Industrias WIO para Indie Rocks! 01

El día de hoy estrenamos una sección especial con nuestros amigos de Industrias WIO para darles a conocer más propuestas frescas que nadan por los profundos mares del internet.

Industrias WIO es una pequeña distribuidora de música digital independiente basada en la Ciudad de México. Nuestro trabajo como distribuidora digital comenzó en septiembre del 2015 y a la fecha, tenemos a más de 50 artistas y más de 100 lanzamientos en nuestro catálogo.

A través de este espacio, te compartiremos algunos de nuestros lanzamientos más recientes.

IV Manos_2016

Artista: IV Manos
Disco: IV Manos EP
Género: Alt Rock/Power Rock
Locación: Guadalajara

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Esta es una banda especial pues reúne a integrantes de dos míticas bandas de la ciudad de Guadalajara, El Sagrado y Rohan. Con un sonido poderoso y muy definido, estas cuatro manos nos presentan un primer EP que desafía a los sonidos “de moda”, entregando un disco con seis poderosos temas que no tienen nada de pop ni sintetizadores. Esto es rock duro y puro, con riffs de guitarra increíbles, buenas letras y mucha distorsión.

Policias y Ladrones_

Artista: Policias y Ladrones
Sencillo: “Cerro Colorado”
Género: shoegaze / garage rock / pop rock
Locación: Tijuana

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Esta joven banda, a pesar de no tener mucho tiempo en la escena, ha ido marcando su propio camino gracias a su amable y extraño sonido. Este sencillo, “Cerro Colorado”, da inicio a un nuevo camino en el sonido de la banda y prepara con esto, el terreno para la salida de su próximo disco, el cual esperamos para agosto o septiembre de este año.
Policias y Ladrones ya está tocando por todos lados y no debes perdértelos cuando los veas cerca de tu ciudad.

Aquí puedes escuchar este gran sencillo y su EP anterior Necio, disfruta:

Axel Catalan_2016

Artista: Axel Catalán
Disco: Perro Viejo EP
Género: cantautor / balada negra / anti folk
Locación: Morelia

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Axel Catalán llegó a nosotros por recomendación de la banda Moreliana Expedición Humboldt, y fue un flechazo instantáneo, la honestidad en sus letras nos dejó con la boca abierta. Este EP es uno de esos discos que necesita escucharse un par de veces para poder apreciarlo como se debe, pues no se complica buscando un sonido diferente o una nueva línea de producción súper trabajada. Axel se concentra en crear buenas letras y melodías memorables con las que no puedes dejar de identificarte si eres como él, un Perro Viejo.

Escucha el EP completo aquí:

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Catfish and the Bottlemen – The Ride

Disfrutando el “ride” mientras dure.

The Ride es el título del segundo disco de Catfish and the Bottlemen, cuarteto galés que busca el trono del rock británico –aunque se ve lejano–.  Este nuevo y esperado material cuenta con 11 tracks entre los que hay ciertos chispazos y buenos momentos pero en general se mantiene en un mismo nivel –el cual, por cierto, no es muy alto–.

Dicho lo anterior, no hace falta describir canción por canción, pues el sonido es prácticamente el mismo en todos los temas: indie rock pop simple y fácil,  una mezcla –de mucho menor calidad– entre The Kooks y Two Door Cinema Club. Guitarras melódicas, ritmos concisos y estructuras verso-coro-verso.  Logran sobresalir del resto –por poco– el track inicial llamado “7”;  “Twice” que incluso tiene el mismo intro que su éxito más grande “Cocoon”; “Red” y “Outside”.

Lo anterior se debe a que en el intento de dar un paso gigante en la búsqueda de hacer valer el título de the next big thing en el rock británico, cuidaron de más su sonido, se aferraron a una formula que les diera un mayor éxito comercial. A diferencia de su anterior trabajo, The Ride se siente plano y sin actitud, o mejor dicho, con una actitud bastante plástica.

The Ride no es un buen disco, y no, tampoco es un mal disco, pero lo que sí es, es el retrato de la música actual. ¿Cómo es esto? Fácil: bandas con el sonido y  con la calidad de Catfish and the Bottlemen hubo a chorros en la década pasada, todas se extinguieron o jamás prosperaron, algunas a lo mucho lograron colocar algún éxito en series de televisión del tipo Grey’s Anatomy pero hasta ahí. Ninguna fue recibida como estos británicos, a ninguna la compararon con Oasis o Arctic Monkeys, a ninguna quisieron colocarle a fuerza el título de "el futuro de la música británica".

Esto no es culpa de ellos, es culpa de la “escena” actual en la que es rarísimo ver a una banda que desfachatadamente haga rock y use guitarras, sin pretensiones. Pero lo que sí es culpa de la banda, es que ya van dos discos y no han logrado crear un himno que corresponda con todo el hype que han generado. También es culpa de la banda haber creado un disco tan mediano, tan mediocre.

Como ya lo dije, no es un disco malo, pero tampoco es un disco bueno, y aunque seguramente después de escucharlo una vez jamás lo pondrás de nuevo, es de agradecer que bandas nuevas vuelvan a ese clásico sonido inglés, guitarrero, con esa actitud callejera –aunque les salga bastante cursi y ñoña–. Ojalá para su tercer disco logren madurez musical y llegar alto, pero por hacer grandes cosas, no por ser los “menos peores”.

Entrevista con Coma Pony

Coma Pony: melancolía desértica.

Para aquellos que nunca hemos estado en Chihuahua, es sencillo imaginar un paraje en el que el viento sopla ocasionalmente y la tierra cruje bajo las pisadas de los caballos. Es difícil imaginar que en un estado rodeado únicamente por tierra, una especie de Bolivia en México, donde las distancias entre ciudades hacen el tránsito casi imposible y la sequía física y creativa lo había mantenido fuera del radar, podría ser el semillero de algunas de las propuestas más frescas del circuito independiente en nuestro país. Y sin embargo, así lo es.

El más reciente ejemplo lo encontramos en Coma Pony, banda formada por Juan, Chuy, Diego, Leo y Marco, quienes encontraron en esa soledad la inspiración necesaria para crear los pasajes sonoros para una juventud soñadora e idealista. Una evocación universal al hedonismo de tirarse a no hacer nada y no sentirse mal por ello. Algo extraño sabiendo que su nombre deriva de un tema de Omar Rodríguez-López, pero fue en esta actitud hacia la vida donde encontraron su esencia. “Tuvimos varias bandas pero ninguna nos llenaba o ninguna nos gustaba completamente. Para no limitarnos o frenar el proyecto por falta de integrantes, decidimos formar una banda instrumental entre Chuy y yo, sólo con batería y guitarra, solamente para hacer algo y pasarla bien”, comenta Marco Ruíz, guitarrista de la banda.

Después de un descanso obligado tras haber roto su equipo por la intensidad de sus presentaciones, retomaron la banda a principios de este año, ahora con alineación completa, y grabaron el EP Pony en Coma, trabajo que los colocó automáticamente en el oído de todos por sus melodías oníricas y despreocupadas. Algo que no define solo a su música, sino también la posición de la banda frente a su trabajo. “Coma Pony es algo que te hace sentir bien, que no juzga a nadie; cuyo único propósito es que con sus melodías bonitas te haga bailar o mover la cabeza y que te olvides de todo lo malo”, continúa Marco.

Una actitud que los llevó a crecer exponencialmente en cuestión de meses. Algo que definitivamente no se esperaban, pero que si se toma en cuenta la honestidad de la banda era el único desenlace posible. “Desde que regresamos con Coma Pony hemos hecho todo por mero gusto. Las cosas se han dado solas, sin buscarlas, y creemos que todo ha sido por eso. Al crear algo con tus mejores amigos por mera diversión, sin buscar algo y que se dé lo que se vaya a dar y que pase lo que tenga que pasar, creo que es la mejor forma de hacer las cosas. No pensar cómo va a funcionar algo o cómo se hará para que 'pegue'. Creo que esto fue la clave. No pensamos para qué lo haríamos, solo lo hicimos por gusto y hasta ahora se ha dado bastante bien”, agrega el guitarrista.

Con casi 400,000 reproducciones de su tema “En Domingo Las Niñas van a Jugar al Parque” en poco menos de dos meses, y del que próximamente estrenarán su video, Coma Pony es el claro reflejo de cómo una propuesta fresca que utilice las herramientas disponibles adecuadamente puede posicionarse en el gusto del público sin una gran maquinaria detrás. “Fue algo demasiado rápido e inesperado. En verdad no creíamos que fuera a llegar a pasarnos. Eso es algo que veíamos que le pasaba a bandas grandes o bandas que ya tienen mucho tocando”, comenta Marco. “Al pasar por algo así y ver que en diferentes países te están escuchando, apoyando y escribiendo que nuestra música les gusta, es un impulso muy grande para seguir haciendo cosas y mejorando”, continúa.

Mejoras que seguramente podremos ver en sus materiales venideros, así como en su próxima gira, en la cual estarán visitando la Ciudad de México para presentarse en diferentes foros del 14 al 17 de julio y contagiar de su melancolía desértica a todos los soñadores que se dejen llevar. “Nosotros seguiremos con las mismas ganas y dando más amor y música bonita a todos. Con que nuestra música siga llegando a todas partes y la sigan escuchando, con eso será más que suficiente para seguir en esto”, agrega el guitarrista. “Los haremos creer en el amor a primera vista y nunca los vamos a defraudar. Coma Pony está aquí para quedarse así que esperen cosas muy bonitas de nosotros para ustedes”, concluye Marco entre risas.

Visita el Facebook de Coma Pony para seguir todas sus noticias.

Justice y su nueva canción

Escucha esta nueva canción de Justice, estrenada en un DJ set de Ed Bangers Records.

Hace algunos meses, después de que Justice firmara un contrato con Ed Banger Records, Busy P anunció que el dueto se encontraba trabajando en un nuevo disco, mencionando que Gaspard Michel Andre Augé y Xavier de Rosnay se encerraban a diario en el estudio. No obstante, el dúo francés no ha publicado nada nuevo desde su Audio, Video, Disco de 2011.

El mes pasado, durante el festival Sónar en Barcelona, Busy P tocó una nueva melodía de Justice y algún fan ocioso utilizó Shazam al inicio de este set que se encuentra en YouTube y logró identificar que el track se titula “Safe and Sound”.

justice 2

La canción, que lleva varias horas circulando en la red incluso ya con carátula, tiene un pegadizo beat acompañado por un increíble bajo, suaves cuerdas y un harmónico coro; elementos clave en los materiales previos de Justice.

Disfruta aquí abajo de la animación oficial para “Safe and Sound” y si es de tu agrado, la puedes descargar totalmente gratis desde su página oficial.

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Sigur Rós estrena timelapse de "Route One"

Mira el cautivador recorrido que hizo Sigur Rós alrededor de Islandia.

El mes pasado, Sigur Rós lanzó “Route One”, una transmisión en vivo de más de 24 horas de un viaje a lo largo de una autopista que rodea Islandia. Ahora la banda ha sintetizado en poco más de cinco minutos dicho viaje en un hipnotizante video tipo timelapse.

"Route One" se filmó durante el día más largo del año mientras conducían por la carretera a una velocidad de 60 kilómetros por hora. La música, que fue inspirada en su nueva canción “Óveður”, se generó en tiempo real y ahora sirve como soundtrack para el videoclip.

Este video dirigido por Tomas Örn Tomasson captura la belleza del paisaje de Islandia, así como su variante clima, que a la par de los extraños beats de “Óveður”, crean una sensación única. En este momento, Sigur Rós se encuentra trabajando en una versión HD de "Route One", el cual estará disponible en el sitio oficial de la banda a partir del 12 de julio a las 21:00 H (16:00 H en México).

A pesar de la nueva canción, Sigur Rós aún no ha compartido información concreta acerca de un disco, que sería lo más nuevo desde que lanzaron Kveikur en 2013 con el cual visitaron nuestro país en el festival Corona Capital de ese mismo año.

Peaches estrena video

"Vaginoplasty" es el nuevo y polémico videoclip de Peaches.

El año pasado, la siempre polémica y talentosa Peaches, dio a conocer su sexto material discográfico llamado Rub, álbum que llegó 6 años después de que la cantante canadiense no publicara material inédito. Este esperado trabajo contó con las colaboraciones de FeistSimonne Jones y la exintegrante de Sonic YouthKim Gordon

Como parte de la promoción de este disco, Peaches ha compartido el videoclip de su más reciente sencillo"Vaginoplasty", el cual fue inspirado por la actriz norteamericana Esther Williams, según comentó en su cuenta de Twitter.

En él, se pueden ver a varias chicas y chicos dentro de una alberca con atuendos de color rosa, además de portar disfraces que hacen clara referencia a la parte femenina que se nombra en el titulo de la canción. El video corrió bajo la producción y dirección de Briana Gonzalez quien anteriormente trabajó con Peaches en el video de "Close Up".

De su álbum Rub, Peaches lanzó este año la versión remixed, la cual contó con las mezclas por parte de Maya Jane Coles, Evvol, Paula Temple, Planningtorock, Lauren FlaxMaya Postepski, Simonne JonesMaya Postepski, JD Samson y Ziúr.

Escucha un nuevo tema de Ryley Walker

Las buenas noticias con Ryley Walker no paran.

Después anunciar su primera visita a nuestro país el próximo 10 de septiembre en el Foro Indie Rocks! que promete ser una noche mágica llena de hermoso folk y atmósfera campirana, en la que promocionará su más reciente álbum y en la que además compartirá escenario con The Risin’ Sun y Page Sounds, el cantautor de 26 años originario de Rockford, Illinois, ha dado a conocer un adelanto más de lo que será su nuevo material discográfico.

Golden Sings That Have Been Sung será el nombre del tercer álbum en solitario de Ryley Walker mismo que saldrá a la venta el próximo 19 de agosto (el año pasado lanzó un disco llamado Land of Plenty en colaboración con el músico Bill MacKay) y del cual hace un par de semanas dio el primer avance con la canción "The Halfwit in Me" a la que se le suma la hermosa "The Roundabout", tema que acaba de subir en su cuanta de SoundCloud.

El nuevo material de Ryley Walker contará con ocho canciones las cuales fueron grabadas en la ciudad de Chicago y producidas por el exintegrante de WilcoLeRoy Bach, quien ha trabajado con gente como Iron and Wine, Andrew BirdRob Mazurek, The Autumn Defense y Beth Orton.

Wild Beasts comparte video para "Big Cat"

Los ingleses están de vuelta con el segundo sencillo de su próximo material discográfico, Boy King.

En mayo de este año, los chicos de Wild Beasts nos dieron una gran noticia: un nuevo disco vería la luz. Se trata de su quinto material de estudio titulado Boy King con fecha de salida para el próximo 5 de agosto a través del sello Domino Records. El primer sencillo que se desprende de este material lleva por nombre “Get My Bang” y es justo lo que necesitas para ponerte a bailar. En esta ocasión, la agrupación liderada por Hayden Thorpe regresa con un nuevo track acompañado de un video musical.

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La canción se llama "Big Cat" y posee un sonido sutil pero vibrante que te atrapará desde los primeros segundos. El video es bastante surrealista y nos muestra como "alguien" siempre nos está vigilando no importa a donde vayamos, además de que la publicidad está en todas partes y no podemos escapar de ella. En palabras de Pablo Maestres, director del clip, describió que se trata de un road trip en medio del bosque en el que te enfrentarás con animales salvajes.

"Pienso que 'Boy King' es un disco apocalíptico. Es sobre nadar en el abismo. Cuando piensas sobre el sexo, tienes que pensar sobre la muerte, son uno y el mismo", menciona Thorpe en un comunicado de prensa. Disfruta aquí abajo del video para "Big Cat" el cual fue grabado en diferentes locaciones fuera de Barcelona, España.

Entrevista con Tomás Davó y Mexican Jihad de NAAFI

¿La nueva cara de la fiesta?

“No nos costó trabajo, a la gente sí. Nosotros nos sentíamos cómodos con lo que hacíamos”, Tomás Davó –miembro y fundador de NAAFI, colectivo de música electrónica que busca redefinir la fiesta y la escena club en nuestro país–.

Estas palabras hacen referencia al cambio de pensamiento en las nuevas generaciones a la hora de incluir todo tipo de géneros musicales en su vida, específicamente, sus fiestas. Antes, un rockero se unía con otros rockeros a beber caguamas y escuchar a sus bandas favoritas, y solo hasta que el alcohol los dejaba casi tumbados, admitían escuchar a Vicente Fernández. Hoy las cosas cambiaron, para empezar ya casi no existe tal cosa como un rockero. No, lo que une a los jóvenes hoy va más allá de un contexto musical. Las series, los gadgets, el cine, entre otras cosas, tomaron el lugar de la música a la hora de crear una conexión entre personas.

NAAFI: La fiesta

Entonces ¿qué fue de la fiesta?, pero sobre todo ¿qué fue del soundtrack de las pedas?, ¿cómo se arma una playlist en la “party” si ya a nadie le gusta el mismo género? Pues fácil: ahora se escucha todo y de todo. Rock y reggaetón conviven en un mismo espacio como hermanos de madres distintas. Justo de eso se trata NAAFI, de hacer fiesta y que esa sea un síntoma de inclusión. Nada está prohibido. ¿Quieres perrear? Adelante. ¿Bailar? Pues para eso está la música ¿o no? Quizás solo quieres un fondo para ligar pues, date.

“La fiesta siempre fue pensada como un lugar sin prejuicios en cuestión de géneros musicales y en un principio sí costó trabajo proponerle ese tipo de pista de baile a la gente. Hoy podemos decir que si vas a una de nuestras fiestas te vas a encontrar con que, justo, es un lugar donde se puede escuchar de todo”, explica Mexican Jihad, uno de los integrantes más importantes del colectivo.

"Ahora la gente va a escuchar de todo" - Mexican Jihad

“Me encanta que el público es muy abierto a los estilos que no conoce y trata de bailarlos y disfrutarlos. Y ya después decide si le gustó o no”, completó Tomás.

Algo que caracteriza al colectivo es la búsqueda de espacios, sin encasillarse en una sola zona de la ciudad. Para realizar una fiesta buscan dos cosas: oportunidad y comodidad.

“Hacemos fiestas en todos lados, sin importar la colonia. Se trata más bien de sentirnos cómodos. Ahorita estamos en un lugar en el Centro que nos gusta mucho. Y no, no se trata de salirnos o meternos a una zona en específico. Lugar que nos abra las puertas y nos sintamos a gusto, bienvenido”, comentó Tomás.

“Durante mucho tiempo hemos intentado que las fiestas sean en Zona Rosa porque es la colonia mejor equipada para la vida nocturna, tienes comida, taxis; pero no hemos encontrado un buen lugar ahí”, agregó Mexican Jihad.

Mexican Jihad

Foto: Diego Mud

NAAFI: El arte

Si bien la fiesta es una parte primordial de NAAFI, no es su único punto de interés. A lo largo de su existencia se han acercado a otras expresiones artísticas, presentándose en museos y galerías, además de musicalizar performances. Esto se dio de manera muy natural, como explica Mexican Jihad.

“Creo que eso se dio de una manera muy orgánica. La fiesta siempre tuvo una presencia muy fuerte de estudiantes de arte y de otros miembros de la comunidad artística. Es común ver a pintores, galeristas e incluso personas que se dedican al performance. Esta gente de repente nos empezó a hacer invitaciones para formar parte de sus proyectos. Nos han invitado a tocar a la Galería Karimanzutto y tuvimos una residencia en el Museo Jumex”, agregó el productor. 

Pero el interés de NAAFI por la cultura no para ahí: “Nosotros también, como oficina, tratamos de hacer proyectos con instituciones culturales, en parte porque nos permite acceder a presupuestos sin todo el problema que significa trabajar con otros tipos de patrocinios. Trabajar con dinero cultural te permite ser más libre”.

“Hay proyectos que sabemos que tienen el sponsor y tiene que venir de las instituciones de cultura, en específico, los que queremos hacer de investigación musical como: una serie junto al Centro de Cultura Digital, que trata de recopilar géneros regionales mexicanos. O por ejemplo la residencia que hicimos en el Museo Jumex. Estas ideas hacen más sentido dentro de un contexto museístico”, explicó Jihad.

Tomas Davo NAAFI

Foto: Diego Iván Gutierrez

NAAFI: El activismo social

Para NAAFI, el rock, al ser cosa del pasado, no logra reflejar el contexto social que se vive en la actualidad. Cosa contraria a la música electrónica que, al ser un género que sigue en constante crecimiento, puede reflejar las inquietudes de la sociedad.

“La música electrónica, al ser el género más contemporáneo, tiene que hablar directamente al presente y lo que está sucediendo. Otros géneros como el rock, según mi perspectiva, viven en añoranza. La electrónica al ser cosa actual, tiene que hablar de política de una manera inmediata”.

“¿Qué significa ir a una fiesta de música electrónica latina? Que de inmediato nos remontemos a lo que pasó en el Pulse, en Orlando. A nosotros el hecho de ser productores y gente involucrada en la fiesta, nos hace tener posturas respecto a todo ese tipo de temas”, comentó Mexican Jihad.

Pero ¿los asistentes a las fiestas de NAAFI piensan igual?

"La rebeldía no solo existe dentro del rock" – Tomás Davó

“Hay dos tipos de público: los que tienen una afinidad musical y política; y los que solo van a a experimentar la fiesta y a lo mejor nunca regresan. La mayoría de los que se quedan y hacen de NAAFI su comunidad, si se encuentran en el mismo plano que nosotros. Incluso hay muchos que van tanto que se empiezan a involucrar un poco más”, respondió Tomás Davó.

“Al tener estas discusiones políticas dentro del contexto del baile, puedes participar activamente en la conversación o también puedes formar parte de ella de una manera más placentera solamente a través del baile y de tu presencia”, concluyó Mexican Jihad.

Hoy, NAAFI prepara un documental junto a Smirnoff Sound Collective Global. Además, el colectivo ya traspasó las fronteras mexicanas y cuenta con miembros en Argentina (Tayhana) y Chile (IMAABS). También han cruzado el charco al tener giras por Europa, donde han aprendido de una escena club que, a diferencia de la mexicana, tiene una larga tradición.

Por lo pronto, NAAFI seguirá en su intento por revolucionar “la fiesta”. Ya sea en un club, en un museo, una galería o un festival como el Ceremonia. Siempre intentando romper las barreras mentales que impiden a la gente disfrutar de la música.

PAWS – No Grace

¿Cómo suena el escribir sobre estar en una banda? PAWS lo define muy bien en este disco.

Para una banda, pocas experiencias se comparan con la de subirse a una van y comenzar la aventura de salir de tour. El golpe de adrenalina que genera pisar un escenario desconocido cada noche y el estar cara a cara con su  público, genera experiencias que sin duda definen la visión del músico.

La otra cara de la moneda contempla estar fuera de casa por meses, el desgaste físico que se va acumulando al correr de los días y el hecho de que algunas ocasiones las cosas no salen como son planeadas, situaciones que muchas veces pueden originar un agotamiento emocional difícil de superar.

En el caso de PAWS, trío  originario de Glasgow, Escocia, “ tourear” ha sido una constante desde el 2010, año en el que comenzó su carrera. El mes pasado vía Fat Cat Records, salió a la luz  su tercer LP No Grace, en donde a lo largo de diez temas se retrata la visión colectiva de una banda que noche tras noche apuesta todo lejos de su hogar, construyendo una audiencia sólida a la vieja usanza: a través de las presentaciones en vivo, donde se crean los vínculos verdaderamente importantes.

A diferencia de sus discos anteriores (Cokefloat!, 2012 y Youth Culture, 2014) –que fueron compuestos en medio de extensas giras alrededor de Estados Unidos y Europa–, en No Grace, el trío integrado por Phillip Taylor –guitarra y voz–, Josh Swinney –batería– y Ryan Denver –bajo–; decidió hacer una pausa para conectarse más profundamente con su proceso creativo.

El encargado de producir este material fue Mark Hoppus, bajo y voz de Blink 182, quien tras haber sido una figura de influencia durante su adolescencia, se suma al proyecto asegurándose de pulir el sonido de la banda y llevar al máximo su capacidad musical. La misión: capturar la sensibilidad de un proyecto que ha definido su sonido en los escenarios.

Líricamente las composiciones de Taylor retratan de forma sencilla y directa el cumulo de sentimientos que se derivan al estar en una banda, las relaciones entre sus integrantes, los altibajos emocionales que se producen en el camino y las crisis que han forjado su visión del mundo bajo la filosofía de “go hard or go home”.

Al hablar de lo musical se podría decir que No Grace es un álbum sobre todo divertido, en donde si bien no existe una propuesta novedosa – la mayoría de las canciones son fuertemente influenciadas por altas dosis de pop punk y guiños de garage de los 90–, la frescura emanada en las canciones y  sus melodías pegajosas hacen que el escucha pueda relacionarse sin complicaciones con ellas.

Otra cosa que tampoco se puede negar es el hecho de que a nivel de ejecución, la banda ha logrado madurez, demostrando que la complicidad ganada a lo largo de tantos años de convivencia también se vuelve evidente cuando se comunican con sus instrumentos. Basta ver como Denver y Swinney forman una poderosa mancuerna entre bajo y batería que sirve como base perfecta para que las capas de guitarras distorsionadas de Taylor hagan lo suyo sin complicación.

Destacan “Salt Lake”, tema instrumental de rítmica vigorosa que se aleja un poco de la tendencia pop punk que impera en la mayoría del disco, explotando el lado garage con guitarras llenas de licks reverberantes (menos Blink 182, más Dinosaur Jr).

“N/A”,  uno de los tracks más interesantes del disco que se aparece como un recordatorio para aquellos que se sienten vencidos. Su estructura es sencilla pero franca, sin llegar a bordear los clichés melosos del pop punk.

El disco cierra con “Asthmatic” , tema de corte tranquilo y melodía pegajosa, que se relaciona más con el sonido de los discos anteriores, sonido que a nuestro parecer, es más orgánico en los escoceses. El final de la canción, escalando en una intensidad controlada, ofrece un desenlace que cubierto por una guitarra casi a punto de desaparecer, nos regala junto con bajo y batería un renacimiento de acentos sobresaltados.