imágenes de campos en las mentes de las personas, paisaje característico del folk para continuar con sonidos del blues y jazz, como una compilación de los géneros que integran esta composición.

En conclusión, Ryley Walker demuestra, más que nunca, sus raíces musicales y, aunque aún le falta mucho por alcanzar a las leyendas que iniciaron este género, se nota la evolución que ha tenido con el paso de los años y sus habilidades de composición. El artista norteamericano ejemplifica que un buen material no necesariamente está lleno de notas y melodías complicados y, que la perfección de ciertos discos, radica en la simpleza de sus notas y el sentimiento que le imprime el artista.

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Entrevista con Jack and The Ripper

Conoce a Jack and The Ripper, participantes del primer VR FEST en México.

La música de Jack and The Ripper suena simple, aunque no lo sea; se confunde con un sonido noventero a pesar de que sus integrantes (Jack y Ripper) apenas probaron esa década; también suenan a banda de Seattle sin importar que sean chicos Condesa. Todo en este dueto parece no ser sacado de otra realidad. Tal vez sea por eso que decidieron experimentar con otro mundo: el virtual.

Hace unos meses el dueto presentó una aplicación en la que, a través de la realidad virtual, muestran el video de la canción: “I tried to sell my soul”. El video es innovador para el rock nacional, no es la primera vez que un músico usa una app para promover su arte (Otaola ya lo hizo hace un par de años) pero sí es la primera vez que se utiliza la realidad virtual para lanzar un video musical. Pero ¿cómo fue que empezó? ¿De donde nació la idea?

“Todo empezó como una aplicación de realidad virtual que desarrollamos por nuestra cuenta”, dice Jack“Sentíamos que a la larga íbamos a aprender más si lo hacíamos por nuestra cuenta, aunque tampoco decimos que las alianzas o las comunidades atenten en contra del arte, todo lo contrario, así como uno desarrolla una idea, existen otras personas que pueden aportar al mismo arte. Pero con esta pieza en específico, al ser la primera, queríamos que todo el proceso fuera hecho por nosotros mismos”, complementó Ripper.

De acuerdo, lo hicieron por su cuenta, por lo que lo lógico es pensar que, además de músicos se trata de un par de graduados en ingeniería de sistemas, o algo así. “Tenía ciertos conocimientos mixtos que luego se tuvieron que utilizar. Cosas como hackear un juego de los Sims y a los 13 años hice mi primer juego en flash. Pero el resto de programación lo aprendí con tutoreales en línea”, dice Jack mientras lo miro sorprendido por lo que Ripper siente la necesidad de explicarme mejor cómo fue que un par de jóvenes pudieron aprender algo tan complejo como la programación de una aplicación y además la realización de un video de realidad virtual: “Teníamos la experiencia de haber aprendido a producir por nuestra cuenta, no es exactamente lo mismo pero la concentración que debes de tener para poder dominar este conocimiento es muy similar”.

Después de entender el proceso de aprendizaje y realización me llega la noticia de que no están conformes con un sistema para celular, tampoco quieren limitarse a un video. Por lo que para el festival VR FEST MX, el primer festival de realidad virtual que se realizó en el Foro Indie Rocks!, desarrollaron una nueva app para poder disfrutar en vivo de una experiencia tecnológica y musical: “El concierto fue una versión tablet y smartphone. El chiste es que el público esté con los celulares. Leemos mucho que existe el conflicto de que los venues no les parece que la gente esté con sus teléfonos, entonces en lugar de prohibirlos esta es una forma de aprovecharlos", comenta Ripper.

Al saber esto pienso ¿qué papel ha tenido, tiene y tendrá, la tecnología en la música? ¿Es tan importante como la música misma? “La tecnología siempre ha revolucionado, ve a Bob Dylan cuando empezó a tocar la guitarra eléctrica, siempre ha afectado. En todo, amplificadores, instrumentos y métodos de grabación y ahora el streaming” opina Ripper, mientras que Jack tiene una visión más romántica del asunto: “Siento que una aplicación es una forma de arte. Cualquiera. Uber es una maravilla, digna de la época de Tesla. El hecho de crearlas y que sean estéticamente agradables además funcionales, para mí, es poesía pura”.

Jack and The Ripper no se trata de una banda que llene un Plaza Condesa, se trata de un par de artistas de la tecnología que buscan desde su trinchera revolucionar el arte a través de una lucha tecnológica. Esto lo logran al ver precisamente a la tecnología como una simple herramienta de difusión y adoptarla como una forma más de creación.

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