Local Natives estrena "Villainy"

Primero fue "Past Lives", ahora Local Natives anuncia "Villainy".

Después del lanzamiento de Hummingbird, Local Natives regresó este año al estudio para muy probablemente estrenar nuevo álbum, ya que el pasado mes de abril anunciaron "Past Lives". Ahora, los californianos llegan con "Villainy", estrenada esta tarde en la estación de Beats 1 por el presentador Zane Lowe.

"Villainy" es una canción con toques de sintetizador, y por supuesto, armonías resplandecientes muy de Local Natives. "Love is a chrome palace, lost in Los Angeles", cantan, haciendo referencia a su ciudad de origen.

Taylor Rice y Ryan Hahn hablaron con Lowe y comentaron que el tema se escribió mientras iban en un vuelo de regreso a casa después de un festival. Los integrantes también declararon que pueden llegar a escribir 50 canciones durante una explosión de creatividad, y así es como van reuniendo nuevo material discográfico.

A pesar de que aún no se sabe absolutamente ningún detalle de lo que será su próxima producción, es un hecho que Local Natives nos seguirá dando más sorpresas en el transcurso del año, y esperemos que el nuevo disco salga antes de que concluya este 2016.

Aquí abajo te compartimos "Villainy" de Local Natives. Y para que no te pierdas ningún detalle de la banda, síguelos en su Facebook.

Sigur Rós estrena música nueva

Los islandeses estrenaron “Óveður” durante una presentación.

Este fin de semana se llevó a cabo el Primavera Sound, uno de los festivales más importantes del mundo realizado en Barcelona, España, el cual tuvo un cartel inmejorable y uno de los headliners fue nada más y nada menos que Sigur Rós. Pero gracias a que por primera vez hubo una transmisión en vivo a través de Red Bull TV, algunos tuvieron la oportunidad de ver el live streaming desde la comodidad de su casa y otros tantos fueron más afortunados en poder asistir y deleitarse con todos los actos que habría en el evento. Uno de los más esperados de la noche del sábado fue el de los islandeses, que después de tres años de no presentarse en los escenarios, regresaron para reafirmar su legado y así demostrar por qué conectan tanto con sus seguidores desde 1997, cuando se estrenó su álbum debut, Von.

Sigur Rós sorprendió en dos momentos cumbre. Primero fue su aparición con una alineación de tres, conformada por el líder y vocalista Jón Þór Birgisson, Georg Hólm -bajo- y Orri Páll Dýrason -batería-. Luego, la actuación dio comienzo con un corte totalmente inédito: “Óveður”, nuevo tema que sorprendió a propios y extraños durante la presentación del festival en la que se dieron cita miles de asistentes. “Óveður” dejó un buen sabor de boca entre los fans. La banda abrazó el corte como si fuera uno más de sus éxitos, además de que interpretaron nuevas versiones de sus álbumes anteriores como Takk y Kveikur.

Esperemos que esta canción sea una señal de que muy pronto tendremos nuevo disco de Sigur Rós en nuestras manos. Mientras, se preparan para lo que será su gira en este verano que abarcará festivales como NorthsideGlastonbury, Fuji Rock, entre otros más, y para otoño tendrán conciertos en Norteamérica.

Para más detalles de Sigur Rós, no dejes de seguir su Facebook y Twitter. Y aquí abajo te dejamos la presentación de "Óveður".

Thee Oh Sees estrena “Gelatinous Cube” en vivo

Foto por Jaime Fernández

De uno de los dos materiales a estrenarse, Thee Oh Sees Live in San Francisco para ser exactos, ya se puede escuchar la versión en vivo de “Gelatinous Cube”.

Esta banda californiana, de impresionante ejecución en vivo, deja a la escucha la versión de “Gelatinous Cube”, una pieza que también estará en versión de estudio dentro de A Weird Exits, próximo salir a la venta el día 12 de agosto bajo el sello Castle Face, disquera de John Dwyer, líder de la banda. Porque sí, Thee Oh Sees es una agrupación tan creativa que tiene dos materiales próximos a estrenarse.

Los que hemos disfrutado un show de este proyecto podemos garantizar que la energía de la banda es brutal: mucho slam, crowdsurfing, sudor, distorsiones hipnotizantes y un sinfín de grandes alegrías. Todo esto se concentrará en el audio de Thee Oh Sees Live in San Francisco, con 11 canciones grabadas en tres conciertos que realizaron en The Chapel, recinto de su ciudad de origen, San Francisco.

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“Gelatinous Cube” es el penúltimo track de esta entrega, con la suficiente potencia para recrear lo sucedido en aquellas tocadas. Actualmente, Thee Oh Sees sigue toureando con John Dwyer al frente, dos baterías a cargo de Ryan Moutinho y Dan Rincón y el bajo de Tim Hellman.

The Strokes – Future Present Past EP

El nuevo EP de The Strokes nos pone a pensar si son oportunistas o inteligentes

Los eventos suceden y los contemplamos como si fueran un auto a toda velocidad. Giramos la cabeza desde que escuchamos el motor, y seguimos guiando la mirada hacia la dirección en que se conduce el zuuuum. O bien somos los que manejamos como diablos ardiendo, pero sin ninguna razón. Solo porque sí. Apretamos el acelerador, movemos la palanca, una vez más nuestro pie contra el acelerador, sentimos nuestro cuerpo vibrar con el zumbido, manos al volante. ¡Zuuuuumm! Adrenalina por la sangre. El fluir de la rutina, de cada día, de cada hora, nos empuja a actuar o ver las acciones que ocurren frente a nosotros sin notar qué está ocurriendo. De repente, pensamos en el pasado y ahí todo tiene sentido. El presente adquiere significado, nuestro estado actual toma forma y encontramos el por qué de muchas preguntas. El pasado está lleno de hechos históricos personales.

15 años después de publicar su primer EP, The Strokes presenta un segundo, Future Present Past. Cinco álbumes entregados y ya no firma con RCA, sino con Cult Records, el sello de Julian Casablancas. Son dueños de sí mismos. No es 2001 con el new metal a tope y el pop desechable expulsado por las disqueras desenfrenadamente. Es 2016, y la música ahora está fuera de control. Encuentra sus propios cauces. Un EP de The Strokes puede significar tanto como el retorno al inicio, el pretexto para poner su nombre arriba de los carteles de festivales o el primer paso de una banda aclamada en entender los nuevos formatos.

Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond Jr., Nikolai Fraiture y Fabrizio Moretti tienen en el primer tema, "Drag Queen", una vista hacia el futuro con un sonido de una agrupación del pasado. Bajo y synth suenan a New Order en una pieza bailable, semioscura, con la voz de Casablancas alternando tonos entre párrafo y párrafo. Tu cuerpo se mueve, Casablancas casi ha desaparecido del corte, a lo lejos lanza alaridos, el track encuentra el punto que quiso desde el principio. Llega al límite y se deja caer con un solo de batería desesperado por terminar. Un descanso, porque si entraste en ella te deja molido.

En el presente, "OBLIVIUS", los temas recurrentes de Casablancas aparecen de nuevo. La confusión y los dilemas existenciales lo llevan al borde del grito de furia, el alarido rabioso que ya escuchábamos en "Ize of The World": “What side are you standing on?, What side you standing on?, What side are you standing on?, What side you standing on?”. Con una guitarra futurista rodeando el tema, un ser invadido por lo contemporáneo se pone furioso ante los reclamos del mundo, su enojo se convierte en un riff-garage de Valensi, que sigue Hammond muy de cerca. Como en una carrera de relevos, entra con el ritmo para contener esta fuerza en que se ha transformado la canción, la voz se va apagando, en un autoconsuelo, y de nuevo “What side are you standing on?, What side you standing on?, What side are you standing on?, What side you standing on?”. La furia no se detiene.

"Threat Of Joy" es un viraje al sonido que los proyectó al inicio de su carrera en Is This It? con la estructura de "Soma" y "Alone, Together". Podría tratarse de una declaración de Casablancas por reestructurar su vida: “And for the first time in my life, I’m gonna get myself right”. Arranca de una manera que nos hace pensar en la dirección para hacer, en seguida, una pausa. Toma otro rumbo. Se conduce a dos velocidades, al principio en la velocidad de los temas, y luego en los coros en donde el individuo parece reflexionar sobre los cambios que está haciendo -la velocidad disminuye-.

Quién sabe cuál será el significado de este EP, quién sabe qué haya detrás de este lanzamiento, pero si ellos nos van dar piezas de este calibre, que hagan lo que quieran. Y ya veremos en 15 años el significado de Future Present Past, por lo pronto pisemos con fuerza el acelerador porque la adrenalina quiere ser el combustible; porque el horizonte está muy lejos y el sol se está poniendo.

Angel Olsen anuncia nuevo disco

La cantante estadounidense confirma el lanzamiento de un nuevo álbum, My Woman.

La aventura musical de Angel Olsen continúa con My Woman, su tercer álbum de estudio. Este material será el sucesor de su disco Burn Your Fire For No Witness (2014) y verá la luz el próximo 2 de septiembre a través del sello Jagjaguwar.

En total son 10 canciones las que darán vida a su tercera entrega y de las cuales ya conocemos el primer sencillo. "Intern" es una balada para el corazón, una pieza musical que cautiva gracias a su registro vocal y que nos hace enamorarnos una vez más.

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Para la materialización de My Woman, Olsen trabajó con el productor Justin Raisen -Charli XCX, Sky Ferreira, Santigold- y decidió grabar en los históricos Vox Studios de Los Angeles. Además de confirmar nuevo trabajo, la originaria de St. Louis, Missouri, anunció una gira masiva por el Reino Unido.

Abajo te dejamos con el tracklist y el primer sencillo, "Intern":

Tracklist de My Woman:

1. Intern
2. Never Be Mine
3. Shut Up Kiss Me
4. Give It Up
5. Not Gonna Kill You
6. Heart Shaped Face
7. Sister
8. Those Were The Days
9. Woman
10. Pops

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Deerhoof comparte “Acceptance Speech”

La agrupación estadounidense nos comparte un nuevo adelanto de su próximo álbum, The Magic.

Desde que anunciaron nuevo disco en abril de este año, Deerhoof nos ha regalado algunos sencillos que resonaron en nuestras cabezas como "Plastic Thrills""Debut"“Criminals of the Dream” “That Ain’t No Life to Me”. Ahora es momento de escuchar un nuevo tema previo a su estreno.

"Acceptance Speech" es una canción en la que destacan las vocales de Satomi Matsuzaki envueltas por riffs de guitarra que nos llevan a dar un paseo por ambientes soleados. Al respecto, Greg Saunier comentó en una entrevista que el corte "proviene de la música que solíamos escuchar cuando éramos niños".

The Magic es el título de su próxima entrega que tiene fecha de salida para el próximo 24 de junio vía Polyvinyl Records. En total, son 15 cortes los que integran este trabajo grabado en tan solo siete días en el desierto de Nuevo México.

Tracklist de The Magic:

  1. The Devil and his Anarchic Surrealist Retinue
  2. Kafe Mania!
  3. That Ain’t No Life To Me
  4. Life is Suffering
  5. Criminals of the Dream Model Behaviour
  6. Learning to Apologize Effectively
  7. Dispossessor
  8. I Don’t Want to Set the World on Fire
  9. Acceptance Speech
  10. Patrasche Come Back
  11. Debut
  12. Plastic Thrills
  13. Little Hollywood
  14. Nurse Me

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Wild O' Fest en la Carpa Astros

Wild O’ Fest y la sorprendente invasión de los titanes del surf-garage.

Fuertes: así calificamos a nuestra extraña mutación que hemos aprendido a conservar. En la CDMX cada día es un nuevo reto. En medio de manifestaciones, la contingencia, cierres viales y transporte público insuficiente, somos fuertes, sobrevivientes en cuerpo y espíritu.

Tal pareciera que estábamos envueltos en un sábado cualquiera, donde el alma regresa a un cuerpo casi inerte que luchó por llegar al fin de semana y descansar de su entorno. Pero el calendario dice otra cosa. Cual si fuera un oráculo, señala que nuestro destino se encuentra en la Carpa Astros, que en muy poco tiempo se está convirtiendo en uno de los venues más importantes de la ciudad.

La primera edición del Wild O’ Fest organizada por Super Bookers reunió a algunas de las agrupaciones más importantes de la escena surf-garaje global. Un cartel conformado por The Sonoras, Los Moustros Del Espacio Exterior, Los Esquizitos, Lost Acapulco, The Fleshtones y Wau Y Los Arrrghs!!! logró establecer un perfecto equilibrio entre la difusión de futuras promesas nacionales y el interés por traer auténticas leyendas vivientes del género.

Con el gusto de recibir un trato amable desde el acceso al recinto, pasando por el filtro de revisión y la zona de acreditaciones, la organización se lleva las palmas por una labor limpia y notoria para todos los asistentes. La recepción corrió a cargo de Topanga Love & LoveMaker ofreciendo un interesante vinyl selector en la explanada de la carpa.

Posteriormente, The Sonoras fueron los encargados de abrir las actividades del festival con su “Surf Western Instro” como carta de presentación. Promocionando su primera maqueta Cuatro Vientos, pinta para ser una propuesta innovadora en un género que ansía contar con sangre nueva en sus filas. Oficialmente, daba inicio una gran fiesta donde luchadores anónimos, rocanroleros y garageros compartieron una misma pista de baile, gigante y majestuosa.

Había una amplia expectativa por ver a una agrupación que llegó desde Culiacán, Sinaloa, con un notorio crecimiento y una calidad indiscutible: Los Moustros Del Espacio Exterior pusieron a bailar a todo el público que poco a poco iba llenando los huecos que quedaban en la carpa. Canciones como “Alocadamente”, “Bule Bule” y un tributo a la icónica “Misirlou” de Dick Dale fueron una autentica explosión de alegría en una audiencia que ovacionó y agradeció a unos Moustros que reafirmaron no ser de este planeta.

No hay mucho tiempo para descansar. Contradiciendo la creencia que dicta que las cosas buenas tardan en llegar, las piernas de los asistentes se prepararon para un nuevo reto. Los Esquizitos salieron al escenario con toda su fuerza reflejada en temas como “El Planeta Sexual” y “Pum-Pum Bang-Bang”. Experimentales y viscerales, los originarios de la Ciudad de México fortalecieron la unión con sus fans bajo una misma premisa: “Adiós tristeza, hola botella de licor”.

El reloj seguía su pesado curso, el sol moría una vez más, pero el entusiasmo dentro de la carpa se mantenía intacto, así como el instinto de supervivencia por no ser aplastado por una ola de luchadores que se preparaban para afrontar un ritual de más de tres caídas, pero con limite de tiempo. Con un épico opening digno de una lucha estelar en la Arena México, Lost Acapulco comenzó su set en medio de gráficos del Dr. Alderete proyectados en las pantallas y contando con la presencia del gran Danny Amis en el bajo.

No podían faltar las clásicas “Surf Mongol”, “El Garage De Gina Monster” y “Acapulco Golden” que son garantía de un buen slam, donde se emulaba, por momentos, las maniobras de Santo, El Enmascarado de Plata. Un homenaje a “Demolición” de Los Saicos puso fin a la presentación de Lost Acapulco, dejando la inmensa pista de baile preparada para disfrutar de unos referentes directos del género a nivel mundial: The Fleshtones.

Con más de 20 álbumes grabados y giras por toda Europa y Estados unidos, los comandados por Peter Zaremba complacieron a sus fans más arraigados y cautivaron a muchos otros que se dieron la oportunidad de conocerlos. En todo momento agradecidos, la banda fundada en 1976 ofreció un show energético, repleto de saltos y alegría desprendida por sus integrantes.

Pero la hora se acercaba, la Carpa Astros se envolvía en una atmósfera de nostalgia -aquella sensación de no quererse despedir, de ver partir a alguien muy querido-. Cuando las luces se apagaron, un grito psicótico invadió el ambiente y la nostalgia se convirtió en locura, las gargantas se unieron en un solo grito que pronunciaba “¡¡si, si, si!! ¡¡El garaje ya está aquí!!” Fue así que las primeras notas de “Delincuente” repletas de fuzz anunciaron la entrada triunfal de los internacionales Wau Y Los Arrrghs!!!

El penúltimo concierto en la carrera de la banda originaria de Valencia, España, convirtió al venue en un auténtico manicomio. Liderados por Juanito Wau, un showman en toda la extensión de la palabra, hizo saltar y vibrar a todos y cada uno de sus fanáticos que a todo pulmón corearon todas las canciones.

Verdaderos himnos como “Nunca La Quise”, “Hey, Monstruo, Hey” y “Rey De Tablistas” reafirmaron por qué son una de las bandas más importantes de garaje-punk en el mundo. A su vez, con gran gusto, Juanito Wau resaltó la importancia de los asistentes mexicanos en la trayectoria y el éxito de la agrupación, no sin antes bromear y bailar con su característico estilo.

Pocas veces puede verse un show tan energético en sincronía con la fanaticada, un desplante de locura desenfrenada podía verse a lo largo y ancho del foro. No cabe duda: lo antes presenciado fue una digna despedida para un proyecto que sabe hacer bien las cosas, que se entregó a su publico y que dejará un legado que pocos podrán alcanzar.

Todo lo vivido se refleja directamente en los rostros de toda persona con la que cruzo mirada al salir. A lo lejos se oyen comentarios satisfechos, veo cuerpos cansados esperando un taxi libre, aquellos luchadores anónimos se pierden entre la gente. Ganaron todos la lucha diaria que nos consume de lunes a viernes, la que nos hizo mutar y nos hizo fuertes.

The Kills – Ash & Ice

Más que guitarras en el nuevo de The Kills.

Cinco años pasaron entre Blood Pressures  y Ash & Ice, el quinto álbum de estudio de The Kills. Durante esa media década pasaron muchas cosas: la banda siguió en activo tocando por todo el mundo; Mathew, el hermano chef de Alison se comprometió y separó de Kelly Osbourne y Jamie se divorció de Kate Moss.

No queda duda, The Kills forma parte de la realeza británica del rock. Estas experiencias inspiraron las canciones del álbum. “No puedo decir que estuvimos influenciados por alguna película o artista en específico. Más bien por todo lo que pasó en ese periodo. Teníamos alrededor de 45 canciones escritas cuando entramos al estudio en L.A., fue un proceso de ver cuáles tenían más fuerza e iban bien juntas, que sonaran como un cuerpo de obra”, explicó Alison a Indie Rocks!, unas horas antes del lanzamiento de la nueva placa. “Las elegimos de forma intuitiva, las que sonaran más frescas. Ya con la selección, fue más fácil encontrar el tono del disco”, agregó.

Para este álbum, la agrupación contó con el apoyo de John O´Mahoney, quien fungió como coproductor. “Cuando se unió al proyecto ya llevábamos un rato trabajando, no participó mucho en el proceso creativo. Casi todo estaba listo, él fue el ingeniero, fue fantástico. Nos ayudó mucho a encontrar la frecuencia adecuada”, explicó Mosshart. “En cuanto a la composición seguimos siendo los opuestos que se complementan. Jamie empieza con el ritmo, yo con las letras, mis rolas casi nunca tienen ritmo hasta que él las toma. Es perfecto”, aseguró.

The Kills buscaba superarse y sonar distinto. “No queremos ser un cliché del rock n'roll, también queremos hablar de cosas lindas”, explicó la también miembro de The Death Weather.  Esta intención es clara en cortes como “Bitter Fruit”, la dulce y esperanzada “Echo Home” y también en “Doing it to Death”, que muestra más sonidos electrónicos de los acostumbrados. Quizá los sintetizadores se deban a la lesión que Hince sufrió en la mano, pero sin importar la razón, este elemento ayuda a refrescar el sonido, sin quitarle protagonismo a los deliciosos riffs a los que nos tienen acostumbrados. The Kills sigue sonando a The Kills, pero un poco mejor. “La instrumentación no cambió mucho. No hicimos cosas locas, la base continúa siendo guitarra y voz, solo que ahora hay más bajos”, dijo Alison.

Para dirigir los videos de sus primeros singles, “Doing it to Death” y “Heart of a Dog”, el dúo reclutó a Wendy Morgan y Sophie Muller respectivamente. “Queríamos mostrar el lugar donde grabamos, por eso el video es en L.A. Me encantan los cementerios californianos porque no tienen nada de gótico. Además el título habla de muerte, entonces iba al caso. Otro de los temas del disco es la repetición, por eso en el video la coreografía es repetitiva. En eso se convierte la vida: en una repetición”.

Ash & Ice también se diferencia de los trabajos actuales por incluir dos pósters y un booklet con las letras. “La portada está inspirada en dos libritos que me compré. La parte visual es importante para mí, yo amo los discos que tienen las letras impresas. Así debería ser todo. No somos una banda de singles”.

Aunque este trabajo apenas vio la luz, los fans ya se saben los tracks. “Hemos tenido una gran respuesta, corean los temas nuevos. Creo que va a ser grande”. Y es que si bien las guitarras permanecen en temas como “Black Tar”,  lo oscuro está presente en “Impossible Track”,  además de la sensualidad. La voz de Mosshart alcanza nuevos matices en “Death Row”  y los ritmos bailables se aparecen en momentos como “Siberian Nights” , la base rítmica de “Days of Why and How” o la ecléctica “Let it Drop”.

Los Kills siguen siendo los mismos: sucios, fashion, rockeros, llenos de estilo. Solamente que ahora son un poco más sofisticados y profundos. La edad les sienta bien.

Lee aquí nuestra entrevista con The Kills.

Camilo Séptimo en el Lunario del Auditorio Nacional

Un concierto lleno de luces y colores fue lo que nos ofreció Camilo Séptimo.

Dicen que el amor es un secreto que los ojos no saben guardar. Y es que cuando uno está enamorado no es necesario decirlo, nuestro cuerpo nos delata. La respiración se vuelve más profunda, el corazón se acelera, la piel se eriza y el cerebro se desconecta de la realidad: todo en una fracción de segundo.

Esta minúscula palabra, compuesta tan solo por cuatro letras, se ha convertido en el tema principal de Camilo Séptimo. En palabras de Manuel Mendoza (voz y bajo), sus padres fueron quienes le enseñaron el significado del amor real, un sentimiento que permea en sus letras y canciones.

Para quienes aún no conocen a Camilo Séptimo, es una de esas bandas que ha logrado mucho en tan poco tiempo. A pesar de que solo cuentan con un EP y varios sencillos, nos han demostrado de lo que son capaces arriba del escenario, y para muestra el reciente sold out que tuvieron en el Lunario del Auditorio Nacional.

Su presentación, aunque fue algo corta, estuvo llena de sorpresas e invitados especiales como los propios integrantes de Reyno. Pablo Cantú subió para tocar “Miénteme”, mientras que Christian Jean apareció a mitad de la canción "No Confíes En Mí” para continuar con los coros. El hermano de Coe también subió al escenario para acompañarlo en un tema que iba con dedicatoria a sus padres.

Uno de los momentos más bailables de la noche fue cuando sonó “Eres”. Los celulares se encendieron al igual que la euforia de los fans ahí reunidos. Personas de todas las edades, grandes y chicos, jóvenes acompañados de sus padres y padres portando con orgullo la playera de la banda favorita de sus hijos -Camilo Séptimo-, convivían en armonía y se dejaban llevar por las alegres y aterciopeladas estrofas de esta agrupación capitalina.

“Muchas gracias por haber venido. Estamos muy contentos, nuestro primer Lunario”, son las primeras palabras que se dejan escuchar por parte de Coe quien, por cierto, después de interpretar un par de canciones se fue y regresó con otro vestuario un poco más ligero. En la pista la gente brinca, canta con los ojos cerrados, aplauden, las parejas demuestran su cariño y otras más discuten: todo eso también pasa en una fracción de segundo.

Finalmente, luego de un poco más de una hora, es momento de despedirse. Camilo Séptimo agradece a todos una vez más por haber asistido y después de escuchar un par de temas nuevos termina con su más reciente sencillo, “Neón”, en medio de luces que resplandecen con la intensidad de esta banda que está dispuesta a conquistarnos cada vez que los tengamos en frente.

La Femme estrenó nuevo sencillo

"Où va le monde" es la más reciente canción publicada por La Femme, y formará parte de su nuevo disco.

La banda de psicodelia francesa que celebró con 9 años de Indie Rocks!, La Femme, estrenó hace algunos días el video para el sencillo “Sphynx”. El alucinante video fue realizado por la misma banda junto a la productora, Aymeric Bergada du Cadet. Este tema forma parte del nuevo álbum, siendo el segundo en su carrera, que se publicará el próximo 2 de septiembre bajo el sello Disque Pointu.

Ve el curioso video, una mezcla de psicodelia con la cultura egipcia, tanto en sonido como en imagen:

El día de hoy, 3 de junio de 2016, también deja a la vista el nuevo video para el segundo sencillo, "Où va le monde", una canción más tranquila de lo que normalmente escuchamos de esta banda, con un buen ritmo e ilustrada por un irreverente video casero, hecho por ellos mismos. El video narra una conflictiva historia de parejas, actuadas por los integrantes. Chécalo aquí.

Por el título del corte, La Femme afirma: "No es sobre el sistema, ni sobre el calentamiento global o una canción sobre la crisis migratoria. 'Où va le monde' sigue siendo sobre seres humanos, sobre la vida, sobre el amor. Porque todo es contradictorio, y todo es uno y único, porque el ahora está en el final del pasado y el principio del futuro. El futuro está sonando muy incierto. Entonces, ¿dónde está el camino de nuestro mundo?".

Así el arte del sencillo:

LA-FEMME_OU-va-le-monde