Damon Albarn, Liam Gallagher y más participan en el nuevo podcast de New Order

Conoce más sobre la historia de dos de las bandas más influyentes en la historia de la música a través de las voces de sus protagonistas.

Hoy por la mañana se dio a conocer que el próximo 22 de octubre se transmitirá mediante plataformas de servicios streaming, una serie de podcasts sobre la historia de Joy Division y New Order, titulada Transmissions: The Definitive Story. Lo más emocionante del asunto es que habrá invitados de lujo como Bono, Johnny Marr, Damon Albarn, Anna Calvi, Stereolab, Karen O, entre otros. Por supuesto, la serie contará con la participación de los integrantes de la banda (Bernard Sumner, Stephen Morris, Gillian Gilbert y Peter Hook) y será narrada por Maxine Peake. ¡Escucha el tráiler, a continuación!

Nada nos habría detenido, nada nos detuvo, ¿verdad? La muerte de Ian no nos detuvo, la muerte de Martin no nos detuvo, que nos robaran todo el equipo no nos detuvo… No había nada a lo que volver. No había ningún plan B", expresó Bernard Sumner.

Transmissions: The Definitive Story sale de la mano de Cup & Nuzzle, casa productora que se encargó del diseño sonoro de Digging Deep, el podcast de Robert Plant que se estrenó el pasado mes de mayo. Dicha compañía ha realizado entrevistas y  documentales con los artistas más importantes de todos los tiempos, incluidos Kate Bush, Paul McCartney, Pink Floyd, Depeche Mode y muchos más.

Así que, ¡no te la pierdas!, pues la prometedora serie viajara a través del tiempo para contar las crónicas y anécdotas más significativas de la carrera artística de ambas bandas. Además, le permitirá a muchas personas revivir viejos tiempos y a las nuevas generaciones acercarse a los orígenes de la música que escuchan actualmente.

Estar en una banda con una identidad tan distinta es bastante afortunado, pero luego formar parte de dos bandas fue increíble”, expresó Peter Hook.

Te compartimos el poster oficial y el enlace, en el que se desglosan todos los servicios participantes. ¡No te olvides de seguir a Indie Rocks! para más estrenos!

 

Bronko Yotte ha liberado su nuevo disco 'Fuero Interno'

A lo largo de 15 canciones el artista chileno busco crear una fusión de estilos como el house, la guaracha, la samba, el trap y el vals.

El rapero chileno Bronko Yotte liberó hoy —9 de octubre— su nuevo disco Fuero Interno por medio del sello independiente Quemasucabeza.

A través de una colección de 15 temas nuevos el MC ha lanzado su música bajo la estética del rap en su versión alternativa, ya que plasmó sus inquietudes e influencias sonoras mediante la fusión de estilos como el house, la guaracha, la samba, el trap y el vals para contar está nueva historia.

De está manera, Bronko Yotte señaló las diferencias que existen entre su nueva referencia discográfica y el álbum pasado Gala.  

Gala es un disco de amor, Fuero Interno es un disco de cambio. El cambio implica crisis, y para salir de una crisis necesitas energías nuevas, o al menos la sensación de que las estás buscando", explicó el MC.

Es así, que de la mano de sus colaboradores Masquemusica y DJ Pérez se sumergieron en la búsqueda de sampleos con la misión creativa de encontrar los beats que orquesten este nuevo proceso de experimentación y diversidad musical. Escucha aquí Fuero Interno de Bronko Yotte.

The Smashing Pumpkins comparte dos nuevos temas

El video hecho para "Anno Satana" forma parte de la serie In Ashes de Billy Corgan.

The Smashing Pumpkins lanzará su nuevo álbum doble, CYR, el 27 de noviembre a través de Sumerian Records. De momento, ya hemos escuchado algunos de los extractos promocionales como lo son: "The Color of Your Love", "Confessions of a Dopamine Addict" y "Wrath". Ahora, la banda oriunda de Chicago nos sorprende con dos cortes más para agregar a la lista: "Anno Satana" y "Birch Grove".

En el caso de "Anno Satana" tiene doble función, por una parte está como un nuevo video musical y por otra, también como el último episodio de la nueva serie animada de Corgan titulada In Ashes, bajo la producción de animación de deepsky.tv y la dirección de Mike Anderson. Como se dio a conocer anteriormente, la serie de cinco partes invita a los espectadores a una "aventura de ciencia ficción fantástica y surrealista", ambientada con la banda sonora del nuevo álbum de The Smashing Pumpkins. La música es enérgica y avanza mediante la misma línea melódica que los tracks develados anteriormente. Dale play a continuación:

Por otra parte, está el tema "Birch Grove", el video para esta canción es más sencillo, pues sólo es parte del arte del álbum. En este caso, el ritmo es más pausado y suave, casi totalmente contraria a "Anno Satana", pero con la misma característica única de la batería que marca el tempo para que haya unidad entre todos los instrumentos. Escúchala aquí abajo:

Ya hay fecha para la ceremonia del Rock & Roll Hall Of Fame

Con presentaciones e inducciones virtuales, este 7 de noviembre llegará a través de HBO la ceremonia de The Rock & Roll Hall Of Fame.

Luego de medio año de retraso debido a la pandemia, la ceremonia de The Rock & Roll Hall Of Fame tendrá lugar finalmente. Esto será el próximo 7 de noviembre a las 19:00 H. a través del canal HBO max en un evento pre-grabado. También han sido confirmados recientemente los actos musicales remotos que formarán parte de esta nueva edición.

Dave Grohl, Bruce Springsteen, St. Vincent, Gwen Stefani, Alicia Keys, Ringo Starr y Chris Martin (Coldplay) encabezan la serie de presentaciones virtuales, además de otros artistas que darán algunas presentaciones a lo largo de la programación.

Por su parte, la lista de artistas que serán inducidos no sufre modificación alguna, así que podremos ver este 7 de noviembre a Depeche Mode, The Doobie Brothers, Whitney Houston, Nine Inch Nails, The Notorious Big y T-Rex formar parte de The Rock & Roll Hall Of Fame.

The Rock & Roll Hall Of Fame_2020

El director de la fundación encargada del afamado salón de la fama, Joel Peresman, señaló que si bien, la presentación de este año será muy distinta a la de anteriores, servirá de gran ayuda para reconocer su impacto en la industria, así como en artistas y fanáticos que formarán parte de esta edición. Conoce más detalles dando clic aquí.

Nos sentimos honrados de unirnos a este distinguido grupo de músicos y artistas para celebrar nuestra clase de Inducidos de 2020", señaló Peresman.

rock & roll hall of fame induction

 

Lykke Li está de estreno con su single “BRON”

Tras dos años sin música nueva, la cantante sueca conmueve con una pista de ensueño.

El tiempo está pasando demasiado rápido. Parece que fue ayer cuando Lykke Li compartió So Sad So Sexy (2018), aunque en realidad han pasado ya dos años. Durante este tiempo, la artista se ha mantenido un poco alejada de la industria; el motivo se desconoce pero todo indica que probablemente se deba a que se encuentra trabajando en la producción de música nueva. Tras dos años sin nuevos lanzamientos, la estrella comparte su nuevo single “BRON”.

Fue mediante un post en Instagram que la cantante dio a conocer el estreno en el que presentaba oficialmente la letra del tema. Mira la publicación completa a continuación:

 

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Co-escrita por Ludwig Göransson y Little Jinder, esta pista destaca por poner en primer plano la voz de Lykke Li, mientras se ve abrazada por el suave sonido de unos sintetizadores, lo que en conjunto crea una atmósfera de ensueño ideal para los días confusos. Te compartimos a continuación “BRON” para que la escuches:

A finales de septiembre la intérprete compartió su propia versión para "I Will Survive", el tema de Gloria Gaynor lanzado en 1979. Para que no te pierdas sus próximos estrenos te invitamos a mantenerte al pendiente de sus redes sociales.

“My Way, Soon” es lo nuevo de Greta Van Fleet

El tiempo y la distancia te harán reflexionar.

Con la publicación de su debut, Anthem of the Peaceful Army (2018), Greta Van Fleet entró en el radar musical de una manera espectacular. Solo falta recordar los rotundos sold out a los que se enfrentó en su gira internacional, para reconocer el poder de su música. A principios de año, la agrupación dio a conocer varios de sus planes entre los cuales resaltaba una gira junto a Metallica, y la producción de su segunda larga duración. Lamentablemente debido a la pandemia ambos proyectos se pospusieron y en su lugar la banda comparte "My Way, Soon".

Este es el primer sencillo que los de Michigan estrenan, luego de la liberación de "Always There" como parte del soundtrack de la cinta de Sam Taylor-Wood, A Million Little Pieces. La melodía es bastante alegre y sirve de apoyo para los días complicados. A través de riffs de guitarras rápidos, el cuarteto nos habla de la libertad de disfrutar el mundo.

Hemos visto cómo vive la gente en diferentes partes del mundo y hemos desarrollado un respeto intrínseco por diferentes culturas y personas. Hemos pasado de conducir por una carretera a un espectáculo y ver interminables kilómetros de barrios marginales en Sao Paulo, a tocar en algunos de los lugares más ricos del mundo", explicó Sam Kiszka

En compañía, Greta Van Fleet comparte un video musical en el que se observan sus memorias de su última gira, sus paseos por carretera y algunos momentos de diversión entre ellos:

Cuanto más hemos visto, diferentes culturas, personas y tradiciones, también hemos visto una similitud entre nosotros y estas diferentes culturas. Me sorprende lo similares que somos todos", indica Jake Kiszka

My Way, Soon_greta van fleet

Nick Cave y Nicholas Lens lanzarán una ópera

El cantante se ha asociado con el compositor belga Nicholas Lens para lanzar su autodenominada "ópera de confinamiento".

Después de un encierro obligatorio debido a la pandemia mundial del coronavirus, tenemos la noticia de que Nick Cave se ha unido a Nicholas Lens para lanzar una ópera bajo el título de L.I.T.A.N.I.E.S, o como ellos la denominan: "ópera de confinamiento".

Lens, quien es conocido internacionalmente por su ópera "Slow Man" de 2012, comenzó a trabajar en el proyecto después de encontrarse en un cabo suelto durante el confinamiento social, por lo que comenzó a explorar su ciudad natal de Bruselas en bicicleta. Según un comunicado oficial, la inquietante quietud de la ciudad le recordó una visita anterior que hizo a la prefectura japonesa de Kanagawa, hogar de algunos de los templos budistas más antiguos y preciados del mundo.

La idea inicial de L.I.T.A.N.I.E.S nació en el silencio natural que se eleva desde el bosque verde lluvioso y vivo que rodea estos templos del siglo XIII. Y debido a que mi memoria funciona en frases musicales, escribir L.I.T.A.N.I.E.S se ha convertido en mi método para recordar la paz que encontré mientras visitaba Japón también", comentó Nicholas Lens.

Después de su inspiración inicial, Lens reclutó a Cave para escribir la letra de sus composiciones, ya que habían colaborado anteriormente en la ópera de 2014 "Shell Shock", que se centra en los horrores de la guerra.

Nicholas me llamó durante el encierro y me preguntó si podía escribir 12 letanías. Estuve felizmente de acuerdo. Lo primero que hice después de colgar el teléfono fue buscar '¿Qué es una letanía?'. Aprendí que una letanía era una serie de peticiones religiosas y me di cuenta de que había estado escribiendo letanías toda mi vida", señaló Nick Cave.

L.I.T.A.N.I.E.S se lanzará a través de Deutsche Grammophon el 4 de diciembre de 2020, por lo que te invitamos a que estés atento a más actualizaciones en Indie Rocks!

Groove Armada — Edge Of The Horizon

Dance para sentirnos libres y la emoción de una noche de fiesta eterna marcan el regreso de Groove Armada con su primer material inédito en 10 años.

Antes de tal vez pensar en un registro donde el dúo intente pegar un hit como los muchos que ha generado, o incluso creer que con toda su experiencia este trabajo va a ser una obra revolucionaria, Groove Armada ha dejado toda su pasión en 11 tracks para hacerte levitar. Edge Of The Horizon es el nombre de lo que marca el primer disco de la agrupación en 10 años, y también una interesante serie musical que hace reflejar su vigencia.

De la mano con BMG, Groove Armada ha dado a conocer un material que refleja el sudor de una noche de club, así como todas las historias que se viven las fiestas subterráneas. Esto en el mejor momento (o tal vez el peor) para hacerlo; en medio de una pandemia global que no permite salir a bailar estas canciones, pero que estas llegan a bailar a tu cabeza, para recordar con melancolía aquellos momentos en los que los saltos y la música eran lo único importante.

Tal vibración se siente desde los primeros momentos con "Get Out On The Dancefloor", donde se une la voz de Nick Littlemore para crear una canción enigmática y bailable. Distintos sintetizadores viajan en una secuencia incansable con distorsiones atmosféricas para crear una ambiente poderoso. De algún modo, esta intensidad es reflejo de la vibra que tenemos cuando conectamos con la gente correcta en el lugar correcto.

Lo anterior es una base muy constante en el nuevo disco de Groove Armada, ya que esta combinación de elementos se reitera, aunque de maneras creativas a lo largo de todo el disco. "Don't Give Up" y "Edge Of The Horizon" son la clara muestra, donde las voces celestiales y los arreglos permanecen. Las letras que presenta el dúo terminan por reflejar ese sentimiento que obtienes tras una catarsis, donde recuerdas que rendirse no es opción, y que si tienes la fortuna de encontrar a ese ser especial, no hay más que hacer sino llegar al limite.

Claro está que la agrupación nunca se ha encasillado a los elementos de su género. Por ello, también es destacable la fusión pop en distintas canciones donde su música se vuelve un poco más suave, pero no pierde la fluidez. Es así que en el disco aparecen temas como "Tripwire" o "Lover 4 Now", los cuales hacen ver la gran experiencia que tienen Andy Cato y Tom Findlay para maquinar hits, esto acompañado de letras fluidas, donde otros aspectos no tan felices como las decepciones amorosas o el miedo al fracaso aparecen.

Si nos detenemos a pensar en las miles de maneras de disfrutar de la música, así como de la energía que dispara al escucharla, entenderemos que nuestros impulsos de verdad despiertan, y nuestro estado de animo se vuelve transparente. Por ello, Groove Armada cubre casi todo aspecto de lo que hace sentir el baile, el cual libera, sea con los centros nocturnos de la ciudad, en casa o en la intimidad.

Con más profundidad aún, podemos oír en temas como "Holding Strong", "We're Free" o "I Can Only Miss You" una serie de canciones que coquetean con el R&B, o que incluso llevan los arreglos de bajo a lugares más sensuales, acompañados de beats lentos.

Romanticismo, pasión e incluso filosofía en frases para definir la libertad, son entregadas en canciones lentas, porque en la vida también se baila lento, de forma tenue y sensible.

Rumbo al final de Edge Of The Horizon, Groove Armada junta todos sus estilos para un cierre dramático. Donde tal vez haciendo alusión a su madurez, el dúo te hace comprender que las fiestas, el amor y todo lo demás que disfrutamos se acaba, pero que la vida continua y por ello hay que cuidar nuestra estabilidad mental.

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"What Cha Gonna Do With Your Love" se mueve de forma lenta, "Talk Talk" con ritmos ochenteros sube el beat y "Dance Our Hurt Away" cierra de manera veloz, para crear un final melancólico a 40 minutos de sube y baja emocional, provocado por la música y las historias que llegan a la cabeza.

El estilo de Groove Armada luego de 25 años de carrera sigue pareciendo un estándar difícil de alcanzar. Con melancolía ochentera mezclada de elementos actuales, el dúo crea en Edge Of The Horizon una obra que desafía cualquier época, y se convierte en una colección de himnos para los problemas menores, pero cotidianos.

Te invitamos a disfrutar de este disco, donde finalmente las colaboraciones de Nick Littlemore, James Alexander Bright, Roseau, She Keeps Bees, Todd Edwards y Paris Brightledge crean un complemento a la solidez y contundencia de Edge Of The Horizon.

Da clic en su portada para comprar tu copia.

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Death Valley Girls — Under the Spell of Joy

Death Valley Girls: manual de cómo hacer rock n’ roll.

Es sumamente difícil de explicar y poner en palabras cuando una canción, un disco, o un artista, logra conmovernos al punto tal de sentir que la piel se nos eriza. A veces, esto sucede porque la lírica nos interpela en un nivel íntimo y profundo, otras, porque la instrumentación, el conjunto aglomerado de instrumentos superpuestos uno sobre otro, rompe con las configuraciones tácitas y explícitas en nuestra cabeza sobre lo que es y sobre lo que debe ser la música.

Under the Spell of Joy, el nuevo disco de Death Valley Girls, no solo es la prueba cabal de que el rock, en esencia, sigue ardiendo en nuevas formas, sino que también, y como ya deberíamos saber, resulta el lugar reivindicado por mujeres con ambición, talento y con muchas cosas para decir, claro está. La fórmula del rock clásico progresivo: guitarras distorsionadas, sonidos oníricos, cadencia psicodélica marcada por la conjunción de coros, marcan la identidad cósmica del LP de 11 canciones disruptivas.

Las jóvenes de L.A. toman lo mejor de los antros neoyorkinos de los 70 y lo sazonan con una impronta refractaria, cargada con los problemas actuales pero entendiendo que -como manifiestan los británicos de IDLES- la alegría también es una forma de resistencia. En el disco, por momentos hay reminiscencias claras a The Velvet Underground en canciones como “Hold my Hand”, y otras a The Stooges como en la explosiva “10 Day Miracle Challenge”. El álbum es una lucha constante entre luz y oscuridad, cuyo vencedor quedará a decisión de quien lo escuche.

En efecto, su música sigue en esa corriente mística antes planteada en sus anteriores discos, esta vez con mayor énfasis y sinergia. Como su título vaticina, hay una especie de magia involucrada en todo el proceso creativo, y esa magia es amar lo que uno hace: en este caso, música.

Under the Spell of Joy es un disco de rock and roll bien hecho, bien craneado y bien ejecutado. No tiene puntos ni momentos bajos, es constante y fácil de escuchar, lo que no quiere decir que por eso no exija cierta atención para contemplar su magnitud. Es sucio pero prolijo, abrazado la sonoridad típica del cancionero californiano.

A 20 años del 'Black Market Music' de Placebo

Discrepancias políticas al ritmo de electrónica cruda: la desavenencia atemporal de Placebo vs ...

Gracias a los (des) afortunados sucesos que marcan al mundo día con día, es que el pensamiento y la ideología de la población va cambiando. De manera informal, se podría decir que cada vez hay más personas de “mente abierta”, aunque no se descarta que en pleno siglo XXI sigan existiendo los prejuicios y estos marquen determinados y lamentables acontecimientos. Retrocedamos un poco en el tiempo . . .

Durante el otoño de 1999 Placebo decidió emprender un nuevo viaje musical, esta vez bajo el interesante sonido de Black Market Music, su tercer álbum de estudio publicado un 9 de octubre pero del 2000. La agrupación británica recién acababa de terminar la gira promocional de Without You I'm Nothing (1998), su segundo LP y con el que se había consagrado como “una de las grandes promesas del rock británico”.

El productor discográfico Paul Corkett (The Cure, Nick Cave) -con quien anteriormente Brian Molko había previsto la posibilidad de trabajar gracias a su colaboración con David Bowie-, les buscó un espacio en la modesta instalación de Matrix Studios, lugar donde la banda se encerró durante tres meses para hacer la primera maqueta del material que más tarde se culminó en Olympic Studios de Londres. El material de 12 pistas (más una oculta) significó un antes y un después para ellos.

Placebo (2000)

¿Qué fue lo que pasó? Si volvemos a la recepción del álbum hace 20 años podemos encontrar dos bandos. El primero a favor de la producción, compuesto por los adolescentes incomprendidos que se identificaban con las letras ambiguas que interpretaba aquel personaje andrógino, mientras que el segundo, -el disconforme-, incluía miembros de los MMC y las grandes industrias musicales. Después de compartir líricas oscuras y sin un significado especial, esta es la primera vez que Placebo se atreve hablar con sinceridad de temas relacionados con el clasismo, el racismo, la diversidad sexual, drogas y de forma sutil, el amor; todos y cada uno de ellos en sonidos más crudos, e inclinados hacia el rock pop y la electrónica alternativa.

Black Market Music es una respuesta a todo lo que Brian, Stefan Olsdal y Steve Hewitt estaban viviendo en ese momento; la grandeza de los éxitos, y el tortuoso cansancio mental. En palabras del propio frontman “Tenía el deseo de escribir sobre el mundo que veía a mi alrededor.” Sin embargo, la crítica se aglomeró al ver el resultado pues consideraron que la banda había sido demasiado ambiciosa por entregar un material que intentaba ser mejor que el anterior. La respuesta del público se vio plasmada en el ranking, en el que el disco alcanzó el lugar seis en las listas de Reino Unido, mientras que en lugares como Francia arrasaba con la posición número 1.

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“Taste in Men” da inicio a esta nueva aventura en la que son evidentes los cambios de Placebo. Una melodía que toma como influencia el sonido enrevesado de Nine Inch Nails y lo transforma en una apertura inquietante. Durante toda la reproducción se escuchan referencias a proyectos como Depeche Mode, Roger Waters, Bob Dylan y Sonic Youth.

“Days Before You Came” es probablemente lo que todo la audiencia esperaba. Una vuelta a sus inicios con un poco de rock sombrío. Más adelante se encuentra “Special K”, uno de los temas más emblemáticos del material que habla del vinculo entre el amor y las drogas (ketamina). Inmediatamente surge una colaboración con Justin Warfield en “Spite and Malice”; la razón recae en que Molko quería hacer su propia versión de Limp Bizkit, una de las bandas que más detesta, ¿polélimico? Ya lo creo.

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Por su parte “Passive Aggressive” y “Narcoleptic” fungen como momento de reflexión que si bien, hacen una clara relación a su segundo material. Otro de los singles que se desprenden del LP son “Slave to the Wage” en el que en compañía del sonido chirriante de la guitarra se habla de la monotonía de un trabajo y “Black-Eyed”, uno de los temas más interesantes y complejos que puso a la banda en una balanza, pues al hablar de un personaje con una infancia problemática se cuestionó mucho si este álbum no sería más que un reflejo del trastorno de personalidad del vocalista.

El material está lleno de dramatismo, desde su realización, hasta los sonidos profundos que utilizan para darle más vida a las pistas. Implementar sintetizadores, violines y el piano interpretado por primera vez por el líder de la banda, son detalles que enriquecen el valor de los temas que lo componen.

Este disco tardó nueve meses en culminarse y hasta la fecha es el periodo de tiempo más largo que la agrupación británica ha pasado dentro de un estudio. Es es el material menos favorito de Brian Molko probablemente por la dificultad social a la que se enfrentó posterior a su publicación. No obstante, dentro de su complejidad lírica y sonora, te incita a ir por más y dejar de lado los prejuicios. Tomando en cuenta los temas sociales que abarca, el disco puede ser considerado como atemporal y hoy a 20 años de su publicación, Black Market Music suena con más fuerza.

A propósito, la banda celebrará el vigésimo aniversario de este material con una serie de cuatro capítulos titulada Black Market Music Stories; un compilación de entrevistas y material de archivo nunca antes visto. Todos los episodios se encuentran disponibles a través de su canal de YouTube.

Si Placebo no hubiera “experimentado” con su proyecto probablemente nunca hubiéramos conocido sus trabajos posteriores y su música nunca hubiera amparado movimientos tan fuertes.