Calexico anuncia su nuevo álbum, 'El Mirador'

La revelación llega con el primer sencillo, el cual comparte nombre con el disco.

Qué grata sorpresa se llevaron los seguidores de Calexico hoy por la madrugada con el estreno de "El Mirador", primer sencillo del décimo disco de este grupo. El disco, cuyo nombre también es El Mirador saldrá en plataformas y a la venta el próximo 8 de abril bajo el sello Anti.

 

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La canción llega con todo y video oficial animado en el que vemos la travesía que realiza un personaje para encontrar "el mirador". Es un video psicodélico con algunas escenas místicas y cuenta con un estilo similar al que vimos en los más recientes videos de Purple Disco MachineJoey Burns, co-fundador de Calexico dijo respecto al disco lo siguiente: "La pandemia resaltó todas las formas en que nos necesitamos unos a otros, y la música es mi forma de construir puentes y fomentar la inclusión y el positivismo. Eso viene con tristeza y melancolía, pero la música genera cambio y movimiento".

El Mirador ya puede ser pre ordenado en la página de mercancía oficial de Calexico. Tendrá tres presentaciones: un vinilo sencillo color vino, otro en color negro y por último, el CD normal. Aunque la banda va a hacer una gira para promocionar este nuevo material, el único lugar de México dónde hay una fecha es en Cancún y los boletos ya están agotados. Esperemos poder disfrutar de El Mirador en la capital mexicana muy pronto.

Calexico-ElMirador_2022

El Mirador:

  1. "El Mirador"
  2. "Harness The Wind"
  3. "Cumbia Peninsula"
  4. "Then You Might See"
  5. "Cumbia del Polvo'
  6. "El Paso"
  7. "The El Burro Song"
  8. "Liberada"
  9. "Turquoise"
  10. "Constellation"
  11. "Rancho Azul"
  12. "Caldera"

Rosalía comparte su nuevo tema, “Saoko”

La pista será parte de su siguiente álbum Motomami.

La cantante Rosalía por fin compartió el tema "Saoko" para dar un adelanto del álbum Motomami, el cual estará disponible a través de Columbia Records . Un material que promete ser el más ambicioso de su carrera, luego de su proyecto debut El Mal Querer de 2018.

La nueva pieza es una explosión de sentimientos donde la gracia, valor, fuerza, vulnerabilidad y feminidad toman protagonismo en este estreno. Es así como "Saoko" se mezcla entre beats y un upright piano que nos dan un sutil sonido urbano.

Para mí es el homenaje más directo que puedo hacer al reggaeton clásico, un género que amo y que es una constante y gran inspiración a lo largo de todo el proyecto de Motomami”, explico la artista española a medios locales.

El estreno también cuenta con un video musical en el que la intérprete de "Con Altura" recorre la ciudad de día y noche con una moto, mientras un ritmo pegajoso y rápido de cajas rítmicas envuelven a la canción que, si bien, denota la nueva etapa de la cantante.

En lo que respecta al disco Motomami, la cantante Rosalía  no ha dado una fecha exacta sobre su lanzamiento, solo ha confirmado los temas “Hentai” “Candy” y “Saoko”, que fueron previamente publicados en su cuenta de Tik Tok.

Mientras te dejamos su reciente canción a continuación.

Wet Leg comparte video para “Oh No”

Un tema electrizante que reúne lo bueno y lo malo de las redes sociales.

Después de haber compartido temas como "Chaise Longue" y "Wet Dream", el dúo Wet Leg, nos deleita con el video musical de "Oh No", tercer sencillo de su tan esperado álbum debut el cual esta programado para salir el próximo 8 de abril a través de Domino.

El video musical nos presenta a Rhian Teasdale y Hester Chambers con un disfraz hecho de cuerdas, dando un poco alusión a la portada del álbum Odelay de Beck. Al igual que los sencillos pasados el dúo se encargo de dirigir este video musical el cual fue filmado en la Isla de Wight en la parte inferior de una telesilla.

Dale play y escucha "Oh No" a continuación.

Para este video, hemos seleccionado obsesivamente nuestras partes favoritas de las secciones de comentarios en nuestras redes sociales, lo bueno, lo malo, lo feo y las hemos reutilizado para hacer algo nuevo, en realidad ha sido bastante catártico”. compartió Teasdale.

Por ahora Wet Leg se prepara para sus siguientes shows agregando nuevas fechas por América del Norte. El dúo ya ha agotado las entradas para sus espectáculos en la ciudad de Nueva York y Brooklyn Steel para este 10 de marzo.

Pre ordena el álbum debut de Wet Leg aquí.

Wet Leg_2022

Celest presenta su nuevo sencillo, “Hombre Artificial”

Una invitación para encontrar la magia y salir de la rutina.

Desde el corazón de la Ciudad de México yace Celest, una agrupación que se sumerge en los sonidos del dream pop, post rock, shoegaze y ambient para darnos una dosis eufórica en cada una de sus composiciones, misma energía que se plasma en su más reciente sencillo "Hombre Artificial".

Entre cajas rítmicas, sintetizadores y voces celestiales se envuelve su nuevo tema, el cual evoca a la búsqueda de la magia con tal de salir de la rutina. Una idea que se retoma en su visual de tres minutos, donde cuatro chicas intentan encontrarse a sí mismas.

La voz puede observar el mecanismo del actuar del ser humano en la Tierra como un sistema que se repite una y otra vez, una serie de rutinas al que nadie se atreve a desafiar. La voz invita a 'romper el cristal' bajo al sistema que se rige para que cada ser humano pueda despertar", destalló la banda sobre el significado de su estreno.

"Hombre Artificial" se posiciona en lo más reciente de Celest y que será presentada en el Festival Internacional Volare 2022, que se llevará a cabo el próximo 21 de mayo en el Deportivo ADO en Veracruz. Un espectáculo en el que compartirán escenario junto Babasónicos, El Gran Silencio y más.

Dale play al estreno.

PREMIERE: Noble Savage presenta video para “Wild Pain”

Una versión oscura y vesánica.

Déjate caer sobre el salvajismo del dark wave y el revival con “Wild Pain”, el nuevo tema del proyecto californiano, Noble Savage. Tal lanzamiento corresponde a una nueva versión inspirada en el tema original de And One, banda de synth pop/new wave de los 90; y ahora perteneciente al compilado de covers, Anode, realizado por el medio alemán Electrozombies Magazine.

Para este LP tributo, el músico mexicano radicado en Los Ángeles, reinterpreta esta pieza de la banda europea y añade texturas impetuosas, con sintetizadores abrasivos, envolventes y oscuros que abren un espacio caótico. Texturas traídas de aquellos sonidos del underground electrónico de los 80’s. Además, comparte un videoclip oficial con tomas sobrepuestas y caleidoscópicas mientras interpreta éste, su primer lanzamiento del año. 

Recientemente, el también cineasta Hari Sama, presentó su visual para “Bleak Lies”, single extraído de su primer EP y producción debut homónima. Mientras que en 2020 compartió los temas “Mashima’s Angel”, “Leap In To Shade”, y “Take A Walk with Fate”

Noble Savage es el resultado de una pócima burbujeante que combina el cold wave, post punk y dark wave con un mimetismo agresivo. “Es una nueva manifestación de algo que ya estaba en sus genes. Toma las sombras profundas de su voz de barítono y los ostinati de la onda oscura y añade una pizca de hi-NRG al estilo de Bronski Beat”. 

Escucha “Wild Pain” y descubre más proyectos como este a través de Indie Rocks!

Entrevista con A Place To Bury Strangers

Experimentar la música y la vida con todos los sentidos es lo más importante para Oliver Ackermann, líder de la banda neoyorquina.

“Eso de ser la banda más ruidosa de Nueva York suena un poco tonto para mí, porque, tú sabes, ¿cuál es el punto?”. Era de esperarse que Oliver Ackermann, líder de A Place To Bury Strangers (APTBS), rechazara así las etiquetas que el tiempo y la prensa le han impuesto a su proyecto artístico. Sin embargo, el músico neoyorkino no claudica en admitir que su banda siempre procurará los decibelios altos y la furia sobre el escenario; prueba de ello, es la llegada de su grupo a un sexto álbum de estudio que conserva su esencia original. Éste se estrenará en 2022 y llevará el título de See Through You, una obra “hecha en su totalidad con guitarras eléctricas, bajos, batería y una energía súper fuerte, sin suavizarnos en ningún momento; un trabajo de rock n roll demente y desastroso y una exploración más profunda en el alocado mundo de A Place To Bury Strangers”, como describe el guitarrista.

Si bien es cierto que See Through You no es menos abrasivo que el anterior material de APTBS, resulta que el álbum retrata un amplio abanico de emociones más allá de la furia, como lo son el amor (“Love Reaches Out”) y la melancolía (“I’m Hurt”). De esa forma, Oliver plasma en 13 cortes el contexto que circundó la escritura del álbum, marcado por la fatalidad, el contagio de Covid-19 del propio músico y la ruptura de la anterior alineación de la banda: “Ha sido uno de los álbumes más sencillos para escribir, aunque el haber atravesado uno de los momentos más duros de mi vida fue trágico para mí; ya sabes, me sentí un poco traicionado por estas personas con quienes toqué música por mucho tiempo y eran grandes amigos. A veces, grababa por 12 horas seguidas y solo dejaba que sucedieran cosas random hasta el punto de rozar la locura, solo para no tener que lidiar con todo lo que estaba ocurriendo”.

Fue la llegada al grupo de John y Sandra Fedowitz la que le dio una nueva dirección a estas composiciones, e inspiró a Oliver a llevarlas hasta su forma final. Esta misma alineación, por cierto, fue la que alrededor de la misma época grabó el EP Hologram, “una obra de transición para ver lo que aguardaba el futuro y para hacerle saber al mundo que aún no era el final de A Place To Bury Strangers”, cuyo formato corto le dio al grupo “libertad para ser un poco más experimental sin que tanta gente se preocupara realmente por ello”. 

Esto no significa, empero, que el larga duración haya limitado la creatividad de Oliver; por el contrario, See Through You le permitió al músico retratar todos los matices emocionales de aquella etapa difícil y reunirlos en un mismo espacio, libre de toda clase de atadura: “Nunca hemos intentado escribir un álbum que sea precisamente conceptual. Creo que, la mayoría de las veces, nuestros álbumes se construyen a partir de sus propias canciones. Y aunque éstas van en direcciones muy diferentes, todas abordan lo mismo: el centro de las emociones y los sentimientos que llegas a experimentar, ya sea de rabia, amor, tristeza, autocompasión y todo ello”.

Trabajar como una banda independiente le ha otorgado a Oliver libertad para construir una carrera de casi 20 años a partir de este tipo de decisiones. Y, aunque tal vez el músico no simpatice con la idea de ser la banda más ruidosa de Nueva York, es claro que se regocija en las nuevas expresiones de las escenas noise o experimental que intentan dejar una huella en el camino allanado por APTBS: “Creo que estas propuestas musicales están bastante fuertes y hay un montón de gente haciendo cosas interesantes. Hace poco estuvimos en un concierto en Berlín, y en el showcase tocó una banda increíble llamada The Pleasure Majenta. En algún momento pensé: ‘¡viejo, es una lástima que nadie esté grabando esto!’. Pero también pensé que no todo necesita ser grabado; lo increíble es estar ahí, viviendo el momento. Es genial que aún haya gente haciendo esto: demostrando la importancia de vivir la experiencia”.

Claro que el panorama se puede llenar de junkies que se dedican a tocar cosas raras porque compraron un instrumento que se toca solo. Pero también hay un montón de artistas emocionantes allá afuera, que pueden tomar el mismo instrumento sucio o una computadora de última generación (o lo que sea) y crear algo increíble con ello”, añade.

A Place To Bury Strangers no solo ha destacado en el mapa del rock contemporáneo por su creación musical inspirada en nuevos sonidos y piezas de tecnología, sino también por el impacto en términos de sonido y performance provocado por sus shows. Por ello, Oliver se ha mostrado entusiasmado durante su regreso a los escenarios a propósito de la gira de su banda por Estados Unidos, si bien la pandemia ha sembrado cuestionamientos sobre la pertinencia del descontrol en los conciertos: “En algunos lugares, la gente es mucho más cuidadosa y hay un sentimiento mucho más conservador; ahí, nos toca hacer un show diferente que haga sentido con la situación que estamos viviendo. Pero, por otro lado, hay muchas personas que no habían podido salir a un concierto. Se emocionan mucho y se vuelven locas por experimentar la oportunidad de estar envueltas entre la gente, y de formar parte de una increíble comunidad donde todos se sienten felices por celebrar estos eventos”.

[Asistir a un concierto] No siempre es lo más seguro que podemos hacer, pero… bueno, así es la vida. La vida no siempre es segura. Tienes que valorar por ti mismo si esas experiencias son buenas y valen el riesgo. Yo creo que sí. Creo que simplemente no hay que dar por sentada la vida ni las experiencias; es mejor disfrutar todos los momentos que puedas”, concluye el guitarrista.

See Through You de A Place To Bury Strangers estará disponible a partir del 4 de febrero de 2022 vía Dedstrange Records. ¡Apártalo ya en Bandcamp!

FRNCE, la magia de las casualidades bajo el pop alternativo

Franchesca, desde Baja California, conjunta en su proyecto solista la ilusión compartida de la música y el mundo audiovisual.

“Soy de Baja California, me gustan la astrología y los perritos”. Así se presenta FRNCE (“como ‘France’ de Francia, pero sin una ‘a’”) continúa en sus redes sociales. Bajo este nombre, la cantautora da rienda suelta a un particular universo de influencias sonoras que pronto han de quedar plasmadas en un primer álbum lleno de colores y alusiones místico-espaciales.

FRNCE no solo es la forma en la que los amigos de Franchesca se dirigen a ella, sino que ahora también es el nombre artístico a través del cual la compositora conjunta sus influencias de pop alternativo y electro rock, con su personalidad única y con una fascinación por los medios audiovisuales. Así quedó plasmado en su sencillo debut “Noches de abril”, estrenado a inicios de 2021, el cual fue acompañado por una visión onírica a cargo de la lente de Christian Cavazos.

Ahora, la artista bajacaliforniana da continuidad a su universo audiovisual con un mini-filme que además adelanta su primer álbum de estudio. Se trata de ILLUMINATA, video dirigido por Joe Rodríguez, que narra una historia en tres actos de renacimiento, transformación y encuentro entre mujeres. Ésta se acompaña de las canciones “Fish”, “El mundo” y “What About That?”, las cuales formarán parte de Serendipia, primer material de larga duración de la cantautora. Dale play a continuación.

Desde niña siempre soñé con sacar mi propio álbum musical. Serendipia será el primer álbum en la historia de mi vida y estoy muy emocionada. Pasé horas y horas escribiendo todas estas canciones”, comenta FRNCE en Instagram.

¡Sigue a FRNCE en Facebook, Instagram, Twitter y Spotify para que no te pierdas el estreno de Serendipia este 22 de enero!

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Femigangsta, el carácter del rap y el R&B 

Del verso satírico a la exposición musical. 

Agnes Simon no solo es el resultado de su éxito en las redes sociales, sino la fuerza de la crítica, la coyuntura política, el feminismo, la sátira, y ahora con más énfasis de los versos embadurnados de R&B, jazz y hip hop. Oriunda de Zapala, ciudad de Neuquénon en Argentina, la artista y abogada de 27 años creció en una casa de seis hermanos y con el tiempo destacó por su interés musical y su posicionamiento como influencer

Gracias a un rap de protesta social criticando la gestión de Mauricio Macri (ex presidente del país sudamericano) y hablando de feminismo, nació el nombre de Femigangsta; “Yo hacía muchas canciones y muchos chistes que tenían que ver con el feminismo. Con un amigo empezamos a pensar cómo sería ese género, ¿qué es esta música? Y ahí empezamos a decir que es ‘femigangsta’. Era un chiste, pero funcionó y pegó mucho”, declaró la cantante para El Destape. 

Con el tiempo Simon ha pasado de los versos arrebatados, contestatarios y de un coraje singular (como en su primer single de 2018 “Voy” ft. Ofelia Fernández), beats de hip-hop/trap y rap, a un rythm & blues que se originó desde sus sencillos “PAJARITOS” o “YASÉ”, cuyas líricas ya no sólo exponían consignas feministas y comenzaban a dibujar situaciones sentimentales con la poderosa voz de la liricista argentina. 

Ahora, izar su bandera ya no implica completamente expresar su postura política o rapear con humor, sino condensar todo aquello que la hizo un éxito, exponer su música y separar estos campos sin dejar de opinar como suele hacerlo. Es así como la artista, mejor conocida como Femi, entra en un nueva etapa y se prepara para publicar su primer álbum de larga duración.  Siete pistas que “contarán una historia” y de las que su primer adelanto, “Sur” ft. Axel Fiks,  brinda una probada muy certera. 

Descubre de más artistas como Femigangsta aquí en Indie Rocks! 

A 35 años del 'Midnight to Midnight' de The Psychedelic Furs

El trabajo que capturó a una generación.

A veces pasa que te toca disfrutar el éxito que tienes en el momento al máximo, porque no sabes cuándo llegarás a la fama y te aburrirás del lugar en que te ves, ¿no? ¿No entienden por qué digo esto? Bueno, déjenme contarles la historia de Midnight To Midnight, la quinta producción discográfica de los londinenses The Psychedelic Furs que hoy cumple treinta y cinco años.

The Psychedelic Furs había tenido éxito con sus primeros cuatro discos. En un lapso de aproximadamente 10 años publicaron discos que hasta hoy son la base de la escena post punk - new wave como Talk Talk Talk y Forever Now.

Publicado en 1986, el quinto álbum de la banda ha probado ser uno de los más exitosos de su discografía, siendo el mejor rankeado en las listas en Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda y Estados Unidos. Pero al convertirse en un éxito comercial, se encontró con críticas de parte de los fans que los siguen desde su primer disco argumentando que su sonido giró hacia un rock más digerible por el público general. En retrospectiva, creo que podemos decir sin temor a exagerar que efectivamente no es el mejor disco del catálogo de la banda, y hasta coincidimos con el mismísimo Richard Butler al respecto.

En una entrevista hace algunos años ya, Richard Butler comentó a The Sydney Morning Herald que Midnight To Midnight le parecía un disco “vacío, insípido y débil”. ¿Pero por qué recuerda así el disco más comercialmente exitoso de su banda? La respuesta está en las circunstancias que los llevaron a grabar. Según cuenta él mismo, la actriz Molly Ringwald (The Breakfast Club, Riverdale) era muy fan de ellos e hizo que John Hughes (The Breakfast Club, Mi Pobre Angelito) escuchara Talk Talk Talk, en donde se encontraba “Pretty in Pink”. Así fue como él decidió escribir un guion sobre lo que él creía que se hablaba en la canción. Tenían que grabar una nueva versión del tema para la película, y fue así que se decidió que había que aprovechar el éxito mediático para publicar un nuevo disco.

Y por supuesto, se esperaba que el disco fuera más comercial, por lo mismo contrataron a Chris Kimsey, a quien se le conocía por trabajar con The Rolling Stones y acababa de producir uno de los mayores éxitos de la banda Marillion. ¿El resultado de esa presión? Un gran éxito comercial que no se pudo sostener en el tiempo porque eventualmente la banda decidió separarse en 1992, luego de girar con sus dos últimos álbumes.

Pero claro, la banda se reunió de nuevo en el 2000, y han salido de gira varias veces mientras a su vez Richard y Tim Butler, su hermano y compañero de banda, producían proyectos personales. Pero a pesar de eso, no publicaron nueva música hasta el año 2020. Lo primero que han publicado desde World Outside en 1991 ha sido Made of Rain (2020). el cual ha sido agregado en muchas listas como uno de los mejores discos del año pasado. Felizmente, los años han pasado y podemos seguir viendo en el escenario a artistas que crearon el sonido que se volvió parte intrínseca de la personalidad de más de una generación.

Silvana Estrada — Marchita

Todo lo que se puede lograr con la voz.

Silvana Estrada llega con un nuevo álbum de estudio, el segundo en su discografía y el primero que tiene solo a su nombre (ya que su lanzamiento anterior, Lo Sagrado, lo realizó de la mano del guitarrista de jazz estadounidense Charlie Hunter).

Marchita fue grabado en la casa-estudio El Desierto, a las afueras de la Ciudad de México. Es un álbum que se siente íntimo pero grande al mismo tiempo. La voz de Silvana, fuerte y dulce a la vez, toma todo el protagonismo en un recorrido musical cuya emoción principal es la tristeza, acompañada siempre por una sensación de fuerza y dignidad.

El disco arranca con “Más o Menos Antes”, una pieza tranquila, compuesta solamente por la voz de Silvana y el cuatro venezolano, instrumento preferido por la artista y utilizado en todas las canciones del álbum. “La Corriente” entra justo después a acelerar un poco el ritmo. La canción nuevamente se apoya sobre la voz de Silvana y sobre su cuatro y se complementa con las notas de un teclado esparcidas por aquí y por allá.

“Te Guardo” empieza con Silvana arpegiando su instrumento, con un ritmo nuevamente veloz, pero no acelerado. Los golpes de voz que pega en la primera parte de la canción cautivan la atención enseguida y hasta enchinan un poco la piel. La segunda parte le da la bienvenida al álbum a unas percusiones y a un arreglo de cuerdas que bailan entre sí en el fondo, embelleciendo el paisaje que respalda las palabras de Silvana, siempre en primer plano.

“Un día cualquiera” cambia ligeramente la tónica, siendo musicalizada solamente por un golpe de tambor y unos aplausos, intercalados, que sirven para marcar el ritmo de otra participación vocal impecable de la cantante. Es quizás el momento en que su canto se siente más “tripas para fuera”, lo cual es mucho decir en un proyecto en el que siempre se nota a la cantante dejar todo de sí misma.

Al escuchar el álbum por primera vez, llegando a “Sabré Olvidar” tuve una fuerte regresión a estar escuchando “Hoy Mi Día Uno” de Natalia Lafourcade. Es quizás este momento en el que más se puede sentir la influencia de la otra talentosa cantante jarocha en Silvana. Aún así tienen sus diferencias distintivas. La manera en que Estrada suelta las notas es muy propia a sí misma, además que la grabación de Marchita transmite una sensación de cercanía e intimidad de la que Musas simplemente carece.

“Marchita”, la canción que bautiza el álbum, es otra interpretación vocal impresionante de parte de Silvana Estrada, que entreteje falsettos con pequeños vibratos sobre un cuatro siempre constante que marca el ritmo y complementa a la perfección las melodías vocales.

Ya hacia el final la artista nos sorprende con “Casa”, el momento más experimental del disco. Comienza solamente con la voz de Silvana, a la que comienzan a añadírsele sonidos suspendidos en el aire, así como notas de un piano que se siente extrañamente lejano y cercano a la vez. Poco a poco empiezan a aparecer sonidos ambientales más claros: puertas abriéndose, unas sillas siendo movidas, trastes siendo lavados. Un órgano acompaña todo este momento, dotándolo de una sensación espectral. Esta sensación se redobla cuando su voz adquiere un ligero delay, antes de la entrada de unas trompetas que aumentan más la tensión antes de que ésta se libere con la llegada de unas cuerdas que toman el centro del escenario. El resto de la canción se trata de un arreglo instrumental que se siente como si ahora la casa nos estuviera cantando de vuelta.

La última canción del álbum, “La Enfermedad del Siglo”, se trata de una pieza puramente instrumental, en la que la voz es llevada por una trompeta. Silvana comenta que este le parece un momento importante porque todo el disco es llevado por su voz y cerrar así es como un alivio vocal y emocional; permite cerrar con un respiro. Así nos despedimos de este viaje íntimo y sentimental que la joven cantante xalapeña nos comparte, con la promesa muy pronto traernos más.