Liberan “Confusion Wheel”, otra canción inédita de Tom Petty

Este es el nuevo adelanto de lo que vendrá en el compilado póstumo de Petty que saldrá a mediados de octubre.

El legado de Tom Petty continúa creciendo y sorprendiendo a sus seguidores incluso a tres años de su fallecimiento. Durante los últimos días fue lanzado "Confusion Wheel", un tema inédito escrito en 1994 que vendrá en Wildflowers & All The Rest, el nuevo recopilatorio discográfico póstumo del músico oriundo de Florida.

La nueva entrega se trata de una canción de folk rock en la que Petty le habla a un viejo amigo sobre los problemas que en la vida le han dificultado la capacidad de amar, confiar y que lo han convertido en una persona con miedos e inseguridades. Sin embargo, el mismo cantautor le dice a su interlocutor que esa mala racha pasará para dar paso a mejores momentos. Junto a la canción, se compartió una visualización en la que se muestra una "rueda de la fortuna de la confusión" girando en la que se leen las transcripciones how to love, how to trust y why that is.

Este track se comparte luego de que también llegaran a plataformas un demo de "You Don't Know How it Feels", la inédita "There Goes Angela" y una grabación casera de "Wildflowers", pistas que junto al nuevo lanzamiento serán parte del recopilatorio de rarezas Wildflowers & All The Rest que será publicado el próximo 16 de octubre a través de Warner Records y que puedes pre-ordenar aquí.

Dicho material discográfico incluirá una nueva versión del LP Wildflowers (1994), además de diversas grabaciones en vivo, trabajos caseros y demos que Tom Petty realizó en la etapa de composición de aquel álbum. Las hijas de Petty, Adria y Annakim, además de su esposa Dana, se encuentran afinando los detalles del lanzamiento y revelaron que muchas de las canciones que vendrán en el disco son composiciones que Tom excluyó de la selección final para su segundo álbum en solitario.

Populous y Sotomayor se unen en el tema “Soy Lo Que Soy”

El metraje para este track tiene sede en Berlín y narra la diversidad social y el orgullo de aceptarse a uno mismo.

Andrea Mangia, mejor conocido como Populous, ha revelado un video de su tema "Soy Lo Que Soy" vía Wonderwheel Recordings y La Tempesta. Esta canción cuenta con la colaboración de Sotomayor y se encuentra contenida en la más reciente producción discográfica del DJ, titulada W, la cual se develó el 22 de mayo de este año. Escúchalo aquí abajo:

 

Por su parte, el videoclip fue dirigido por Silvia Maggi, quien es una realizadora de documentales con sede en Berlín. Silvia es conocida por sus historias que capturan y arrojan luz sobre las personas queer y las comunidades clandestinas, donde retratan posibles escenarios de vidas no normativas que con demasiada frecuencia permanecen fuera de la vista. El visual de "Soy Lo Que Soy" da cuenta de los retratos de varias personas independientemente de su trabajo y contexto social; muestran su orgullo frente a la cámara para que toda la gente sepa de lo que significa ser sí mismos.

Parecen mirarte y decir: '¡Mira, soy fabuloso!', Dándonos una idea de la diversidad dentro de las comunidades queer entre Berlín e Italia", señaló Silvia Maggi.

Dale play a continuación al video de la colaboración entre Populous y Sotomayor:

Billy Corgan de The Smashing Pumpkins reabre su tienda de té

Originalmente Corgan y Mendel fundaron 'Madame ZuZu' en 2012, pero cerraron en 2018 con la idea de encontrar un mejor espacio.  

El músico y productor estadounidense Billy Corgan, líder y miembro de la banda The Smashing Pumpkins reabrió su tienda de té y productos veganos Madame ZuZu en los suburbios del 1876 1st Street en Highland Park, Illinois.

La casa / tienda de té fue creada bajo la visión conjunta de Corgan y su socia Chloe Mendel para ofrecer un cambio comunitario positivo basado en el consumo de productos alimenticios saludables de origen vegetal y una carta atractiva de tés raros pero deliciosos, cobijados por un espacio inclusivo.

Estamos emocionados de poder abrir a pesar de los desafíos. Nuestro modelo de negocio es simple: vida saludable combinada con un lugar de código abierto para las artes, donde nuestra comunidad pueda reunirse y compartir", declaró Corgan en la web del negocio.

La reapertura mantendrá estrictos protocolos de salud debido a la actual emergencia sanitaria que se sigue viviendo en el mundo por el COVID-19. Para garantizar la seguridad de los clientes y empleados, las instalaciones permanecerán limpias y se proporcionarán productos de higiene a quienes se encuentren dentro del establecimiento; sumado a ello, los empleados pasarán por revisiones médicas antes de cada turno.

 

¿Clairo está trabajando en música nueva? 

¡Disfruta de dos melancólicos temas en acústico!

El fin de semana pasado se llevó a cabo el festival virtual Appleville, el cual contó con la participación de innumerables artistas como A. G. Cook, Charli XCX, Kero Kero Bonito, 100 Gecs, Clairo, entre otros. Durante su presentación, la cantante estadounidense debutó dos canciones; mismas que compartió más tarde a través de sus redes sociales.

En el video se observa a Clairo interpretar los temas desde su casa en compañía de su guitarra acústica. Las canciones suenan dulces y melancólicas. Aunque no compartió el título de éstas, la intérprete de "Sofia", especificó que se encontraba trabajando en algo nuevo.

"Dos nuevas canciones. Ni idea de cuándo verán la luz del día pero pensé en compartir un par de cosas en las que estoy trabajando ahora." expresó Clairo.

Escucha las melodías a continuación:

 

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Fue el año pasado cuando la cantante publicó su álbum debut, Immunity (2019), material con el que tenía previsto emprender una gira internacional en la que visitaría México. Lamentablemente debido a la situación actual del COVID-19, sus presentaciones tuvieron que posponerse hasta nuevo aviso; no obstante, a lo largo del año, Clairo ha estado bastante activa. Recientemente compartió “february 15, 2020 london, uk (demo)” y "Everything I Know"

Para que no te pierdas sus próximos estrenos, te recomendamos mantenerte al pendiente de Indie Rocks!

Kaytranada lanza remix de “Don't Start Now” de Dua Lipa

El productor canadiense se encargó de realizar una nueva versión del exitoso sencillo incluido en el álbum Future Nostalgia. 

Recientemente, el DJ Louis Kevin Celestin, mejor conocido como Kaytranada, lanzó un remix de la canción "Don't Start Now" de Dua Lipa. Está versión, es descrita como "profunda, sin prisas y cálida". Además, pertenece a una nueva edición sin mezclar de la reciente compilación de remixes titulada Club Future Nostalgia, en la que The Blessed Madonna, se encargó de la curaduría.

Te invitamos a escucharlo, a continuación.

"Don't Start Now" alcanzó el número dos en el listado de Billboard Hot 100, de este 2020. Además, dicha canción ya había sido remezclada por Yaeji; a diferencia de está última, en la versión de Kaytra, los ritmos son impulsados por el bajo y los sonidos deep house acompañan a la voz inconfundible de Dua Lipa. Te dejamos la versión de Yaeji, aquí. ¿Cuál te gusta más?

Hace unos meses, Kaytranada compartió "Look Easy" junto a Lucky Daye, después de la aclamada versión instrumental de su álbum BUBBA de 2019, el cual puedes escuchar en el siguiente enlace.

KEXP celebra el mes de la herencia latina

Desde el 15 de septiembre hasta el 15 de octubre podrás disfrutar de tus artistas latinos favoritos.

La estación de radio de Seattle, KEXP, anunció que celebrará el Latinx Heritage Month. Según explicó la emisora, esta idea surgió luego de cuestionar cómo podrían ser más inclusivos con las comunidades latinoamericanas. Esta no es la primera vez que la estación se acerca a proyectos de habla hispana; el año pasado en curaduría con el festival NRMAL, y con el apoyo de Panoram Studios realizó diversas sesiones para proyectos como: Hello Seahorse!, El Shirota, Sonido Gallo Negro, Sotomayor, Elsa y Elmar, entre otros.

Para este 2020, 90.3 FM se une a Noisey en español para presentar esta nueva entrega. Desde el 15 de septiembre y hasta el 15 de octubre podrás disfrutar del mes de la herencia latina a través de presentaciones en vivo, podcasts, reportajes y material de archivo de de músicos latinos de todo el mundo. Así también, la emisora compartirá la perspectiva de los proyectos latinos musicales que se encuentran residiendo en Seattle.

Podrás consultar el contenido a partir del martes 15 de septiembre a través del sitio web de KEXP. Durante la programación de The Morning, The Midday, The Afternoon Show y El Sonido, la estación presentará una gran variedad de selección musical de México ¡No te lo puedes perder!

mes de la herencia latina kepx

Pearl Jam editará su MTV Unplugged de 1992 en formato físico

Este lanzamiento coincide con el 30 aniversario de la banda originaria de Seattle.

La agrupación norteamericana Pearl Jam anunció que el show para MTV Unplugged que realizó en 1992 será editado en formato físico el próximo 22 de octubre para conmemorar el 30 aniversario de la banda.

Las siete canciones que fueron presentadas en la transmisión incluyen clásicos como "Jeremy", "Even Flow", "Alive", "Black" y "State Of Love and Trust"; la legendaria sesión tuvo lugar en los Kaufman Astoria Studios, en la ciudad de Nueva York.

Como antecedente, la sesión de Pearl Jam para la cadena de televisión MTV ya había tenido un lanzamiento de edición limitada para el Record Store Day de 2019 en Estados Unidos; logrando agotar todas las copias editadas, ahora, el material llegará con ediciones en vinilo y CD, y tendrá un costo de $11.98 dólares.

Revive a continuación un extracto del MTV Unplugged grabado por Pearl Jam en Nueva York en el año de 1992. Pre ordena aquí.

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2020 Pearl Jam MTV Unplugged Reissue
Tracklist

Side A
1. "Oceans"
2. "State Of Love And Trust"
3. "Alive"
4. "Black"

Side B:
1. "Jeremy"
2. "Even Flow"
3. "Porch"

 

A 45 años del 'Wish You Were Here' de Pink Floyd

¡Claro! Desearía que estuvieras aquí

Amigos perdidos en hoyos negros. Sonoros viajes con futuristas ecos. Melancólicas guitarras de incalificables armonías. Eufonías de históricas sentencias. El Wish You Were Here se asume como una atesorada producción. Precisa del insondable genio de Pink Floyd.

El noveno disco de estudio es colocado en los estantes ingleses un 12 de septiembre de 1975. Es producido por ellos mismos con la sobresaliente ingeniería del sonido en manos de Brian Humphries, quien asegura que sortearon largos días en el estudio, los Abbey Road, solo pensando. Acción que exhibe el intelecto camino del proceso creativo de David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright y Nick Mason.

La pista uno del lado A abre con las partes I – V de "Shine On Your Crazy Diamond". La lucidez sonora queda expuesta con estas cinco harmoniosas raciones. La primera es un blues en sol menor brindado a la entronizada memoria de su ex compañero Syd Barret. “Es mi tributo a Syd y la expresión sincera de mi tristeza y admiración”1, revela Waters. Para Gilmour, “Evoca lo que Syd sentía por Roger, y coincide con lo que él siente”2.  La parte coral la interpretaron Venetta Fields y Carlena Williams, importadas y adaptadas al rigor del sello Motown Records, quedaron impresionadas por la rigurosa disciplina de Pink Floyd.

"Welcome To The Machine", es la segunda canción del álbum y cierra el lado A. Su crítica letra manifiesta la voraz capacidad de la industria discográfica y de la automatizada sociedad de consumo. El inicio de la pieza alude mecanizados sonidos de desesperanzadoras factorías. Con un sufrido lamento, Roger Waters declara, Ya te dijimos qué soñar. ¿Nosotros, vivimos nuestros sueños o los de alguien más? ¿Entramos o salimos de esa encubierta máquina?

El lado B del elepé inicia con "Have A Cigarre". Canción en voz de Roy Harper. La insatisfacción en los tonos vocales de Gilmour y Waters favorecieron la incorporación de Harper quien se encontraba grabando en la sala de al lado. En las sátiras líneas de la letra, de nueva cuenta surgen los clamores contra el sistema. Durante las sesiones de grabación la fotógrafa Jill Furmanovsky realizó históricas tomas3.

"Wish You Were Here". En sus añoradas notas gatea la pesadumbre y el duelo. En la agónica voz padecen yerros y penas. Tormentos de dos almas perdidas que se afligen con los mismos viejos miedos. El eterno amor perdido es tomado de la mano hacia el parque de las desolaciones. Esta obra del desaliento discurre entre desdichas e inquietudes. Concebida en una guitarra de doce cuerdas por Gilmour, esta pesarosa obra de lánguida letra, escrita por Roger, también está dedicada al desconsolado Syd Barret. Por nuestra cuenta, cada cual la hemos ofrendado a imposibles amores.

El disco cierra con las partes VI - IX de "Shine On Your Crazy Diamond". Desahuciados vientos anuncian la progresiva pieza de dolientes teclados a cargo Richard Wright. Los subsecuentes fragmentos revelan la fina hechura del cuarteto inglés.

En este período de grabaciones surge la relación con el caricaturista político Gerald Scarfe, quien daría una rotunda imagen con su obra, primero con el video que animó para "Welcome To The Machine", después en el mitológico largometraje The Wall.

Como la llameante portada Wish You Were Here es un incendiario disco de ardientes pasiones. Los surcos del vinilo mutan en inflamadas venas que giran exaltadas alrededor nuestro. Las sempiternas polifonías de Pink Floyd son la sangre de irreductibles vidas.

1, 2, 3 Crowley, J. (productor). Edginton, J. (director). (2011). Pink Floyd: The Story Of Wish You Were Here. Emp For Eagle Rock Entertainment LTD. 

 

A 20 años del ‘Relationship of Command’ de At The Drive-In

At The Drive-In, el combo que transformó los gritos eufóricos en canciones de rock.

Existe un momento en la adolescencia de la mayoría de personas en el que parece que todos los adultos están equivocados. ‘Yo nunca voy a ser como ellos’, te dices a ti mismo. Es el período de rebeldía en el que se tiene el pensamiento de querer ser diferente a los demás. Cuando piensas que un peinado o una forma de vestir es suficiente para no ser como el resto. Es también cuando descubres la música de bandas como At The Drive-In y sientes que alguien te escucha y de inmediato te identificas.

El quinteto surgido en Texas en 1994 tuvo que enfrentarse a varios cambios de alineación hasta que un par de años después consiguió la formación más estable de su breve pero prolífica existencia. Aunque lo más importante es el sonido que alcanzó. Siempre estuvo presente el punk enérgico con gritos emotivos que muestran que de verdad sienten lo que cantan. Al mismo tiempo, también se aprecia un gusto particular por las melodías que se quedan guardadas en el inconsciente.

La actitud de un cantante marca la diferencia

El reconocimiento no llegó de inmediato e inclusive durante sus primeros años era común que se presentarán frente a máximo diez personas en lugares sucios y insalubres. Tampoco ayudaba que sus integrantes provenían de familias con orígenes en México, Puerto Rico y Líbano. Pese a la atmósfera el conjunto siempre se entregaba como si estuviera en medio de un festival. En parte eso fue posible gracias a su cantante, Cedric Bixler-Zavala, quien cuenta con una potente voz y un gusto particular por vivir las presentaciones desde abajo de la tarima.

Durante la frontera de milenios el combo estaba en plena efervescencia y el punto máximo de su carrera lo alcanzó con la publicación de su tercer álbum el 12 de septiembre de 2000 a través de Grand Royal, filial de Capitol Records fundada por el trío neoyorquino Beastie Boys.

A través de 11 canciones se logra un trabajo completo y lleno de furia. La inicial “Arcarsenal” es una bomba de tiempo que explota a los primeros segundos de arrancar. Gracias a este material se le dio visibilidad al llamado post-hardcore que también tiene en Refused, Thursday y The Fall of Troy a otros de sus máximos exponentes.

La (breve) permanencia en la cúspide del estrellato

Por otra parte, el lanzamiento como sencillo de “One Armed Scissor" significó una de las decisiones más acertadas que se pudieron tomar. El tema es un resumen del combo gracias a su sonido que simula la erupción de un volcán y ante el que resulta imposible ser indiferente. Se necesita estar muerto para no mover al menos un poco los pies al ritmo de la batería. Aunque la letra contiene frases inconexas sin un significado real, es el sentimiento y la emotividad con la que se ejecuta lo que la vuelve única.

Con la composición mencionada el quinteto obtuvo notoriedad y por primera ocasión tuvo un video de alta rotación en MTV. Nada mal para cinco jóvenes que poco o nada tenían que ver con la música que prevalecía en el mainstream. Además ayudó para que el disco entrara en la lista de los más vendidos del año.

Dentro del LP también destaca una pieza por ser bastante distinta al resto. En "Invalid Litter Dept." se escucha un ritmo sereno y relajado que se acompaña de una letra con una fuerte protesta social. En ella los integrantes hacen referencia a los feminicidios ocurridos en Chihuahua, a tan solo unos kilómetros del sur de Estados Unidos. Es la canción más política en la discografía de la banda.

De igual forma, el trabajo alcanzó un sonido distintivo gracias a su productor, Ross Robinson, quien se convirtió en el cómplice ideal. Para entonces ya había trabajado con proyectos de diversos estilos pero donde predominan los gritos eufóricos como Slipknot, Sepultura y Machine Head. Además fue el responsable de conseguir a Iggy Pop para que colaborara como cantante invitado en "Rolodex Propaganda" y "Enfilade".

Caminos separados por diferencias musicales

Sería poco más de un año después de que el disco vio la luz que el conjunto decidió de manera abrupta separarse. Nunca hubo una explicación real de lo que ocurrió aunque fue notorio que para entonces existían diferentes intereses al interior del grupo. Mientras algunos integrantes querían que el siguiente álbum sonara al Santana de los años 70, otros se inclinaban por el Weezer de los noventa. Como resultado nacieron The Mars Volta y Sparta.

El tiempo se ha convertido en el mejor juez de At The Drive-In. Aunque el grupo vivió algunos momentos de éxito comercial, con cada año que transcurre su impacto es mayor. Ahora ya no se necesita ser un adolescente para disfrutar lo que alguna vez hicieron cinco individuos de distintos orígenes pero con una misma convicción.

A 25 años del 'One Hot Minute' de Red Hot Chili Peppers

Drogas, crisis y ‘un minuto caliente’ sin John Frusciante.

One Hot Minute, sexto álbum de estudio de Red Hot Chili Peppers, cumple 25 años al formar parte de una época que ni los mismos integrantes desean recordar. Cambios repentinos, adicción a la droga, crisis grupales y personales se reflejan en lo sucedido antes, durante y después de un álbum que no solo está compuesto por 13 canciones, sino que engloba el concepto de la ausencia a modo de declaración.

Dicen que para llegar a la cima tienes que tropezar muchas veces. En algunos casos, dichas caídas pueden ser estrepitosas. Antes de que el Californication (1999) rompiera esquemas y los consagrara como una de las bandas más importantes de rock alternativo de fines de siglo, Red Hot Chili Peppers tuvo un rápido ascenso de popularidad en sus producciones anteriores como fue con el Blood Sugar Sex Magik (1991). No obstante, esta fama afectó a uno de sus integrantes más representativos: John Frusciante.

Esto llegó muy pronto para el guitarrista, quien pasó de ser espectador de su grupo favorito a formar parte de él.  En 1992 y con dos álbumes trabajados, el músico decidió irse de la banda en medio de un tour y volver a casa para continuar experimentando con drogas fuertes a las cuales recurría frecuentemente.

"Todo sucedió o mejor, todo parecía estar sucediendo a la vez y no podía soportarlo", confesó el guitarrista  tiempo después. Tras una búsqueda de reemplazo, el baterista Chad Smith propuso a Dave Navarro, de la banda Jane 's Addiction. Al invitarlo a improvisar con RHCP, la propuesta se dio y, con ello, el cambio del sonido de la banda. La declaración ante la ausencia de John estaba propuesta, pero faltaba desarrollarla.

One Hot Minute (1995) o el ‘minuto caliente’, como se traduce el título al español, empezaba. Las grabaciones comenzaron en 1994 y, a su vez, la crisis del propio vocalista, Anthony Kiedis. Luego de cinco años sin consumir drogas, él recae y, con ello, las esperanzas de que el proceso de grabación se haga lo más rápido posible.

Las quejas de Dave al no entender el trabajo de la banda durante las sesiones también generan tensión e incomodidad. Trabajar con él no era lo mismo que con Frusciante. La ausencia se siente.

Una atmósfera lúgubre y melancólica se visibiliza desde la portada del álbum. Una muñeca con los ojos rojos nos recibe sonriente mientras ella toca el piano. Ella mira a una hada que toca la mandolina y que destella una luz que guía a la pianista quien continúa en su música a pesar de estar cegada por este momento ‘caliente’.

El contenido de sus canciones más representativas no se alejan de la temática mencionada líneas arriba. “Warped” es el tema con el que esta declaración a la ausencia inicia. La melodía recuerda, por momentos, a Jane 's Addiction. La voz de Anthony Kiedis da la impresión de encontrarse en una caja cerrada. Nos transporta al rock psicodélico, sin la intención de ponernos a mover como sucede con el funk que RHCP nos tiene acostumbrados. Pronto la potencia se asoma. Pese al cambio, el vocalista continúa en el trance. Esto cobra sentido si lo relacionamos a su dependencia a las drogas. "I'm pretending to be strong and free from my dependency/It 's warping me. (Estoy fingiendo ser fuerte y libre de mi dependencia / Me está deformando)" se sincera como parte de la letra.

“Aeroplane” es la excepción del álbum. Hay energía desde los primeros segundos a comparación de las 12 canciones que lo acompañan. Cabe destacar que ningún tema del One Hot Minute ha sido tocada en vivo después del tour del mismo nombre, solo “Aeroplane”, ya que es una época que ellos consideran oscura. Razones no le faltan.

“De todos nuestros discos, fue el que probablemente menos tocamos. No nos sentimos conectados con ese álbum, pero estamos muy orgullosos de él", señaló el baterista, Chad Smith, al ser preguntado por una fan. “Aeroplane”, a pesar de ser una canción alegre, se continúa hablando sobre la dependencia a las drogas de Anthony. “Había letras como: ‘Será mejor que alguien me abofetee antes de que empiece a oxidarme, antes de que empiece a descomponerse’. Eso es un grito de ayuda”, escribió en sus memorias.

“My Friends”, balada simpática que cumple con descubrir a los amigos del cantante de una manera sombría, es una de las favoritas de los seguidores de RHCP. Cuando la escuchamos, no podemos evitar pensar en lo que la banda, además de Anthony y John, estaba pasando. Flea afrontaba su proceso de divorcio, mientras que Chad estaba deprimido por la demora en terminar las grabaciones de este álbum.

Ese mismo año, 1994, uno de los amigos más queridos de Anthony fallece. Se trata de Kurt Cobain, líder de Nirvana. Como homenaje, Kiedis decide hablar del intérprete de “Smells Like Teen Spirit” en “Tearjerker”, canción que escribió apenas supo de su muerte. “Fue un golpe emocional, y todos lo sentimos (...). De alguna forma rara, él era amado, simpático e inofensivo”, afirmó tiempo después.

Más allá de las drogas, la crisis y la salida repentina de Frusciante, One Hot Minute también llega a un punto de inflexión en cuanto a su composición, debido a que Flea asume, por primera vez, el rol de cantante principal en “Pea”. “Transcending” y “Deep Kick” también tienen la esencia del bajista, ya que él se encargó de las letras. La ausencia de Anthony por su drogodependencia se vuelve más evidente.

Después de casi dos años de grabaciones, One Hot Minute salió el 1 de septiembre de 1995 como sucesora del exitoso Blood Sugar Sex Magik (1991). El disco llegó a ser certificado como oro y doble platino, pero no superó el nivel de ventas de su antecesor ni tuvo una respuesta positiva de los críticos de música. El tour comenzó a solo días de lanzar el material. Este paso también fue clave para la relación banda - nuevo guitarrista, puesto que él comenzaba a cansarse de la rutina, señales que acabarían en julio del 1997, cuando Navarro ofrece su último concierto con ellos. Meses después, en abril de 1998, Flea y Anthony lo despiden tras llegar drogado y desorientado a las primeras sesiones del álbum sucesor.

Dave aparecía tarde y era imposible comunicarse con él (...). La cosa salió fatal, porque Dave estaba drogadísimo, y aunque sabía que no había manera de que el grupo funcionase así, verbalmente la realidad le jodió lo que no estaba escrito", manifestó Kiedis en sus memorias. El grupo vuelve a entrar en crisis, pero, esta vez, había un plan en marcha desde enero de aquel año, cuando volvieron a hablar con la pieza clave y la gran ausencia en este ‘minuto caliente’: John Frusciante.

Han pasado 25 años desde que One Hot Minute salió a la luz en medio de las historias y experiencias oscuras de cada uno de los integrantes de Red Hot Chili Peppers. Esta escena lúgubre valora al álbum como íntimo, único y atractivo en la historia de la banda, sobre todo, si se conoce lo que hubo detrás de su concepción. Fue una declaración a la ausencia, donde los recuerdos y momentos malos se vuelven breves, de tensión, como minutos. En ellos evocan a los demonios que acechan a cada uno.