Entrevista con Cat's Eyes

El tesoro de lo desconocido: entrevista con Rachel Zeffira de Cat's Eyes.

Gran parte del atractivo de los rockstars es un dejo de misterio que siempre manifiestan tanto en sus letras como en su imagen pública. Ese enigma de intentar saber qué está pensando o por qué escriben de tal cosa. Lo hemos visto desde Bowie y Klaus Nomi hasta Alex Ebert (Edward Sharpe & the Magnetic Zeros) y el propio Silverio. Rachel Zeffira, una mitad del duo de pop oscuro Cat's Eyes, tampoco quiere dejar nada a la luz y, por admisión propia, ha recurrido a métodos poco ortodoxos y peligrosos para mantenerlo así. Si eso no es actitud de artista, entonces no se qué lo sea.

Con motivo del lanzamiento de su segundo trabajo de estudio, Treasure House, platicamos con Rachel e intentamos indagar un poco más en qué motiva su arte e ideología.

“Empezamos esto hace seis años. Faris Badwan [la otra mitad de la dupla y líder de The Horrors] y yo escribimos canciones por diversión, ya sea por correo o en persona. La verdad, nunca planeamos convertirnos en una banda,” comentó.

La mezcla entre dos personalidades tan diferentes musicalmente podría causar extrañeza, pero es precisamente esa combinación la que invita a escuchar ese hipnótico estilo –que combina pop sesentero con arreglos clásicos–, que es precisamente donde entra la contribución de Rachel.

“De niña, mis papás me hicieron tomar lecciones de piano. Yo las odiaba [risas]. Dejé las lecciones pero entonces aprendí a tocar mejor, porque no fui obligada y lo estaba haciendo por volición propia. Afortunadamente ya tenía suficientes habilidades. La música es lo único en lo que soy buena. Es un hobby insaciable y soy muy obsesiva. Eventualmente aprendí a tocar el theremin, el oboe y la viola en la banda de la preparatoria. Siempre me emociona aprender a tocar un instrumento nuevo y siento que es importante para el crecimiento de la banda”, detalló emocionada.

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Su material debut homónimo salió en 2011, pero tuvieron que pasar cinco años para una secuela, debido a la apretada agenda y compromisos artísticos de ambos. Pero al juntarse, pareciera como si se hubieran dejado de ver ayer.

“Empezamos a escribir las nuevas canciones antes del primer disco. Fueron cinco años de escribir material. Mientras tanto The Horrors hizo más discos y yo hice mi disco solista (The Deserters, 2012). Fue un lujo hacer todo por mi cuenta y lo intenté hacer con el mismo proceso que tuve con Cat's Eyes. También quería entrar a hacer algo sin saber bien qué era lo que quería, para que se fuera creando de forma espontánea,” dijo.

Siempre ha habido una sensación de peligro, paranoia y despecho tanto en sus letras como en la parte musical, donde las orquestas amenazantes hacen colisión con los susurros engañosos de Zeffira y los aullidos desesperados de Badwan.

“Todos tomamos riesgos en nuestras vidas. Es esa parte del peligro que nos atrae como músicos y compositores. Nos aburrimos y tratamos de experimentar con cosas. Como cuando tocamos en el Vaticano; lo hicimos porque fue una elección rara y parecía ridículo. Surgió en parte cuando trabajé con Vogue –me dieron una pieza musical y la cambié a música sacra–. Fue un gran reto el cambiar una canción pop a música eclesiástica. Tuvimos incluso que interpretar toda la misa y aprendernos las arias y las comuniones, pero las tocamos con nuestro estilo y arreglos. Para entrar y tocar ahí les dije que éramos un coro católico establecido [risas],” relató.

Es precisamente esa noción de travesura y farsa la que ha incentivado durante toda su vida a Zeffira para cumplir sus metas, como cuando fingió tener 26 años y tener una maestría para conseguir trabajo como maestra o decir que un tema nuevo fue compuesto para un embajador y poder interpretarlo en el Buckingham Palace. Ante estas menciones, Zeffira no puede sonrojarse y acusarme.

“¿Me estás llamando mentirosa? [risas] Sí, tiene un poco de cierto que me gusta cambiar las verdades. No me gusta que todo esté para muestra. La gente no tiene que ver todo. Me interesa más jugar con las expectativas y cambiar la verdad. Eso se muestra en nuestra música, eso es lo que hacemos Faris y yo y es quien soy al final”, concluyó.

SOJA en El Plaza Condesa

Noche de reggae latino y buenas vibras con SOJA y Golden Ganga.

Para los que todavía creen que solo los jamaiquinos saben hacer reggae, ayer se presentaron con éxito en El Plaza Condesa dos bandas no originarias de esa región que pusieron todo su talento en el escenario y nos hicieron bailar sin descanso durante casi tres horas. Para empezar los encargados de abrir el concierto de SOJA, fueron los jaliscienses de la agrupación Golden Ganga, que ofrecieron una noche alocada desde la primera canción, “Gracias”, en punto de las 20:45 horas, mismo tiempo en que el sitio se comenzó a llenar.

La segunda canción en sonar fue “Nada es casualidad”, con la que la gente comenzó a levantar las manos para moverlas de izquierda a derecha y gritar emocionados con el reggae, rock, y ska de la banda telonera, que no se fue sin hacer un llamado a los mexicanos para estar unidos y sobrellevar lo que pasa en nuestro país. También dedicaron la canción “Cocktail” a todas las mujeres presentes en el show y terminaron su presentación puntual para dejarle el escenario a SOJA, una agrupación estadounidense que suena como africana y vibra de una forma tan positiva, que logró reunir a miles de personas para disfrutar de su música y bailar lentamente.

Luego de publicar varios éxitos discográficos y de posponer su presentación del año pasado en México, SOJA se presentó con éxito para ofrecer a sus fans la música de su reciente álbum Amid The Noise and Haste, que contiene 17 canciones y salió en el 2014 por el sello discográfico Som Livre. Cabe mencionar que con este disco ganaron el premio Grammy al mejor álbum de reggae en Estados Unidos.

Toda la noche nos hicieron vibrar al ritmo de reggae con solos de percusiones, saxofones, guitarras y bajos, además de las voces matizadas en cada canción. En total fueron 22 temas los que tocó la agrupación, 17 de este disco y cinco de sus otros materiales discográficos, pero fue desde la segunda rola que el olor a hierba se hizo presente en el lugar. Al mismo tiempo, los asistentes comenzaron a cantar. En El Plaza, todo estaba lleno y con varios amontonados, mismos que no dejaron de cantar, levantar las manos y gritar al ritmo de canciones como “True Love”, "Your Song” o “Rest Of My Life”, con las que los ánimos se prendieron y se evocó un escenario caluroso que daba ganas de estar en la playa.

Lee aquí nuestra entrevista con SOJA.

PJ Harvey comparte canción inédita

Polly Jean Harvey estrenó "Guilty", canción que fue grabada en 2015.

Con 11 placas en su haber, la cantautora británica PJ Harvey regresó a la escena musical el pasado mes de abril cuando estrenó su más reciente material, The Hop Six Demolition Project a través del sello Vagrant Records. De este nuevo trabajo se desprenden los cortes "The Community of Hope", "The Orange Monkey" y "The Wheel", los tres ya cuentan con su respectivo acompañamiento visual.

Hoy PJ Harvey sorprende con un tema totalmente inédito el cual lleva por nombre "Guilty". Este pequeño extracto fue grabado en 2015 durante su estadía en Somerset House, ubicado en la ciudad de Londres. El arte de la imagen que se muestra a continuación en el video, estuvo a cargo de Michelle Henning 

Aunque "Guilty" muestra un lado más oscuro, lo que PJ Harvey nos acaba de entregar al compartirla con todo el mundo, es inevitable negar que es una gran pieza.

Este sencillo inédito no se incluyó en The Hope Six Demolition Project por la línea que se manejó en el mismo, sin embargo "Guilty" fue parte de proceso para concebir esta la onceava placa de la británica.

The Hope Six Demolition Project ya se ha presentado en algunos festivales como lo fue en el Primavera Sound de Barcelona y en Oporto. Además PJ Harvey ya tiene contemplada una gira por Europa, la cual abarcará recintos como Øya en Noruega, Bime Live Festival en Bilbao, España, entre muchas fechas más.

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PREMIERE: Coma Pony estrena su primer video oficial

¡Checa el primer video oficial de Coma Pony!

Hace unos días, les presentamos a nuestra nueva banda favorita de Chihuahua, Coma Pony. Estos jóvenes (Juan, Chuy, Diego, Leo y Marco), además de adorables, son una propuesta fresca que nos atrapó con su talento musical.

Hoy, en exclusiva para Indie Rocks!, presentan el primer video oficial de su carrera: "En Domingo Las Niñas Van A Jugar Al Parque". Dicho tema, es uno de los cuatro que vienen incluidos en su EP debut, Pony en Coma, y el sencillo que los ha dado a conocerse a lo largo de la República Mexicana por medio de plataformas digitales –específicamente Spotify–, gracias a su inclusión en la playlist Distrito Indie.

"Un día de niñas pasándola bien con la canción más feliz de la historia".

"El video lo hicimos con ocho amigas, les platicamos la idea y les agradó. Funcionó muy bien porque a todas les gustaba esa canción. Una de ellas puso su casa y fue ahí donde grabamos. No teníamos presupuesto de nada *risas*, entonces Leo y yo grabamos ciertas tomas y para que todo fuera más natural, le dimos la cámara a ellas y también grabaron en ciertas partes. Se puede ver a las chavas en su cotorreo, luego cómo van rumbo a el parque a jugar. También quisimos simular que ellas estuvieran tocando" –como una girl band–, nos comentó Marco.

Además del estreno de su video, queremos compartirles que Coma Pony estará presentándose en la CDMX el 15 y 16 de este mes. Por favor, créanos cuando les decimos que deben ir a verlos.

“Los haremos creer en el amor a primera vista y nunca los vamos a defraudar. Coma Pony está aquí para quedarse así que esperen cosas muy bonitas de nosotros para ustedes", compartieron hace unos días en entrevista.

En el norte hay futuro y el futuro es hoy. No pierdan más el tiempo y denle play ya a esta banda chihuahuense. ¡Suerte!

Lee aquí nuestra entrevista con Coma Pony.

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Hinds estrena video para “Warts”

Una historia de (des)amor en el nuevo video de Hinds.

Hace menos de un mes, Hinds estuvo de visita por tierras aztecas para ofrecer una vibrante presentación en el Foro Indie Rocks! Carlotta Cosials, Ana García PerroteAde Martín y Amber Grimbergen, nos demostraron lo mejor que saben hacer arriba del escenario, encendiendo el ánimo de los asistentes con su sonido garage rock.

Hoy, las españolas tienen bajo el brazo un nuevo video, el último que se desprende de su álbum debut Leave Me Alone (2016). La canción “Warts” fue la elegida para crearle su respectivo acompañamiento visual y en él podremos ver la historia de una pareja en la que el chico luce estar más feliz y enamorado que su novia. El final es un tanto inesperado.

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La dirección del videoclip corrió a cargo de Pedro Martin-Calero, quien ya había trabajado anteriormente con Hinds para el video "Garden". También destaca la arquitectura de algunos edificios, los vestuarios de los personajes, el maquillaje y hasta la paleta de colores.

Disfruta aquí abajo el video para "Warts".

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Entrevista con Izal

Aprovechamos el regreso de IZAL a la CDMX para platicar sobre su gira y otros proyectos.

Fans de los tacos, las quesadillas y la Ciudad de México en general, Izal es un fenómeno de España que ha logrado posicionarse como uno de los mejores actos en vivo de aquel país. Aprovechamos su visita a México el pasado 30 de junio en el Foro Indie Rocks!, como parte de su #GiraCopacabana, para charlar con Emanuel a.k.a. Gato, quien nos resumió con lujo de detalles varios aspectos de la banda.

Al no consolidarse o no sentirse tan cómodos con proyectos anteriores, cuatro sujetos con intereses afines decidieron juntar sus caminos con Mikel Izal, fundador y compositor de la banda. Así darían vida a un proyecto en el que, literal, apostarían todo para sacarlo adelante, sin saber quizás todo lo que les daría.

“Realmente los cinco venimos de tocar con muchísimos proyectos, y creo que es la misma dinámica que siguen prácticamente todos los músicos. A veces te involucras en uno o más proyectos, uno casi siempre lo hace más que nada por amor al arte, porque es un hobbie más que un trabajo realmente. Además lo hacemos desde muy pequeños, yo he estado involucrado desde los nueve o 10 años en la música y todos mis compañeros llevan también muchísimos años en esto. Este es el primer proyecto en el que hemos podido darnos el lujazo (porque es un lujo poder vivir de ello), el poder trabajar, subirte a cada escenario, cobrar lo correcto y poder sobrevivir de esa manera. La verdad que también ha sido una suerte, porque entre tantos proyectos luego es difícil coincidir con gente que tenga la misma dedicación y que se lo tome de la misma manera. Y bueno, este proyecto después de muchas andaduras ha salido adelante”.

Su relación, que no ha sido ni fácil ni corta (llevan ya más de seis años juntos), se ha fortalecido al grado de que dejaron de ser banda, para convertir su lazo en una familia.

“Este tema de las relaciones se traduce también al trabajo, porque a la hora de hacer los temas, pues Izal es el compositor, pero luego en el local nos ponemos cada uno a dar su perspectiva y vamos enriqueciendo las canciones de esa manera. En el fondo es un símil con las relaciones humanas, porque cuando hay un debate cada quien da su punto de vista, y aunque sea totalmente divergente al resto, siempre se intenta llegar a una confluencia de todos”.

IZAL Copacabana

Sus presentaciones en vivo, ya sea en festivales para más de 10,000 personas o en un show más íntimo para un público reducido, siempre han dado de qué hablar. Esto es en gran medida lo que los ha hecho crecer exponencialmente.

“Creo que es fundamental en cualquier tipo de espectáculo o de arte, que todos los que lo están realizando tengan buen rollo entre ellos, y que esto también se refleje. Porque de nada sirve que nos llevemos los cinco genial y que luego estemos en el escenario de pie poniendo cara de serios, como puede ser en el caso de otros grupos donde existen ciertas posturas predefinidas que hay que poner. Creo que parte de nuestro éxito se ha basado en eso, que nos llevamos bien entre nosotros, que disfrutamos de lo que hacemos y que contagiamos eso al público, y a su vez esto también genera una energía que el público te devuelve”.

Generalmente, algunas bandas tienen distintos rituales que van desde cosas muy sencillas a otras muy locas para antes de cada presentación. Pero al parecer los chicos de Izal no tienen ninguno ¿o sí?

“Realmente no tenemos un trabajo de concentración como puede tener un equipo de fútbol, que llegan al hotel, se quedan ahí aislados de redes sociales y todo eso. Es un poco más fluído, nosotros siempre lo hemos hecho de la misma manera, calentamos un poco y tenemos nuestro ritual de un cántico muy tonto para subirnos al escenario. Pero sucede que en ocasiones especiales, en las que existe un poco más de responsabilidad y te podés poner un poco más nervioso, como en el caso de México que para nosotros es todo un desafío, lo que intentamos es que esos nervios sean algo agradable y que no se conviertan en un miedo. Pero eso nunca lo hemos hablado, no está predefinido y sin embargo todos coincidimos en lo mismo: esos nervios se convierten en adrenalina”.

Algo muy difícil del éxito es, sin duda, la edad en la que te llega. Ahí tenemos a Macaulay Culkin o Justin Bieber, que al tener tanto poder a una edad muy o relativamente temprana, pierdes totalmente el piso, sin embargo eso ha sido muy diferente para Izal.

“Nosotros hemos tenido la suerte de que aunque el crecimiento ha sido bastante grande, lo hemos dado paso a paso. No ha sido algo abrupto que de pronto te ponen delante de 10,000 personas y ‘arréglate’. Hemos hecho muchas giras yendo en un coche sin poder llevar al tecladista porque no cabíamos (risas). Hemos recorrido así España tocando en salas muy pequeñas y siempre vimos esa respuesta de la gente, mientras decíamos «¡joder! si vienen 20 personas a vernos y a 17 les ha gustado el concierto, ¿qué pasará cuando nos pongan delante de 200 o de 2000 o de 10000?». Realmente hemos tenido esa suerte de que fuimos poco a poco y no nos tocó asimilar algo de golpe, ni tragar algo que te quede grande, sino que de a poco hemos podido dar pasitos y hemos podido asimilarlo también. Yo muchas veces destaco y agradezco que nos haya tocado vivir todo esto con treinta y tantos, quizá con 18 años nos hubiera costado más digerir todo eso. Pero después de tantos años peléandola y pateando por todo el país para conseguir tener gente, lo tomas de otra manera, sabes valorar todo el trabajo que hay detrás. Además, nosotros hemos estado trabajando en otras cosas totalmente ajenas a la música para poder subsistir y dedicarle todo nuestro tiempo, esfuerzo y dinero al proyecto. Nos llega en un momento más maduro y con cierta sensatez, que quizá con 20 o con 18 años se te puede ir de las manos. De verdad que lo estamos disfrutando y disfrutamos de trabajar de lo que nos gusta”.

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Papa Topo – Ópalo Negro

De niño a adulto, de “Oso Panda” a “Ópalo Negro”, como ha crecido Papa Topo.

Hace seis años, un dueto aparentemente inocente irrumpió con un video muy sangriento y bizarrro, donde le hacían bullying a un tipo disfrazado de panda. Se trata de “Oso Panda” y fue realizado por Adria Arbona y Paulita Demaiz, entonces integrantes de Papa Topo.

Después de mostrar un tontipop fantasioso con temas como “La Chica Vampira” y “Rotación y traslación”, el dueto se separo a raíz de que Adria se mudó a Barcelona, en donde se integraron Júlia Fandos (voz, y flauta), Óscar Huerta (guitarras y coros) y Sònia Montoya (bajo y coros), alineación con la cual rompen en parte con la ñoñez y editan apenas su primer largo, Opalo Negro, en el que la banda muestra madurez con géneros desde el punk y el electropop, hasta el jazz y el bolero, con el extra implementado por su productor Sergio Pérez, la mitad de SVPER.

El material inicia relajante con un tema instrumental de “Obertura”, para darle paso a “Opalo negro”, que con su italo disco y la letra de corte oscuro, parece extraído del Sangre Cita de Dënver.

Papa Topo no niega su tontipop de origen y sus letras raras combinadas con el punk, como en “Chico de Plutón”, de temática extraterrestre; “Akelarre en mi salón” con el estilo de grupos de la movida española como Kaka De Luxe; “Atormentada”, de corte enérgico y coro pegajoso que recuerda a Los Fresones Rebeldes o Cola Jet Set, y “Meteoritos en Hawaii”, un surf-punk loco para echar la diversión.

Siguiendo con temas elaborados, “Davall ses flors des taronger” es un boleto tranquilo y acústico interpretado en el dialecto mallorquin; “Enero” es un jazz que recuerda a Torreblanca o a Band Á Part.

En el bloque para la pista de baile, están “Sangre en los zapatos (Mi amor)” con lírica de humor negro, “Lágrimas de cocodrilo” que junta el funk sesentero y el pop de la movida española –al estilo de Alaska–, con la voz grave de Adria que muestra oscuridad, y “Je Suis Un Mostre”, un synth pop interpretado en francés de forma espectacular por Júlia.

La melancolía se hace presente con “El balcón”, tema de jazz en la que se nota la madurez sonora, para luego seguir con “Quédate cerca de mí”, tema potente en donde continúa la nostalgia, para terminar con “Joana”, un bolero para bailar pegado de guitarras españolas que también parece de trío cincuentero, como Los Panchos.

Opalo Negro es un material muy elaborado para deleitarse, Papa Topo muestra dotes de solidez y se ha vuelto un adulto, aunque no deja su estilo divertido, el “Oso Panda” está mas enterrado que nunca.

Jamie Lidell anuncia nuevo disco

Jamie Lidell también compartió el primer sencillo llamado "Walk Right Back".

El músico y cantante de soul, Jamie Lidell, ha anunciado el lanzamiento de su sexto álbum de estudio, Building a Beginning, que estará disponible el próximo 14 de octubre a través de su propio de sello discográfico, Jajulin Records.

A pesar de que Lidell había compartido melodías, el sucesor de su homónimo de larga duración de 2013, es una colección de catorce canciones totalmente nuevas. La producción estará a cargo de Justin Stanley, que ha trabajado previamente con Prince y Beck. Además, en los créditos aparece su esposa Lindsey Rome como coescritora. Estos detalles fueron revelados en una breve entrevista para The FADER.

Jamie Lidell nos dejó una pequeña muestra de lo que está por venir, pues nos compartió el primer sencillo, “Walk Right Back”, una canción que captura a la perfección el estilo del cantante y el camino al que nos llevará el nuevo disco.

Además, Lidell nos comparte el arte y la lista oficial de canciones que podrás encontrar a continuación:

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Building a Beginning:

01 Building a Beginning
02 Julian
03 I live to Make You Smile
04 Find It Hard to Say
05 Me and You
06 How Did I Live Before Your Love
07 Walk Right Back
08 Nothing’s Gonna Change
09 In Love and Alone
10 Motionless
11 Believe In Me
12 I Stay Inside
13 Precious Years
14 Don’t Let Me Let You Go

Escucha una nueva canción de AlunaGeorge

A través del programa de Annie Mac en la BBC Radio, AlunaGeorge estrenó canción.

Después de poner al mundo a bailar con su álbum debut Body Music, el dúo británico AlunaGeorge publicará por fin su segundo material discográfico, el cual estará disponible a partir del próximo 16 de septiembre a través del sello Island Records y llevará por nombre I Remember. Este material contará con doce tracks, de los cuales la banda compartió un adelanto más.

Anteriormente, AlunaGeorge dio a conocer los sencillos "I’m in Control", "I Remember" y "My Blood", al que ahora se le suma el tema "Mean What I Mean", canción que hace un par de horas se estrenó en el programa conducido por Annie Mac que se transmite a través de la BBC Radio 1 y que ya puede ser escuchada aquí:

Tuvieron que pasar casi tres años para que la dupla conformada por Aluna Francis (vocales y composición) y George Reid (producción) regresara a la escena musical con I Remember, material del que también ya se puede ver su portada y tracklist.

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Tracklist:

Full Swing (Feat. Pell)
My Blood (Feat. ZHU)
Not Above Love
Hold Your Head High
Mean What I Mean (Feat. Leikeli47 & Dreezy)
Jealous
I’m In Control (Feat. Popcaan)
I Remember
In My Head
Mediator
Heartbreak Horizon
Wanderlust

Machinedrum estrena "Angel Speak"

Machinedrum arrancará su tour en Washington.

Hace poco, Machinedrum publicó el hit “Dos Puertas” y ahora está de vuelta con otro himno veraniego, pero esta vez de la mano del productor Melo-X, quien trabajó en "Hold Up" y "Sorry" del asombroso Lemonade de Beyoncé.

La canción que se titula “Angel Speak” es un track brillante que roza entre el footwork originario de Chicago y una base de sutil pero sabroso reggaetón. La melodía tiene mucho potencial para convertirse en un éxito en las fiestas y es una prueba más de la gran versatilidad que tiene Travis Stewart, mejor conocido como Machinedrum.

“El proceso creativo para este tema fue interesante porque MeLo y yo colaboramos en material previo a 'Angel Speak', pero nunca salió. Me encantó la voz en ese track así que la guardé y terminé sampleándola cuando escribí la nueva”, fue lo que comentó Machinedrum sobre esta colaboración.

Tres años después de su disco anterior, Vapor City, el productor Machinedrum se muestra en panorama más fresco que promete un futuro bastante prometedor. Stewart aprovechó la ocasión para anunciar fechas para su actual tour por Norteamérica que iniciará en Seattle, Washington, en octubre próximo.

machinedrum angel speak