JOMORO — Blue Marble Sky

Repensar la world music.

Si despojáramos a las grandes ciudades de todo el exceso de estímulos, quizá alcanzaríamos a ver de nuevo un ansiado cielo azul. Los espectaculares, las imágenes en movimiento y las grandes pantallas han invadido el ecosistema metropolitano, y el contacto con la naturaleza se ha vuelto una ilusión apenas conocida en la urbe.

Las canciones de las grandes listas, con sus arreglos barrocos y su búsqueda por la excitación constante, son el reflejo perfecto de la convulsa vida citadina. ¿Qué pasaría si volviéramos a los principios de la música? Nos quedaría el ritmo; es decir, la pura contemplación de sonidos que se acomodan en el tiempo, sin grandes adornos ni orquestaciones vulgares. Así, como una declaración intrépida, lo ensaya el dueto JOMORO en su álbum debut, Blue Marble Sky (Sony Music, 2021).

Detrás de JOMORO se encuentran Joey Waronker y Mauro Refosco, conocidos por llevar la parte rítmica en el supergrupo Atoms For Peace. Sin embargo, ambos percusionistas habían forjado una amplia trayectoria antes de compartir escenario con Thom Yorke y de, finalmente, embarcarse en su proyecto más personal hasta la fecha. Refosco es conocido por sus excéntricos instrumentos percusivos y sus colaboraciones con Red Hot Chili Peppers y David Byrne. Waronker, por su parte, ha plasmado sus habilidades para la batería en miles de álbumes de R.E.M., Beck, y hasta Plastilina Mosh en el célebre Aquamosh (1998).

Así, ambos músicos lograron un expertise en todo tipo de ritmos, que les permitió concebir el particular universo sónico de Blue Marble Sky. Los 12 cortes de este álbum descansan sobre un complejo desarrollo percusivo y, además, exploran el contraste entre ritmos vigorosos y el minimalismo melódico, tal cual lo marcaron estilos como el drum n’ bass a mediados de los noventa. “Mirror”, “No Air” y “Marching Camels” son retratos de esta búsqueda, pero “Ant Farm” se mantiene como el mejor ejemplo con sus bailables ritmos sincopados, probablemente aporte de Refosco y su natal Brasil.

A través de estos elementos, JOMORO también busca dar un nuevo matiz a la forma tradicional de canción, mediante colaboraciones que atraviesan América de arriba abajo. Sharon Van Etten convierte su voz en un elemento casi atmosférico en “Nest”, y la también brasileña Karina Burh le canta a la nostalgia y la esperanza en “Saudades de lá” y “Acordar e Perfumar”.  Pero no es hasta “Until We Equal” que llegamos al punto álgido del álbum, pues, sobre una base de RnB, el rapero estadounidense Brandon Markell Holmes escupe versos que nos invitan a dejar la comodidad y distracciones del espacio urbano para apropiarnos violentamente de él en pro del respeto a nuestros derechos: “marchamos por la calle, marcamos el ritmo; sí, nos escuchamos fuerte: ¡al carajo la policía!”.

De esta forma, Blue Marble Sky es un firmamento lleno de ideas y sentimientos basados en la contemplación de aquel mundo casi desconocido que subyace bajo la superficie, no solo la del sonido, sino también la de los sentimientos humanos. Siempre es grato escuchar cuando músicos de estudio trabajan en sus propias ideas y, esta vez, Waronker y Refosco crean un álbum sencillo, sin grandes ambiciones, que a la vez intenta resignificar el sentido de la world music con sus constantes guiños a diferentes estilos.

Durante casi 50 minutos, Blue Marble Sky nos invita a imaginar un mundo diferente al nuestro, despojado de las cargas innecesarias que nos impiden disfrutar nuestra humanidad en estado puro. El planeta vuelve a ser un buen lugar para vivir.

Serj Tankian estrena video para “How Many Times?”

Un Apocalipsis conceptual en la voz del cantante.

El vocalista de System of a Down ha liberado el videoclip para el track número tres extraído de Elasticity, EP lanzado por el armenio en marzo de este año con composiciones originalmente destinadas a lanzarse en colaboración con la banda.

El video, dirigido por Roger Kupelian quien trabajase en el apartado de efectos especiales para películas como El Señor de los Anillos y X – Men además de colaborar con el mismo Tankian en los visuales de “Honking Antelope” y “Reconstructive Demonstrations”, nos muestra de una forma casi lúdica los estragos de la sociedad occidental en su faceta más decadente.

El peso lírico de “How Many Times?” reluce con el pasar de cada frame, partiendo de las suaves notas en piano que se mantienen en los momentos más tensos de la composición hasta llegar a los arreglos de cuerdas orgánicas y eléctricas por los que nos guía la voz del músico.

Cuántas veces tendremos que incendiarnos para ser uno y todos”, leemos en el verso de la canción.

Haciendo uso de stop motion, animación digital, escenas live action y filtros de color que terminan por aterrizar el metraje bajo la misma línea apocalíptica, el mensaje llega hasta el espectador de la manera más cruda e íntima posible.

Deafheaven comparte “Great Mass of Color” y anuncia álbum

Nuevo rostro para el blackgaze de los estadounidenses.

La banda liderada por George Clarke y Kerry McCoy ha liberado “Great Mass of Color”. El nuevo track acompaña el anuncio de lo que promete ser el material más radicalmente contrastante en la carrera de la agrupación, Infinite Granite, producido por Justin Meldal-Johnsen y mezclado por Darrell Thorp llegará a nosotros el próximo 20 de agosto de la mano de Sargent House.

Deafheaven se ha mantenido empujando los límites de su sonido durante la última década, consolidando una explosión sonora de shoegaze, black metal y post rock presentes a lo largo de su discografía. Esta fusión continua ha dado como resultado una diversidad fértil cada vez más presente con el pasar de cada álbum pero nada como lo que “Great Mass of Color” augura para el proyecto de San Francisco.

La nueva pista nos brinda una sensación de espacio y soundscape sugerido a partir de trance instrumental y sutiles arreglos en la voz de Clarke, pasando de las voces estridentes de trabajos anteriores a un rango vocal mucho más amplio utilizando falsettos, susurros y poliarmonías que desembocan suavemente en una marejada de blast beat y capas de sonidos desgarrándose hacia el final de la canción.

Acá el preorder y tracklist del próximo lanzamiento.

Deafheaven (Infinite Granite cover)

  1. “Shellstar”
  2. “In Blur”
  3. “Great Mass of Color”
  4. “Neptune Raining Diamonds"
  5. “Lament for Wasps”
  6. “Villain”
  7. “The Gnashing”
  8. “Other Language”
  9. “Mombasa “

Rawayana estrena video para “Nuestro Amanecer”

Enciende tu luz interior con el nuevo video de Rawayana.

El colectivo venezolano, Rawayana, ha compartido el vídeo para su canción "Nuestro Amanecer" perteneciente a su más reciente álbum de estudio Cuando Los Acéfalos Predominan (CLAP), que fue estrenado el 31 de mayo a través de Brocoli Records.

"Nuestro Amanecer" es la canción que abre el álbum con un ritmo reggae, al que se suman sintetizadores y guitarras acústicas, mientras Alberto Montenegro canta a su país, con un dejo de esperanza y anhelo por mejores tiempos:

"No pienso huir

Aquí es donde yo pretendo estar

Dime cuando va a tener espacio pa' meter mi luz

Cuándo va a amanecer pa' que enciendas un rato mi luz"

El video es una idea original de Alberto Montenegro, dirigido por Marcelo Quiñones en el Desierto de Los Leones en la Ciudad de México. En él presenciamos lo que parece ser un peculiar ritual de luz, en donde un grupo mujeres bailan alrededor de Montenegro, como pálidos espíritus en posesión de diminutas esferas de luz. ¡Dale play a continuación!

Recientemente la agrupación estrenó el video para su sencillo "Welcome To El Sur", el cual cuenta con la participación de Ara y Valentina Quintero.

Cuando los Acéfalos Predominan ya está disponible en plataformas digitales y lo puedes escuchar completo a continuación. 

Sleater-Kinney comparte su sencillo “Method”

El dúo presenta una peculiar canción de amor llena de solos de guitarra.

Sleater-Kinney, la banda de Corin Tucker y Carrie Brownstein, comparte "Method", el tercer adelanto de su próximo álbum de estudio Path of Wellness, el primer disco de la banda sin la baterista Janet Weiss que se unió en 1996. 

"Method" sigue a los sencillos "Worry With You" y "High in the Grass", recientemente publicados, y es descrita por la banda como una "súplica rudimentaria de ternura y dejar espacio para la vulnerabilidad en momentos que requieren dureza y armadura". La canción viene acompañada por un video con letra dirigido por Lance Bangs. ¡Velo a continuación!

Por otra parte, Sleater-Kinney también ha anunciado la presentación de su nuevo álbum en un programa de variedades conducido por Charles Hewett, el cual contará con entrevistas y presentaciones musicales en vivo. El programa saldrá al aire mañana (10 de junio), en el canal de Twitch de Amazon Music. Aquí te dejamos el trailer

 

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Path of Wellness, el décimo material discográfico Sleater-Kinney, será lanzado el próximo 11 de junio a través de Mom + Pop. Posteriormente, la agrupación se embarcará a finales de este verano en una gira por Estados Unidos junto a la banda de rock alternativo Wilco. El tour inicia el 5 de agosto en Spokane, Washington, y termina el 28 de agosto en Chicago. Para más información visita el sitio web oficial de las bandas. 

Sigue atento a Indie Rocks! para más novedades.

José González estrena “Head On” y comparte el video oficial

Inhala y exhala: Hazle frente a las adversidades sin odio.

En septiembre, podremos escuchar Local Valley, el cuarto álbum de estudio de José González luego de seis años sin lanzamientos. Mientras tanto, el compositor sueco compartió un nuevo adelanto titulado "Head On". Descrita como "una canción de combate", la pista resulta ser una "lista de instrucciones o un manual", según cuenta González en un comunicado; además, está inspirada en "Zombie" del multiinstrumentista, activista y cantautor nigerino, Fela Kuti.

De acuerdo con el músico, otras influencias para la composición del sencillo provienen de términos de libros de economía, exactamente de El valor de todo de Mariana Mazzucato. "['Head On'] También está en la línea de mi canción 'What Will' de 2015. Esa y esta son canciones anti-dogma, pro razón. Algunos de los términos que uso, como 'buscador de rentas' o 'extractor de valor', son de libros de economía que he estado leyendo", comentó.

Estoy encantado de compartir con ustedes 'Head On'. Lo escribí como una canción de combate o una lista de instrucciones ... un manual. Me refiero a 'todo recto' y de frente, como al encender la mente. Se inspiró en 'Zombie' de Fela Kuti y en la forma en cómo solía escribir letras para mi banda de hardcore", expresó José González.

La canción ya cuenta con un videoclip dirigido por Cee Karlsson, quien se basó en el autómata celular (un modelo matemático y computacional) llamado 'Game of Life' creado por el matemático John Horton Conway en 1970. Al respecto, Karlsson explica: 

'Game of Life' tiene propiedades emergentes, lo que significa que pueden surgir o evolucionar formas complejas a través de partes individuales simples. Sin ningún diseñador, plan o intención. En el video, usamos imágenes de 'Game of Life' como una analogía para el flujo de información; bits de información que forman patrones. Adaptación. Evolucionando. Mutante. Como memes o virus mentales; positivo, neutral o negativo. Viajando de mente a mente en una guerra interminable de ideas en la que todos participamos y en la que somos influenciados". 

"Head On" se une sus anteriores sencillos promocionales: "El Invento" y "Visions". Cabe mencionar que Local Valley será publicado el 17 de septiembre por Imperial Recording / City Slang, y es el primer disco que José González interpreta en inglés, español y sueco. Si te interesa pre ordenarlo, dale click al siguiente enlace.

Sin más, dale play al videoclip, a continuación. ¡Disfrútalo!

Los Pilotos — Alianza Atlántica

Fiesta interdimencional con invitados de lujo.

El fenómeno de la tele transportación siempre ha sido un misterio tanto para los creyentes como para escépticos, lo cierto es que muchos quisiéramos estar en todos y ningún lugar. Bajo este concepto creado por Charles H. Fort, Los Pilotos, ha encontrado inspiración para la fiesta monumental que representa su nuevo álbum Alianza Atlántica, un collage de colaboradores que sirven de comunicadores al mensaje de la banda.

Para esta ocasión la banda tuvo la oportunidad de modificar su sonido, hay bastante de pop electrónico en todas partes, pero al mismo tiempo hay pequeños detalles de sonido que poco a poco abren nuevas posibilidades sonoras para la banda; Además de que, a diferencia de los invitados en el EP del mismo nombre, aquí los participantes se sienten mucho más en casa, con el espacio suficiente para integrarse en un producto que parece más a un colectivo, que a simple colaboración.

El disco está lleno de vocales principalmente femeninas, y como suele suceder con este tipo de formato hay artistas que tienen el despliegue suficiente para elevar las composiciones y destacar a partes iguales. Mula abre el disco con “El ciclo de las mareas” que como siempre con vocales etéreas y unas rimas consistentes ofrecen al escucha una buena pincelada de lo que viene en el disco. Pedrina es la única que aparece dos veces, y es posiblemente la que mejor se mimetiza con el concepto de la banda, sin embargo, es en “Cenizas en el piso”, dónde ofrece una interpretación vocal de calidad, convincente y de lo mejor de su repertorio actual.

Little Jesus se transforman en algo mucho más playero y flexible en “Frane Selak”, que es un medio camino entre ambos proyectos, perfecta para acompañar la puesta de sol. Quienes destacan por encima del anfitrión son Pamela Rodríguez y Algodón Egipcio, la primera con una voz etérea que desliza sin problemas por la instrumental de la banda y el segundo re-apareciendo con una toma vocal impecable, que parece que fue ayer cuando lanzaba su último trabajo, “La confianza ciega”.

El baile espiritual llega con Weste y “La llave del juego” que a modo de mantra eleva el tema convirtiéndose en uno de los puntos más bailables del disco. Marcela Viejo baja la intensidad en la melancólica, e incluso extraña comparado con el resto del disco, Amor sin O. Por suerte la fiesta ¿termina? Con “Tormenta Tropical”, a cargo de Montañera, en seis minutos de fiesta bajo el mar.

Los Pilotos han creado un mapa sonoro de lo que, a su parecer, es el futuro de la música latinoamericana. Este es la segunda parte de un experimento dónde las voces eran la aventura y el modo de explorar otras latitudes como banda. Alianza Atlántica es un disco en donde la banda juega a estar en varias partes de Latinoamérica al mismo tiempo y por momentos lo logra. Para los que apenas se acercan los invitados son una buena excusa, pero este álbum es también la puerta de entrada a una banda que no teme a aventurarse.

Entrevista con Concepción Huerta

La eléctrica armonía del ruido.

Cuando hablamos de música electrónica, hablamos de máquinas, de tecnología al servicio de las ideas, pensamientos que se trasladan a sonidos de posibilidades infinitas y que rompen la distancia entre unos y otros, como lo dice en El Manifiesto Cyborg de Donna Haraway para convertirse en una extensión. Concepción Huerta es una productora mexicana que ha extendido su sonido con electricidad, pasó siete años en Guadalajara, donde comenzó a encontrarse con la fotografía, la creación audiovisual y  comenzó a hacer una importante documentación sobre la música experimental por lo que decidió mudarse a la Ciudad de México, para expandir su potencial y tener mayores posibilidades de crecimiento.

Moverte siempre es un cambio muy fuerte, yo lo veo en mi vida como que a veces necesitas alejarte de ciertos lugares, ya hasta siento que quiero moverme de la CDMX. Para mi, moverme es algo orgánico de acuerdo a lo que estoy pasando, dependiendo del tiempo que llevo en el mismo lugar. Ahora no puedes ir de lugar en lugar, pero ha sido un tiempo lleno de cosas buenas y malas, de mucho contraste.  Con la pandemia ha habido un gran número de complejidades, desde que no sabíamos como iban a funcionar y sobre todo porque vivimos en un sistema con poco cuidado, poco interés en la parte de derechos humanos. Ha sido un año bastante complejo, que también nos ha dado la oportunidad de reflexionar, sobre las cosas que pasan, comentó”.

Son más de ocho años los que esta productora ha dedicado al sonido, al mirar su trabajo nos encontramos con numerosos sencillos y discos en los que podemos conocerla, adentrarnos a sus gustos, sus emociones y su evolución como creadora que ha experimentado desde la fuerza del ruido, hasta atmósferas profundas que nunca se ha limitan por un tiempo comercial, siendo cada uno de sus trabajos una superación personal.

“Yo siento que tengo un proceso muy orgánico. Cuando comienzo un tema o un proyecto no tengo definido a lo que quiero llegar, hay personas que quieren publicar 50 discos o quieren cosas específicas y yo voy por otro lugar. Me intereso por explorar todos los sonidos que me gustan primero, que sea algo que sea narrativo después ya pongo manos a la obra, detalló”.

Una parte importante del proceso de creación de Concepción es la no restricción, simplemente dejarse llevar y no caer en presiones por tener un determinado número de discos o canciones, pensar si se van a escuchar en radio o no, ser publicada en determinados sellos, ni ser escuchada en tales lugares. Simplemente busca satisfacer lo que busca en ese momento, sin importar la duración de ninguna de sus creaciones.

“La primera parte de mi carrera fue una exploración, usaba muchas capas de sonido, utilizaba la saturación de los sonidos y después hubo sí un cambio en mi, me dije que quería hacer más limpias mis grabaciones, entrar en la parte abstracta, incluir cosmovisiones con sonidos más concretos, usar grabación y luego samplers. Por ejemplo ahorita, si estoy buscando crear un diseño sonoro más cinematográfico, narre historias, comunique ideas y evoque emociones”.

Para la creatividad dos suele ser mejor que uno, para explorar ideas que no se habían imaginado, o crecer algunas otras. Concepción ha realizado diferentes y grandes colaboraciones, dentro de ellas encontramos uno de sus últimos lanzamientos junto con José Orozco Memorias Suspendidas. “Fue un encuentro, somos pareja. Este disco habla del encuentro entre nosotros como personas y tiene un poco de eso. Tenemos improvisación, yo viajé a Ensenada cuatro días donde grabamos el disco. No teníamos el plan de que eso fuera un disco cuando nos encerramos a grabar, pero hubo muchos sucesos en la grabación donde nos entendimos perfecto y al final lo que se puede escuchar es a nosotros tratando de detener el tiempo, ese momento que compartíamos juntos volviendo físicas nuestras memorias”.

Como mujeres compartir lo que nos atraviesa es importantísimo, y crear desde nuestros sentires provoca que se potencien los talentos femeninos. Concepción lo sabe y es por esto que siempre busca ser parte de proyectos que sumen de manera sorora a que más mujeres tomen el control del ruido y la electricidad, como es su colaboración con Pornoise

Todo fue muy natural se armó un proyecto increíble, entre personas que llevaban su corporalidad al baile y las productoras que nos encargamos del sonido. Con ellas ya había trabajo dos años antes y siempre me he sentido muy identificada con ellas y trabajar con un equipo tan bonito trae los mismos resultados. Compartir con otros mi música y mis ideas a sido lo que me ha hecho tener un crecimiento constante. Me ha hecho enfocarme en ciertas cosas. También depende de con qué persona este colaborando, de repente siento que mi relación que puedo tener con el Ensamble de Amor Muere, con Mabe, con José, es super diferente y particular cado uno. Me gusta colaborar con más gente porque llegas a la creación sonora, desde lugares distintos o particulares”

Si damos una revisión a los sellos que han editado los materiales de Concepción nos encontraremos a sellos alternativos nacionales, renombrados como Static Discos y por supuesto nombres extranjeros que muestran las diferentes etapas de esta productora, siendo la búsqueda su mayor característica, que forma parte de la naturalidad con la que busca que cada uno de sus trabajos caminé, sin caer en la monotonía y sin dudar el subir un track de forma independiente a sus plataformas.

“Todo ha sido parte de un proceso, he terminado discos y buscado un sello, en otras ocasiones lo publico yo solita. Es cuando termino un proyecto que veo que salida les quiero dar. En Memorias Suspendidas lanzamos de la mano de Hole records que es un gran sello nacional de gente que admiramos y queremos, se nos hizo buena idea sacarlo con ellos porque hemos compartido mucho y así como ellos nos valoran a nosotros, nosotros a ellos y se nos hizo además una muy bonita idea editarlo en casete, es el mejor formato ya que es accesible y también un formato que me ha acompañado durante toda mi vida”.

La música electrónica no debe encadenarse a la pista de baile. Puede encontrarse en cualquier lugar, a cualquier momento. Los escenarios de Constelación. Son bastante diversos desde locaciones que arañan las paredes y provocan al llenarse de ruido, museos que rompen con sus terminaciones blancas y festivales que aglomeran a los sonidos electrónicos más peculiares y bailables como Mutek. Siendo cada proyecto y público diferente, que se lleven un poco de la historia que ella hace sonar es gratificante en todos.

Mis preferencias siempre han estado dentro del ambiente y del noise y ha sido bastante interesante trabajar desde lo abstracto, desde la libertad de no juzgarlo ni etiquetarme en un género. El sonido es un vehículo de expresión y creo que cada proyecto tiene su escenario, unos más bailables otros no. Mi siguiente proyecto yo lo siento mucho más narrativo, algo entre cine expandido por la parte visual que sucede al mismo tiempo. Ahorita no tengo idea de como va a salir, pero mi escenario ideal siempre será el que cuente las historias de la mejor manera posible, de manera natural”

Concepción juega con las texturas, con el sonido, con los escuchas, se mantiene constantemente creando y ya está preparando un nuevo disco, que también forma parte de los proyectos culturales que apoya el FONCA, además de planear un disco con José, una futura colaboración con Mabe Fratti y otra más con Camilo Ángeles.

 

[FICHA] Public Access: Sirenas al Ataque

Vans Channel 66 haciendo notar el papel de las mujeres mexicanas en la preservación del rock.

La talentosa cantautora, socióloga y escritora, Tere Estrada, siempre ha sido consiente del inmenso poder que tienen las mujeres dentro del rock mexicano, es por ello que ha estado preparando un documental basado en su libro Sirenas al Ataque (2008).

En el largometraje, Estrada busca lograr reunir, desde los años 50 hasta la actualidad, el trabajo de las mujeres rockeras y demostrar que desempeñaron por años un papel secundario, decorativo o periférico y cómo esto debe ser erradicado desde la raíz.

Para poder llevar a cabo este documental, la también historiadora creó una campaña en la que hasta hace poco, se podían hacer donaciones monetarias y eventualmente recibir distintas recompensas. Con lo recaudado se lograrían realizar las primeras 10 entrevistas a mujeres pioneras del rock en el país.

Vans Channel 66 tendrá como invitada a Tere Estrada dentro de Public Access, donde junto a Add-2 y Defcee estará platicando sobre Sirenas al Ataque y todo lo que hay detrás, ya que además de contar con distintas ediciones del libro y ahora un largometraje, también existe un material discográfico en el que se presentan temas de todas las mujeres que hacen posible la existencia del proyecto.

Así que ya sabes, sintoniza Vans Channel 66 y disfruta de este y más programas hechos especialmente para ti. Dale una checada a la programación a través de Indie Rocks! o en el sitio web de Vans.

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La décima y los compases que unen a Latinoamérica

Algunos de los ritmos que están plasmados en nuestras raíces y cómo es que la música nos une más de lo que pensamos.

La música país por país representa una serie de aventuras de muchas índoles, que van a veces más allá de lo meramente musical y trascienden a lo cultural, las tradiciones y las ideologías de cada región. El rock y la mayoría de géneros que se han extendido a lo largo de todo el mundo incluso sufren diversas metamorfosis en cada zona donde los artistas deciden mezclarlos con influencias acordes a su contexto, lo que ayuda también a que todo lo que ocurre en el mundo de la música tenga una evolución. Latinoamérica no se ha quedado atrás, afortunadamente.

A lo largo de décadas el latino ha sido testigo de creaciones que toman influencias de lo que internacionalmente tiene presencia, así como referencias que tenemos arraigadas en nuestra cultura. Y no podemos generalizar y decir que todas y cada una de las naciones hacen eso, no es el punto, tampoco es que sea la única zona del mundo donde ocurre, ya que esto se replica por todos lados. Lo que sí es un hecho es que la música forma parte de nuestro día a día desde siempre, y la conexión con ella a veces es más importante de lo que pensamos.

Jorge Drexler y la décima.

¿Existirá algo que nos una en el aspecto musical como latinos?, hace cuatro años Jorge Drexler brindaba una TED Talk donde explicaba un poco sobre la importancia de la décima, así como su vigencia y supervivencia a los cambios que ha tenido la música a lo largo de los últimos siglos. Primero que nada, ¿Qué es la décima?: De acuerdo al cantautor uruguayo "es un tipo de estrofa que solo existe en el idioma español y tiene diez versos". Cada línea es conformada por ocho sílabas, mientras que la estructura de rimas hace compatibles al primer verso con el cuarto y el quinto, el segundo con el tercero, el sexto con el séptimo y el décimo, y finalmente el octavo con el noveno (abbaaccddc).

Ahora, ¿Qué tiene que ver la décima con esa unión que existe dentro de la música latina?, bueno, esta fue creada durante la época del barroco español, para ser más específicos durante el año 1591 por Vicente Espinel, un sacerdote, músico y poeta que además de la creación de esta estructura fue el encargado de añadir la sexta cuerda a la guitarra española, que sería definitiva para las guitarras como las conocemos hoy día.

Cuenta Drexler además, que esta estructura viajó al continente americano. La simpatía por la estrofa llegó a géneros como el son jarocho y el huapango en México, el canto de mejorana en Panamá, galerón en Venezuela, payada en Argentina y Uruguay, el repentismo en Cuba, en Perú se le conoce como décima peruana y en Puerto Rico se ha adaptado a la trova. Cada una de estas naciones adjudica la décima como algo suyo, y aunque no la hayan inventado, musicalmente la han vivido.

No dispongo de encontrar un mejor ejemplo en los cantautores, bandas y artistas cercanos al rock más importante que el mismo Jorge Drexler con "Milonga del Moro Judío", lanzada en 2004.

Los compases que nos unen.

Afortunadamente la música es universal, y es así que cada cabeza de este planeta la disfruta a su manera. Es muy interesante como el gusto por la melodía, armonía y ritmo (manera en que Charly García define la música) puede variar según la región, al grado de encontrar fibras identitarias, que nos hacen entender toda una cultura o serie de estas.

América Latina, además de la décima, tiene una simpatía muy peculiar por los compases de 3/4 y 6/8, que si bien están en muchos géneros de la música en todo el mundo, acá hay cierta emotividad particular. Además están tan arraigados que se pueden escuchar en la música tradicional de cada país, como ejemplo está la chacarera, el huapanago, la jarana, el son jarocho, la zamba y eso solo es el inicio.

Cimarrón_2020

El rock, pop y toda la música popular ha sabido mezclarse con estos compases, así como con las instrumentaciones de géneros tradicionales para darle una nueva cara a la música de nuestro continente. Uno de los referentes más importantes en esta materia es Gustavo Santaolalla, quien ha señalado en distintas ocasiones que él tiene como misión personal llevar el ritmo de la chacarera por el mundo. El mismo soundtrack del videojuego The Last Of Us contiene pistas en este compás.

"Latinoamérica" de Calle 13 es una canción que une muchos aspectos musicales, lingüísticos y culturales de la región. Es interpretada a 6/8 curiosamente, además de que fue en un principio hecha sobre un sample de "Apertura", que pertenece al soundtrack de Diarios de Motocicleta y fue hecha por el mismo Gustavo Santaolalla.

La lista de ejemplos puede llegar a centenares, pero curiosamente hay algo que sentimos diferente al escuchar estos compases, como una suerte de vibra o intención distinta al rock de 4/4. Aquí va otro ejemplo muy famoso: en 1995 Café Tacvba añadió una sección de huapanago para la versión unplugged de "Las Flores", misma que junto al ritmo del inicio está a 3/4. La sensación de familiaridad fue tan funcional que muchas personas en México lo entendimos como una clara referencia y homenaje a la música de nuestra cultura.

Existe otro guiño muy parecido, aunque diferente en textura y en intención. Para "Quinto Centenario", Los Fabulosos Cadillacs crea una intro y final con un arreglo de percusiones a este ritmo, que finalmente es intervenido con rabia por baterías que detonan un ska brutal.

La música que se hace con este ritmo puede ir de lo más festivo como el caso de Los Fabulosos, o pizar horizontes muy introspectivos. Llegando al climax de Fuerza Natural, Gustavo Cerati interpreta "Cactus", un tema bastante emotivo, que al mismo tiempo toca algunas referencias sonoras que siempre nos hacen pensar en el continente.

Claro está que no representan una mayoría los temas a 3/4 o 6/8 en los géneros populares, pero existen muchas canciones y referencias importantes. Es algo complejo de explicar de una manera definitiva, pero siempre hay algo bastante característico en las obras compuestas bajo estos compases. Cierro mencionando ejemplos como "Amores Incompletos" de Los Tres, "Antes de Huir" de Natalia Lafourcade, "Asilo" de Jorge Drexler con Mon Laferte e incluso "((o))" de Vaya Futuro.

Son demasiados los aspectos de la música que nos pueden unir o dar una especie de identidad, por más complejo que parezca. Y es interesante saber que hay una suerte de elementos a dónde podemos recurrir cuando queremos escuchar música "nuestra", con esos pequeños detalles que no se pueden explicar en una primera instancia, pero que si se pueden sentir en colectivo.