Combo Chimbita — IRE

Posted on febrero 8, 2022 by -

Nada podía salir mal con la combinación de elementos que integró Combo Chimbita.

El grupo colombiano Combo Chimbita ha presentado un disco que transgrede todo lo estipulado respecto a la música tradicional caribeña centroamericana combinándola con otros géneros que no parecían ser compatibles. IRE es un álbum que contiene diferentes texturas, ritmos, instrumentos y estructuras, va mutando conforme pasan las canciones y lo dota de un estilo camaleónico lleno de sorpresas.

IRE abre con "Oya" un tema en tono de oración o rezo de más de tres minutos que tiene como misión poner en el mood en que mejor se disfruta el disco, o sea en total serenidad. La voz de Carolina Oliveros eriza la piel desde esta primera canción, pero no será la última vez que lo haga en los 45 minutos que dura IRE. "Babalawo" continua con la "ceremonia" del Combo Chimbita, misma que se mantiene en un mismo nivel de frenesí en la siguiente canción, "Me Fui", aunque la principal diferencia son los temas que tratan cada una de las canciones.

"Memoria" es una canción que combina géneros como el R&B con la cumbia creando así una amalgama bastante particular ¿Te imaginabas que esto pudiera ser posible y que sonara tan bien? Continuando con la integración de instrumentos y sonidos, en "La Perla" podemos escuchar una guitarra eléctrica en un primer plano durante toda la canción, mientras que los sintetizadores mantienen alerta al escucha que queda a merced de la voz de Carolina.

Después de un inicio algo movido, viene "Sin Tiempo" y sus percusiones excelsas, mismas que son protagonistas de este álbum. En muchas canciones de IRE, las percusiones creadas, ya sea con drum pad, con batería o con otros instrumentos, son parte fundamental, son el sostén de los demás instrumentos. Lo anterior lo podrás comprobar en "Yo Me Lo Merezco", canción que tiene un ritmo más tropical cuya base rítmica recae en el elemento ya mencionado.

"Indiferencia" marca el regreso de los sintetizadores acoplados con el poder de un bajeo impecable cercano al que típicamente se escucha en una canción reggae. Al final IRE se vuelve una total locura con los cambios de ritmos y composición: "De Frente" es frenética, "Lo Que Es Mío, Es Mío" es sensualidad pura y "Mujer Jaguar" es un cierre místico con cantos de voz profunda, acompañada de sintetizadores espesos y la mejor línea de bajo del álbum. El disco culmina con "Todos Santos" y en esta pieza, como si no fuera suficiente, Carolina Oliveros vuelve a penetrar las emociones más profundas con notas y texturas en su voz que provoca un escalofrío que recorre la espina dorsal.

IRE es la manera en que Combo Chimbita ha refrescado la música latinoamericana con mezclas y letras de altísima calidad, pero es que tiene todos los elementos para serlo: percusiones excelentes, bajeos exquisitos, guitarras precisas, sintetizadores envolventes, voz imponente. Nadie podía pensar que con la combinación de estos elementos un disco podría ser un fiasco, IRE para nada lo es. De hecho es absolutamente todo lo contrario, es una combinación destinada al triunfo y la posteridad.

A 45 años del ‘Marquee Moon’ de Television

Posted on febrero 8, 2022 by -

Entre el punk progresivo y el rock intelectual que convierte lo sencillo en complejos rompecabezas musicales.

Pensar que el punk puede ser artístico y grandilocuente parece una contradicción. Aunque si escuchas a Television descubres que sí es posible. Así de trascendente es el legado de uno de los conjuntos más subvaluados que ha tenido la música. Su historia es tan corta como un orgasmo pero tan importante como el aire. Los integrantes jamás lograron posicionarse en el gusto de las masas pero dejaron como testimonio un álbum que se vuelve más famoso cada año que transcurre.

El origen de todo es la ciudad de Nueva York a la que le cantó Frank Sinatra. Sus calles frías y lluviosas fueron el punto de encuentro entre Tom Verlaine y Richard Hell. El segundo abandonó el barco al poco tiempo pero su estrafalaria forma de vestir inspiró a Malcolm McLaren para darle identidad visual a Sex Pistols y crear la primera boy band del punk.

Una vez reformado, el conjunto se enfocó en ensayar y tocar en cualquier lugar que estuviera disponible. Una de sus máximas victorias fue ser el primer grupo de rock en presentarse en el CBGB, un bar recién inaugurado antes solo admitía a bandas de bluegrass y hillbilly. Algunos años después se convertiría en la pasarela por la que absolutamente todos pasaron.

Cuando Nueva York era el epicentro musical del mundo

Por lo anterior, los integrantes de Television vieron en primera fila el surgimiento de agrupaciones locales como los Ramones, Blondie y Talking Heads. Con cada una compartieron escenario y tal vez algo más. Fue el momento de la historia en el que la música más propositiva del mundo se creó en un mismo espacio.

Una vez con la formación clásica de Richard Lloyd (guitarra, voz), Billy Ficca (batería), Fred Smith (bajo) y Verlaine en la otra guitarra y voz se alinearon todos los elementos. La intención de los cuatro era algo demasiado contradictorio que nadie había intentado antes: crear un rock simple pero al mismo tiempo complejo.

El resultado se materializó en ocho canciones que fueron publicadas el 8 de febrero de 1977. Por una parte, el impacto del punk es evidente al menos en la actitud “valemadrista” del grupo. Poco les importaba la opinión de los demás y jamás les interesó encajar en algún círculo social. Al mismo tiempo, también existían fuertes pretensiones musicales para crear algo más allá de la típica estructura de verso-coro-verso reunida en tres minutos.

Poesía, improvisación y actitud

Desde la abridora “See No Evil” es claro que se trata de música que se aleja por completo de todo lo que se hacía en esa época. Lo más cercano era Patti Smith quien convertía los poemas en canciones aunque aquí es distinto. La voz imperfecta de Tom se ha convertido en un sello personal que ha sido replicado desde entonces.

En ese sentido, el trabajo se alimenta del rock psicodélico de finales de los sesenta pero lo actualiza lo que ocurría en ese momento en el mundo. Mientras que los propios integrantes han señalado que uno de sus objetivos fue replicar con las guitarras lo que John Coltrane hacía con el saxofón.

De igual forma, el material es una continuación espiritual de lo hecho por The Stooges al combinar el protopunk con el free jazz. Aquí también se aprecian largos pasajes instrumentales que recuerdan los jams infinitos de Grateful Dead y el ejemplo más claro es “Marquee Moon” con sus 10 minutos de duración. El juego de dos guitarras que tocan las mismas notas pero con afinaciones distintas ha sido replicado desde entonces por agrupaciones de todo el mundo. ¿Acaso alguien dijo The Strokes?

Aunque en su momento el álbum fue un éxito con la crítica, el público le dio la espalda y las ventas fueron mínimas. Desde el primer LP de Velvet Underground no se había visto un fenómeno similar aunque al final los dos se han colocado dentro de los más importantes en la historia de la música. Tal vez el culpable sea el aire de Nueva York que genera músicos adelantados a su época.

Un último vistazo al Alicia antes de decir adiós

Posted on febrero 7, 2022 by -

Así era el Alicia...

En el cuento de Lewis Carroll, Alicia se toma una pastilla para hacerse chiquita y otra para hacerse grande, come hongos y hay una oruga que fuma todo el tiempo de una pipa mágica, es toda una analogía de un viaje en drogas y, en cierta forma, la vida del Multiforo Alicia fue precisamente eso, un viaje de varias drogas llamadas rock, reggae, punk, ska, rockabilly, progresivo, jazz, experimental, performances, contracultura, autogestión, rebeldía…

Y todo eso está a punto de acabar, pero antes de que este viaje llegue a su fin queremos hablar de algunas pocas cosas que recordamos de la vida del Alicia.

La historia del Alicia contada en conciertos

Afuera, una larga fila de morriza esperando en la banqueta para entrar a ver a su banda favorita, pelos largos, pelos pintados, piercings y tatuajes en lugares visibles y no visibles, botas, estoperoles, shorts, tenis, tirantes, zapatos de charol, copetes relamidos, pelos parados, gabardinas de terciopelo, pantalones bombachos o acampanados. Así era la gente que visitaba recurrentemente al Alicia.

Adentro, sudor, poco espacio para respirar, mucho calor y en la esquina un pequeño bar para comprarse una chelita con la cual refrescar el temazcal que se hacía al interior. Así eran los toquines en los tiempos más gloriosos del Alicia, empujones, baile, saltos, gritos, skanking, moshpit y pura diversión. 

La verdad es que el Alicia fue el refugio de chorros de bandas que muchas veces no eran radiables y de montones de tribus urbanas que buscaban lugares para ser ellos mismos.

Además de una cantidad incontable de conciertos de Los Esquizitos, Cabezas de Cera, Hule Spuma, The Cavernarios, Telekrimen y varias bandas más que prácticamente eran de la casa, el Alicia tuvo varios conciertos legendarios de bandas como Samsara Blues Experiment (Psych Alemán), Toundra (Post Rock Español), Los Peyotes (Garage Peruano), Acid Mothers Temple (Rock Experimental Japonés), Wau y Los Arrrghs!!! (Garage Español) o The Fleshtones, banda de re culto destruyendo el escenario del Alicia con su poderoso garage ALV.

El Alicia también abrió las puertas a bandas ya re grandotas con las cuales atiborraban su interior con unas cantidades ahora insalubres de personas, bandas como  Babasónicos, 2 Minutos, La Maldita Vecindad, Jaguares, Tijuana No, Bad Manners e incluso tuvo un cartel donde encabezaba PXNDX, en un concierto llamado Monterreypunkrock junto a Elli Noise, Hummersqueal, Leche Betty y Hikuri, muchos nombres de bandas de happy punk que hoy en día ya nadie recuerda… Gracias a dios.

Pero además de tener conciertos de bandas legendarias, bandas re grandotas y constantes toquines de bandas de casa, también hubo conciertos irrepetibles en sus graffiteadas instalaciones.

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Próximo Estación México: Manu Chao y la Radio Bemba en el Alicia

Un lunes… ¿Lunes? ¿Quién demonios hace un concierto en lunes?… 27 de marzo del 2006, un día después de haber hecho bailar a cientos en la plancha del Zócalo Capitalino, en su tiempo rompiendo récord de asistencia, Manu Chao se presenta en el Multiforo Alicia con toda la Radio Bemba. Se refinaron un set acústico de más de 2 horas y un setlist de 28 rolas con 2 encores, obviamente el foro Alicia estaba desbordándose de gente bailando… No sé cómo fue que sobrevivieron los que experimentaron a un set tan largo y tan candente.

Obviamente se hizo en lunes porque Manu es una persona muy ocupada y si Manu accede a un secret show en tu venue, y el único día que puede es un lunes, lo más inteligente es decir “¡vámonos recio!”. El audio del show fue grabado y después de platicar con Manu del futuro de esa grabación, se resolvió en lanzarlo en un disco doble llamado Estación México y sellado por Grabaxiones Alicia.

Cuando fue lanzado por primera vez el Estación México, las ganancias fueron donadas a la Comisión Sexta del EZLN, presos políticos de Atenco y Oaxaca. Y para su segunda edición las ganancias recaudadas fueron destinadas a la supervivencia del Alicia por la llegada del COVID-19, que al final no impidió su cierre programado para diciembre de este año.

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Grabaxiones Alicia: Sonidos independientes y memoria sonora

Estación México del Manu y la Radio Bemba es un discazo, pero no es el único disco sellado bajo Grabaxiones Alicia. Dentro de su catálogo podemos encontrar el primer disco del Austin TV, La Última Noche del Mundo, el EP Hágalo Usted Mismo de Los Esquizitos, el Horror Vision de Telekrimen, de Jessy Bulbo grabaron el Telememe + Greatest Tits, de Joe Volume el Picture Perfect Paranoia!, de Sonido Gallo Negro el Cumbia Salvaje y entre varios más.

Pero también hubo otros en vivos grabados bajo el sello Grabaxiones Alicia como el de la banda legendaria Decibel, un disco llamado Tomando El Té Con Alicia y El Sombrero Loco, Cabezas de Cera grabó el Contigo Y En Directo, The Cavernarios grabaron su aniversario de XV Años, el Sonido Gallo Negro grabó Ecos De Otro Negro, dejando archivos sonoros para la posteridad de lo que ocurría en el Multiforo Alicia.

Grabaxiones Alicia también lanzó algunos compilados como el Surf Mex, el Tenochtitlan Hardcore o el Prueba Esto!, yo sinceramente si conocí nuevas bandas con sus compilaciones, sobretodo con sus dos volúmenes de Surf Mex.

Recuerdos ilustrados: Los posters del Alicia

Los posters del Alicia son una parte muy importante de su existencia, con diseños ultra reconocibles, ellos adornan todo el interior del Multiforo y enchulan cada concierto que se anuncia. Todos tienen un estilo propio, como los posters geométricos con inclinaciones estridentistas o dada de Andrés Mario Ramírez Cuevas alias “Música contra el poder”, las ilustraciones con un estilo muy de grabado de Chema Skandal, los dibujos de estilo libre de Alejandro Magallanes o las ilustraciones 3D del Dr. Alderete.

Además de los ilustradores de casa, en 2020, después de 7 meses de pandemia, se lanzaron camisetas con diseños de ilustradores de nueva generación como Dozergirl y sus personajes casi siempre enojados, El Dee y sus trazos bonachones, así como Mike Sandoval con sus diseños bizarros. Este proyecto de camisetas fue una iniciativa para ayudar al Alicia después de varios meses completamente cerrada porque en ese tiempo los semáforos rojos eran interminables.

En realidad, creo que el Alicia no sería lo mismo sin todo el diseño que construye su imagen, no sería tan enigmático y no tendría la misma magia. 

Este es el fin

El fin se acerca, el viaje del Alicia está por terminar y creo que nosotros como público disfrutamos al máximo nivel lo vivido en ese hoyo funky de la colonia Rockma. Por mucho esfuerzo que se hizo para que el cierre no llegara, me parece que ya era inminente, después de tantas veces de ser clausurado, problemas con las autoridades, las buenas o malas decisiones de negocio y todo el trabajo que implica tener un espacio cultural como el Alicia… Llega un momento en que hay que descansar.

Y ahora solo quedan varias preguntas… ¿Qué recuerdos tienes ahí? ¿A cuántos conciertos fuiste? ¿Qué conciertos hubieras querido ver?  ¿Cuál es tu recuerdo más chido y el peor que tienes del Alicia? ¿Te acuerdas cuando Jorge Reyes dijo: “Legalícenla, cabrones” en un debate sobre la marihuana?

Eels — Extreme Witchcraft

Posted on febrero 7, 2022 by -

Optimismo cauteloso.

Co-producido por John Parish, llega Extreme Witchcraft el decimocuarto álbum de Eels en donde nos presentan 12 exquisitas pistas con el estilo peculiar de Mark y la ejecución poco convencional de la banda. Con riffs de guitarras energéticos que van desde tonos con algunos tintes espeluznantes hasta un rock totalmente directo, Eels llega con un disco positivo en donde se plasman como un monstruo vulnerablemente sombrío.

E siempre ha logrado escribir buenos temas aprovechándose de sus vivencias y crisis personales, las circunstancias en las que Extreme Withcraft se desarrolló son quizás de las más fuertes por las que el músico ha pasado. Un confinamiento por la pandemia mientras atravesaba un divorcio hacían pensar que esta nueva producción podría ser más profunda y oscura.

Sin embargo lo que muchos deducían que sería un álbum donde E se desahogaría emocionalmente, termino siendo un álbum lleno de energía y positivismo, como si el músico en lugar de haberla pasado mal la estuviera pasando bien. La gran parte del álbum esta construido por melodías agradables y riffs de guitarra expresivos con ritmos digeribles que encantan al oído al instante, mientras las canciones se desarrollan entre las diversas texturas de rock a temporales.

El álbum arranca con "Amateur Hour", con un ritmo y lirica similar a "Polythene Pam" de The Beatles, la banda estadounidense pone las cartas sobre la mesa de lo que esta por venir en el álbum. Seguido de la introducción con sonidos psicodélicos continua el tema "Good Night On Earth", la canción comienza con unos riffs de guitarra más apegados al blues rock y con una batería más rápida.

Con una melodía agridulce llega "Strawberries & Popcorn", canción en donde destacan los teclados que le hacen énfasis a esas las líneas de bajo pegadizas y a las figuras de guitarra. Con un juego de sonidos interesante Eels lleva a un equilibrio perfecto cada uno de los elementos musicales.

"Steam Engine" sigue con la línea del segundo track mostrando un blues rock más armónico, mientras que "Grandfather Clock Strikes Twelve" trae una vibra más apegada al funk, entre baterías y algunos sonidos de percusiones la banda nos remonta a lo que hacía Prince.

En "Magic" traen algo de ruido inspirados un poco en ZZ Top, se nota la mano de Parish logrando un r&b cavernoso y efusivo que te invita a iniciar un viaje a otro plano mientras te pierdes en los sonidos de la guitarra y los teclados. Quizá viene la parte más alta del álbum, se logra apreciar como se van intercalando canciones energéticas con canciones suaves, una combinación que hará que el disco se te vaya más rápido.

"Better Living Through Desperation" empieza con una guitarra con distorsionador bastante imponente, la voz de Mark  transmite un poco más de rudeza mientras su voz se ve implementada por unas figuras de guitarra y unos cambios hipnotizantes que te toman inesperadamente.

La melancolía se hace presente con "So Anyway", un tema bastante disfrutable y que le da un descanso a la efusividad en la que nos habían sumergido los tracks pasados. Aprovechándose de este mood nos dejan caer con "What It Isn't", canción que comienza bastante tranquila pero de golpe se torna en una canción con tonos espeluznantes y vibrantes, uno de los mejores momentos del álbum.

El álbum cierra con "Learning While I Lose" una canción con alta dosis de optimismo y "I Know You're Right" destacable por su línea de bajo y su groove de batería consistente. Tal vez no sean las mejores canciones del disco pero mantienen la esencia que viene manejando la banda para este álbum.

Extreme Withcraft quizá no cumpla con las expectativas que su público esperaba, sin embargo, Eels logra redimirse bastante bien después de su tan criticado álbum Earth to Dora del 2020. Puede que no sea uno de sus mejores trabajos pero si es un disco que se puede disfrutar al momento de escucharlo.

Entrevista con Pete Compton y Reynold D’Silva

Posted on febrero 7, 2022 by -

Viaje mágico y misterioso.

India siempre ha sido percibido como un lugar lleno de misticismo que otorga claridad e iluminación espiritual a aquellos que la visitan. Es la cuna de tres religiones practicadas mundialmente, sus costumbres y estilo de vida se basan en la no-violencia y la adoración de los animales y su ecléctica historia y cultura han inspirado a millones en las áreas de la ciencia, música, cine, gastronomía y arquitectura. Un lugar que promete y da el significado de la vida a aquellos deseosos por escapar de todo y encontrar algo más - lo que sea. Incluyendo a The Beatles.

El vínculo entre el país y el cuarteto de Liverpool que ha intrigado y enamorado a millones de fans y melómanos es explorado a fondo en The Beatles & India, un nuevo documental ya disponible en plataformas de streaming. Para entender un poco más acerca de qué llevó a John, Paul, George y a Ringo a canalizar su fascinación y enseñanzas del país para originar algunas de las obras musicales más emblemáticas del siglo XX, ya sea como cuarteto o cada quien en solitario, platicamos con Pete Compton, co-director e investigador del documental y Reynold D’Silva, productor.

Indudablemente George (Harrison) fue el motor para que los cuatro tuviesen la curiosidad y, después, un afecto genuino por India. A través de las entrevistas archivadas que encontramos, nos empezó a contagiar su entusiasmo por la cultura y música hindú, así como su conexión con Ravi Shankar, con quien fue amigo cercano durante el resto de sus vidas. Quizás cuando Brian [Epstein, su ex-manager] murió, también fue una de las razones principales de su viaje. Querían saber más acerca de la vida y un significado mayor a la fama", comentó D’Silva.

Después de la muerte de Epstein, la ausencia de un externo que les mostrara dirección y la aparición del Maharishi Mahesh Yogi en sus vidas es uno de los puntos cruciales que explora el documental, alejándolos de la estridente fama que crecía con cada año y llevándolos a buscar un orden en términos más terrenales. Poco sabían que, incluso en uno de los lugares con mayor tradición y hermetismo del planeta, su reputación era ineludible.

“Fue el mejor timing para el Maharishi y los recibió de manera inmediata y cálida. Pero comenzaban a asomarse otras intenciones detrás de sus enseñanzas y constante adulación, y fue entonces cuando los cuatro empezaron a alejarse. El Maharishi incluso lo llevó a un nivel mayor prometiéndole al mundo una película con la banda y anunciando en sus discos que era su guía espiritual y Paul [McCartney] y George tuvieron que viajar a Suecia en una de sus giras para calmarlo. Luego vino Allen Klein [su segundo manager], y la historia cambio… no necesariamente para bien. Pero Maharishi les dio un poco de dirección temporal en un momento necesario,” afirmó Compton.

En el documental también podemos apreciar los vistosos paisajes y la austeridad casi poética que brindaron los alrededores de Rishikesh, lugar en donde el grupo acudió junto al Maharishi para hacer su retiro de meditación. Resaltan también la ironía y, a la vez, el perfecto sentido que este escenario les ayudara a crear The Beatles, su disco homónimo que esconde una creatividad desbordada detrás de una simple y minimalista portada enteramente en blanco.

 En sus inicios escribían de manera muy parca y aislada, encima de un techo o en un cuarto abandonado. Empezaban a sacar ideas en un entorno sin mucho qué hacer. Lo mismo en los hoteles cuando iban de gira. El techo del bungalow de Rishikesh también les brindó esa parte de austeridad. Pero es cuando dejas ir por completo toda noción de lo que te rodea y las ideas empiezan a fluir,” coincidió Compton. “Cuando fuimos a grabar a Rishikesh, aún se siente la magia y vibras que no puedo describir del todo. Aunque todo esté lleno de concreto, aún hay algo.”

“Si te fijas, ‘El Album Blanco’ está lleno de ideas por doquier. Tienes ‘O-bla-di O-bla-da’, pero también tienes ‘Revolution No.9’. Dudo mucho que esa última la hayan compuesto allá… o quizás sí [risas]. Hay claras muestras de un minimalismo más pastoral en canciones como ‘Long, Long, Long’ de Harrison, que luego llegó a inspirar su disco solista All Things Must Pass. También asistieron figuras como Donovan o Mike Love, que traían en ese entonces una fuerte influencia folk,” complementó D’Silva.

El documental también sirve como reflexión para analizar cómo los cuatro adoptaron sus vivencias en India no solamente en su música, sino en sus vidas personales.

“Bueno, Ringo [Starr] realmente nunca necesitó mucho de esa iluminación externa. Ringo ya era Ringo y tenía toda la paz mental y plenitud que necesitaba [risas],” relató Compton.

“Su tiempo en India se ve mucho en sus letras, durante y post-Beatles. John [Lennon] platicaba que en sus canciones solo mostraba su rutina general: se levantaba, se rasuraba, cagaba y ya. Ahí había una canción y no tenía porque haber más complicaciones. Y aprovechaba un poco el hype y el aura de misterio que les generó el haber ido a India. Él a propósito ponía frases o palabras inventadas solamente porque le daba risa que la gente las analizara, como en ‘I Am the Walrus’. De lado de George, en All Things Must Pass las canciones románticas tenían un aire casi religioso. Paul igual con su estilo de vida vegano, y actualmente él y Ringo son practicantes fervientes de la meditación trascendental,” detalló D’Silva.

A final de cuentas, el enigma surge: en una tierra inamovible, incorruptible y regida por tradiciones y moralidad, ¿cómo fue que cuatro muchachos ingleses y greñudos armaron una revolución y lo cambiaron todo? Y, lo más importante, ¿cómo es que ellos mismos hicieron que sus contemporáneos y futuras generaciones de hindús revaloraran su propia cultura?

“Quizás fueron las canciones, las armonías, su imagen. Esa tendencia llegó a todo el mundo. Hay algunas bandas que llegan fuerte a ciertos países pero no en todos lados. The Beatles resonó literalmente en todos lados. Querían saber el por qué y por eso terminaron en India,” reflejó Compton.

Muchos hindús educados con costumbres occidentales no podían tener acceso a música o equipo tan fácilmente. De vez en cuando escuchaban a Elvis y a Jim Reeves. Pero The Beatles detonaron algo y no hubo marcha atrás. India volteó la cabeza para ver la cultura occidental formalmente, pero The Beatles nos orilló a todos a ver la cultura hindú, y ese cambio fue mucho más notorio. Es extraño cómo funciona el mundo,” concluyó D’Silva.

Selofan en el Foro Indie Rocks!

Posted on febrero 6, 2022 by -

Una gran luz en la oscuridad que se hizo presente en el Foro Indie Rocks!

Estábamos casi al bordo de la resignación cuando a mediados de enero se anunció la fecha oficial de Selofan en la CDMX. Tanto Joanna como Dimitris viajarían para cautivar con su experimental sonido y su teatralidad sobre el escenario. Para la buena fortuna de todos los fanáticos, la pandemia no fue impedimento alguno para disfrutar de un show oscuro y bailable en medio de una velada fría de este febrero.

Sería así que entre una atmósfera palpitante y un juego de luces tenues en tonos rojos y azules, que la velada dio comienzo oficialmente de la mano del músico canadiense Robert Katerwol y su proyecto solista Total Chroma; mostrando durante su presentación una energía casi frenética que esboza a la perfección la esencia de su propuesta musical que va desde un vibrante minimal wave, hasta la intensidad del synth punk.

Ya de inicio con un buen sabor de boca, Robert regresaría nuevamente al escenario, pero ahora acompañado de su compatriota Jesi Tekahionwake, en una fusión de talento conocida como Wire Spine; que sin menor retraso llevó a los presentes por un vaivén sonoro de sintetizadores y cajas de ritmo que cimentaba firmemente ese ambiente oscuro y disfórico ideal que el dúo originario de Vancouver siempre busca evocar con sus canciones.

La noche continuaba avanzando y las expectativas sobre la misma se iban incrementando, puesto que, ahora tocaba el turno a uno de los platos fuertes de la velada, el artista inglés William Maybelline, quien previo a la presentación que ofrecerá el próximo 25 de junio con su grupo Lebanon Hanover, en esta ocasión se hacía presente en el escenario del Foro Indie Rocks! con su proyecto personal QUAL.

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Navegando entre sonidos característicos de géneros como el industrial y el EBM, agresivos movimientos dancísticos y una voz grave y rasposa, Maybelline logró cautivar al público asistente con una autoridad abrumadora, reflejo de la impactante presencia escénica que logra proyectar proverbialmente en canciones como "Above Thee Below Thee" y "VR Slaves"; dejando con ello a tope el ánimo de la gente para disfrutar de la música de Selofan.

Con escasos minutos para la medianoche y rodeados por una densa capa de humo carmesí, fue como el aclamado dúo griego Selofan apareció en escena para hipnotizarnos con su siempre tan seductora aura elegante y oscura que enmarca la unión musical de dos genios del post-punk como lo son Joanna Badtrip y Dimitris Chaz Lee.

Haciendo recorrido bastante atractivo por algunos de los temas que conforman su más reciente material discográfico, Partners in Hell, así como interpretando varios de sus grandes éxitos, tales como "The Wheels of Love", "After You The Silence" y "Give Me a Reason", fue la manera en que Selofan conquistó el sentido auditivo de sus fans, mismos que durante todo el show no pararon de responder a la cátedra musical que estaban presenciando, con gritos, chiflidos y por supuesto, sus mejores pasos de baile.

 

Brighton 64 revienta con “La casa de la bomba” 

Posted on febrero 4, 2022 by -

¿La edad es un problema? No lo creo.

La agrupación española, Brighton 64, comparte la nueva versión con videoclip de “La casa de la bomba”, un éxito perteneciente a su álbum, La banda de la casa de la bomba. Ahora, el cuarteto realiza una reversión de este tema (que se acompaña de un primer visual desde su publicación), perteneciente a su próximo LP, MÁS DE LO MISMO, disponible para este viernes 11 de febrero. 

En este corto, dirigido por Kitty Ferran, se puede observar a los integrantes disfrutar de un día en la playa, mientras los protagonistas Violeta Rodríguez y Dan Peralbo (“los chicos que odian lo que ven”), observan a los músicos divertirse a pesar de su avanzada edad.  Además, “el espíritu del gran Rufus Thomas hace su aparición en la parte final, con la banda al completo poseída por el riff incendiario de ‘Haz el amor’”, describen en un comunicado. 

Para esta nueva ola de canciones, el conjunto europeo presentó previamente “En Mi Ciudad”, además de un par de singles en 2021 titulados “En el País de Mortadelo y Filemón” y “Debo Marchar”. Mientras que durante 2019 publicaron su larga duración, Como Debe Ser, con algunos éxitos como “Playas del Meditarraneo”, “Juez y Aparte” y más. 

Escucha a Brighton 64 y descubre más música en Indie Rocks!

Sofi Tukker comparte su nueva canción, “Original Sin”

Posted on febrero 4, 2022 by -

El dúo también anunció el lanzamiento de su segundo álbum, Wet Tennis.

El debut soñado es aquel en el que con el primer disco, la crítica elogie tu trabajo y además obtengas distinciones como nominaciones a premios y algunas victorias en los mismos. Ese fue el caso de Sofi Tukker, dúo que con su primer disco Treehouse de 2018 fue nominado a ni más ni menos que un Grammy. Ahora, Sophie Hawley-Weld y Tucker Halpern anunciaron el estreno de su segunda placa, Wet Tennis, la cual vera la luz el próximo 29 de abril a través de Ultra/Sony Music y además compartieron el primer adelanto de este nuevo disco, "Original Sin".

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"Original Sin" cuenta con el clásico boom-clap en el drum pad que tanto conecta con todos los amantes de la música electrónica y sus decenas de variantes. Las voces de ambos elementos de Sofi Tukker participan en esta canción e irradian sensualidad en cada palabra que cantan. "‘Original Sin’ es la manera perfecta de presentar el mundo de Wet Tennis y es muy emblemática de la freak fam, nuestra comunidad", declaró el grupo en un comunicado.

El video oficial de "Original Sin" también salió hoy y va muy acorde a la letra y la música de la canción. Estuvo dirigido por Aerin Moreno y en él vemos a Sophie y a Tucker disputar un partido de tenis mientras los observan algunos espectadores, mismos que van contagiándose de un erotismo espontáneo y terminan por ceder ante el instinto.

Wet Tennis no es un nombre cualquiera, de hecho es el acrónimo de When Everyone Tries to Evolve, Nothing Negative Is Safe (cuando todos tratan de evolucionar, nada negativo es seguro) y es eso lo que Sofi Tukker busca transmitir en este nuevo disco. Si quieres estar al tanto de las noticias que salgan acerca de este nuevo disco, mantente pendiente en Indie Rocks! donde pronto te tendremos buenas nuevas de este dúo.

Thurston Moore anuncia 'Screen Time'

Posted on febrero 4, 2022 by -

Reflejos del tiempo y la transparencia de la vida cotidiana.

El músico y cofundador de Sonic Youth, Thurston Moore, ha anunciado la llegada de Screen Time un álbum instrumental cuyo lanzamiento digital será para el 25 de febrero y el formato LP será lanzado una fecha posterior a través de Southerm Lord.

Screen Time incluirá una serie de piezas instrumentales de guitarra grabadas durante el verano del 2020 cuando el mundo se enfrentó a un confinamiento de la pandemia y a un levantamiento en contra la opresión de la policía racista y el asesinato. Dando como resultado un disco que fungirá como un reflejo del tiempo de los sueños perfecto para llegar a un estado de meditación.

Como parte de este anuncio el músico ha compartido "The Station" y "The Walk" dos temas provenientes de su próxima producción. Ambos temas giran en torno a tonos oscuros que te llenan de incertidumbre y nostalgia, ambos temas se encuentran exclusivamente en Bandcamp.

Escúchalas a continuación.

La imagen de portada de Screen Time es de un joven acurrucado en un libro, las páginas vibran con el texto que irradia a través de la piel, la sangre y los huesos, un aspecto que falta por completo en los medios digitales, aunque la realidad de la transparencia en nuestra vida diaria a través de la transmisión.

Screen Time fue masterizado por Lasse Marhaug y ya puedes pre ordenarlo aquí.

Thurston Moore__2022

Tracklist

1.- "The Station"

2.- "The Town"

3.-  "The Home"

4.- "The View"

5.- "The Neighbor"

6.- "The Walk"

7.- "The Upstairs"

8.- "The Dream"

9.- "The Parkbench"

10.- "The Realisation"

 

Mitski comparte video para “Stay Soft” y lanza ‘Laurel Hell’

Posted on febrero 4, 2022 by -

Con su nuevo visual, Mitski celebra el lanzamiento de su nuevo álbum.

Tras una serie de adelantos que entusiasmaron a sus fans, Mitski finalmente compartió hoy el álbum Laurel Hell en su totalidad (vía Dead Oceans). Para celebrarlo, la artista radicada en Nueva York ha estrenado un video musical para el último sencillo de este trabajo. Se trata de “Stay Soft”, un video que te devolverá a la belleza del arte clásico.

“Stay Soft” es un tema que compara la fuerza del temple humano con la resistencia de la naturaleza. Para representarlo en pantalla, la directora Maegan Hougan decidió llevar a Mitski a pasajes coloridos donde las flores y los elementos del bosque son protagonistas. Así, el video de “Stay Soft” se convierte en una obra tan placentera visualmente como lo es para el oído. Dale play a continuación.

Este video está fuertemente inspirado en el Romanticismo y las pinturas de la época victoriana. Al igual que la letra de ‘Stay Soft’, las pinturas de esa era tienen una textura suave, pero aun así evocan cierto sentimiento de oscuridad y peligro. Quiero que la audiencia se siente segura dentro de este mundo artificial y después se dé cuenta de que el personaje que interpreta Mitski es el de una persona siendo perseguida”, comenta la directora en comunicado de prensa.

¡Ya puedes escuchar Laurel Hell de Mitski en tu plataforma favorita de streaming o adquirir una copia física en su sitio web oficial!