Andrea Franz comparte su nuevo tema, “Sweet Things”

La perfecta representación gráfica de la nostalgia y los dulces recuerdos de un amor adolescente.

Desde las entrañas del Sur de California surgió Andrea Franz, una artista visual que reivindica la música con el sutil sonido del rock moderno y el dream pop para mostrarnos su extensa revolución de emociones; una premisa que utilizó en su más reciente sencillo "Sweet Things".

Con influencias de los 60 y 70, la cantante mexicoamericana nos narra el sentimiento que floreció en su corazón tras conocer a un chico que la hizo sentir mariposas en el estómago. Fue así como nació su perfecta representación entre la nostalgia y los dulces recuerdos de un viejo amor.

En mi nuevo single me aferro ilógicamente a la nostalgia y los dulces recuerdos de un amor de mi adolescencia con un sonido que mezcla shoegaze, y dream pop, el cual transporte a un baile en la prepa", destacó Franz en un comunicado de prensa.

"Sweet Things" también cuenta con un visual producido por la misma Andrea Franz, el cual evoca a un ambiente de colores que refleja la mansedumbre de saborear un algodón de azúcar; misma percepción que en algún momento experimentamos al enamorarnos.

Bajo el sello discográfico Discos Panoram, la cantante nos da una probada de su siguiente álbum debut, dirigido por Sergio Acosta, guitarrista de Zoé y que muy pronto saldrá a la luz. Por ahora te dejamos este hit para que los disfrutes.

Escucha “Lo Bueno De Morir De Amor”, lo nuevo de De Saloon

La banda chilena está de regreso después de dos años sin música nueva.

Para todos en este planeta han sido dos años bastante raros y difíciles. El gremio artístico también ha sufrido con las cancelaciones de conciertos y las complicaciones en la logística de lo que envuelve a todo el sector musical. Para De Saloon la pandemia significó un parón en seco en la producción de su nuevo disco, pero afortunadamente la banda ha regresado al estudio después de mucho tiempo para grabar canciones nuevas y terminar con la gestación de su nuevo álbum.

Recientemente fue estrenado el tema "Lo Bueno De Morir De Amor", una canción que tiene a la guitarra eléctrica como instrumento principal con notas que siguen la voz de Jean Pierre Duhart. El bajo y la batería son complementos perfectos en los coros, ya que ahí es donde podemos escuchar con más potencia estos elementos, aunque la guitarra vuelve a saltar hacia enfrente en el puente de la canción con un solo lleno de distorsión.

"Lo Bueno De Morir De Amormarca el regreso de De Saloon desde que salieron sus últimas dos canciones de estudio "Besos De Mentira" de 2019 y "Látigo De Fuego" de 2018. Es verdad que la banda ha estado activa desde entonces, pero es con demos y canciones en vivo, por eso que hayan sacado este tema es una buena señal para los fans de este trío chileno. Espera pronto más información en Indie Rocks! de este nuevo disco y de su inminente llegada a México para presentarlo en vivo.

The Kooks estrena video para “Connection” y anuncia álbum

El grupo británico adelanta tres nuevas canciones de su próximo material de larga duración.

El año pasado, The Kooks celebró el aniversario 15 de su álbum debut con una gira que llegó hasta México, y los fans no pudieron estar más contentos. Bien, pues el grupo británico liderado por Luke Pritchard se alista para un nuevo episodio dentro de su carrera, con un material de estudio próximo a estrenarse. Se trata del álbum 10 Tracks To Echo In The Dark, del cual ya puedes escuchar las primeras tres canciones.

De acuerdo con Luke Pritchard en una entrevista para NME, el título de 10 Tracks To Echo in the Dark alude a las mixtape realizadas en casete populares entre los años 80 y 90. El contenido del álbum, por su parte, fue inspirado por los cambios en la vida del compositor, quien recientemente se casó y tuvo un hijo con la cantautora Ellie Rosie. El video del primer adelanto titulado “Connection”, dirigido por Polocho, retrata la experiencia del enamoramiento.

Además de “Connection”, The Kooks compartió las canciones “Jesse James” y “Modern Days” a través de un EP titulado Connection — Echo in the Dark, Pt. 1, disponible en tu plataforma favorita de streaming. Se espera que el resto del álbum sea dado a conocer mediante avances de la misma longitud, por lo que te recomendamos mantenerte pendiente de las redes sociales de The Kooks.

¡10 Tracks To Echo In The Dark se estrenará el 22 de julio y puedes pre-ordenarlo en este enlace!

TheKooks_10TracksToEchoInTheDark_2022

  1. “Connection”
  2. “Cold Heart”
  3. “Jesse James”
  4. “Closer”
  5. “Sailing On A Dream”
  6. “Beautiful World”
  7. “Modern Days”
  8. “Oasis”
  9. “25”
  10. “Without A Doubt”

Bloc Party estrena “The Girls Are Fighting”

Es el segundo sencillo de Alpha Games, el próximo disco de la banda que saldrá el 29 de abril a través de Infectious/BMG.

Cuando una canción te engancha desde los primeros segundos, sabes que valdrá totalmente la pena escucharla completa y a todo volumen una y otra vez hasta el hartazgo. Ese es el caso de "The Girls Are Fighting", la nueva canción de Bloc Party, la cual cuenta con todos los elementos para mover cada extremidad de tu cuerpo.

 

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Tiene una batería frenética con un ritmo impecable de inicio a fin, con subidas y bajadas en la velocidad. La guitarra y la voz de Kele Okereke son las piezas clave de esta nueva canción, por un lado el instrumento cuenta con un par de solos que coronan la canción en los momentos cumbre de la misma. Por otro lado la voz y los coros grupales transmiten pura buena vibra a quien la escucha.

Acerca de la letra tan peculiar que tiene "The Girls Are Fighting"Kele comentó lo siguiente: "No hubo ningún incidente específico que inspirara esta canción; fue más una combinación de muchas cosas que he visto a lo largo de los años cuando estaba en clubes y veía estallar la violencia con rivales amorosos enemistados". La canción llega con un video oficial en el que vemos a los miembros de Bloc Party presenciar un combate violento de kickboxing entre dos chicas en el ring de un gimnasio.

Mira “Love Is Violence”, el nuevo video de Alice Glass

Una trama de suspenso romántico sobre las relaciones tóxicas.

Si algo caracteriza a Alice Glass es la dosis eufórica que transmite en cada una de sus composiciones y, a pesar de su salida de Crystal Castles en 2017, sigue conservando aquel toque de electropop que en su momento la dieron a conocer por todo el mundo; una esencia que volvió a relucir de forma independiente.

Y prueba de ello es el estreno de "Love Is Violence", un sencillo que formará parte de su siguiente proyecto discográfico PREY//IV, que saldrá el 16 de febrero a través de Eating Glass Records. Esta canción muestra el lado más oscuro de Alice que la cegó durante una relación tóxica y que no pudo salir con facilidad.

Casi todo el mundo puede relacionarse con los altibajos a veces insoportables que ocurren en las relaciones, pero los que hemos lidiado con parejas manipuladoras o tóxicas, hay otra capa de dolor. Cualquier persona que usa el 'amor' de su pareja para controlarlos, usarlos y lastimarlos es usar una de las tácticas de manipulación más crueles y repugnantes en la experiencia humana. Disfrazar las luchas de poder y llamarlo 'amor' es una forma de violencia contra una pareja", indicó la cantante sobre el significado de su tema.

Como parte de este sentimiento tóxico sobre el amor, la canción "Love Is Violence" cuenta con un video dirigido por Bryan M. Ferguson, el cual hace eco a una trama de suspenso romántico para ayudar a las personas a ver esas banderas rojas de violencia al estilo retro.

Cabe mencionar que Alice Glass lanzó previamente el sencillo “Baby Teeth" y su espeluznante video musical animado, así como “Fair Game". Sin embargo la nueva pieza se posiciona como la novedoso de su carrera, misma que te dejamos a continuación para que la disfrutes.

Valsian presenta su nuevo sencillo “Dejar de imaginar”

Una reflexión para dejar la ansiedad del enamoramiento.

Valsian, integrado por Eunice Guerrero y Óscar Domínguez, es aquel proyecto que no teme en compartir experiencias amorosas con canciones enérgicas y de buen ritmo. Tal es el caso de "Deja de imaginar", su más reciente sencillo y un previo a su álbum debut que está a a la vuelta de la esquina.

Con esta canción, el dúo mexicano explora sonidos más dulces y orgánicos, la cual es una petición hacia la persona con la que decidimos unirnos románticamente; o mejor dicho,  un llamado a vivir el presente y eliminar esos miedos que el concepto de amor romántico ha impuesto en nuestras cabezas.

Es probable que la mayoría de los que hemos sido parte de una relación amorosa, hayamos caído en la suposición de ser engañados o que nuestra pareja dudara de nosotros. Esta canción parte de esa segunda experiencia", destacó Eunice Guerrero, integrante de la banda.

"Deja de imaginar" viene acompañado de un videoclip, dirigido por Erick Mejía, que narrar la historia de una pareja a través de sus recuerdos más felices, un juego entre la memoria y añoranza. La hipótesis dentro del pop inteligente que nos invita a pensar y nos da otra perspectiva de la vida.

Es así como Valsian da un adelanto de su próximo EP, De mortal, amor tal, que muy pronto saldrá a la luz. Por ahora te dejamos este cuarto sencillo que podrás escuchar a continuación.

Ferraz está de estreno con el video de “Para Hacernos Bien”

La sutileza con la que las palabras te llegan al corazón.

"Para querernos bien, soltemos el ayer"

Una relación nunca va a funcionar si alguno de los dos involucrados aún vive en su pasado. Esto no es algo que diga yo, simplemente es algo que todos sabemos y deberíamos reconocer. El año pasado el cantautor venezolano compartió Fino, un álbum que además de hacerle honor a su nombre, demostró a través de sus letras los aciertos y las complicaciones a las que nos enfrentamos dentro y fuera de una relación; especialmente vale la pena mencionar "Para Hacernos Bien", tema para el cual Ferraz presenta su video oficial.

La canción cuenta con la colaboración especial de la cantante Erihka con quien logra hacer este impecable dueto en el que se debate la posibilidad de afinar un buen encuentro siempre y cuando ambos estén dispuestos a empezar de cero. Entre la melancolía sonora, Fidias Pinto nos muestra su interpretación de la melodía en medio de la naturaleza. Tanto Ferraz como Erihka se unen en el Vivero 64 para seducir con la premisa de la historia.

Da play a continuación para disfrutar de "Para Hacernos Bien":

El nuevo videoclip de Ferraz continúa a la publicación de "No Sé Perder" junto a Dromedarios Mágicos, tema incluido en su más reciente LP, Fino (2021).

A 20 años del 'Come with Us' de The Chemical Brothers

Cuando el big beat no lo es todo.

A principios del 2001, la música electrónica de baile comenzaba a experimentar cambios importantes. La escena rave y el halo de clandestinidad que la rodeaba, ya solo era mera anécdota en gran parte del mundo, la persecución de la que fue objeto en Reino Unido y en otros tantos países, había surtido efecto. Por otro lado, el house, el techno y el resto de sus ramificaciones comenzaban a fusionarse con otros géneros, sobre todo con el rock. Es en este contexto que el cuarto álbum de estudio Come with Us de The Chemical Brothers, vio la luz en enero de 2002.

Apenas tres años antes, el 9 de junio de 1999, Ed Simons y Tom Rowlands habían lanzado Surrender, disco que los terminó de posicionar como una de las bandas más importantes de la electrónica y del pop mundial. Un álbum orientado sobre todo al house con algunos tintes de big beat y rock, plagado de hits como “Hey Boy Hey Girl”, “Out of Control”, entre otros, el cual llegó al número 1 de las listas británicas. Así que la vara dejada por Surrender quedó muy alta, las expectativas de los fans y de la crítica especializada respecto a su próximo lanzamiento fueron muchas.

Cuatro meses antes de ser lanzado Come with Us, en septiembre de 2001 The Chemical Brothers publicó como primer sencillo “It Began In Afrika”. El tema de inmediato causó furor, es un track bailable emparentado con el techno, cargado de percusiones, ráfagas de sintetizador y sonidos ambiente muy propios de la jungla. El tema alcanzó el número ocho de las listas de sencillos del Reino Unido.

Finalmente, el 22 de enero de 2002 Come with Us sería lanzado bajo el sello Virgin Records y Astralwerks, del cual se desprendieron luego de “It Began In Afrika”, “Star Guitar” (número 8 en las listas de sencillos), “The Test” y “Come with Us” como sencillos. En dicho LP Ed y Tom repitieron la fórmula ya probada con éxito en Surrender, de contar con colaboradores de alto calibre, para esta ocasión Richard Ashcroft, Beverley Skeete y Beth Orton fueron los elegidos. El disco debutó como número uno en las listas británicas de éxitos. Además el track “Galaxy Bounce” fue incluido ese mismo año en la banda sonora de la película Lara Croft Tomb Raider.

En Come with Us, la dupla se hizo acompañar de Jared Faber en las baterías adicionales, Steve Dub como ingeniero de audio y en la guitarra adicional, Kate Gibb en el arte del disco y Shovell en las percusiones. El LP se mueve en los terrenos del big beat, el house y los breakbeats a partir de potentes kicks de batería, gruesas líneas de bajo, cuerdas, guitarras y un sin fin de efectos.

Pese a ello, el disco no fue muy bien recibido por un sector importante de la prensa, la llamada crítica especializada no quedó completamente satisfecha. Solo por citar un ejemplo, el prestigioso portal, Pitchfork, calificó a Come with Us con un 6.2, señalando que era un disco que carecía de originalidad, que la banda no sabía en qué dirección llevar su música. Sí, Come With Us otra decepción, no hay dos formas de hacerlo. Y todo porque Tom Rowlands y Ed Simons parecen confundidos acerca de a dónde les gustaría ir”, señalaba Nathan Rooney, colaborador de Pitchfork.

Portada Chemical Brothers

Si bien, Come with Us es un disco que a la primer reproducción identificas de inmediato que es The Chemical Brothers quien está detrás de los sintetizadores y de las cajas de ritmo por su sonido tan característico, es justo en ello en donde radica su debilidad, en repetirse, en recurrir una y otra vez a los breakbeats y al big beat sin la misma potencia y frescura de sus tres discos antecesores Exit Planet Dust (1995), Dig Your Own Hole (1997) y Surrender (1999), considerados los mejores de su discografía.

En su cuarta producción la mayoría de tracks pasan desapercibidos porque carecen de identidad propia, algo que por fortuna no ocurre con “It Began In Afrika” y “Star Guitar”, que con el paso del tiempo han cobrado valor como dos de los temas clásicos de la banda, infaltables en todos y cada uno de los shows que los hermanos químicos siguen presentando hasta nuestros días.

Es de llamar la atención que a diferencia de Surrender que en 2019 cumplió dos décadas de haber sido lanzado, y que la banda anunció con bombo y platillo la publicación de una reedición conmemorativa de lujo, de Come with Us, por lo menos hasta este momento, la dupla no ha informado nada acerca de alguna forma de celebración por el 20 aniversario de su salida al mercado. Lo cual deja muy en claro la relevancia que los mismos Tom y Ed le otorgan a este disco.

FRNCE — Serendipia

Ensoñaciones rítmicas, el disco debut de FRNCE.

Desde Mexicali, Baja California, nos llega el disco debut de FRNCE, Serendipia, publicado de manera independiente. Un proyecto que ha causado cierta expectación tras la notoriedad alcanzada por el par de sencillos lanzados el año pasado.

Sin miramientos, esta novel cantautora se arroja de lleno a la aventura de crear un álbum, cuando en otros tiempos, lo natural habría sido un EP, o seguir publicando singles, que al parecer vive su época dorada en el mainstream. Siendo esta, una tendencia entre los artistas de la Gen Z.

Durante la década de los 2000, los artistas mostraban su faceta más íntima o experimental en los lados B, losEPs o discos que compilaban sus “rarezas”, con el pasar de los años, esto se ha ido transformando, o en honor a la verdad, es el retorno del álbum como concepto. A través de 10 tracks, interpretados en inglés y español (las mejor logradas y donde se le nota más cómoda), se nos invita a transitar el mundo de FRNCE, lleno de sonidos alt pop bien producidos y liricas reminiscentes.

Podemos definir el disco como, la toma de consciencia sobre las andanzas vividas, emociones y pensamientos que todos podemos o pudimos experimentar en nuestra juventud. Como todo primer material, es autor referencial, tratando de mostrarnos de dónde viene y hacia dónde pretende ir.

Lo busca demostrar desde la primera canción “Fish”, con un comienzo calmo que rompe inmediatamente en una experiencia space rock, con instrumentales pesados, para regresarnos a la quietud del silencio. Mientras que “Cinnamon” nos muestra un lado más suave, basado en una combinación de folk con indie pop.

Como se dijo anteriormente, los momentos más destacados son los temas en español, “El Mundo” uno de los sencillos publicados, se siente natural y con una composición más compleja, con percusiones estilo dark wave y elementos de electropop combinados de mejor manera con la letra y la interpretación.

Calor” un tema con base punk pop, dinámico, sexy, directo, sobre el juego de las relaciones sentimentales. “Noches de abril” canción que cierra el disco, haciéndolo de gran manera, que combina folk con dream pop, donde la artista muestra su vulnerabilidad con esta interpretación.

En conclusión, tenemos un disco irregular, con temas bien trabajados pero dispares en su ejecución y resultado, fallas naturales considerando que es un debut y aún le falta camino por recorrer. Se agradece una nueva voz, con propuesta fresca y valentía, algo que siempre será bienvenido.

Entrevista con Yard Act

¿A quien no le gustaría poner a bailar a la gente?

Lo hemos visto una y otra vez, cada cierto tiempo llega una banda para romper la escena musical cobijada por la crítica y por el público, levantando las sospechas de algunos ante lo extraño que resulta del fenómeno. Sin embargo, Yard Act viene acompañado de algo extra: experiencia. Detrás de sus integrantes hay una década de trabajo, así que para la creación de su debut The Overload la meta es clara: hacer bailar al público, cómo nos cuentan James Smith y Ryan Needham para Indie Rocks!

El baile y el hedonismo son muy, muy importantes. Creo que el gozo es la cosa más importante en la vida, y debes aprovecharlo cada que lo encuentres. Y bailar, es algo que trae mucho gozo y genera comunidad”.

El disco que, sin salir a la calle, ya les otorgaba un espacio en la codiciada lista del BBC Sound 2022, fue escrito de manera remota, Ryan mandaba algunos tracks  con el esqueleto del ritmo mientras que James se dedicaba a poner su voz y letras sobre eso. Al final el disco se volvió en una especie de rompecabezas, algunas piezas se simplificaron y la voz de Smith se convirtió en el eje del trabajo.

Tratamos de mantenerlo relativamente simple, al final James nunca se repite, tal vez en 'Money and Run' hay una frase que se repite, pero no hay mucha repetición de ideas en sus letras, lo mismo cuando se trata de crear rimas, entonces todas mis líneas de bajo son extremadamente sencillas, lo mismo con las baterías... se trató de darle espacio, por que vaya que tiene mucho que decir (risas)”, comenta Needham para IR!.

Podría parecer broma, pero además de la constante cadencia de sus temas, el disco está cargado de un claro mensaje político. No hay posturas definidas, no hay un bando al que apoyar, pero si hay una explicita búsqueda del progreso y cierto optimismo debajo del evidente humor de la agrupación que busca abrir el debate, sin otorgar precisamente la solución, cómo lo comenta Smith.

Debatir y discutir es algo muy importante y creo que es la única manera en la que puedes generar progreso como sociedad, creo que el disco no propone ninguna respuesta, porque no estoy en posición de decirle a la gente como pensar o que sentir, creo que eso le corresponde a la gente”.

En The Overload  hay referencias a cambiar el sistema, a buscar nuevos horizontes pero  todo desde un punto de vista más humanizante, de ahí lo importante que es para ellos el sonido: una banda punk rock con un sonido minimalista que, de manera intencional genera un sonido basado en la rutina, invitando a la energética voz a hacer una ruptura, algo que, el frontman espera  se logre en vivo:

Una vez que lleguemos a los espacios en donde la gente pueda bailar en masa, es cuando vamos a poder ver el efecto de nuestra música en su totalidad. Cuando tu cuerpo está ocupado en algo, es ahí cuando tu mente es libre de consumir información y es ahí dónde creo que van a permear los mensajes de las letras un poco más”.

Yard Act se encuentra en plena promoción de su debut y mientras esperan a que todo regrese a la relativa normalidad se encuentran ensayando (por primera vez) juntos para darle ese sonido en vivo y de banda que no tuvieron durante la grabación que fue separada. Las cartas están sobre la mesa, todo puede suceder, el resto depende de la gente, cómo lo comenta su vocalista.

“Normalmente lo haces por que amas la música, y resulta que en estos momentos tenemos la oportunidad de arriesgarnos e ir por el sueño, en términos de seguridad no lo sé. Tuvimos que renunciar a nuestros otros trabajos, no fue una decisión fácil, pero tuvimos que hacerlo para poder seguir.