Usted Señalemelo estrena "Pastizal"

Posted on marzo 4, 2019 by -

Después de tres años sin escuchar material nuevo, Usted Señalemelo está de vuelta con "Pastizal".

Una de las agrupaciones más prometedoras dentro del panorama musical latinoamericano es Usted Señalemelo, banda que llena de juventud, talento e ímpetu se ha ganado ser nombrada como el nuevo fenómeno del rock argentino.

Después de II, su reciente larga duración, la banda acaba de presentar "Pastizal", un tema bastante tranquilo y con un vibra tropical. En él cuentan con la coproducción de Tweety González, asiduo colaborador de Soda Stereo y músico invitado en los proyectos solistas de Gustavo Cerati y Fito Páez.

Para acompañar el sencillo, la banda acaba de lanzar un espectacular videoclip para este tema, en el cuál podemos ver a los tres músicos extraviados en la selva, varados en un bote en medio del río. También se ve a una niña tratando de liberar a un pequeño pez, acompañada de un perro.

Justo cuando la música empieza a flotar y entra el solo de guitarra, ese pez se transforma en una criatura de otro mundo, propia del realismo mágico de Gabriel García Márquez o de la fantasía de los relatos de Julio Cortázar.

Dale play a "Pastizal" por aquí.

Como parte de la promoción de este nuevo material, Usted Señalemelo se estará presentando por primera vez en México junto a Giorgio Siladi este 29 de marzo en el Foro Indie Rocks!. Sin duda será una noche llena de sintetizadores y guitarras reverberizadas; psicodelia moderna. Los boletos están a la venta en la taquilla del inmueble o a través del sistema Boletia.

Solange — When I Get Home

Posted on marzo 4, 2019 by -

Sonidos etéreos para la agitación diaria.

La música de Solange Knowles siempre ha vibrado en otra frecuencia, una distinta a la de la música que generalmente suena en cualquier estación de radio o que encontramos bajo reflectores. Pero lo que puede ser una desventaja en una industria musical que se maneja a través de ventas, números en plataformas de streaming y demás estrategias de marketing para la cantante de R&B y soul es un área de oportunidad para que crecer y explorar cada recoveco de su intrincado ser.

When I Get Home es el cuarto álbum de la menor de la hermanas Knowles, y es uno de sus trabajos más complejos hasta el momento. Con una lista de colaboradores y gente involucrada en la creación de este disco tan larga como variada, los nombres de Earl Sweatshirt, Dev Hynes, Sampha, Pharrell Williams, Steve Lacy o Raphael Saadiq saltan a primera vista. Pero el trabajo mayor ha sido abarcado por Solange, quien escribió, produjo y ejecutó cada uno de los 19 temas contenidos en el LP.

No es un disco fácil de abordar, hay que decirlo desde un inicio, pues puede llegar a ser lento por momentos, pero una vez que se siente la línea musical del mismo, cada etapa sonora por la que nos hace adentrarnos la también actriz originaria de Houston es un respiro para la agitación diaria. Dicho lo anterior es justo lanzar la declaración de que el álbum suena como terapia. Es un aliciente para aquellas cabezas llenas de pensamientos atribulados que buscan ser ordenados. Hay una perfecta harmonía entre cada sonido y la ausencia de ellos.

La articulación de cada composición está hecha con tal precisión que hay momentos en los que el inicio de un track se conecta no solo con el siguiente, sino con canciones que se encuentran tres sitios después. When I Get Home utiliza recursos musicales como la síncopa y las aliteraciones literarias para que, en sus más de cuarenta minutos, cada emoción se mezcle con las demás y se vuelvan indistinguibles entre sí, pero palpables por sí mismas… si es que eso tiene algún sentido.

El viaje sonoro empieza con “Things I Imagined”, una pieza suave en la que la voz de Solange cubre el piano como una manta de terciopelo, mientras distintos sonidos sintéticos acentúan cada frase. “I’m a Witness” es el cierre a manera de un blues con una guitarra eléctrica distorsionada, ecos de su voz y un piano en el fondo marcando el tempo.

Cada tema está seleccionado de manera precisa para aparecer en el disco, así duren 17 segundos (“S McGregor Interlude)”) o casi cuatro minutos (“Almeda”) y son tan diferentes entre sí como similares. Hay una línea conductora en todo el disco que hace que un electro pop con tintes de R&B de los 90 como lo es “Stay Flo” pueda aparecer en el mismo trabajo que un blues en el que Solange y Gucci Mane intercambian frases aparentemente inconexas mientras Tyler, The Creator susurra en el fondo como es el caso de “My Skin My Logo”. “Binz” y “Dreams” son un par de temas únicos en el álbum, cada uno con sus distintas atmósferas, que logran capturar el sonido general del último larga producción de Solange.

Hablando de manera general, el álbum es un trabajo etéreo que flota en su propia levedad. Si hay alguien que pudiera hacer un disco con esta versatilidad sin duda es Solange. Quizá podamos decir que peca con la exploración y que por instantes termina perdiéndose en ella, haciendo que los temas suenen como acercamientos más que como piezas terminadas, pero siempre regresan a ser piezas por sí mismas. Sin duda es un disco que podíamos esperar de la compositora de Houston y es un gozo el que sepamos que podemos confiarle una tarea de dicha envergadura.

Helado Negro — This Is How You Smile

Posted on marzo 4, 2019 by -

Una mirada al interior de Helado Negro.

Cuando se trata de música, el ser humano tiene la tendencia a buscarse en punto intermedio entre esta y su realidad. Hemos escuchado miles de canciones sobre amor, soledad, tristeza, problemas mundiales, depresión, felicidad, etc. en las que nos hemos visto reflejados, y que nos han hecho llorar, reír, bailar o reflexionar ¿pero cómo sería un disco que realmente esté basado en tu vida desde la infancia? En This Is How You Smile, Helado Negro evoca el poder de la nostalgia para llevarnos por una exploración de su persona representada en una antología de recuerdos, sentimientos, experiencias, cambios, preocupaciones sobre su pasado y presente que reflejan su personalidad, las diferentes tonalidades de su vida, los ritmos que lo han formado como artista, pero sobre todo la necesidad de sentir y compartir al mundo cómo sonríe Roberto Carlos Lange.

Al crecer como hijo de inmigrantes, Helado Negro es conocido por promover la defensa de los derechos de la gente que sufre cualquier tipo de marginación —ya sea por su color u origen— bajo el lema “Young, Latin and Proud”. Parte de esto es recogido en “Please Won’t Please”, “brown won’t go, brown just glows”, canta Lange, recordándonos que el color café es uno más que forma parte de la belleza de este mundo y merece florecer y brillar como cualquier otro. Pero detrás del retumbar de la batería y la melancolía y belleza de los sonidos ambientales, se esconde la inevitable angustia de un futuro incierto, “will anyone rescue what’s left of me?”. Unida a este sentimiento está “País Nublado”, una balada en la que Roberto nos canta al oído, mientras se lamenta: “despacio, te digo, porque nos falta un tiempo para pasear este país nublado”, y continua… “an we’ll take our turn, knowing that we’ll be here long after you”, para al final hacernos gozar acompañado de una segunda voz, que pronto se convierte en una tercera y una cuarta y ahora todos dicen en unísono “laughing longer, smiling harder, uh-uh-uh-uh-uh…”.

“Imagining What to Do” comienza con el sonido desnudo de una guitarra acústica a la que se añaden el dramatismo de los violines y arreglos de tambores metálicos que entramados construyen un hermoso y cálido ambiente, en contraste con el frío que habita en el corazón de Lange—“cause it’s cold and hard to remember what the sun feels like”—, como efecto secundario del miedo de no volver a sentir el calor de su familia, el agua se convierte en hielo y permanece sólido en forma de nieve. “Running”, una canción misteriosa, un espacio recóndito, que Helado Negro ha descrito como un “poema”, cuyos versos están formados por la delicadeza del piano y la esencia jazz, eliminando toda necesidad de palabras.

La variedad de géneros va desde la electrónica experimental de “Fantasma Vaga”, que parece ser el registro de una conversación entre Lange y un espíritu que lo acompaña;  así como la guitarra con un estilo flamenco acompañada de coros en “Sabana de luz”, en donde el artista nos dice que lo mejor de nosotros aparece cuando llegamos a ver el alma de las personas y nuestros “cuerpos de luz aparecen” irradiando felicidad. Mientras que “Todo lo que me falta” brilla por su estilo pop inusual con arreglos de viento que se sienten lejanos y donde el crujir de la guitarra da equilibrio a una historia de amor.

Parte esencial del disco son los recuerdos que Carlos tiene de su infancia, como cuando caminaba con su hermano sobre el pavimento caliente hacia la alberca comunitaria de su vecindario, sentimiento que logra revivir a través de la atmósfera veraniega que genera la guitarra eléctrica junto con el jugueteo de la batería en “Seen My Aura”. Cuando somos niños el día parece no tener fin, las horas pasan entre risas y diversión y no existe ninguna preocupación mas que la de comer nuestro cereal favorito y no perdernos nuestra caricatura preferida, son esos años en los que realmente somos libres, en los que nuestra imaginación explora terrenos desconocidos sin ningún temor, y en los que un beso de nuestra mamá antes de dormir nos basta para despertar al otro día llenos de alegría. En “Two Lucky”,  Lange tiene el deseo de sentir esa ternura hacia el mundo de nuevo, pero las dificultades lo sobrepasan—“just kids with love, we knew nothing about this shit”—, para darse cuenta que lo más importante es cuidar de los que queremos y conservarlos en nuestra vida, porque “¿quiénes somos para explicar este misterio?”.

“Echo for Camperdown Curio”, “November 7” y “My Name Is For My Friends” están compuestas por capas ambientales con dulces destellos en los que el artista navega hacia un espacio de introspección para encontrar momentos importantes escondidos en lo más profundo de su corazón. This Is How You Smile es un espejo que refleja el aura de Roberto Carlos Lange, una autobiografía multicultural que nos recuerda que algunas veces tenemos que pensar lo que somos y de qué estamos hechos para encontrar nuestro lugar en el universo.

Entrevista con Niña

Posted on marzo 4, 2019 by -

Viaja a otro mundo con Invasores de Niña.

El cambio de lo análogo a lo digital está más presente que nunca. En los últimos años la oportunidad de dar a conocer música para las agrupaciones emergentes es cada vez más fácil gracias a las redes sociales, los medios digitales y las diferentes plataformas musicales de streaming que existen como Spotify o iTunes.

Para Niña, a pesar de ser una banda con muchos años de trayectoria, adaptarse a los cambios ha sido fácil. Incluso los ha ayudado a tener una caja de ritmos como “integrante” de la banda. Además ha aprovechado estas herramientas para animar a sus seguidores a interactuar y ganar premios mediante su grupo en WhatsApp, donde crearon una comunidad que está en constante crecimiento.

“Cuando empezamos a tocar no teníamos apoyo de disqueras e hicimos la nuestra Happy-Fi. Al salir las plataformas digitales ya estábamos adaptados a un ambiente en donde casi todo se hacía con tecnología, nos mudamos de una plataforma a otra y en nuestro caso fue bueno y sencillo. En los 90 no existía la manera de difundir la música como ahora, el Internet y la tecnología nos abrieron las puertas bastante”, contó Alejandro Isassi, guitarra y voz.

El disco temático Invasores, nació del gusto por las historietas como Heavy Metal y la música alternativa que Isassi consumía. Fue así como surgió la idea de este concepto musical que promete ser un viaje a otro planeta, una historia intergaláctica que mezcla la realidad con la ficción. Además las marcadas influencias de Mr. Bungle y Faith No More se reflejan en varias de las 10 canciones que contiene el disco.

“Es una mezcla de todos estos universos con los que creé historias y que al mezclarlas con el rock pesado resultó en el disco más rudo de Niña, antes estábamos más acostumbrados a canciones más pegajosas. Este material es un poco más pesado pero sin perder la esencia pues nos gusta jugar con la fantasía y la realidad”, comentó Alejandro.

Este es el séptimo disco de la agrupación pero el primer temático, en él la historia de los tres personajes principales: Punk robot, El Exterminador y Gema la diosa amazona, se mezclan con la música para dar como resultado una historia completa que se va revelando conforme pasan las canciones del disco.

“En terminar Invasores nos tardamos cuatro o cinco años porque varias cosas que grabamos no nos gustaron y tuvimos que volver a empezar. Fue difícil porque como vivíamos en ciudades diferentes teníamos que viajar. Llegó un momento en que no sabíamos hacia dónde iba el proyecto pero Maurizio Terracina de Zurdok nos ayudó, agarró nuestro material le dio un retoque, nos gustó mucho el resultado y aquí está el disco”, dijo Isassi.

En estos tiempos donde sale música nueva a cada momento, es importante que las bandas se posicionen mediante su estilo y calidad musical. Niña suele darle la importancia que se merece a cada canción es por ello que en este álbum logró algo que no había hecho y se abrió a experimentar y utilizar distintos géneros musicales sin miedo a que los juzguen.

“En este proyecto logramos la libertad de cambiar de un género musical a otro, sin tener nada que perder. También empezamos a movernos en lugares para hacer conciertos privados de Niña, ya no estamos interesados en solo presentarnos en festivales sino en hacer conciertos chicos con la gente de cerca”.

Entre sus planes para dar a conocer Invasores este año, está la gira por México que empezará en el Foro Indie Rocks! el 30 de marzo, para la cual ya está preparando el show y a partir de aquí seguirá con fechas en todo el país por ciudades como Monterrey, Saltillo, Tijuana y Guadalajara, entre otras por confirmar.

“Vamos a presentar Invasores que sacamos hace seis meses y con el que vamos a visitar varias ciudades de México en salas de conciertos para la escena de música local e independiente. En el Indie Rocks! Tocaremos el disco completo y luego tendremos un intermedio en donde nos va a acompañar Marcela Viejo para terminar con algo más clásico con Luis Farra de Quiero Club, será un concierto a tres tiempos y tendremos bandas invitadas como Danzantes y Babilonia de Monterrey”.

No te pierdas la oportunidad de asistir a la presentación del reciente disco Invasores de Niña, una banda con bastantes años de trayectoria que nunca deja de mutar y que en esta ocasión nos regala música con una temática diferente en donde podemos encontrar una fuerte influencia entre los cómics y la música pesada de bandas como Mötley Crüe y Poison.

Fallece Keith Flint de The Prodigy

Posted on marzo 4, 2019 by -

Tristemente el vocalista de The Prodigy perdió la vida a la edad de 49 años.

Esta mañana, la agrupación británica confirmó a través de sus redes sociales el deceso de su vocalista Keith Flint, cuyo cuerpo fue encontrado en las primeras horas del lunes en su residencia de Essex.

Según reportaron medios británicos, descubrieron a Flint cuando una mujer alertó sobre el estado de salud de un hombre. Los oficiales que llevan el caso mencionaron que no sospechan de homicidio y que los forenses ya están preparando un expediente.

El cantante fue mundialmente reconocido por su trabajo con The Prodigy, banda de la que fue parte por casi 30 años y con la que ganó varios reconocimientos, así como un lugar especial en la historia de la música electrónica.

Este fue el comunicado que The Prodigy compartió en sus cuentas oficiales. "Con absoluta tristeza y shock confirmamos la muerte de nuestro hermano y mejor amigo Keith Flint. Un verdadero pionero y una leyenda, será recordado por siempre. Gracias por respetar la privacidad de todas las personas cercanas durante este tiempo".

Keith siempre será recordado como una de las figuras más importantes de la escena alternativa del Reino Unido, pues su personalidad explosiva en el escenario y discos como Fat OF The Land o Music For The Jilted Generation, causaron enorme impacto y trazaron el camino para muchos artistas.

Puedes leer nuestra reseña del último disco de The Prodigy justo aquí.

NRMAL X

Posted on marzo 4, 2019 by -

Amor por la música, respeto y diversidad en NRMAL X.

Existen pocos lugares donde te puedes sentir libre, expresarte sin miedo a ser juzgado, donde no existe la violencia, donde te sientes feliz y con ganas de sonreír, donde no tienes que actuar o fingir algo, donde todos son parte de una misma comunidad y lo único que se puede apreciar alrededor es amor, paz, euforia, creatividad, energía, hermandad, diversos colores que se complementan, y ganas de vivir. Esa vibra la hemos sentido muchos en Nrmal, un festival que durante 10 años se ha convertido en un espacio para descubrir y disfrutar de artistas nacionales e internacionales, para amar la música y transformarnos con ella, para escaparnos de la realidad por unas horas y salir empapados de nuevas experiencias y sonidos, para hacer nuevos amigos, para compartir historias y capturar momentos y así bailar hasta morir. Hoy se cumplen 10 años de una idea que ha florecido y  nos ha hecho parte de ella y eso hay que celebrarlo siempre bajo el mantra: amor por la música, respeto y diversidad.

Durante 10 años hemos podido ver bandas y artistas como Grimes, Blood Orange, Kelela, Porter, She’s A Tease, Battles, Rebolledo, MacDemarco, Sky Ferreira, Porches,  Banda de Turistas, Rebolledo, Algodón Egipcio, GIRLS, Ariel Pink, DIIV, UMO, Juan Wauters, San Pedro el Cortez, Magical Cloudz, Las Robertas, HEALTH, Destroyer y otras que nunca creímos ver en nuestras vidas como Slowdive, The Brian Jonestown Massacre y Swans. Nrmal ha hecho posible el sueño de muchos de nosotros de poder apreciar un show en vivo de nuestros ídolos y ahora cada una de estas presentaciones y el recuerdo que tenemos de ellas forman parte de una memoria colectiva que perdura en nuestros corazones. Este año Nrmal más que nunca se hace presente como un festival de culto con las presentaciones de leyendas como Mazzy Star, Spiritualized, Gang Gang Dance y Frank Bretschneider, pero donde perdura esa esencia de traer artistas de la escena underground y propuestas que frescas que siempre terminan dejándonos un buen sabor de boca.

Para muchos de nosotros es difícil encontrar propuestas musicales latinas o mexicanas. Por suerte, cada año Nrmal tiene una selección que siempre nos deja satisfechos. Ale Hop fue la encargada de abrir el festival, con una presencia misteriosa, desde el primer momento que pisó el escenario se trasladó a otro mundo, uno creado alrededor de la distorsión. Junto con su guitarra micrófono y sintetizador, Ale Hop se dejó llevar por el extasis de la experimentación, a través de géneros como la  electrónica, rock, música árabes y ritmos tropicales. Mientras que El Shirota cautivó al público con una derrocha de energía y poder en el escenario Azul con un estilo rock psicodélico, que por momentos pegaba en lo hardcore. “Somos El Shirota” dijeron antes de despedirse colgados de las estructuras del escenario entre sudor, slam y headbanging.

Vyctoria es un proyecto que pega entre la música drone, el rock experimental y la improvisación, donde hay claras referencias a bandas como Godspeed You! Black Emperor y Swans. Se nota la concentración que tienen al tocar, generando atmósferas ambientales oscuras que se sienten como campo de energía alrededor de ti. Del otro lado del festival en el escenario Musikplatz, una de las mayores sorpresas fue Canalón de Timbiquí, que llegó a Nrmal con toda la vivacidad y fuerza del Pacífico, para hacernos bailar hasta el cansancio con sus ritmos afro-colombianos. El aura que la banda transmite te hace gozar y sentir la emoción, pasión y alegría de la tradición colombiana.

Canalon de Timbiqui Nrmal 2019

Michelle Blades juntos como su banda Los Machetes, demostraron su experiencia musical por medio de una exploración de géneros como el blues, rocanrol, pop, y psych-rock. Entretanto, Sexores con una presentación muy íntima nos hizo sentir los sonidos dulces y estelares de su synth rock.

Una de las más esperadas era Rubio. La intérprete chilena logró complacer con su synth pop orquestal, donde se pueden observar partes de dramaturgia en su manera de interpretar la música y expresiones. Sinjin Hawke y Zora Jones nos transportaron a un ambiente futurista mezclando componentes de la electrónica popular, footwork, trap y club music complementados con visuales coordinados por sus movimientos. Atrapados en dos universos paralelos, ambos artistas nos mantuvieron hipnotizados.

Lamentablemente John Maus canceló su presentación por problemas de salud. Pero esto nos permitió ver completo el show de Beak>. Desde Bristol llegaron para robarse el corazón de México. Ambas partes parecían muy a gusto, disfrutando cada segundo, por ejemplo cuando Geoff Barrow puso la famosa grabación del “fierro viejo”. Así mismo, la banda mostró simpatía con nuestro país sobre la discriminación a los inmigrantes por parte del gobierno estadounidense al decir “Fuck Trump, fucking Orange Trump” y nos dieron una cátedra de su rock con música electrónica. Se nota que disfrutan tocar, y de ahí su ejecución exacta y  magistral de canciones como “I Know”, “The Brazilian”, “Blagdon Lake”, “Eggdog” y “The Meader”.

Nunca había escuchado a Frank Bretschneider, y tuvo una presentación satisfactoria. El productor conocido por trabajar con ruido blanco y ondas sinusoidales, tomó la más pura esencia de estos elementos para transformar el escenario negro en un espacio denso techno y drum & bass incorporando sonidos robóticos y clics. Spiritualized regresó a nuestro país para demostrarnos el verdadero valor de la música, purificando nuestra alma con la melancolía y perfección de su música. Comenzaron con “Come Together” de su álbum Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space y así nos mantuvieron, flotando entre las diferentes capas de distorsión, coros, teclados y demás arreglos que terminaron por hacernos llorar en “So Long You Pretty Thing”. También sonaron otros hits como “Stay With Me”, “The Morning After”, “I’m Your Man”, “Damage”, “Soul On Fire”, para terminar con “Oh Happy Day”.

Frank Bretschneider Nrmal 2019

La chispa que transmite Gang Gang Dance es única. Liderados por la interminable sonrisa de su vocalista Lizzi Bougatsos se robaron nuestro corazón. Su show en vivo es más experimental que en sus discos, extienden las canciones, agregan otros elementos de world music a su base electrónica, suenan más orgánicos. Parece que están en un estudio tratando de pasarla bien y eso se transmite, irradian alegría e inevitablemente tu cuerpo comienza a moverse. Sorpresivamente no interpretaron ninguna canción de su última producción Kazuashita, y se basaron en canciones como “MindKilla”, “Glass Jar”, “Chinese High” y “Thru and Thru” con la que terminaron.

Vivimos en un sueño con el concierto de Mazzy Star, la belleza, sutileza y armonía con la que tocan nos elevó a un universo de estrellas donde la voz de Hope Sandoval era la que brillaba más. Fue una hora hermosa en la que todos nos atrevimos a soñar junto con la banda. Fue un viaje maravilloso a través de su discografía: “Fade Into You”, “Flowers In December”, “Blue Light”, “Disappear”, “Ride It On”, “Lay Myself Down”, entre otras.

Todos sabíamos que Death Grips venía a destruir todo y así fue. Eran los últimos minutos de Nrmal y se desvanecían junto con nosotros entre la locura, la liberación de energía, empujones, golpes, cosas volando, sudor, gargantas secas y hasta sangre. Death Grips transformó Nrmal en un escenario de completa demolición, Stefan Burnett parecía tener convulsiones y no dejaba de moverse por todo el escenario y la gente respondía de la misma manera todo el tiempo saltando y gritando.  Y así, “I’ve Seen Footage”, “Lost Boys”, “No Love”, “System Blower”, “Guillotine”, “Death Grips is Online” y “The Fever (Aye Aye)" dieron fin a una edición más de Nrmal.

Una vez más Nrmal demostró por qué es el favorito de muchos, con un gran oferta de música, comida y formas de divertirse y pasarla bien en un ambiente amigable en el que convergen el público, artistas, organizadores, equipo de producción, y demás elementos que hacen de Nrmal una experiencia inigualable en el país. Sigue teniendo esa cualidad de hacernos querer regresar el siguiente año con la misma emoción. Mientras tanto, felices 10 años Nrmal.

Anderson .Paak anuncia 'Ventura', su nuevo álbum

Posted on marzo 4, 2019 by -

Ventura el nombre de este nuevo material discográfico. Incluirá colaboraciones con Mac DeMarco, Thundercat, Earl Sweatshirt y más.

Como una continuación de Oxnard, Anderson .Paak anuncia el lanzamiento de un nuevo disco. Ventura también será un álbum con distintas colaboraciones con artistas como Mac DeMarco, Thundercat, Earl Sweatshirt, Noname y Jessie Reyez. Estará disponible a partir del 12 de abril, vía Aftermath Entertainment.

El rapero nacido en Oxnard, California, se inspiró en sus raíces para la elaboración de estos dos materiales discográficos. Tanto Oxnard como Ventura fueron grabados a la vez, pero debido a la cantidad de canciones, Anderson decidió dividirlos. La producción estuvo a cargo del rapero y productor, Dr. Dre, quien produjo tres canciones de The Slim Shady LP de Eminem.

En la pasada edición de los Premios Grammy, “Bubblin”, del disco Oxnard, empató junto con “King’s Dead” de Kendrick Lamar y Jay Rock como Mejor Interpretación Rap. Así que quién sabe, quizás Ventura le pueda traer más nominaciones al artista.

En junio, Anderson .Paak comenzará una extensa gira por Estados Unidos, llamada Best Teef In The Game Tour. Thundercat será el encargado de acompañar al rapero en todas sus presentaciones, pero eso no es todo. Mac DeMarco, Earl Sweatshirt, Noname y Jessie Reyez también participarán en la gira pero en distintas fechas. ¡Aquí puedes ver el cartel!

 

Datarock en el Foro Indie Rocks!

Posted on marzo 2, 2019 by -

Una sorpresiva explosión de vigor y felicidad gracias a Datarock.

A mi gusto, existen tres grandes clasificaciones de bandas o músicos. Aquellos que en vivo no le hacen justicia a su material de estudio. Los que en vivo reproducen fidedignamente el disco, esto, sin ser ni bueno ni malo. Y aquellos que sobre el escenario verdaderamente se convierten en una experiencia única, excediendo lo grabado. Datarock, agrupación oriunda de Noruega, entra perfectamente en la tercera categoría.

Desde hace más de una década, este singular cuarteto ha puesto a bailar a su modesto grupo de fans internacionales, con una mezcla de rock electrónico con una sutil pizca de dance punk. Han sido constantes, lo que los ha llevado a ya tener cuatros discos de larga duración en su trayectoria. Después de más de siete años de ausencia en el país y aún más en la capital, por fin tuvimos el gusto de disfrutar su energía una vez más.

Los reunidos en el siempre fresco y emocionante Foro Indie Rocks!, llegaron un poco antes del espectáculo para convivir y echar unos tragos, así como para escuchar unos buenos beats proporcionados por DJ Sorullo. Cerca de las 22 H., se apagaron las luces y empezó a sonar la movida pieza acústica “BMX”, del más reciente disco de la banda, Face the Brutality (2018), para hacer una genial antelación a los integrantes próximos a aparecer. Se agradece que en el venue, cada vez son más puntuales y mejor organizados.

Después de haber soltado bastante humo en el escenario, la agrupación se hizo ver con sus nuevos trajes de color negro (antes de color rojo) así como sus icónicas gafas, para arrancar con la suave “Feathers & Wax”. Al terminar, el frontman, Fredrik Saroea exaltó a todos soltando unas palabras y agradeciendo por haber venido, para continuar con “Everything” con su pegajoso sintetizador y coros.

Después de estas canciones del más reciente disco, la banda regresó al pasado con la acelerada “Give It Up”, para ahora sí, prender a los fans ya que hasta el momento habían estado tranquilos. Una y otra vez, Fredrik, invitó a todos a corear ‘ooooooh oooooh’, así como lo haría continuamente durante la noche, con varios de los melosos pasajes de muchas de sus canciones. La fiesta prosiguió con “Dance!”, con sus salvajes riffs, que nos hicieron apreciar que la banda, más allá de su alocada presentación y actitud, son unos virtuosos musicales.

La excelente velada siguió con la tranquila y dulce “Amarillion”, acompañada de “Princess”, en donde Fredrik puso a todos a bailar haciendo el ‘Running Man’. Esta canción también dio pie a regresar a piezas de su primer album: Datarock Datarock (2005), como la energética “Sex Me Up”, que recargó a todos de energía para volver a brincar como locos.

Después, llegó uno de los mejores momento de la noche, con el estreno de la excelente canción “The One”, del EP A Fool at Forty is a Fool Indeed (2019), con un mensaje cargado de buena vibra, así como con el turno de tocar posiblemente la canción más famosa de la banda: “Fa-Fa-Fa”. Todos explotaron al unísono, una y otra vez, gritando ‘Fa Fa Fa’ hasta que la garganta no pudiera más.

Al terminar la agrupación salió brevemente para regresar con un sorpresivo encore conformado por la también clásica y divertida “Computer Camp Love”, cuya letra se la sabían de memoria la mayoría de los presentes. Antes de concluir, Fredrik se quitó la playera e invitó a todos hacerlo por el calor que hacía, para arrancar con dos canciones que fueron un total remolino de regreso a los orígenes punk de la banda: “The New Song” y “Hair”, una de sus primeras piezas, que puso a más de uno en un frenesí.

Antes de despedirse, los integrantes de la banda pasaron con sus fans todavía un momento más, inolvidable y cómico, jugando sobre el escenario con la canción “[I've Had] The Time of My Life” de fondo, de la película Dirty Dancing. Incluso, el baterista Øyvind Solheim, se lanzó a hacer crowd surfing para regresar al escenario, y ahora sí, despedirse todos en conjunto.

Así fue como Datarock cautivó una vez más a sus fans, quienes esperaron por años pacientemente a que volvieran, reafirmando que algunas bandas sencillamente nacieron para ser disfrutadas en vivo.

Datarock visitó la Casa Indie Rocks!

Posted on marzo 2, 2019 by -

Mira todo lo que la banda noruega nos platicó en su visita por la Ciudad de México.

Datarock visitó la Casa Indie Rocks! donde tuvo una charla muy especial con María Letona. Los integrantes de la banda compartieron cómo se sentían previo a su presentación en el Foro Indie Rocks!. “Es genial salir un poco de Noruega y regresar a este bello país, hace tiempo que no veníamos. Estamos listos para tocar esta noche y además teníamos muchas ganas de comer tacos”, comentó Kjetil Møster.

La banda anunció que su visita a México tenía un par de propósitos: promocionar su reciente material discográfico Face The Brutality y hacer la presentación oficial en vivo de su nuevo EP, A Fool at Forty is a Fool Indeed.

Además, el vocalista Fredrik Saroea bromeó diciendo que es striper y que también toca la guitarra. Por su parte, Kjetil Møster mencionó que toca el bajo y compartió una de las experiencias más extrañas que han tenido cuando han bebido de más. “Recuerdo la vez que tuvimos un concierto en Liverpool y estaba Marky Ramone y Happy Mondays, Pixie Geldof  entró justo cuando yo me estaba bañando. No me acuerdo de nada, pero solo ha sido en dos ocasiones. Somos borrachos profesionales”, confesó Frederick Saroea.

Mira la entrevista completa a continuación:

Vaya Futuro lanza ‘Tips Sides’

Posted on marzo 1, 2019 by -

La agrupación mexicana acaba de lanzar Tips Sides, una colección de material inédito.

La aparición de Vaya Futuro en la escena musical mexicana vino para darle frescura con su particular pop psicodélico. Aunque como una banda inquieta y con ganas de experimentar, muchas veces suelen dejar de lado grabaciones o cambiar su sonido por algo que vaya acorde a lo que quieren expresar en el momento.

Es por esto que los originarios de Tijuana han estrenado Tips Sides, un compilado en el que podremos encontrar maquetas de canciones, temas en vivo y lados B que el grupo grabó durante las sesiones que los llevó a lanzar su tercer álbum de estudio, Tips para ir de viaje.

No esperes más y déjate llevar por una hora y media de material inédito de Vaya Futuro. 

Entre las particularidades que contiene se encuentran temas inéditos como “Bermellón”, el cual fue producido por Ben H. Allen y grabado en Islandia gracias a un concurso de Converse que ganó la banda.

Ademas, cuenta con la maqueta de una canción titulada “Cuna de Ramas”, la cual no quedó dentro del álbum porque no empataba bien con el eclecticismo que querían proyectar junto con los demás temas.

Sobre este material, el vocalista Luis Aguilar comentó. “Son este tipo de detalles que como aficionados de la música agradecemos de bandas que admiramos. Esperamos de la misma inspirar a algunas mentes del futuro”.