¿Arctic Monkeys prepara nuevo disco?

A dos años del lanzamiento de Tranquility Base Hotel & Casino (2018), la agrupación podría estar preparando nuevo LP.

En la actualidad, Arctic Monkeys es una de las agrupaciones más queridas y por ende, con mejor recepción dentro de la industria musical. Ha pasado poco más de dos años de que la banda liberó su último material discográfico, el cual les otorgó grandes éxitos en ventas y giras mundiales. Todo parece indicar que los fanáticos no tendrán que esperar media década para recibir la próxima entrega sonora de Alex Turner y compañía, pues todo indica que podrían estar trabajando en su nuevo álbum de estudio.

El fotógrafo Andreas Neumann, compartió a través de su Instagram una toma de Matt Helders, baterista de la banda, quien se encontraba sentado frente a su instrumento rodeado de consolas y amplificadores. Claramente se aprecia que se encuentra dentro de un estudio de grabación con localización en Los Ángeles, California. Junto a la foto se lee la leyenda, "Me encantó verte hermano, xoxo".

 

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Posterior a la publicación, (en la que también fue etiquetada Arctic Monkeys), el músico comentó a los seguidores que no existía una razón por la cual esperar más tiempo por el nuevo material.

Creo que la última pausa se basó en varias circunstancias y eso era más o menos lo que necesitábamos en ese momento. Pero no es un patrón al que nos vayamos a acostumbrar como banda. Nos gusta estar en el estudio. Nos gusta hacer álbumes", expresó Matt Helders.

Te recomendamos mantenerte al pendiente de Indie Rocks! para consultar sus próximos estrenos.

Escucha “Pictureboard”, el demo inédito de Linkin Park

"Debes ser tú mismo hasta que sea el momento de volar ", expresó Chester Bennington hace 20 años y nada en su carrera musical fue lo mismo desde entonces.

Recientemente, Linkin Park compartió con sus seguidores un nuevo demo titulado "Pictureboard", el cual cuenta con las voces del Mike Shinoda y el fallecido líder de la banda, Chester Bennington. La canción forma parte del material titulado Forgotten Demos, que se incluye en la caja súper deluxe del reciente lanzamiento del álbum Hybrid Theory: 20th Anniversary Edition y llega después de "She Couldn't", uno de los adelantos que compartieron antes del lanzamiento oficial de su disco conmemorativo.

Entre los seguidores de la banda se sabía de la existencia de "Pictureboard" - la cual fue escrita cuando el grupo se hacía llamar Xero - pero no tenían la certeza de que algún día saldría a la luz, hasta ahora. De hecho, en algún momento, no faltaron quienes se aventaron a reconstruir la versión de una parte de la canción después de haberla escuchado en uno de sus shows en el año 2000. Es por eso que, para mucha gente fue una gran sorpresa el que se liberará dicho track debido a la celebración por los 20 años de su álbum debut.

Los fans incluso habían inventado un nombre para esa actuación, ¡se inventaron su propio nombre para ese interludio! y me preguntaban sobre él y yo dije: 'No lo entiendes. Ustedes hicieron hasta el nombre. Ni siquiera sé a qué canción se están refiriendo. Literalmente nombraron a esa cosa de otra manera. No se me ocurrió eso' ", expresó Shinoda en conferencia de prensa.

¡Dale play aquí y disfruta del visual que la agrupación preparó para esta ocasión especial!

Habíamos hecho un montón de demos y en ese momento estábamos buscando un vocalista, y alguien... un amigo de un amigo había trabajado con Chester en Arizona. La historia de Chester - que estoy seguro de que es verdad - es que dejó su propia fiesta de cumpleaños para ir al estudio y grabar su voz en las pistas que le habíamos enviado. Eso significa lo emocionado que estaba.

Chester había estado en bandas durante años en Arizona y básicamente había llegado al punto en el que era más difícil hacerse notar, lo cual era frustrante, además en ese momento había conseguido un trabajo de 9-5. Y luego consiguió este demo, dejó la fiesta, grabó las voces y el resto es historia", expresó el guitarrista Brad Delson

Quédate pendiente, pues seguramente habrá más estrenos y sorpresas del material deluxe de Linkin Park, mientras tanto te dejamos con la edición especial de Hybrid Theory.

¡No te olvides de seguir a Indie Rocks! para más información!

 

Entrevista con Silver Rose

Un viaje sobre cómo transformar los miedos en esperanzas.

Silver Rose nació hace cinco años debido a la necesidad de Carla Sariñana por ir más allá, por empujar horizontes. El proyecto se gestó como un impulso que emana luz y pasión por la música; este año escuchamos en su álbum debut, Las Distancias, a una compositora que abre su corazón y mente para ser honesta consigo misma mientras crea universos de amor y dulzura.

Desde aquel 2015 hasta ahora han pasado muchas cosas por la carrera de Sariñana pues aprendió a cantar, lanzó su primer EP homónimo, participó en diversos festivales, sus entrañables shows se encargaron de abrir las presentaciones de Father John Misty y Greta Van Fleet en México, continúo tocando el bajo con Ruido Rosa y se convirtió en madre. Una experiencia que la ayudó e inspiró para seguir experimentando y explorando sus capacidades como artista.

Con motivo de su más reciente lanzamiento, tuvimos la oportunidad de platicar con Carla sobre su disco, la escena musical actual en México y los sueños y deseos sobre el futuro.

Este disco ha sido lo mejor que he podido hacer en mi vida, me ha llenado de satisfacción, de seguridad y de sabiduría; no solo empezar mi proyecto, sino que es aventarme a abrirme a conocer a la gente, a aprender de ellos, a aprender a cantar. Ha sido todo un trabajo de crecimiento porque cantar es otro instrumento, es otra cosa y requiere una seguridad y un alma en sí muy diferente a tocar otro instrumento. Eso me ayudado muchísimo personalmente, entonces ha sido maravilloso para mí".

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Para que su segundo material de estudio se concretara, la compositora tuvo que pasar por un proceso de aceptación personal y encontrar las formas de sentirse segura con sus ideas, decisiones y sentimientos, además de confiar y creer en ella misma. Aquello se lee fácil, sin embargo, es fundamental para cualquier proceso creativo y en muchas ocasiones resulta ser una travesía que irremediablemente se enfrenta en soledad.

La verdad, no veía cómo podía seguir con mi música, pero algo dentro de mí se prendió y dijo: ¡Noooooo! o sea sigue adelante, ¡empújale, échale ganas!  y ya si no, pues no quedo en ti.

Pero eso tuvo que pasar para que, en lugar de ver a la música como algo que quería que a fuerzas me sucediera y que a fuerzas quería que mi carrera tuviera éxito y así, me diera cuenta de que lo más importante era que yo me sintiera feliz con mi música y con lo que estaba haciendo y disfrutar cada momento”.

Las distancias sale a través de Discos Panoram, sello discográfico que ha trabajado con artistas como Zoé, Andrea Franz, Salvador y el Unicornio, Love La Femme, entre otros. Lo produjo Felipe Ceballos, a quien Carla describió como su amigo, hermano y mentor musical. “Nos decimos la neta y él me regaña y yo lo regaño y es como muy directa la relación. Estuvo muy bien eso porque me ayudó mucho a crecer. Lo quiero mucho en ese aspecto”. En cuanto al arte, Ian Pascal colaboró con Carla para presentar un particular estilo nostálgico y alucinante a partir de las fotografías que Daniel Patlán realizó.

Con Pipe estuvo muy padre el proceso porque lo conozco desde hace muchos años, es mi amigo desde antes y compartimos muchas influencias muy similares en cuanto al rock. Nos gusta mucha música similar y eso es primordial en un productor. Yo entré justo a la grabación como muy confundida o sea, con mis ideas medio claras, pero necesitaba que alguien me dijera que iba a estar bien. Es decir, venía de un revoltijo de emociones que decía: ‘¿y si sale mal? ¡estoy aquí, haciendo este disco!'

Venía con mucho miedo, pero conforme fueron pasando las cosas y conforme fuimos construyendo las canciones fue ahí que ya ese miedo se convirtió en seguridad y emoción y alegría máxima”.

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A partir de las bases de un bajo y una batería, ambos lograron guiar los tracks hacia lo que deseaban plasmar. Desde el inicio sabían a qué les gustaría que sonaran ciertas canciones de acuerdo con sus influencias musicales y llegado el momento, Ceballos invitó a un grupo de músicos a unirse al proyecto para que, junto con Carla, comenzaran el trabajo de dirigirlos hacia la respectiva construcción del álbum, tal como si de un hogar se tratará y por supuesto, con el “sabor” que cada uno de los músicos aportaba. “Por eso cada canción tiene su propia personalidad y suena distinto, más que nada”, expresa la compositora.

“En cada canción tuve diferentes colaboradores, entonces estuvo increíble como comenzaron a sumarse personas que entendían el proyecto y que querían sumarse por buena onda o sea, no porque yo les dijera: '¡ay por favor!' sino que genuinamente Pipe les enseñaba las canciones y decían: ‘¡claro, le entró!’.  Agradezco tanto que todos ellos fueran parte. Este disco suena increíble por ellos, simplemente por ellos”.

Entre los instrumentistas que colaboraron se encuentra Johann Daccarett, Sergio Acosta de Zoé, Dan Zlotnik, Luke Paquin (guitarrista de Hot Hot Heat y de Tashaki Miyaki), Efrén Barón, Demián Gálvez, Brandon Welchez y Javier Blake en la composición de algunas letras y melodías.

Carla sonríe. Por sus ojos atraviesa la felicidad y emoción de estrenar música. Acomoda su cabello rojizo y mira fijamente a la cámara. Toma un respiro y comienza a explicar cómo ha sentido el recibimiento de su trabajo por parte del público. “Siento que cada vez más la gente conoce el proyecto, su personalidad y logra mucho interactuar con él. Como que el entendimiento de qué van las canciones y de qué trata la vibra en general del proyecto ha sido muy bien recibida. La gente lo logra entender bastante y eso es muy padre para mí”.

Todo es relativo, sin embargo, la naturaleza, el arte, la moda, las vivencias personales y la energía por seguir creando son las más fuertes influencias para la cantautora, pero también aquellos momentos de ansiedad y estrés, pues es cuando logra darse cuenta de que necesita regresar a meditar y trabajar. Además, señala que la pasión por la música y todo aquello que la hace sentir el momento es un valor primordial en lo que emprende.

Incluso me sigue pasando y creo que es algo con lo que batallamos todos los músicos, al pensar que ya queremos ser exitosos y que mi canción sea un hitazo y luego... no pasa. Y ahí entra la frustración.

Es tratar de olvidar eso y enfocarse en el trabajo, nunca olvidar la raíz de por qué lo empezaste a hacer. Enfocarse en el trabajo y en la energía que te produce la música y solito vendrá lo demás”.

De acuerdo con Sariñana, en el mundo de la composición lo más importante es no forzar las cosas, pero sí aprender y saber aprovechar aquellos momentos en los que realmente están fluyendo las ideas para trabajar y esforzarse.

“He aprendido bastante a no sentirme mal si cierto día no me siento inspirada”.

Vivimos en un periodo de la historia en la que los cambios más trascendentales se están gestando por mujeres y muchas de esas transformaciones han nacido de la búsqueda de una identidad fuera del sistema establecido. Por supuesto, la industria musical no está exenta de la metamorfosis social. Por eso, al preguntarle a Carla cuál es su punto de vista acerca de lo que sucede hoy en día en la escena musical mexicana, nos respondió lo siguiente.

"Veo un gran crecimiento en la industria en general. En la escena local del rock, en donde yo he estado sumergida 15 años, sí creo que ha habido muchos crecimientos positivos, hablando como mujer. Hay más proyectos de mujeres, cada vez hay más mujeres haciendo cosas más interesantes, muy propositivas, pero en otros géneros, no nada más en el pop, sino también en el rock, el jazz, de todo tipo, lo cual me produce muchísima felicidad. Hay una cantidad enorme de mujeres talentosísimas, que con buenas ideas ya están saliendo a la luz y se tiene que hacer cada vez más. Aunque veo también que por más que haya mujeres, la industria se sigue basando muchísimo en agencias y en fórmulas de antes, que no son inclusivas y que se basan mucho más en el negocio y que se entiende pero que también para que exista un cambio deben de ser un poco más inclusivas y no veo un cambio ahí lo cual es una preocupación, la verdad".

En donde más lo veo siempre será en Ruido Rosa porque no es lo mismo ser una mujer con un proyecto solista a ser una mujer en una banda de mujeres. Es muy diferente. No por cómo nos traten sino por las oportunidades".

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"También la situación del país no se presta a que nosotras estemos girando. Ahorita, obviamente nadie está girando, pero previamente a eso tampoco era tan fácil ir de un lado a otro para nosotras y con Silver Rose sí veo un poco más de facilidad pero al final del día, no es como si yo me voy a subir a mi coche y me voy a ir de aquí para allá, no es algo que haría por muchas razones, sin embargo es una de las limitantes bastante fuertes para las mujeres en la industria de hoy".

La situación no nos favorece, no nos protege, no nos abre puertas. Es más, nos perjudica y nos hace muy vulnerables, entonces en eso los promotores también deben caer en cuenta y ayudar a cambiarlo, pero lo veo muy poco probable. Espero que después de este año y todo lo que ha sucedido pueda cambiar, pero ese es otro factor muy fuerte”.

"Me encanta ver la unión que se da entre chavas. O sea, ahorita me escriben para preguntarme: 'oye puedes tocar el bajo y yo así de ‘no puedo, pero escríbele a ella' y así, como que ya se hace una alianza muy padre que es algo muy bonito. Yo empecé en la música con mis tres amigas en Ruido Rosa, siendo ellas mis amigas de la música y no tenía nada más. Teníamos puros amigos hombres y ahorita con gusto puedo decir que tengo muchísimas amigas en la música, lo cual antes no era algo tan fácil de decir".

Antes del caos de la pandemia,  Silver Rose tenían preparados varios shows y acuerdos con ciertas marcas para sacar adelante la promoción de Las Distancias. Sin embargo, las circunstancias superaron las buenas intenciones, pero Carla no las ve como perdida de tiempo sino como oportunidades para incentivar la creatividad. Es por eso que cada sencillo del disco salió por separado y culminó con la canción que da nombre al álbum. Además, señala que son necesarias las buenas estrategias de marketing, la interacción constante con la gente y  las alianzas entre los artistas y su público. "Ahorita es cuando más debemos estar mano en mano todos".

¡Nos estábamos comiendo a todo el mundo, nos estábamos moviendo muchísimo, buscando todas las oportunidades del mundo!".

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La música logra formar comunidad de formas inesperadas, nos ayuda a comprender que no estamos solos, aunque a veces así lo parezca y para Carla Sariñana, crear su propia personalidad y compartirla con quien se sienta identificado, se convierte en total satisfacción. Qué mejor si en el camino su proyecto logra unir a más gente a la escena musical mexicana y aunque la compositora es muy puntual en que son ondas diferentes por las que transita Ruido Rosa y Silver Rose, es consciente de que quizá en algún momento crucen sintonías y eso será muy bien recibido.

Aunque el futuro es incierto y no sabemos lo que vendrá en años venideros, a Carla le gustaría seguir creando música que demuestre la calidad de la escena musical independiente de México, pues más que tocar en auditorios gigantes (lo que obviamente, nos dice le fascinaría), lo que realmente le gustaría es generar canciones y música que representen una propuesta de nuestro país en general.

Quiero lanzar muchísimos discos, colaborar con productores que son de ensueño para mí, grabar canciones cada vez más elevadas y encontrar una satisfacción mucho más grande en lo que hago".

Para concluir nuestra charla, le pido a Carla que describa Las Distancias con los sentimientos que le ha producido a lo largo del proceso creativo y después de un largo suspiro y algunos instantes para meditarlo, responde:

Seguridad, paz, felicidad... ¡ay! ¡Cómo puedo decir este sentimiento...! Es algo un poco más como… es que es un viaje, también es un viaje ¿sabes?, la idea también es estar hipnotizado y en este viaje así de ¡whoooooaaaa! que también se basa mucho en esa onda que te da la psicodelia y que al terminar el día, finaliza en sanación. Es mucho de eso, entrar a este mundo, a este viaje, tripear un poco y terminar en sanación y felicidad".

"El éxito es ser feliz, estar satisfecho con lo que tienes y estar en paz contigo mismo".

Te invitamos a ser parte de este viaje llamado Las Distancias y no te olvides de apoyar a tus artistas favoritos adquiriendo sus discos además de toda la mercancía oficial. ¡Enhorabuena, Silver Rose!

Gabriel Garzón-Montano — Agüita

Agüita se trata de un álbum anti género maquinado para confundir a los algoritmos que encasillan y encierran a la música en playlist que carecen de dirección alguna.

Gabriel Garzón-Montano es un personaje norteamericano influenciado por la imponente escena de su natal Brooklyn, pero que además cuenta con orígenes de cepa franco-colombiana que le brindó la oportunidad de mixear lo mejor de estos mundos bajo los dotes que tiene como multiinstrumentista.

Con el objetivo de crear una obra que brinde al escucha el poder sentir un abanico de emociones bajo el cobijo de diferentes atmósferas sonoras. Donde la historia que Garzón-Montano buscase contarnos con Agüita fuera ideada para presentarnos diferentes subtramas no lineales entre sí; con la intención de crear una referencia discográfica que invité a su público a escuchar y exigirse a salir del confort auditivo.

El hecho de que se busque estimular a salir de ese estado de letargo habla de las nuevas necesidades y/o vínculos que van surgiendo entre los músicos y su público, actualmente, ya no es suficiente con presentar un álbum donde ambos terminan por acompañarse (o no) por el mismo trayecto sonoro, sino que se va construyendo una mayor relación que ayude a completar una múltiple experiencia de escucha y retroalimentación.

Es aquí donde se lanza el desafío de identificar las tres ramificaciones en las que fue dividida la ruta sonora de Agüita. Tres identidades musicales que habitan de manera independiente en los estados de ánimo del disco y que se desprenden del imaginario fragmentado de Garzón-Montano.

De esta manera, los alter egos de Gabriel cobran vida y se manifiestan bajo los motes del protagonista elegante, el impresionista melancólico y el latino hitmaker; quienes se encargan de hacer notar el ecléctico rango de estilos musicales que pueden cohabitar y ejecutarse desde la misma visión personal de quien canta.

Así que si decidiste pinchar al play e iniciar este viaje podrás toparte de frente con piezas como “Someone” una triste pero cálida despedida romántica que no te hará desgarrarte del dolor, sino que te hará sentir una sensación reparadora orquestada por las texturas de R&B.

O la atmósfera de club-banger en “Muñeca” un reggaetón (hecho en su vertiente colombiana) ideada para hacer que te rindas ante la posibilidad de mimetizarte con el sabor y calor de la noche, ya que se trata de una pieza completamente en español; que mejor sintetiza la inquietud de Garzón-Montano por cubrir los sonidos de moda en Latinoamérica que comienzan a tener aceptación entre el público angloparlante.

Y que contrasta con la profunda introspección en la que nos sumerge “Bloom”, un tema sobre el vaivén de la vida misma; donde el transcurso recorrido entre el nacimiento y la muerte hace escala en las diferentes etapas de nuestro desarrollo como personas; sonorizado bajo arreglos de cuerdas orquestales donde los violines, las violas, el arpa y un rasgueo de guitarra nos transportan a momentos de fragilidad casi nostálgica.

De modo que si eres un escucha que prefiere fijar un solo mood que te mantenga bajo los influjos del mismo concepto sonoro posiblemente este álbum no sea para ti. Pero si tus oídos se mantienen expectantes a los discos poco previsibles Agüita de Gabriel Garzón-Montano es una propuesta a la que podrías prestarle atención.

METZ — Atlas Vending

Con el mundo encima.

Nos encontramos en tiempos turbios que a veces parecen no tener fin. La incertidumbre, el pesimismo y el caos nos pegan como gotas fulminantes de una lluvia incesante cada día. ¿Habrá tal cosa como volver a la normalidad? ¿O todo es una lección constante y peculiar de adaptarnos al cambio? Eso es algo que los punks canadienses de METZ no se quedaron cruzado de brazos a preguntar e hicieron todo un estruendoso, horrorizante y extrañamente optimista disco acerca de ello.

Atlas Vending, su cuarto material de estudio, inicia con una intolerable carga de suspenso y sonidos bajos e intermitentes antes de bajar la cortina y mostrar un show de terror atascado protagonizado en apariencia por las guitarras enloquecidas y pedales humeantes de Alex Edkins; las líneas de bajo de Chris Slorach, dispuestas a tronar los audífonos más básicos y los golpes de batería casi tribales de Hayden Menzies, que podrían provocar ampollas de solo escucharlos.

“Pulse” da inicio a este circo bestial, para luego invitar al mosh pit en “The Mirror” y desenvolver en un vórtice de aullidos hechos con cuerdas de “Draw Us In”. La tensión parece disiparse para convertirse en calma tétrica con “Framed By the Comet’s Tail” y nos da un respiro para volver a entrar a la pelea con “Parasite.” No obstante, no todos los acordes indican peligro o incomodidad, ya que en “No Ceiling” parecen llevarnos por un paseo jubiloso por Los Ángeles a bordo de un auto en llamas; “Sugar Pill” brinda una mirada distorsionada al verano que se fue y el hipnotizante cierre “A Boat to Drown In” recuerda a los primeros años de The Horrors, cuando estaban a punto de hacer la transición de unos punks insolentes a una banda con una visión más panorámica y madura.

Justo la madurez llega en forma de las letras, que traen luz, esperanza e ímpetu para no rendirse ante lo gris del panorama. Es un recurso ingenioso, más no innovador, el presentar un contenido y mensajes contrastantes con la música. Pero la manera en la que METZ lo hace es intoxicante y más que adecuada para estos momentos en donde todos parecemos tener al mundo encima, dándole una frescura que los separa de sus contemporáneos. Al final, Atlas Vending logra hacer que nos desahoguemos al ritmo de bullicio pero diciéndonos a nosotros mismos que todo estará bien. Logra divertirnos y alegrarnos en medio del fuego y la destrucción. Es una montaña rusa de disco - y el mejor que han hecho hasta ahora.

FKA twigs hizo un nuevo álbum durante la cuarentena

Con la compañía virtual de El Guincho, FKA twigs aprovechó los meses de encierro para la creación de un álbum, también aprendió a tocar el piano.

El distanciamiento social resulta no ser tan malo para algunos, al contrario, les regala tiempo para poder crear lo que más les gusta y es el caso de FKA twigs, quien acaba de revelar que durante estos últimos meses creó un nuevo álbum.

Terminé, de hecho, haciendo un álbum completo en cuarentena. Lo decidí un día. Fue como, tal vez, un tercio del camino y solo dije, 'sabes qué, solo voy a hacer un álbum', y lo hice. Y fue realmente asombroso porque trabajé predominantemente con un artista y productor increíble llamado El Guincho, e hice todo con casi todos los colaboradores en FaceTime”.

Pablo Díaz-Reixa Díaz, conocido como El Guincho, ha trabajado con artistas como Mala Rodríguez,  Rosalía y ha sido nominado a los Grammy Latino como Grabación del Año, así que se esperan muy buenos resultados con FKA twigs en este tercer álbum, que por cierto, aún no tiene nombre ni fecha de lanzamiento, pero será la sucesión del LP Magdalene (2019), el cual tuvo un gran recibimiento por parte de los oyentes desde su estreno.

FKA twigs también aprovechó el tiempo para aumentar su lista de habilidades y aprendió a tocar el piano y a leer partituras, así que no te sorprendas si dentro de este álbum encontramos canciones donde el piano se haga presente.

Te dejamos con lo reciente de la cantante para que lo escuches mientras piensas en qué nombre sería bueno para este nuevo álbum.

 

Thornato presenta “La Niña Grande” junto a Paulina Sotomayor

El nuevo sencillo de Thornato rinde homenaje a las mujeres por su trabajo y esfuerzo para seguir peleando por sus sueños.

Recientemente ha sido presentado en servidores de streaming el tercer sencillo por parte de Thor Partridge aka Thornato que adelantan su próximo material Escape Plan. Este lleva como nombre "La Niña Grande" y cuenta con la colaboración de Paulina Sotomayor. Además, llega después de "Out Here" y "Body Yako" vía Wonderwheel Recordings.

"La Niña Grande" es una canción heroica, la cual está dedicada a las mujeres y su enorme capacidad de lucha para poder cumplir sus objetivos y encontrar un balance en este mundo complicado. La voz de Paulina Sotomayor entabla una serie de frases emocionantes, las cuales reflejan el empoderamiento femenino y también la necesidad de reflexionar sobre el contexto social que se vive actualmente con la desigualdad de género.

Una serie de beats latinos aparecen poco a poco, creando una fusión colorida, llena de ritmo y fiesta con arreglos de sintetizadores y líneas melódicas en voces. Además es una canción que juega con distintos compases, creando disonancias, así como cambios de velocidad para hacer un tema entretenido. Te invitamos a darle play a continuación.

Continúa en Indie Rocks! para descubrir todas las novedades de Thornato, que lanzará un nuevo material en noviembre de este año.

Diles que no me maten estrena video de “Prototipos”

La banda acaba de presentar un video lleno de prototipos que no imaginas.

Los citadinos Jonás Derbez (voz), Jerónimo García (guitarra), Gerardo Ponce (guitarra), Raúl Ponce (batería) y Andrés Lupone (bajo), son quienes le dan vida a Diles que no me maten, una explosión de sonidos que si no has escuchado, has estado perdiendo gran parte de tu vida.

Hace casi un año, Diles que no me maten se presentó en Noches Hipnosis junto a Teresa Cienfuegos y Las Cobras para abrir el primer show en México de los californianos Hoover iii; desde entonces no han parado y durante el pasado mes de mayo lanzaron su primer disco Edificio, del que desprenden tracks como “Manos de Piedra” y “Pachuca”.

Esta vez, la banda experimental nos regala “PROTOTIPOS 2020”, un video que, como el nombre lo dice, contiene prototipos y a lo largo de 13 minutos con ocho segundos se muestran cinco de ellos:

Intro

 Tenuki

 Waco 

 Andrés en Alemania

 Stereorama

El video cuenta con la participación de vividvideo en la edición y Máximo Hollander en la captura de audio. Aquí puedes verlo:

Recuerda que Diles que no me maten participa en la compilación La Otra Música X Aire Libre FM, presentada por Martín Delgado desde el pasado 25 de septiembre y puedes escucharla y comprarla dando clic aquí.

 

OHMME presenta doble sencillo, “Mine”/“Miasma”

Conoce los dos explosivos tracks con los que OHMME contribuye al volumen 5 de Sub Pop Singles Club.

Casi cuatro meses después del lanzamiento de su más reciente álbum, Fantasize Your Ghost, OHMME ha dado a conocer nueva música. Ahora, como parte de la serie de singles organizada por el sello discográfico Sub Pop, el dúo ha dado a conocer "Mine", acompañado de un b side llamado "Miasma".

Para este volumen de sencillos organizados por Sub Pop, OHMME acompaña a Father John Misty y Eddie Vedder entre otros. "Mine" es una canción cautivadora por la potencia de un beat veloz, así como un bajo atascado de distorsión que golpea de manera constante. Además, cuenta con interesantes diálogos protagonizados por los juegos de guitarras y voces, así como un solo picante de guitarra para romper todo.

"Mine" trae todo el rock and roll noventero de vuelta con una emblemática letra llena de protesta, así como de juegos virtuosos donde colisiona el punk con referencias al rock progresivo. Dale play a continuación.

Por su parte, "Miasma" presenta un ambiente más tranquilo, donde acompañan líneas oscuras de bajo sobre las voces de Macie Stewart y Sima Cunningham. La agrupación aprovechó para presentar este sencillo que no está en la serie de canciones del sello discográfico, pero de algún modo complementa al primer tema y otorga un desenlace a la trama de ambos temas, esto con una serie de vientos disonantes que se apoderan del protagonismo y llenan de intriga y tensión el cierre de esta canción.

Te invitamos a que disfrutes de este nuevo sencillo de OHMME a continuación.

The Flaming Lips comparte una muestra de sus "bubble shows"

The Flaming Lips planea llevar al máximo su creatividad a través de burbujas en sus próximas presentaciones en vivo.

Después de años y decenas de actuaciones en las que Wayne Coyne caminó dentro de una burbuja entre la multitud, ahora los papeles se invierten y serán sus seguidores quienes coreen sus canciones dentro de una, pues recientemente el líder de The Flaming Lips ofreció una entrevista para el sitio web Brooklyn Vegan y habló sobre la posibilidad de realizar una serie de conciertos con el uso de enormes burbujas de plástico.

Quiero decir... parece absurdo, pero al principio lo estábamos haciendo no como una broma, sino como algo divertido y ahora se está volviendo algo serio y real.

Estamos empezando a prepararnos para hacer un espectáculo real en el que si hay tres personas en cada una de estas burbujas espaciales, y tocamos quizá dos espectáculos por noche puede que logremos conseguir una gran audiencia", expresó el compositor.

El evento muestra se llevó a cabo en la ciudad de Oklahoma y albergó a un centenar de personas; cada una de ellas dentro de una burbuja de plástico. El evento lucía divertido, pues el frontman se lanzó a la multitud y estos lo fueron llevando por todo el recinto mientras interpretaba "Assassins of Youth", tema de su más reciente álbum de estudio. Mira la presentación a continuación: