MUTEK.MX 2016: Entrevista con beGun

“Yo busco un sonido propio, no me interesa salir en Pitchfork “, fueron las primeras declaraciones del productor español beGun en su reciente visita a México, para presentarse en MUTEK.MX.

Para adentrarse en el mundo de la música electrónica se debe de tener decisión y paciencia. Gunsal Moreno probó lo que era ser promotor y DJ, antes de darse cuenta de que su verdadero motor en la vida era hacer música, por lo que decidió crear su proyecto beGun.

“Siempre he estado cerca de la música, estudié en el conservatorio cuando era niño, me gustaba mucho el piano, pero me di cuenta que con las máquinas y los diferentes softwares puedo ser más emotivo, probar diferentes melodías y crear todos los ritmos que quiera. Para esto tuve que desconectarme, pensar y empezar desde cero. De ahí también la analogía de mi nombre con la palabra empezar en inglés“, contó en entrevista con Indie Rocks!

beGun está estrenando un LP titulado AMMA, que confiesa no haber querido producir debido a que considera que los trabajos pequeños pueden tener una consistencia mayor. Este álbum está inspirado en la palabra “madre” de la lengua Kan de Ghana. “Los EP me gustan mucho porque al ser compactos, a mi parecer tienen canciones más complejas, tenemos un inicio, un desarrollo y un final. Claro que me gusta como ha quedado este disco, AMMA es un nombre simétrico y corto que puede ser recordado fácilmente”, comentó.

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La mayoría de las canciones de este productor, llevan por nombre ciudades del mundo, debido a su gusto por la geografía y la lectura. “Nunca he estado en África ni en muchas de las ciudades en las que me he inspirado, pero he leído mucho sobre ellas, es verdad que los libros te ayudan a viajar. Nuestra civilización tiene su origen en África y eso a mí me genera una gran energía, las 11 canciones del LP tienen nombres de lugares específicos de este continente. Buscaba que todo conectara en la película que elaboramos, me interesa mucho dar un plus a mi proyecto”, declaró.

La imagen visual que acompaña al sonido se ha vuelto algo vital en la música, beGun consciente de esto, realizó un cortometraje para darle más vida su sonido: ”Esto es una película de 12 capítulos donde buscamos recrear hechos reales, realizamos entrevistas, seguimos los hilos que las personas nos daban, mostramos a los inmigrantes de manera poética, también nos basamos en el libro  Yo, Puta de Isabel Pisano en la parte de las prostitutas, porque son mujeres engañadas que ya no pueden escapar”, agregó.

El reciente sexenio con sus reformas y recortes de presupuesto nos ha querido vender la idea de que en nuestro país la cultura está extinguiéndose y cada vez son menos las oportunidades para las personas que quieren dedicarse a las artes, acrecentando la idea de abandonar el país, para ser valorado. beGun piensa todo lo contrario: “En México hay una gran oferta cultural y por ende de trabajo. La escena electrónica en México está en su punto. Es un país lleno de paisajes, claro que el contexto es muy importante. En España tenemos la mirada en todos los países vecinos de Europa, aquí se levanta la cabeza a E.U.A., pero también se baja la mirada a lo qué está pasando en el sur, en Latinoamérica que es un sonido en pleno crecimiento. Estoy pensando en venir a vivir aquí", concluyó.

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A Tribe Called Red - We Are the Halluci Nation

We Are The Halluci Nation, una mezcla multicultural.


P R O M O C I Ó N

Si quieres llevarte uno de los dos discos físicos de A Tribe Called Red que tenemos, solo debes escuchar el remix que le hizo Alan Rosales a "The Virus", y decirnos en un tuit dirgido a @indierocks, ¿cuál fue tu parte preferida?

a tribe called red alan rosales


Checa nuestra reseña del material y ¡participa para ganarte el disco!

Si lo que buscas es un disco con energía, ritmo y que no sea lo mismo de siempre la banda canadiense A Tribe Called Red lanzó este año su más reciente producción llamada We Are the Halluci Nation. Esta banda con más de siete años de carrera, proveniente de Canadá además de hacer música está inmiscuida en el activismo en pro de los derechos humanos y hace poco lanzó su tercer disco que contiene un sonido revitalizado.

Es una mezcla de sonidos, entre lo nativo afroamericano, la música electrónica, reggae y hip hop que arranca con “We Are the Halluci Nation” tiene un beat suave, una narración y continúa con canticos powwow – una festividad donde los nativos americanos se reúnen para cantar y bailar honrando a sus dioses – es una canción perfecta para relajarte y entrar en ambiente.

“R.E.D” aporta una mayor fuerza al disco tiene la participación de Yasiin Bey, Narcy y Black Bear es más apegada al rap, mientras que “The Virus” es de nuevo una fusión entre sonidos afro y electrónicos.

Es un disco variado, te lleva de un ritmo a otro sin perder su esencia, “BEFORE” es una narración que da pie a “Sila” un track que bien podría formar parte del playlist para la fiesta, seguida de “The Light” con Lido Pimienta, una canción suave encabezada por una voz femenina y en español, lo que refuerza la multiculturalidad de A Tribe Called Red.

“Maima Koopi” es totalmente electrónica de igual forma que “JHD” y “Eanan”  pero nunca pierden el toque de los tambores y cánticos; las fusiones no son algo lejanas a ellos, llevan las cosas a puntos distintos dentro del mismo disco.

La variedad de sonidos y ritmos pueden hacer que este material se convierta en una fragmentación para diferentes actividades o situaciones “Indian City” lleva una voz de fondo que nos remite a aquellas ceremonias africanas de igual forma que “How I Feel” que a pesar de ser un rap lleva detrás a un grupo de hombres y mujeres armonizando la canción.

“For You – The Ligth Pt.2”  tiene un ritmo más allegado a lo tropical, la voz de Lido Pimienta te envuelve en un ritmo con el que te darán ganas de cerrar los ojos y disfrutar el momento. Los niveles bajan pero mantienen el tono con “ALie Nation” con la que mover el pie es inevitable.

We Are The Halluci Nation termina con “SOON” una canción que habla sobre cambiar al mundo y cierra con una voz grabada que despide al escucha de este disco, que podría  considerarse como una de sus mejores producciones, son notorios los cambios que ha tenido la agrupación, se han adaptado a otros ritmos sin perder las raíces.

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Entrevista con Cloves #CC16

“No me arrepiento de nada, aunque ha sido estresante" – Cloves

Ella cantaba, pero tenía miedo de no sonar lo suficientemente bien. A pesar de eso, a los 12 años se aventuró a escribir su primera canción. Al poco tiempo comenzó a buscar oportunidades en bares locales de Melbourne, Australia, su ciudad natal. Kaity Dunstan no sabía que a los 19 años sería conocida con el nombre de Cloves y que estaría girando por el mundo.

La australiana debutó en 2015 con su EP XIII bajo el sello de Universal Music. Un año más tarde, formaría parte de la banda sonora del filme Yo Antes de Ti (2016), con el tema “Don’t Forget About Me”.

A pocos días de su primera presentación en México, como parte del lineup del Corona Capital 2016, Indie Rocks! platicó con Cloves sobre sus inicios, su voz y los proyectos que tiene bajo el brazo.

Desde Londres, Cloves atendió el teléfono y conversó sobre sus inquietudes como artista, miedos y nuevos retos. Desde niña Dunstan amaba cantar. Dijo que lo mejor de haber sido niña era que no se preocupaba demasiado por la ejecución, sino que simplemente se dejaba llevar por el impulso. “Cuando era niña no me importaba demasiado como sonaba, pero conforme empecé a crecer, comencé a ser más insegura al respecto. Actualmente me sigo poniendo muy nerviosa”, compartió la cantante.

Entre sus influencias, la joven compositora nombra a Amy Winehouse, Arctic Monkeys, Alabama Shakes y Fiona Apple. Estos virtuosos son algunos de los artistas que Dunstan más admira y que, sin duda, la motivaron a hacer a un lado el prejuicio sobre sus propias composiciones. “Creo que tenía 12 años cuando escribí mi primera canción para una competencia escolar. Fue una canción muy mala”, comentó Cloves al ser cuestionada sobre sus primeras creaciones.

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A sus 20, y con apenas un año de su primer lanzamiento, la de Melbourne ya cuenta con una experiencia de siete años cautivando la atención de distintas audiencias: “Desde los 13, mi hermana y yo empezamos a tocar en bares con bandas de covers. Mi papá siempre me apoyó y alentó a luchar por mi sueño”. Así que Cloves no es ninguna novata, pues a pesar de sus inseguridades ha tenido el valor de enfrentarse a diferentes públicos.

“Soy insegura acerca de mi voz, pero no creo que eso me detenga de hacer lo que me gusta. Lo que me ha motivado es que siempre he querido hacer un disco del que pueda sentirme segura y saber que estoy transmitiendo algo. Eso es genial”, expresó.

Burlándose de la suerte y jugando con las supersticiones de su abuela, Cloves tituló al EP que la lanzaría a la fama: XIII. “Ha sido una experiencia y trabajo largo. Crecí cantando en diferentes bandas y bares, hasta que fui encontrando mi camino. No me arrepiento de nada de lo que he vivido, porque cada experiencia me ha llevado a donde estoy ahora. Aunque ha sido estresante”, comentó la compositora.

En algunos días Cloves dará un adelanto de lo que será su primer LP. Y aunque no quiso ahondar en el tema, dijo que el nuevo disco seguirá por la misma línea melódica con lírica cargada de sentimiento.

El próximo 19 de noviembre, el escenario Levi’s Tent contará con la presencia de una artista emergente que, a pesar de ser comparada con Adele, lucha por crear un nicho propio en el que los melómanos disfruten del romanticismo y fuerza de sus temas.

“Siempre ha sido un sueño ir a México. Amo la comida mexicana. Estoy muy feliz porque será mi primera visita. Creo que será un show genial”, dijo Dunstan sobre su primer concierto en nuestro país.

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Radiohead sube "rarezas" a Spotify

Escucha estos sencillos de 2009 de Radiohead.

El fin de semana pasado, la banda de rock de Inglaterra Radiohead, hizo disponibles a través de la plataforma de streaming Spotify, los sencillos “Harry Patch (In Memory Of)” y “These Are My Twisted Words” lanzados originalmente durante el año 2009, no incluidos en ningún disco.

“Harry Patch (In Memory Of)” fue escrita especialmente como un tributo para el último soldado sobreviviente que luchó en las trincheras de la Primera Guerra Mundial. La canción fue lanzada en el sitio de la alineación como descarga por 1 libra esterlina, y todas las ganancias recabadas fueron donadas a la Legión Británica Real.

“These Are My Twisted Words” fue inicialmente filtrada a través de BitTorrent el 12 de agosto de 2009. Se especuló en ese entonces que la melodía había sido compartida por la misma agrupación después del poco convencional lanzamiento de In Rainbows en 2007, en el que la gente pagaba lo que consideraba por dicho álbum.

En los meses pasados, Radiohead también hizo In Rainbows y su disco bonus disponible a través de Spotify y Apple Music.

Escucha aquí abajo estos temas de Thom Yorke y compañía.

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Entrevista con Wild Beasts #CC16

Wild Beasts, la banda que siempre quisieron ser.

Existen pocas bandas en el mundo tan infravaloradas como Wild Beasts, el cuarteto originario de Kendal, Inglaterra, que a mediados de este año lanzó su quinto álbum. Durante sus cinco trabajos, la banda ha mostrado sonidos y conceptos muy propios y de gran calidad –incluso, hasta cierto punto teatrales–, además de una evolución muy notoria en sus trabajos, especialmente en el más reciente: el sorprendente Boy King. Sin embargo, tristemente nunca se les ha hecho justicia por parte de los medios ni del público.

Estos ingleses se presentarán en el Corona Capital 2016 en la que será su tercera vez en la Ciudad de México –Corona Capital 2012 y El Plaza en el 2014–. Con este pretexto, Tom Flemming –segunda voz, guitarrista y tecladista– platicó con Indie Rocks! sobre este tema y su nuevo disco.

Boy King salió al mercado y fue una gran sorpresa para medios y público, atrás quedaron los temas suaves, ritmos cadenciosos y melodías elípticas que caracterizaban a la banda; este álbum tiene una personalidad agresiva, hipermasculina e hipersexual –como de macho de chaqueta de piel y motocicleta– bastante definida que musicalmente lo lleva a recurrir de sobremanera a arreglos electrónicos casi industriales y fuertes líneas de bajo, sobre esto, Tom comentó: “Me alegra que estés sorprendido. Quisimos hacer algo más agresivo, más oscuro. Es más como un disco sin guitarras, tienes que hacer algo diferente para seguir interesado en ello”. Esta transformación sónica se dio en el estudio, en el proceso mismo de la grabación: “Dejamos de preocuparnos mucho sobre qué estábamos haciendo, dejamos que pasara y así es como llegaron estos sonidos electrónicos”.

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Hayden Thorpe –vocalista principal– mencionó que si querían hacer un disco con muchos huevos tenían que ir a Texas; la esencia del personaje y la “potencia sexual” de Boy King seguramente no hubiera sido la misma de no haber sido grabado en ese estado con John Congleton como productor: “Sí, definitivamente había que ir a Texas. Ahí encontramos algo que no encontraríamos en ningún otro lado. Eso fue una oportunidad de hacer algo diferente, encontramos diferentes sonidos”.

La música del disco no tendría el impacto que tiene de no ser por las letras, el concepto del álbum y esta actitud; en este, el protagonista es un Boy King, un personaje hipermasculino que prácticamente vive para el sexo. La banda buscó con este material y estos temas hacer un manual sobre “Qué no hacer en el 2016” a través de este personaje: “Boy King es un personaje de ficción, es como una sátira”.

En el boletín de prensa del disco, ellos mismos se presentaron como la banda que siempre quisieron ser, y eso es algo que se puede ver y escuchar. En una entrevista con The Guardian, Thorpe comentó que “estár en una banda es un ‘jódete’ a la adultez”, y efectivamente, esa actitud rebelde y juvenil se siente en el nuevo Wild Beasts, a lo que Tom claramente dijo: “Creo que eso está presente en muchos sentidos en el disco”.

Aunque Boy King es un personaje de ficción creado para dar un statement sobre la hipermasculinazión y la hipersexualidad, para hablar de algo hay que tener cierto conocimiento o cierta experiencia propia, así que esto es lo que Tom piensa del sexo actualmente: “Debo decir que el disco no es para seguirse, para mi el sexo es algo serio, es algo sobre constancia”. De igual manera advierte: “Creo que es un disco sexy, pero en realidad es un disco horrible, no hay canciones de amor, todo es sobre sexo, sobre hacer las cosas a tu modo, ciertamente no es un disco placentero”.

Finalmente, previo a su próxima visita a México, Tom nos contó su opinión sobre el país: “Amamos tocar en México, sé que todos lo dicen pero lo digo en serio”, además recordó su participación en el Corona Capital 2012:  “No lo podía creer, fue maravilloso, es un festival muy espectacular, había un sol hermoso”.

Y así se despidió Tom, al que seguramente veremos el próximo fin de semana con una de las mejores bandas del Corona Capital 2016.

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Giorgio Moroder estrena "Good For Me"

Giorgio Moroder regresa con nuevo sencillo.

Después de poco más de dos décadas, el DJ italiano Giorgio Moroder, lanzó su más reciente álbum de estudio, Déjà Vu , en junio del año pasado, con artistas invitados como Kylie Minogue, Sia, Kelis, Charlie XCX, entre otros. En pocas palabras, un buen regreso para esta leyenda de la música electrónica.

Ahora, el productor de 76 años de edad, acaba de lanzar una nuevo sencillo titulado “Good For Me” con la cantante inglesa Karen Harding.

Esta melodía, tiene un toque pop house más actual en comparación con el marca disco que caracteriza a Giorgio Moroder en sus mejores producciones. Recordemos que él ha estado detrás de los grandes éxitos de aquella época con artistas como Donna Summer, David Bowie, Janet Jackson y Gloria Gaynor.

“Cuando conocí por primera vez a Karen, no podía creer lo joven y talentosa que es. Ella es muy emocionante. El ambiente en el estudio era muy divertido”, comentó Giorgio Moroder para Entertainment Weekly. “Cuando escuché su voz y la vi en persona supe que sería perfecto. Es una chica talentosa, radiantemente hermosa por dentro y por fuera”. Escucha abajo la canción.

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Kate Nash estrena "My Little Alien"

Kate Nash nos enseña lo importante que es amar a tu mascota.

La cantante, escritora y músico Kate Nash, lanzó su más reciente disco Girl Talk en marzo de 2013. Desde entonces solo hemos podido escuchar su más reciente tema "Good Summer".

Ahora Kate Nash nos sorprende a todos con “My Little Alien”, una nueva melodía acompañada por un video musical dirigido por Tyler Monsein.

En este clip grabado en el desierto de California, podemos ver a su mascota, Stella, la cual fue rescata por Kate, además tiene un bonito mensaje en el cual nos recuerda que es mejor adoptar en vez de comprar.

Esta melodía fue escrita después de una aventura en Nevada donde, en palabras de la cantante, vio por primera vez un OVNI. “Llevé a mi cachorro al viaje y me di cuenta de que es mi mejor amiga y aunque nunca he visto uno, ella es como un pequeño alien. Cuando la rescaté de un hombre que quería 20 dólares para sus drogas, ella me salvo en el momento en que más lo necesitaba. A veces siento que somos de otro planeta. Esta canción es sobre el amor a lo extraño”, explica Kate Nash.

Mira aquí abajo el arte de “My Little Alien".

kate nash my little alien

Phantogram – Three

Phantogram regresa con una intensa pero fugaz ilusión.

Hay algunas bandas que durante años permanecen en el anonimato hasta que tienen una canción que los hace despegar y volverse internacionalmente reconocidos. Curiosamente, Phantogram pese a tener ya casi una década y mucho potencial, todavía sigue surcando con modestia en los escenarios. Casi como si no quisieran darse a conocer y su intención fuera permanecer en secreto entre sus fieles seguidores.

Su música es la perfecta combinación de varios géneros partiendo de una base de electro rock con buenas dosis de trip hop y unos cautivantes destellos de dream pop. Posiblemente, la pieza que mejor expone su esencia es la clásica “Mouthful of Diamonds”. Phantogram regresa después de dos años con Three (2016), un álbum que cumple a secas pero que no es ambicioso y falla en llevar su calidad hacia adelante.

El material inicia con “Funeral Pyre” una de esas piezas de cajón del dúo de New York, ambigua y deprimente con ecos de la hipnótica voz de Sarah Barthel. “Same Old Blues” resulta irónica con respecto al título porque la música se vuelve totalmente monótona después de los primeros compases, descubriendo uno de los puntos de donde cojea este disco. En Three, aunque están todos esos destellos intensos que nos gustan de Phantogram: cambios en el ritmo a la mitad de la pieza, efectos en la voz de Sarah, melodías oscuras, entre otros, la composición musical de Josh Carter carece de frescura en esta entrega. No es broma, You Don't Get Me High Anymore empieza casi en el mismo tono que la pieza anterior, incluso pudiendo confundir una de la otra.

Cruel World” mejora un poco el material, teniendo una divertida letra y esos samples característicos de coros que han utilizado en tracks como “Fall In Love” o  “Bad Dreams”. En “Barking DogCarter toma el micrófono para volarse en una pieza con tintes folk y regresa para hacer dueto con Sarah en “You’re Mine”, entre guitarras distorsionadas que nada más no cuajan como armonía.

Por fortuna, hacía el final Three se levanta sorpresivamente para cerrar fuerte con “Run Run Blood”, ecléctica, con un beat que no te suelta y cargada de energía como en los mejores momentos de la banda. “Destroyer” hace un excelente contraste al ser una pieza pop con un puente memorable. “Calling All” rescata su fino trip hop con múltiples versos pegajosos que te atrapan desde el principio. Posiblemente, la mejor pieza del disco.

Aunque Three tiene intensidad, se diluye debido a que carece de dirección y no logra sintetizar la esencia que ha hecho a Phantogram una banda memorable en la última década.

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Entrevista con Metallica

Nuevo disco, Lemmy Kilmister, México y lo que significa ser parte de una de las bandas más importantes en la historia del rock… una plática con Kirk Hammett de Metallica.

Estamos a solo unos días del lanzamiento del décimo disco de estudio de Metallica, Hardwired... to Self-Destruct, el cual marca el esperado regreso de la banda con música nueva a ocho años de la salida de su último material. Antes de poder escuchar completo el álbum que estará disponible a partir del próximo 18 de noviembre y mientras se encontraba ofreciendo una serie de conciertos en algunos países de Latinoamérica, el icónico grupo de thrash metal hizo una breve escala en México y durante esa visita, Indie Rocks! tuvo la oportunidad de platicar con Kirk Hammett sobre lo que viene para el cuarteto estadounidense en el futuro cercano y otros temas.

Durante su estancia en México, el guitarrista de Metallica nos contó, entre otras cosas, cómo fue el proceso de grabación de Hardwired... to Self-Destruct, incluyendo su experiencia al tener como productor a Greg Fidelman, quien también ha producido discos de bandas como Slayer y Slipknot: “sin mencionar algunos problemas que tuvimos, trabajar con Greg Fidelman para mí siempre ha sido genial, tiene una excelente actitud en el estudio, nos conoce a cada uno de nosotros, conoce nuestras mejores habilidades, sabe hasta qué punto estamos cansados como para hacer uso de ellas, así que trabajar con Greg Fidelman siempre ha sido estupendo, hacer este álbum fluyó muy libremente desde mi punto de vista”.

Sobre el título de Hardwired... to Self-Destruct, Kirk Hammett comentó que en realidad significa muchísimas cosas, pero para él es más acerca de esta tendencia de la humanidad de hacer cosas que no son lo mejor para ellos y también tiene que ver con los líderes tomando decisiones que dañan a la gente y al planeta, como si a dondequiera que miraras estuviera presente la autodestrucción. Además del título, otro de los detalles interesantes del álbum es que se divide en tres partes, de las cuales dos incluirán las canciones nuevas y el tercero tendrá algunas rarezas, así como versiones en vivo; esta decisión se tomó para poder tener mucha música y complacer a sus fans.

“Al principio teníamos una actitud de ‘vamos a hacer un álbum al estilo de Kill 'Em All, pero al final era algo tonto, tal vez escuches algunos elementos similares a Kill 'Em All, muchos rebotes y groove es un ritmo natural para nuestras canciones, es genial para mí como guitarrista poder hacer solos groovy, me encanta. Pero cuando pienso en este álbum hay elementos de todos nuestros álbumes, la arritmia es similar a la de The Black Album, hay cosas similares al Death Magnetic, sí hay cosas que recuerdan a Kill 'Em All, pero es como una versión moderna”, nos dijo el veterano guitarrista sobre el sonido del nuevo material de Metallica.

Hasta ahora, ya hemos escuchado sencillos como "Atlas, Rise!", "Moth into Flame" y "Hardwired", los cuales han funcionado muy bien para atraer nuestra atención, pero Hardwired... to Self-Destruct también incluye otros temas interesantes como “Murder One”, que es un merecido un tributo al legendario líder de Motörhead, el fallecido Lemmy Kilmister.

James escribió la letra porque Lemmy significaba muchísimo para los cuatro. A Lars le gusta decir que de no ser por Lemmy nosotros no estaríamos aquí el día de hoy, y para mí él representaba tantas cosas, era un modelo a seguir, representaba la verdadera honestidad e integridad, cuando hablabas con él no sólo era como ‘wow, estoy hablando con Lemmy’, también pensabas que era un tipo genial y respetuoso. Lemmy hacía todo lo que estaba en sus manos para hacer sentir cómoda a la persona con la que estuviera hablando, tengo mucho respeto hacia él como persona. Además de ser un excelente músico, compositor, de hacer letras geniales y de ser un verdadero showman, él tenía el paquete completo igual que Jimi Hendrix, tenía un buen estilo y el sonido. Lo tenía todo y era una gran inspiración, era genial”, nos compartió Kirk Hammett acerca de las razones por las que él y el resto de sus compañeros decidieron homenajear a Kilmister.

Después de revelar que Metallica regresará a México para tocar en vivo una vez más frente a sus fans el próximo 1 de marzo de 2017, el músico nos confesó que nuestro país es un lugar muy importante para la agrupación a la que pertenece, lo cual fue un factor determinante para que se tomara la decisión de presentar Hardwired... to Self-Destruct ante el público mexicano en exclusiva un mes antes de su estreno comercial.

“Con el paso de los años hemos visto cómo es que el público mexicano siente tanta pasión por la banda, cómo la disfruta y se conecta con nosotros y nuestra música, la última vez que tocamos aquí hicimos como 80 shows o algo así, bueno, como 50, tal vez sólo fueron 8 [ríe], pero no hacemos 8 shows en cualquier lugar al que vamos. Podemos ver que los fans mexicanos, particularmente los de la Ciudad de México, son muy especiales para Metallica y geográficamente la Ciudad de México es importante porque gente de todo el país llega aquí para vernos, así que nos hemos dado cuenta de que la Ciudad de México es tan importante como Nueva York, París, Londres, Tokio o Sidney, todas hacen la diferencia. Este es uno de esos lugares donde podemos alcanzar a muchísima gente en muy poco tiempo y simplemente amamos a los fans, no tocar para la audiencia mexicana sería una locura, nos encanta”, compartió el talentoso guitarrista.

Para terminar con la plática y tras decirnos que, en su opinión, la mejor banda de metal del mundo es UFO, Kirk Hammett nos hizo saber cuál es la mejor parte de ser miembro de Metallica. El músico comentó que la cuestión con su grupo es que cada uno de sus integrantes tiene su propia personalidad y que si unes esos cuatro elementos al final suena a lo que hemos escuchado a lo largo de más de 30 años, para él esto es como juntar dos cosas que parecen totalmente diferentes entre sí, como el agua y el aceite.

“Poder hacer música con estos tres tipos de verdad es lo mejor. Yo siempre, desde que empecé a tocar la guitarra, supe la importancia de tocar con buenos músicos y de tocar con los músicos correctos, yo vi lo que pasó con los cuatro hombres que empezaron a hacer música en Led Zeppelin y yo sabía que sólo eran esas cuatro personas las que lograban ese sonido. Me di cuenta desde muy temprano que necesitaba encontrar a las personas adecuadas para formar una banda y lo hice por accidente, pero cuando vi a Metallica por primera vez, recuerdo haber pensado que eran muy buenos, pero que serían mucho mejores si yo estuviera en la banda, peleé por ello y un día, cuando recibí una llamada para unirme a Metallica, se sintió tan natural, pensé ‘por supuesto que me querían, que voy a tocar con ellos, adicioné porque son la mejor banda que he visto hasta ahora’. Lo mejor de ser parte de Metallica es tocar con sus otros tres integrantes, siento que estoy donde debería estar, musical y creativamente hablando, y al menos yo creo en estas cosas locas de que el universo nos puso a todos en este lugar por razones muy distintas pero estamos haciendo justo lo que teníamos que hacer. Y bueno, lo segundo que es lo mejor de tocar en Metallica es ver todas las sonrisas que provocamos en personas de todo el mundo, de verdad, toda esa dicha y alegría que podemos crear, porque están pasando cosas muy jodidas en el mundo y hay que balancearlas de alguna forma”, afirmó un emocionado Kirk Hammett antes de que finalizara nuestra charla con él.

Metallica

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Las Robertas en el Foro Indie Rocks! #CDMX

Como parte del Funnel of Love, celebramos en la CDMX con Las Robertas.

Noche fría. Al foro ubicado en Zacatecas 39 de la Roma Norte comienzan a llegar algunas personas, estas son recibidas con un cálido shot de mezcal. El 12 de noviembre Mirador MX, Wolf Hunt y Toga Records celebraron el tercer volumen de Funnel Of Love Bazar; un espacio en el que marcas nacionales exponen su trabajo, mientras los asistentes disfrutan de tragos, comida, dj sets y acústicos. Para el after party dos bandas fueron invitadas; Las Robertas y The Broccolis.

Una vez que la primera parte de la celebración concluyó, el Indie Rocks! comenzó a deshabitarse, quizá fue el frío o la cantidad de eventos celebrados aquella misma noche, lo que provocó que dentro del recinto, la ausencia de calor humano acentuara el gélido ambiente. No obstante, un grupo de músicos que bien pudieron salir de un filme setentero comenzaron su set una hora antes de que la media noche asomara.

Andoni, Rocco y Betún a.k.a. The Broccolis salieron a hacer lo que mejor hacen, al tiempo que unos cuantos asistentes que valientemente hangueaban en el patio, entraron al escuchar los tarolazos. La banda cuyo nombre hace referencia a aquella verdura que tanto odian los más pequeños, tiene esa vibra psych que es inyectada fuertemente por el órgano Hammond de Andoni.

Los Broccolis tocaron un set despreocupado, dejándose llevar por la psicodelia y llevándose a los espectadores en el viaje, su selección de tracks estuvo determinada por su álbum debut Early Daze que se estrenó en 2015. Un breve descanso llevó a los asistentes a darse una vuelta por los shots de mezcal, que extintos guiaron a los sedientos directo a la barra.

Nuevamente las guitarras comenzaron a retumbar y es que el trio costarricense ya estaba en el escenario. Las Robertas salieron con la firme convicción de prender la noche. El atuendo de Mercedes Oller era hipnotizante, con un conjunto negro de puntos blancos y sus distintivas estrellas bajo los ojos. La banda que ha recorrido el mundo por su exquisito sonido, comenzó a seducir a los presentes, sin embargo la ecualización del lugar no permitía que el sonido se disfrutara al máximo.

Mercedes y Sonya pedían tras cada canción volumen en sus monitores, sin éxito en su demanda. Pese a esto, rolas como “Marlene” y “The Feel” provocaban que los presentes cerraran los ojos y movieran la cabeza. Fabrizio Durán golpeaba duro su drumset, mirando hacia arriba, con la camisa desabotonada, como aquél que busca prender una fogata.

El fuzz del bajo de Sonya y los rápidos beats de batería hacían antojar un slam, mismo que nunca llegó. Quien sí llegó fue Brandon Welchez de Crocodiles, que con una cerveza en la mano interpretó “Tele” al lado de las chicas. Las Robertas lograron sobreponerse al frío y las fallas de audio con un set poderoso que voló la cabeza de los pocos presentes que salieron satisfechos del lugar.