Disfruta de "Talisa", el nuevo clip de Daniele Luppi con Karen O

"Talisa", lo nuevo de Daniele Luppi con Karen O y Parquet Courts ya tiene video.

Previo al lanzamiento de MILANO, la nueva placa colaborativa de Daniele Luppi con Parquet Courts se dio a conocer el videoclip de "Talisa", single en el que participa la vocalista de los Yeah Yeah Yeahs, Karen O.

El metraje dirigido por Diego Araujo nos traslada a la Italia de los años 80 haciendo referencia a una escena del filme italo-británico Blow Up de 1966.

"Después de mis influencias iniciales con el filme Blow Up de Antonioni dejé que Diego hiciera lo suyo, la única petición que hice fue que quería sentirme en Milán de los años 80. Esto estaba fuera de su alcance en Ecuador pero lo consiguió, encontró un colector de Alfa Romero, una señal del metro de Milán y tomó betacams de la Universidad de Cine para rodar en un fin de semana", explicó Luppi en comunicado de prensa.

Disfruta de audiovisual del tema dedicado a Talisa Soto, musa de Gianni Versace:

El músico y compositor italiano estrenará el 27 de octubre MILANO, el sucesor de Rome (2011). De este nuevo material discográfico ya conocemos el primer single “Soul and Cigarette” que cuenta con un video basado en el trabajo Andrew Savage de Parquet Courts con fotografías del artista Peter Shire.

MILANO saldrá a la venta a través de 30th Century Records, el sello del músico y productor estadounidense Danger Mouse.

Portada del disco:

Tracklist:

01. "Soul and Cigarette (ft. Parquet Courts)"
02. "Talisa (ft Parquet Courts & Karen O)"
03. "Mount Napoleon (ft. Parquet Courts)"
04. "Flush (ft Parquet Courts & Karen O)"
05. "Memphis Blues Again (ft. Parquet Courts)"
06. "Pretty Prizes (ft Parquet Courts & Karen O)"
07. "The Golden Ones (ft Parquet Courts & Karen O)"
08. "Lanza (ft. Parquet Courts)"
09. "Café Flesh (ft. Parquet Courts)"

Nominados al Rock & Roll Hall of Fame 2018

Conoce a algunos de los posibles ganadores del Rock & Roll Hall of Fame.

La noche de ayer fue publicada la lista de los nominados al Salón de la Fama creado por el también fundador de Atlantic Records, Ahmet Ertegün. Este es uno de los eventos más importantes del año para la industria de la música, no solo por el reconocimiento a grandes artistas, sino por las presentaciones y grandes momentos que ocurren en el recinto de Cleveland. Es por eso que te presentamos los más importantes de la lista de este 2018, de la cual, pronto se espera que se revelen los ganadores:

Bon Jovi:

La banda más grande de New Jersey será tan criticada como Journey por los especialistas, pero no se puede negar que su importancia para el glam rock y éxito comercial los ponen en un puesto muy alto entre los favoritos.

The Cars:

El grupo liderado por Ric Ocasek se presenta por cuarto año consecutivo. Este es uno de los grandes del new wave y pertenecían a los grupos artísticos más exclusivos de la ciudad de New York. Su estilo lleno de tantos géneros y texturas, así como su influencia es algo irrepetible, pero la mala suerte los persigue.

Depeche Mode: 

Sin duda una apuesta segura, ya que los británicos son un pilar del synthpop y tienen una de las carreras más largas y exitosas en la industria, con un legado que sigue creciendo.

Dire Straits:

Es una de las agrupaciones que más premios ha recibido en su carrera, además de que han marcado momentos importantes en la historia de la música, como el primer video musical animado por computadora, y si a eso le añades que Mark Knopfler es conocido como uno de los mejores guitarristas del rock, su inducción debería ser indiscutible, pero todo puede pasar.

Eurythmics:

Han sido galardonados en repetidas ocasiones por su contribución a la música, y entraron al salón de la fama del Reino Unido en 2005, pero los Londinenses podrían quedar entre los rezagados por la poca actividad de Annie Lennox y David A. Stewart, tal y como pasó el año pasado.

Judas Priest:

Rob Halford y compañía han sido relevantes en las distintas etapas del Reino Unido, primero durante la ola del heavy metal en los setentas y después durante la época glam rock de los ochentas, pero siempre se han destacado por su talento y actitud.

Kate Bush

La cantautora ha mantenido una carrera relativamente discreta, sin embargo muchos la quieren dentro de la lista de ganadores, pues su visión, talento y consciencia social la convirtieron en una de las artistas femeninas más admirables de los últimos años. Además, después de la controversia en 2016, cuando ninguna mujer fue inducida, hace crecer las posibilidades.

LL Cool J:

Definitivamente el factor sorpresa, por pertenecer al género del hip hop y explotar más su carrera como actor y presentador en la tv, pero para muchos este tiene su puesto asegurado, siguiendo el camino de N.W.A. y Tupac Shakur.

MC5:

Al igual que The Cars, han intentado meterlos desde hace tiempo. Son sumamente importantes para los inicios del punk y su fallecido líder, esposo de Patti Smith, Fred "Sonic" Smith fue uno de los músicos más sobresalientes para el movimiento underground de los setenta. A pesar de eso, la corta carrera de la banda les da pocas probabilidades.

Nina Simone:

Una de las grandes voces del siglo 20. Este sería un gran detalle, ya que la High Priest Of Soul es una de las figuras más importantes dentro de la cultura afroamericana y dejó un legado incomparable luego de su muerte en 2003.

Radiohead:

Los de Oxford están dentro de los más fuertes junto a Depeche Mode, no solo por su importancia generacional, sino por sus enigmáticos discos, buena relación con la critica y gran cantidad de fans. Es una de las bandas más sólidas de Inglaterra.

Rage Against the Machine:

Desde su debut, el grupo de Tom Morello y Zach De La Rocha cambió a la industria de los noventa, logrando un éxito de ventas inmejorable, pero siempre manteniendo una postura política controvertida y un haciendo un gran trabajo activista. El miedo de muchos es que en caso de ganar podrían no presentarse.

Sister Rosetta Tharpe:

Su nominación fue una sorpresa, pero la Godmother of Rock & Roll indiscutiblemente merece un puesto por su influencia a artistas como Little Richard, Chuck Berry y Elvis Presley. Sin ella no habría nada Salón de la Fama.

The Zombies:

Uno de los grandes de la primera invasión del rock británico junto a The Beatles, The Kinks y The Rolling Stones, aunque es el menos mencionado. Su primera nominación fue en 2013, la segunda y tercera en las dos ediciones pasadas, por lo que su trascendencia está en duda.

Escucha "Waitin" y "Blue Light" de Kelela

Previo al estreno de su álbum, Kelela nos presenta dos tracks.

A unas horas de que el LP debut de KelelaTake Me Apart esté disponible en físico y plataformas digitales, la cantante de 34 años nos sorprende con un lanzamiento doble.

"Waitin" "Blue Light" nos dan otro adelanto de lo que podremos disfrutar a partir de este viernes. El álbum tendrá distintas líneas en las que el amor, desamor y la sexualidad podrán escucharse a lo largo de 14 tracks.

Dales play a continuación:


La nueva placa de la estadounidense contará con la producción de Arca y Jam City con quienes ha trabajado desde sus inicios y en el que se podremos escuchar combinaciones de sintetizadores, bajo y R&B. De este material se han dado a conocer los singles  "LMK" y "Frontline" temas que nos recuerdan a su primer mixtape Cut 4 Me (2013).

El pasado mes de agosto Kelela nos compartió el audiovisual  “LMK”, un clip dirigido por Andrew Thomas Huang (Björk, Sigur Ros) en el que se puede ver a la también compositora ejecutando una sensual coreografía:


Solo queda esperar para escuchar el resto de esta placa y descubrir lo que la originaria de Washington busca transmitir en esta nueva era.

Brandon Flowers comparte emotivo mensaje para Las Vegas

El frontman de The Killers escribió un comunicado donde lamenta lo ocurrido esta semana en su natal Las Vegas.

Las Vegas sufrió uno de los tiroteos más mortíferos en la época moderna de los Estados Unidos. Al menos 59 personas han muerto y más de 500 han resultado heridas en un tiroteo. El hecho fue registrado la noche del pasado domingo en un concierto de música al aire libre que se celebraba en las inmediaciones del hotel casino Mandalay Bay en la ciudad estadounidense.

En Indie Rocks!, condenamos todos los actos de odio sin importar raza o género. Además de mandar todo nuestro amor a los afectados por dicho acontecimiento, esperando que las personas y familias afectadas encuentren una pronta resignación. Amamos la música y nos llena de tristeza saber que suelen generarse este tipo de hechos en la cotidianidad, conciertos y presentaciones, rogando que no se susciten más en ninguna nación, bajo ninguna circunstancia.

Muchos músicos y artistas se pronunciaron contra este tipo de actos. Uno de los discursos más emotivos fue el de Brandon Flowers de The Killers, pues compartió en redes sociales un par de mensajes expresando el dolor que sentía por los hechos ocurridos contra la ciudad que vio nacer su proyecto. El primer mensaje fue escrito el día de los hechos, donde afirmaban que la gente de su ciudad tenía grandes corazones.

En un segundo mensaje publicado el día de hoy por la cuenta oficial en Facebook de The Killers, Brandon compartió un mensaje, recordando su juventud, a su familia y asegurando que algunos de los momentos más felices de su vida, han sucedido en conciertos. El músico aseguró que la memoria de las víctimas quedaría viva para la posteridad. Aquí el comunicado:

El Festival Austin City Limits que se celebrará del 6 al 8 de octubre, está ofreciendo el reembolso integro de tickets a personas que no se sientan seguras en su totalidad.

Father John Misty rinde tributo a Tom Petty

"To Find A Friend" de Tom Petty sonó en el concierto de Father John Misty.

Durante esta semana hemos podido escuchar increíbles tributos a Tom Petty por parte de The National, Wilco, Against Me! y Fleet Foxes, todos mostrando su respeto y admiración al cantante estadounidense, quien falleció el día lunes 2 de octubre, víctima de un paro cardiaco. Ayer en la noche, Father John Misty se unió a los homenajes también con un cover que sucedió en su concierto en el Orpheum Theatre de Phoenix, Arizona.

La canción que interpretó el de Maryland fue "To Find A Friend", tema publicado por Petty en 1994 como sencillo promocional del álbum Wildflowers, uno de los últimos éxitos comerciales que tuvo el cantante, gracias al video de "You Don't Know How It Feels", que ganó el MTV Music Award, superando a Elton John con "Believe" y a Chris Isaak con "Somebody's Crying". Cabe mencionar que esta canción fue producida por Rick Rubin y cuenta con el ex Beatle Ringo Starr en la batería.

Por nuestra parte, les comentamos que tenemos una sorpresa relacionada con Father John Misty, que saldrá en cuestión de horas. Así que les recomendamos estar pendientes.

Puedes escuchar ambas versiones de "To Find A Friend" justo aquí:

 

Dent May — Across the Multiverse

El multiverso que nos ofrece Dent May.

Dent May, originario de Mississippi tiene muchas cosas que lo caracterizan; ambicioso, cantautor, multiinstrumentista y sobre todo ser un músico virtuoso. Sin embargo, su estilo tan peculiar es lo que mejor resalta de sus producciones. Detrás de ese smoking al estilo retro, y unas gafas con montura de la década pasada seduce a cualquiera con música alegre, pero a la vez irónica que engancha de inmediato.

“Hello Cruel World” es el primer track y también es la frase que podemos escuchar en “Across The Multiverse”. Una manera irónica de comenzar en la que May saluda a la miseria con una sonrisa sarcástica. El tinte alegre y pintoresco de la canción es el truco conceptual del artista: pretende crear melodías felices acompañadas de letras banales y fáciles de digerir, pero que a su vez son carentes de ingenio.

No cabe duda que la música crea estados de ánimo, y es uno de los aspectos que mejor aprovecha Dent May. “Across The Multiverse” sencillo del disco, tiene una colaboración con la cantante Frankie Cosmos originaria de Nueva York, la voz suave de la artista y los teclados galácticos te transportan a través del espacio por una nave hecha de happy pop.

Las pegajosas melodías se mantienen constantes con la misma fórmula, en línea recta y sin matiz hasta que escuchamos “A Little Bit Goes Away” y “Don't Let Them”, temas que marcan un cambio en el ritmo del álbum. Se perciben suaves, con tempo lento y bajos constantes acompañados de un teclado discreto sin intenciones de protagonismo que permite destacar a los demás instrumentos.

“Distance to the Moon” es el último tema de este recorrido por el multiverso; inicia con una voz suave acompañada del teclado, tonos melancólicos que no pierden esa felicidad irónica y a la vez dramática que definen la esencia del último álbum de estudio de Dent May.

No cabe duda que el artista llegó a donde quería, tiene un sonido propio y característico que de inmediato lo identifican. Es un disco conciso y con excelente producción que vale la pena escuchar. May ha encontrado la fórmula. Sin embargo, todo en exceso es contraproducente… Esperemos no abuse.

La Femme en El Plaza Condesa

Amor y paz a la francesa con La Femme.

¿Cómo mantener la fiesta viva después de tiempos de crisis, dolor y luto nacional? ¿Hasta qué punto es prudente volverse a poner los zapatos de baile y calentar los ánimos después de varios días de alerta e incertidumbre con respecto al país, los amigos cercanos, las construcciones, calles y vidas dañadas? Sin duda, el sismo ocurrido el 19 de septiembre pasado marcó un antes y después anímico en México y gran parte de la población no sabe cómo proceder con sus vidas. Pero, como bien cantó Fergie en el soundtrack de El Gran Gatsby versión millenial: “un poco de fiesta nunca ha matado a nadie”.

Había mucha expectativa ansiosa, aunque cautelosa, entre el público mayoritariamente joven que se dio cita el día de ayer para ver a La Femme, un conjunto de punk psicodélico, synthpop, surf rock, originario de Biarritz, Francia que se ha ganado los corazones del público mexicano desde que surgieron en 2010. Con apenas dos discos bajo el brazo, Psycho Tropical Berlin (2013) y Mystère (2016), La Femme es ahora uno de los referentes obligados de bandas alternativas que hipnotizan y trastornan al mismo tiempo que ponen a zapatear y taconear al escucha.

El perfil de la banda y El Plaza Condesa pusieron muchos focos rojos en la preocupación colectiva del respetable ya que, días antes, se había catalogado al recinto como “zona de peligro.” Por un lado, nadie sabía qué esperar y, por otro, muchos esperaban desquitar un poco del estrés y adrenalina acumulados con justa razón.

La respuesta, por fortuna, fue enormemente positiva. A medida que se iba llenando el lugar, Ex Lovers, banda originaria de la CDMX, tuvo el enorme reto de ser la banda abridora para comunicar un mensaje de “vamos, está bien disfrutar de la música otra vez”. Fue así como Fossy, Kasko, Rodo y Juchi despertaron el interés y algunas sonrisas entre los asistentes con su rock con tintes de country y rockabilly, del que se disfruta mejor en carretera. A pesar de la insistencia de algunos para que cedieran el turno a la banda principal, Ex Lovers cumplió su cometido de calentar pies y gargantas y enseñarle la puerta a cualquier mala vibra que se asomara ese día.

En punto de las 21:20 H, subió La Femme ante el alarido eufórico de un público que se tornaba indistinguible, ya que paisanos y extranjeros que visitaban el país lo componían en partes iguales. Con un “Hola México” con un marcado acento francés Lucas Nunez (vocalista, tecladista) arribó jubiloso al escenario acompañado de Clémence QuélennecStefano Massellini, Noé DelmasSacha Got y una nueva chica bajista (quien presentó al principio ligeros problemas técnicos). Dispuestos a explayar sus ideales nacionales de “libertad, igualdad y fraternidad”, el conjunto inició la verdadera fiesta desde las primeras notas.

El setlist se compuso en su mayoría por canciones de su más reciente materia Mystère: por ahí desfilaron “Sphynx”, “Où va le monde”, “Septembre”, “Exorciseur”, “Tatiana”, y “S.S.D” junto a clásicos ya de culto como “Packshot”, “Si un jour”, “Nous étions deux” e “It’s Time to Wake Up (2023)”. Quélennec y compañía hicieron su mejor esfuerzo al conectar con el público en su idioma natal mientras ofrecían mensajes de apoyo, afecto y fuerza, un ejemplo más de que el apoyo que nos está dando el resto del mundo en esta difícil situación trasciende culturas y acontecimientos.

El punto máximo de la noche llegó cuando los vocalistas del grupo pidieron una pausa en lo que se acomodaban para lo que prometía ser un breve set acústico, pero nos ofrecieron una serenata al entonar “Cielito lindo” e invitar a todos a corearla. Además de ofrecerle un descanso al respetable, también fue un momento para la nostalgia, la emotividad y el olvidarse de la vida fuera del recinto. Siempre he dicho que el mejor acierto en un concierto es en el momento en que artista y público son uno sin importar lo demás, y el recital de La Femme tuvo esos momentos de sobra, destacando este en particular.

Después del reglamentario “cierre” –entiéndase, el artista o grupo vacía el escenario y las luces permanecen apagadas, aunque el público ya esté pidiendo más canciones desde antes–, llegó el momento de terminar apropiadamente logrando una hipnosis colectiva con “Antitaxi”, en donde la iluminación de neón parecía descender y bañar a toda alma presente en El Plaza, al mismo tiempo que cada sorbo de cerveza, mezcal, whisky, refresco sabía más intenso y cada meneo de cadera o aleteo de brazos se volvía involuntario. Con este desbalance emocional y sensorial fue como dejó La Femme al público mexicano, prometiendo más euforia y cariño para su próxima visita. Esperemos que las condiciones estén vastamente diferentes a las de nuestra actualidad, pero por ahora estamos con la seguridad de poder volver a bailar.

Soulwax estrena visual

La banda compartió el video de su single "Is It Always Binary".

A principios de este año Soulwax lanzó From Deewee, un álbum grabado por la veterana banda belga en una sola toma, y el cual se convertiría el primero en una década de sequía. El último video para acompañar al LP refleja este enfoque de una toma, acercándose a la instalación creada por Soulwax y Studio III bautizada como Transient Program for Drums and Machinery.

El visual fue grabado en vivo en Londres por James Willis de Bullion Productions, quienes han producido material para proyectos como Django Django, Disclosure y Kindness. El video de "Is It Always Binary", es lo más parecido posible a ver a Soulwax ejecutando su música en vivo sin estar en la misma habitación. También es una muestra de lo que se puede ver en su gira actual, que se cierra en diciembre con una cita en Manchester y dos noches en el Roundhouse de Londres.

En la gira actual de la banda, se han incluido diversos festivales como el Meltdown en Londres, Sónar en Barcelona y Electric Picnic celebrado en Irlanda.

Desde la creación de Soulwax en 1995, los hermanos Dewaele han empujado constantemente las fronteras hacia un territorio nuevo e innovador. Además de Soulwax, continúan su gira por el mundo como 2manydjs, tienen su sello y estudio nombrado DEEWEE. También poseen su propia estación de radio y una app: Radio Soulwax. Y por si fuera poco, un proyecto a lado de James Murphy que lleva por nombre Despacio.

Para rematar, el proyecto ha ejecutado la producción de algunos de los remixes más vanguardistas que hemos escuchado en los últimos tiempos, reelaborando temas de Warpaint, Tame Impala, Metronomy, Arcade Fire, Daft Punk, Hot Chip, MGMT y muchos más.

Pet Shop Boys en el Palacio de los Deportes

Nos llaman chicos pop porque nos gustan los hits del pop.

Desde su presentación el año pasado en el Corona Capital, muchos nos quedamos con las ganas de ver más del increíble show por parte del dúo inglés. Once meses después, Pet Shop Boys regresó a la Ciudad de México para presentar su show completo en el Palacio de los Deportes.

Pocos minutos después de las nueve, las luces se apagaron por completo y dieron inicio los primeros beats que formarían la base de “Inner Sanctum”. Los dos círculos blancos que se encontraban en ambos extremos del escenario comenzaron a girar para presentar a Neil Tennant y Chris Lowe, su público los recibió con gritos y aplausos. Este primer bloque estuvo integrado en su mayoría por cortes de Super, como el sencillo “The Pop Kids” y “Burn” junto a Christina Hizon, “Opportunities (Let’s Make Lots of Money)” y “In The Night”, complementado por visuales y alucinantes lásers.

A pesar de que el vigor bajo un poco, la energía se retomó con “Love Is a Bourgeois Construct” y “New York City Boy”, con el que los asistentes que estaban sentados decidieron pararse a bailar y otros a capturar un fragmento de ese éxito de 1999; el rush continuó con las percusiones de “Se A Vida É (That’s the Way Life Is)”. El baile fue transportado de la pista a las proyecciones que mostraban coreografías mientras se escuchaban temas como “Love Comes Quickly” y “Love, etc”, uno de los más coreados de la noche.

“West End Girls” fue otro de los temas que retomaron de su álbum debut el cual contrastó con la tranquilidad de “Home and Dry”, momento en el que la concurrencia optó por encender las linternas de sus celulares y moverlos al ritmo de “Oh tonight I miss you”. El juego de lásers regresó en “Vocal” con intensidad para la siguiente ola de baile; en la pantalla ascendía una luna con la que comenzó “The Sodom and Gomorrah Show”, el pesado beat no paraba y así siguieron los sintetizadores que anunciaron “It’s a Sin”. En una pausa, los espectadores aprovecharon para cantarle en adelantado “Happy Birthday” a Chris Lowe por su cumpleaños el 4 de octubre, a lo cual respondieron con un cálido “gracias”.

De repente, esferas de colores aparecieron en lo alto y dio inicio “Go West”, el famoso cover que realizó Pet Shop Boys a la legendaria agrupación disco Village People. Las esperas se iluminaron y el beat arrancó con fuerza, la gente gritaba al unisono “Together” mientras Tennant cantaba el resto del verso, la misma rutina se repitió en el coro, después Neil presentó a la banda y al terminar la melodía bajaron del escenario.

Pet Shop Boys no hizo esperar mucho a sus seguidores y a los pocos minutos la alineación volvió con cascos de colores a retomar sus posiciones y arrancar con “Domino Dancing”, todos coreaban con fuerza “All day, all day, watch them all fall down”. Los primeros sintetizadores de la canción siguiente fueron suficientes para la gente identificara “Always On My Mind”, canción con la que cerró de la mejor manera el concierto.

Los originarios de Londres no escatimaron en ningún nivel de su producción: cambios de escenografía, constantes juegos de luces y vestuario, sin dejar de lado su amplia trayectoria, fue en conjunto un festín audiovisual y un ejemplo más de que la calidad musical no está peleada con las listas de popularidad.

Def Leppard en la Arena Ciudad de México

Pour some rock on me, una noche con Def Leppard. 

El aire frío y violento golpeaba el rostro de todos al norte de la Ciudad de México y la noche rugía en un día donde, como dice mi querido amigo Gerardo Mandujano. “Nunca, ni en nuestros sueños más mariguanos de los años 80, llegamos a imaginar que en la misma noche, en la CDMX, y en distintos conciertos, estarían tocando Def Leppard, U2 y Pet Shop Boys”.

Después de las semanas tan difíciles que se han vivido, la ciudad vibraba y latía con fuerza para hospedar las notas y acordes que grandes bandas querían ofrecer como tributo a los dioses aztecas en ofrenda de paz; y aunque todas ellas auguraban un gran show, esta noche decidí que mi cita sería con Def Leppard (El concierto que ofrecieron hace tres años en El Palacio de los Deportes ha sido uno de los mejores conciertos de mi vida y las expectativas eran grandes, no les puedo mentir).

La Arena Ciudad de México abrió sus puertas majestuosa e imponente, y al entrar la sorpresa fue que había muy poca gente a mí alrededor, y la verdad recé esperando que la banda tuviera la concurrencia digna a su talento. En los altavoces AC/DC era el protagonista, y al terminar las luces explotaron frente a nosotros para abrir una noche mágica. Joe Elliott, Rick Allen, Phil Collen, Vivian Campbell y Rick Savage salieron al escenario mientras que la gente gritaba, saltaba y “Let’s Go” inundaba el alma de todos los asistentes.

Con una Arena más llena, lo cual me dio mucho gusto, el concierto empezó. La edad, nacionalidad y altura no importaban y todos disfrutaban por igual el estar ahí.

Todo pasaba rápidamente frente a nuestros ojos, Joe Elliott saludó al público en español y por un momento no existió nada más. “Animal” sonó y la multitud celebró. La proyección de las pantallas llenas de luz y color fue el complemento perfecto, y por un momento me sentí nuevamente en Times Square rodeada de espectaculares brillantes. “Let It Go”, “Dangerous” y “Foolin’" continuaron en un vaivén de sonidos, riffs, electricidad; y aunque yo nací hasta los 90, me transportaron a ese pasado que tanto desearía haber vivido.

La noche continuó su paso y “Love Bites” cantó eufóricamente por todos los que han sufrido por amor. “Armageddon It” nos regaló ese sonido característico ochentero de la banda británica mientras que Joe se acercaba por un pasillo central hacia la gente y “Rock On” porque los buenos tributos tienen vida en manos de gente virtuosa que sabe tocar instrumentos como dioses.

“Man Enough” con su bajeo bestial, pegajoso, penetrante, hizo que los cuerpos se contonearan al ritmo de la canción del Def Leppard de 2015, y “Rocket” alzó las manos de todos mientras recitábamos: “Rocket, yeah, satellite of love. Rocket baby, c'mon, I'll be your satellite of love”.

México estaba a los pies de la banda y ellos de nosotros. Joe Elliott, aclarando que su español no era muy bueno, dijo unas palabras de aliento, apoyo y amor para nuestro aún corazón devastado por el sismo del 19 de septiembre y todos aplaudieron. La frase “Fuerza México” se convirtió nuevamente en un estandarte para nosotros, para el mundo, y todos corearon “México” con orgullo.

El momento más esperado para muchos llegó y los clásicos se hicieron presentes para enseñarnos por qué Def Leppard es la banda que es hoy. Los acordes de la guitarra sonaron y “Bringin’ On The Heartbreak” abrazó el dolor de todos. “Switch 625” y su historia nos hizo recordar que la vida es corta y Steve Clark, antiguo guitarrista de la banda que murió de sobredosis a los 30 años, nos enseñó una lección más.

“Hysteria” estalló y las voces se convirtieron en un solo eco mientras que todos entregaban su alma y Def Leppard volvió a dejar huella en la histeria de una ciudad ruidosa, llena de gente y de vida. “Do you wanna get rocked?” fueron las palabras mágicas para que “Let’s Get Rocked” hiciera enloquecer al público. La gente brincaba, las cabelleras volaban, y todos, hasta los protagonistas del encuentro, disfrutaban como si fuera el último día.

Los acordes de la guitarra produjeron un sonido y “Pour Some Sugar On Me” se hizo presente. Un relámpago cayó, todo cambió y la electricidad de las guitarras, bajo y batería penetró en nuestros oídos.

Para finalizar una noche llena de magia, “Rock of Ages” sonó perfecta, exacta, y nos hizo entender por qué amábamos y necesitábamos el rock en nuestras vidas. Una canción épica y gloriosa, de una gran banda, mientras que “Photograph” cerró con broche de oro un recuerdo tan memorable como el anterior.

Como decía mi amigo Gerardo, jamás pensamos tener tantos conciertos tan chingones en México, y es por eso que hoy a través de esta reseña agradezco a mi país por darme tanto, por alimentar mi pasión más grande (la música) y abrir sus puertas a grandes bandas nacionales e internacionales. Gracias por levantarte, brillar, y darme el orgullo de ser mexicana.

Gracias a todos los que levantaron escombros, donaron, abrieron sus casas a quién lo necesitaba, dieron comida o simplemente regalaron una sonrisa y un abrazo.

Gracias México.