A 30 años del 'Vulgar Display of Power' de Pantera

Un nuevo nivel de confianza y poder.

 

“Been constantly so frustrated

I've moved mountains with less

When I channel my hate to productive

I don't find it hard to impress”,

"Mouth for War".

“Mouth for War”, recientemente Philip Anselmo alega haber creado el riff de este tema, asunto que resulta inverosímil, ya que conocemos la gran boca de quien fuera la voz de Pantera. A el le damos el crédito por darle título a este segundo álbum que grabó con la banda, y cuya inspiración proviene de una escena de la película El Exorcista: “That's much too vulgar a display of power Karras”, dice Regan MacNeil mensajera del demonio al padre Demian cuando este le pide que use su fuerza diabólica para desatarse de la cama.

“A New Level”, era lo que buscaban los “Cowboys From Hell” que en este mote habían encontrado su gloria e identificación gracias a su anterior álbum con dicho título, el resultado de un cambio radical en sonido y estética que los llevaría de ser músicos amateurs fans de Kiss que visten spandex y usan Aqua Net para convertirse en serpientes de cascabel que te sorprenden con una mordida, playeras de Dark Throne, White Zombie y Charles Manson, bermudas camo y Converse, sureños que saben manipular armas y que beben wisky Crown Royal antes, durante y después de tocar. 

Los 4 cuatreros buscaban oro y ser considerados como la banda más pesada de la historia, llevar su groove texano al extremo, hacer que la gente nunca olvidara sus presentaciones en vivo, que usualmente iniciaban justo con “A New Level”, y que generalmente terminaban con tu nariz sangrando, o con los oídos zumbando, u apestando a sudor, marihuana y cerveza aunque ni siquiera tuvieras la edad establecida para beber.

“Walk” como un poderoso statement contra aquellos que juzgan nuestro camino sin nunca haber estado en nuestros zapatos. El estudio de grabación de los hermanos Darrell Lance y Vinne Paul Abbott en Texas fue el lugar donde comenzaron las grabaciones que se vieron interrumpidas por un hecho que resultaría ser histórico para la banda: la invitación para tocar en el festival Monsters of Rock en Moscú ante medio millón de personas. Me encantaría imaginar la abrumadora vista desde el escenario que tuvo la banda, pero lo que sí se puede atestiguar gracias a YouTube es como Pantera hace que comiencen ciertos disturbios entre el público y los reacios soldados rusos. 

“Fucking Hostile”, cada riff de Dimebag Darrell parece superar al anterior, cada lírica de Phil Anselmo hace que quieras gritar hasta dislocarte la garganta, el frenesí de la batería de Vinnie Paul como aliciente perfecto para destruir todo a tu alrededor, el bajo de Rex Brown estrellándose en la televisión de tu cuarto. “This Love” para comprender la influencia de Black Sabbath en cuanto a esa tónica siniestra, pero también la necesidad de establecer un estilo propio que después de la muerte de los hermanos Abbott jamás se podrá igualar. 

Hace 30 años Pantera y Vulgar Display of Power fijaron un nuevo estandard para el metal, como el álbum homónimo de Black Sabbath fundando un género, como lo fuera Leprosy de Death iniciando la llama del sub-género death metal, como fue Master of Puppets para Metallica, banda que en aquel 1992 estaba en la estratósfera y como especie de “estandarte” del género, pero que poco después sucumbiría creativamente ante el encanto de Alice In Chains, cuyo album Dirt se editaría ese mismo año, y mientras Iron Maiden entregaba Fear of the Dark, un disco más de su tal vez desgastado concepto para aquella época de la ya no tan nueva era del heavy metal británico. Mismo año que el mundo atestiguara el nacimiento de Rage Against The Machine

Vinnie Paul solía contar una historia sobre la portada del álbum acerca de que le pagaron 10 dólares a un tipo para que se dejara golpear, tuvieron la toma que querían después de 30 puñetazos en la cara. La realidad es que todo fue realizado en un estudio fotográfico con un par de modelos y la aparente víctima del despliegue de poder no sufrió ningún daño.. 

Vulgar Display of Power es un nombre tan perfecto, inolvidable y adecuado, más cuando prefieres crear antes que destruir, pero que te da ese extraño catalizador de furia, ese power up que necesitas al momento de levantar las pesas, ese push para correr un poco más rápido, ese frenético headbanging mientras estás atascado en el tráfico del Viaducto en viernes de quincena, esa inspiración que necesitas para salir al campo y cortar trayectorias de pase, el potente air guitar que en eso se quedará porque nunca, ni volviendo a nacer, y aunque Eddie Van Halen sea tu maestro, podrías ser la mitad de bueno que era el supremo Dimebag Darrell con la guitarra. 

Hay una generación que no alcanzó a ver a Pantera en vivo debido a que problemas internos como la drogadicción y aparentes problemas de salud de Phil Anselmo los alejaron, y el fallecimiento de los hermanos Abbott, la trágica muerte de Dimebag en el escenario y la inesperada muerte de Vinnie Paul, los disolvieron por completo, pero sus discos nos quedan como sólido testimonio de que en su momento, eran la mejor banda de metal, aquella que tal vez no salía tanto en MTV pero que vino a México a abrirle a Kiss, luego con Anthrax como teloneros, después abriendo a Metallica, y finalmente acompañados por Type O Negative. Aquella banda que ya nunca podremos volver a ver, pero que nunca dejaremos de escuchar. 

 

Top 10: Los mejores videos de febrero

Un masajito visual con los videos destacados que llegaron a lo largo del mes.

Antes de que inicie la primavera y sientas que te derrites 24/7, date un respiro, toma asiento, relájate y abre bien los ojos porque Indie Rocks! trae para ti los mejores 10 videos que acompañaron de forma estética y visual a canciones que seguramente ya te sabes a la perfección.

Por otra parte, si no has estado muy actualizado musicalmente estos días, este es el momento perfecto para hacerlo con la ayuda de este top. Aquí vas a poder gozar desde Sofi Tukker y su forma única de siempre ponernos a bailar, hasta Father John Misty y la burbuja de misterio en la que siempre hace que flotemos.

Recuerda que tenemos una playlist donde podrás encontrar los mejores estrenos de los últimos meses y obviamente las canciones que están abajo también forman parte de la lista. Síguela, escúchala en aleatorio y descubre buenas rolas para cualquier mood.

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Kehlani estrena el sencillo, “Little Story”

La suavidad de una voz ya consolidada en el mundo del rhythm and blues.

Kehlani, artista nominada 2 veces al premio Grammy y gran exponente del R&B, regresa para presentar “Little Story” el segundo sencillo de su tercer álbum Blue Water Roads presentado por Warner Music Australia, que muestra tintes de quiet storm (subgénero del R&B) al ser más suave y melódico. Este álbum llega después del gran éxito obtenido en el año 2020 con su material It Was Good Until It Wasn’t, álbum que la hizo pasar de promesa a estrella del género.

Para la realización de este track, Kehlani colaboró con el productor Pop Wansel y juntos crearon una pieza romántica, muy suave y con un ritmo pausado que permite escuchar la melodiosa voz de la artista y el desarrollo del sencillo en sí. Con una guitarra acústica de base, y unos acordes repetitivos, pero hipotónicos, de una guitarra eléctrica, Kehlani nos cuenta la historia de un amor que no se consolidó, pero que marcó su vida y que explota con violines en cada nota sostenida de la artista.

El single llega acompañado de un material cinematográfico, el cual podemos describir como un visual increíble y sencillo. Con una cinematografía cuidada, y clásica por el uso de cinta en lugar de formato digital, la producción nos permite vivir la historia de manera más cercana y simbólica. Este material nos recuerda al trabajo del fotógrafo Philippe Halsman, por el manejo de los encuadres y del blanco y negro, mientras se alude a la belleza de las mujeres afroamericanas.

Mira el video dirigido por la propia Kehlani y el director Alexandra Thurmond:

El estreno de Blue Water Road, se encuentra próximo y, en Indie Rocks!, estamos emocionados por escuchar todo lo que Kehlani tenga para nosotros en este 2022.

Niall Mutter; el soulpop como única resolución

El músico nos prepara para su EP debut a base de dulzura dance.

Canadá es uno de esos territorios reconocidos mundialmente por sus imponentes paisajes naturales, dejando a la vista recorrer desde la espesura de los bosques hasta los cuerpos ultramasivos de agua dulce, rompiendo la caída de cascadas y atajando las laderas de picos que rasgan con hielo la claridad del cielo sobre nuestras cabezas. Los habitantes se mimetizan con cada accidente geográfico haciéndole parte de su día a día, sintiendo como suyos los colores del paisaje y viéndose desnudos ante el cambio drástico que significó el confinamiento. La música de Niall Mutter nace de este corte en seco de aislamiento, cambiando el aire fresco de lo natural por la inestabilidad y crisis interna vuelta sonido.

Nial Mutter (02)

Mutter, nacido en Ontario pero radicado en Montreal, se encontró apartado de todo cuanto conocía durante los últimos dos años. Pasando de arboledas veraniegas y escapadas de montaña durante el invierno a la intensidad de la escena musical en la ciudad canadiense, llevando al borde su universo interior al pasar las noches de pandemia entre sofá y sofá de amigos. La música parecía la única respuesta.

Fue entonces cuando los primeros esfuerzos del multiinstrumentista empezaron a ver la luz, entregando “You” a inicios de 2021 como primer adelanto de cara a su EP debut. El nuevo corte nos mostraba un sonido suave pero con la suficiente claridad dance al alma, valiéndose de sonidos orgánicos y synths ultramelódicos para encontrar el balance adecuado entre ambas perspectivas.

Esperaríamos poco menos de un año para volver a ver señales sonoras del solista con “I Wonder”, seguida de cerca por “Maybe” al mes siguiente, expandiendo el abanico sonoro y marcando la línea armónica para este primer material. Los chispazos de soul, pop, indie y calidez parecen guiar esta primera incursión del canadiense, recordando a actos como Miles Kane o Arlo Parks.

Pass Me By llegará al oído público el próximo 11 de marzo vía Nice Guys, dejándonos dilucidar el contraste de lo natural y el desborde de sensaciones estridentes resueltas por Mutter de la manera más sensata posible; buena música y sinceridad soulpop.

Nial Mutter - EP (Art)

1.- “Maybe”

2.- “A Love That Fits”

3.- “I Wonder”

4.- “You”

5.- “Pass Me By”

A.C.O estrena “A mi ritmo” con Irepelusa

La canción de A.C.O e Irepelusa que nos dice que está bien ir a nuestro propio paso.

El cantante y compositor de hip hop peruano, Arturo Salazar Salinas, mejor conocido como A.C.O, trae, de la mano de la cantante venezolana Irepelusa, su nuevo sencillo: “A mi ritmo”, una canción sobre el día a día, la rutina en el hogar y el saber abrazar lo que somos sin dejar que nuestro entorno nos obligue a ser otra cosa.

La producción musical de “A mi ritmo” estuvo a cargo de A.C.O y Veztalone, el mastering lo realizó Francisco Holzmann y la mezcla, David Chang, quien ha sido productor de otros importantes artistas peruanos como Adrián Bello, We The Lion y Cristina Valentina

El reciente sencillo forma parte de lo que será el nuevo y sexto álbum de A.C.O (disponible en abril de este año), y busca decirnos a nosotros mismos que tenemos nuestro propio ritmo, que no necesariamente es el mismo que los demás tienen y que tenemos que aceptar nuestros procesos particulares en un mundo que nos demanda cada vez más. 

Por su parte, Irepelusa, Irene Cruz, ha colaborado con artistas como Rawayana, La Rivera Destino, Cantamarta, Akapelah, entre otros, y A.C.O ha mencionado sobre ella que es una artista que admira mucho y una de las exponentes del género alternativo latinoamericano que más le ha llamado la atención en los últimos años. 

Es una colaboración que se dio de una manera muy natural", comentó el también ilustrador peruano. 

Desde el 17 de febrero puedes encontrar el videoclip musical, grabado y producido en México y Venezuela y dirigido por Vladmiir Piña en el canal de YouTube de A.C.O. Te lo compartimos también aquí, escúchalo ahora:

 

Esteban Gómez González presenta “USDA”

En búsqueda de un sonido fiel a sus ideales.

Esteban Gómez González presentó “USDA”, el primer sencillo de su primer material como solista ¿Podría darme usted su nombre? que llega de la mano de Campus On Stage Records, después de una pausa muy productiva en su carrera, llena de singles, EPs y presentaciones en vivo.

El track nos presenta una canción con un estilo de rock más orgánico y que nos lleva a días más sencillos en los que alguien podía tomar una guitarra llamar a sus amigos y comenzar a jammear en casa. Este single fue escrito dentro del contexto de la pandemia, después de que Esteban notara la dependencia que se ha creado hacia las redes sociales y las ideas que estas transmiten, junto a la exposición de estereotipos imposibles, y nos plantea una idea de aceptación y superación personal a través de su música.

Quise mostrar un acercamiento a quererse a uno mismo, sin importar lo que estamos pasando. Hay que pasar a través de ello, a través del camino de las espinas”, explicó el artista en un comunicado de prensa.

El nombre “USDA” está inspirado en el departamento de agricultura de Estados Unidos (U.S. Department of Agriculture) y se presenta como crítica hacia las grandes instituciones que intentan definir todo lo que está bien y lo que no, dentro de nuestras vidas. Puedes escuchar el sencillo aquí.

Recordamos a Esteban Gómez González por su ciclo con la banda Odisseo, pero desde su separación del proyecto, él se ha esforzado en establecer su sonido, siempre siendo fiel a sus ideales y sueños, buscando evolucionar y definirse a sí mismo como músico. Esperamos el lanzamiento de su álbum que está calendarizado para los últimos días de febrero.

Kings Of Convenience en el Teatro Ángela Peralta

La banda logró conquistar a todos en el Teatro Ángela Peralta durante su primera fecha en ese recinto.

Muchos pensamos que después del incidente que le ocurrió a Erlend Øye en un bar de la CDMX hace 12 años, nunca más veríamos al músico en la capital mexicana con ninguno de sus proyectos. Afortunadamente, Øye le levantó el “castigo” a la Ciudad de México el año pasado cuando tocó con su banda The Whitest Boy Alive en el Corona Capital. El fin de semana pasado en el Festival Bahidorá se presentó King Of Convenience, el proyecto de Erlend Øye junto a Eirik Glambek Bøe y ayer por la noche el dúo ofreció uno de los dos conciertos que agendaron en el Teatro Ángela Peralta en Polanco.

Los encargados de abrir este show fueron Caloncho y El David Aguilar con su proyecto Vacación. Ambos ofrecieron unas cuantas canciones que el público, a pesar de evidentemente no conocer mucho del dúo, agradeció y recibió de la mejor manera el canto de los mexicanos. Canciones como “Nieve de Arrayán”, “Ola Adiós”, “Capullo Capulín” y su mayor éxito “Amor De Verano” fueron bien acogidas por parte del público que se encontraba dentro del recinto y también de los asistentes que estaban en la fila de acceso debido a que el personal del teatro se vio superado por la cantidad de personas en las entradas.

Puntualmente a las 19:28 H Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe salieron a escena enfundados solo con sus guitarras acústicas. El concierto de Kings Of Convenience arrancó con “Comb My Hair”, “Rocky Trail” y “Cayman Islands”, el público, ávido de su música, agradeció con aplausos cada uno de los temas. Antes de interpretar “Angel”, Erlend reconoció la belleza del Teatro Ángela Peralta, “It’s a beatiful venue in the middle of the city” comentó el músico noruego.

El aire no dejaba de mecer las telas colgadas como parte de la escenografía colocada para este show, más canciones desfilaron en el set de Kings Of Convenience y la gente, acorde a lo solicitado por el dúo, guardó silencio cada que el dúo comenzaba una canción. La sorpresa de la noche vino con la aparición de Leslie Feist para interpretar “Catholic Country”, “Love Is A Lonely Thing”, “Know How” y una canción que aparece en el video de un ensayo entre los tres músicos en Berlín durante un evento de la revista People. Luego Feist se quedó sola en el escenario para tocar “Intuition”, el público la apoyó con los coros del final de la canción y al terminar este tema se retiró del escenario.

kings of convenience_teatro angela peralta 7

Kings Of Convenience regresó al escenario y ofreció “Mrs. Cold”, luego Øye invitó al público a ponerse de pie y de inmediato todos aceptaron. A la mitad de “Boat Behind”, los aplausos inundaron el recinto por petición de Erlend y el éxtasis continuó con “Misread”, una de las canciones más conocidas de la agrupación.

Ya en formato full band, Glambek y Øye tocaron “Rule My World” lo cual llevó a todos en el Ángela Peralta a moverse al ritmo de la canción. Ya entrados en calor, durante “Fever”, Eirik Glambek Bøe pidió al público que se acercara más al escenario y toda la gente que se ubicaba en las primeras filas corrió apresuradamente hacia adelante. Después Kings Of Convenience sacó sus mejores pasos mientras tocaba “I'd Rather Dance With You” y el público no se quedó atrás ya que también se puso a bailar al ritmo de la canción.

El show llegó a su parte final después de un breve encore, Erlend y Eirik regresaron al escenario y antes de interpretar “24-25”, Øye preguntó "¿Would you like to hear another song?" mientras algunas tímidas manos levantaban sus celulares con las lámparas encendidas. Leslie Feist volvió a escena y junto al dúo deleitó a todos con la canción que marcó el final de esta primera fecha, “The Build-Up”. No hubo necesidad de gritar "¡Otra! ¡otra! ¡otra!" ya que todos los asistentes se marcharon satisfechos con el set que Kings Of Convenience ofreció.

  1. “Comb My Hair”
  2. “Rocky Trail”
  3. “Cayman Islands”
  4. “Angel”
  5. “Killers”
  6. “Catholic Country”
  7. “Love Is A Lonely Thing”
  8.  *Canción Inédita*
  9. “Know-How”
  10. “Intuition”
  11. “Mrs. Cold”
  12. “Boat Behind”
  13. “Misread”
  14. “Homesick”
  15. “Rule My World”
  16. “Fever”
  17. “I'd Rather Dance With You" 
  18. “24-25”
  19. “The Build-Up”

Escucha “Diecinueveceronueve” de Monocrom

Monocrom vuelve y esta vez con un mood aparentemente optimista y ritmos heredados de la electrónica.

Luego de un periodo de desaparición de casi dos años, Monocrom regresa con “Diecinueveceronueve” ft. San Jorge, el sencillo homónimo de su nuevo material, en el que experimentan con instrumentos crudos, ritmos heredados de la electrónica y nuevas formas de componer.

La música de Monocrom se había caracterizado por las voces alteradas, los bajos submarinos y los paisajes sintetizados. En esta ocasión, llegan con un beat funky de bajo narrativo y plantean un mood aparentemente optimista ante el derrumbe inevitable de la tranquilidad. 

En estos casi dos años viajaron a una casa perdida en el Estado de Morelos con la intención de cambiar de manera radical su sonido. Y actualmente, después de haber pasado varias semanas aislados del mundo, vuelven para crear temas con los que finalmente realizarán su primer álbum de estudio. 

Después de un largo proceso de reconstrucción artística [...] se ve la luz al final del túnel con 'Diecinueveceronueve'", explicó la banda en un comunicado de prensa.

El dúo mexicano, formado en 2016, traza en “Diecinueveceronueve” las líneas de lo que significa perder ocasiones de brillar por mérito propio en un mundo ya de por sí desprovisto de oportunidades, y marca el inicio de un descenso a lo profundo de las contradicciones y sentimientos, mismos que intentan ser comprendidos a través de nuevas rítmicas e instrumentos más viscerales. 

Monocrom surgió después de que Gabo y Raúl se dieran cuenta de que cumplían años el mismo día. Además, los unió el aburrimiento que ambos sentían ante el vacío de Internet y el deseo de componer sobre sus experiencias derrotistas al enfrentarse contra la realidad. Después de formar Monocrom, comenzaron a colaborar y a lanzar sencillos como "Calma" y "Aterrizar".

Escucha “Diecinueveceronueve” aquí abajo:

Gabacho estrena videoclip para “Sentimiento”

Dulzura pop para acariciar un corazón.

Siul Reynoso, mejor conocido por su proyecto solista como Gabacho, golpea el ecosistema de sonidos nacionales con el lanzamiento de su primer material en lo que va de 2022, recorriendo el hilo de pop melódico y sonidos tropicales que ha caracterizado al mexico-americano desde sus inicios.

“Sentimiento”, mezclada por Doug Malone con master a cargo de Collin Jordan, tira de la fibra de afecto presente en cada uno de nosotros, enmarcando la voz del músico entre sintetizadores suaves, guitarras chispeantes y una atmósfera de sabores lo-fi, remitiéndonos irremediablemente a esa aura de nostalgia setentera.

Ay, qué sentimiento me das, no lo puedo explicar.

Ay, qué bien juntos nos vemos, como la playa y el mar”, escuchamos al coro del nuevo corte.

Gabacho - Sentimiento (Art)

El recién estrenado material llega apoyado en los terrenos audiovisuales por el trabajo del director Jonathan López, retratado el mood de ligereza indie y melodías dulces a través de encuadres amplios, composiciones simétricas y una paleta de colores que explota hasta el último momento, enfatizando la complicidad sincera entre Reynoso y Jan Díaz como coprotagonista.

“Sentimiento” se encuentra ya disponible en todas las plataformas, lista para envolvernos con la miel armónica de una deliciosa mezcla biculutral.

Mira “Chicken Teriyaki”, lo nuevo de Rosalía

El tema formará parte de su próximo álbum de estudio.

Luego de estrenar su tema "Saoko", la cantante Rosalía compartió otra pieza titulada "Chicken Teriyaki" como un adelanto a su tan esperado álbum Motomami, el cual estará disponible a través de Columbia Records y que marcará la nueva etapa de la artista española.

El reciente sencillo mezcla sonidos de cajas rítmicas y beats electrizantes que dan peso a la voz melódica de la artista durante los 2:14 minutos que dura la melodía. Una composición que reivindica sus estándares pasados que yacen en El Mal Querer de 2018 y Los Ángeles de 2017.

El estreno también cuenta con un video musical que incorpora una coreografía de danza contemporánea, misma que la intérprete de "Con Altura" baila en compañía de un grupo de chicas y chicos. Es así como esta puesta escénica toma protagonismo en todo el visual.

Cabe mencionar que Rosalía no ha dado una fecha exacta sobre el lanzamiento de su siguiente disco, solo ha publicado los temas “Hentai” y “La Fama” como un previo a dicho repertorio musical. Por ahora, se prepara para salir en Saturday Night Live este 12 de marzo junto a Zoë Kravitz.

Mientras te dejamos la nueva pista "Chicken Teriyaki" para que la disfrutes.