Vetusta Morla — Mismo sitio, distinto lugar

Cuando el sitio es el inicio y el lugar es el porvenir.

No es lo mismo oír que escuchar. De la misma forma, hay una considerable diferencia entre ver y mirar. El condicionamiento que separa a estas cuatro acciones recae en el sentido de la atención, todo aquello que nos atrae por cierta característica que despierta en nosotros, ya sea por su sonido, color o por ciertos recuerdos que nos genera.

La ambigua creencia que sentencia que mirar hacia el pasado es más una afrenta que un comportamiento normal, que al final acaba tachando cruelmente a todo aquel que no olvida por voluntad en un pobre nostálgico que se abstiene a vivir en el presente, acaba siendo un tema de gran amplitud cuando se habla de la música y sus diversos modos de realización.

La pregunta obligada es: ¿Qué hace que nuestro consciente enfoque su atención en todo aquello que nos evoca al pasado? El recuerdo que generan las experiencias pasadas parecen tener a veces varias respuestas que influyen en algunas decisiones de nuestro presente, fungiendo como una pieza perdida de un rompecabezas. Así como la diferencia entre oír y escuchar está más que marcada, resulta ser que un sitio no es lo mismo a un lugar.

Indagando en estos albores vivenciales nos encontramos con la más reciente entrega de Vetusta Morla, banda referente por sus líricas elocuentes, profundamente elaboradas y siempre abiertas a futuras manipulaciones durante sus presentaciones en vivo. Los oriundos de Tres Cantos, Madrid, regresan a las andadas con un álbum que busca orientar sus actuales caminos, pero esta vez volteando hacia sus glorias pasadas. La primera impresión al mirar –no ver– el arte que envuelve a Mismo sitio, distinto lugar es el predominio de color en una especie de retrato de naturaleza, sin saber si es viva o muerta, contrastante con sus portadas anteriores, ante la ausencia de tonos vivos. Sin duda algo distinto se traen entre manos.

Diez canciones que exploran la irreverencia, navegan la conciencia y enriquecen el pensamiento, son el paquete que ofrecen Pucho, David, Álvaro, Jorge, Guillermo y Juan Manuel. El regreso a los orígenes de la agrupación independiente se inaugura con “Deséame suerte”, un salto al vacío que bien podría ser un himno a los inseguros, habidos de tiempo y sobrantes de ansia, por consecuencia ofertantes del primer amuleto que se les cruce encima. Perfecto consuelo para los días de incertidumbre existencial.

Por otra parte, se encuentra “Consejo de sabios” con su belleza lírica, teclados que le hacen segunda a la voz, mientras se alude a una analogía de ave en resistencia, que genera de inmediato la sensación de estar escuchando a un Vetusta más tradicional, con el sello de la casa por delante.

Teniendo en su posesión distintos elementos embellecedores que fungen como innovadores natos y la certeza de una esencia prácticamente probada conjugan la formula de “23 de junio”, un poema fuera de lo convencional, disfrutable en los versos fuertes. Que no sorprenda si surge la necesidad de un replay.

Los caminos que el álbum toma son capaces de satisfacer varias necesidades, resaltando la sátira, la metáfora y la bella prosa a la que ya nos tienen acostumbrados los madrileños, siendo “Palmeras en la mancha” y “Guerra Civil” ejemplos de ello. El punto más fuerte del disco se da en “Punto sin retorno” y “La vieja escuela”, canciones entrañables, capaces de armar una atmósfera a su alrededor, completas, con opción al análisis de sus componentes. Sin duda alguna el circulo se completa con estos dos bellos tracks, confirmando así el objetivo planteado por los músicos y dejando un agradable sabor de boca al final de la reproducción.

El repertorio de Vetusta Morla se fortalece con “Mismo sitio, distinto lugar”, donde se reafirma un gratificante flashback que se compagina con nuevos elementos rítmicos, sin dejar del lado la potencia de una lírica sumamente reconocible. A final de cuentas no es tan malo voltear hacia el pasado, desempolvar ciertas cosas y nutrir el alma para no olvidar. Es claro que para Pucho, David, Álvaro, Jorge, Guillermo y Juan Manuel aquel sitio donde partieron hace mucho tiempo es un fiel servidor de un lugar que se vuelve su porvenir. No es lo mismo ver y mirar, hay que aprender a enfocar.

Django Django estrena clip para "In Your Beat"

Tras el anunció de la salida de Marble Skies, la banda británica de art rock liberó un segundo adelanto acompañado de un clip.

Django Django anunció su regreso hace unos meses con la salida de Marble Skies, tercer material de larga duración de la banda. Con ello, se estrenó el primer sencillo que denominaron "Tic Tac Toe". Y ahora, la agrupación londinense empleó la misma fórmula, lanzando un nuevo tema acompañado de un videoclip: "In Your Beat".

El visual fue dirigido por SKG (Sophie Koko-Gate). El arte, que es lo más sobresaliente del trabajo, fue realizado por Brodie Kaman. La relación surge después de que el baterista de la banda, David Maclean, encontró el trabajo de Kaman en línea e inspirado por su conexión con los carteles rave, tuvo la idea de un video que diera vida a perspectivas de esa índole.

El material animado, muestra estatuas griegas, insinuaciones al pop art, paisajes animados en colores contrastantes, la letra de la canción y Django Django interpretando el tema dentro del pintoresco video. Hablando de materia musical, la agrupación conjunta música dance, britpop y en ocasiones, hasta synthpop. Sin duda, un alivio que el excelente proyecto por fin este de vuelta. Mira el clip:

Marble Skies verá la luz el próximo 26 de enero, misma fecha en que Django Django empezará su gira promocional en Londres, pasando por parte de Gran Bretaña, Suiza, Bélgica, Países Bajos, Francia y Alemania. La banda aún no visita nuestro país aunque ya tiene 3 LPs bajo el brazo. Esperemos la tercera sea la vencida, y se agende una fecha para nuestro país con esta nueva pieza de estudio.

Sép7imo día by Cirque du Soleil en México

Poesía física y momentos mágicos en el Sép7imo día.

La banda argentina Soda Stereo regresa –en espíritu– a la Ciudad de México, gracias a la compañía canadiense de entretenimiento Cirque du Soleil que presenta en el Palacio de los Deportes el show Sép7imo día - No descansaré, dirigido por Michel Laprise y representado por más de 35 artistas.

Con un escenario inspirado en el Planetario Galileo Galilei de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina, el espectáculo nos lleva de la mano del personaje principal L’Assoiffé, que –cuando se conecta con la música de Soda Stereo– es transportado a un mundo donde se siente libre.

Las luces se apagan, los gritos de emoción se escuchan y una voz nos da la bienvenida, estamos entrando por primera vez a un triángulo –al que nunca nadie entró– formado por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti. Unos círculos luminosos gigantes que proyectan viejas fotografías de la banda aparecen en la zoom zone –zona general interactiva– y, momentos después, los primeros acordes de "En el Séptimo Día" comienzan a sonar, L’Assoiffé llega a un planeta desconocido en el que coloca una bandera con la portada del disco Dynamo (1992).

Poco a poco se unen más personajes que parecen salidos de Le Voyage dans la Lune de Georges Méliès y la fiesta estalla con el mash up de "Picnic en el 4to B""Te Hacen Falta Vitaminas""Mi Novia Tiene Bíceps", canciones que ponen a bailar a todos los espectadores.

Con la ayuda de los Ángeles Eléc7ricos –personas que conectan al público con el show– una flor gigante que representa la fragilidad, el amor y la fuerza, comienza a navegar entre el eufórico público. Los pétalos se abren para descubrir a una mujer realizando un acto de equilibrio mientras escuchamos "En Remolinos".

Para "Signos", una rueda acrobática sirve para simbolizar los lazos y conflictos en las relaciones. Los artistas hacen girar la rueda y forman una especie de trapecio con sus cuerpos. Mientras, en el escenario, un hombre dibuja figuras con luz sobre la pantalla gigante.

Uno de los actos más sorprendentes de la noche viene con "Luna Roja", la única artista mexicana en Sép7imo día, Zendra Tabasco hace una hermosa danza en el aire mediante suspensión capilar, para completar la escena, el planeta que está debajo de ella se ilumina con intensos colores.

Los momentos emotivos comienzan y aparece el clásico "Cuando pase el temblor", la pantalla gigante muestra videos de la gira Nada Personal que comenzó en el verano de 1985 y que recorrió lugares como Buenos Aires, Quito, Caracas, La Paz, Santiago, Medellín y por supuesto México. Y es aquí cuando aparece la frase Fuerza México y los aplausos, gritos y chiflidos de emoción se escuchan por todos lados.

Después, la atención se vuelca hacía una enorme pecera que contiene dos artistas de buceo libre que danzan mientras suena "Hombre al agua", este increíble acto finaliza con una escandalosa ovación. Las luces se apagan y en la zoom zone aparecen algunos artistas tocando la emotiva "Te para tres" al rededor de grandes luces que simulan fogatas, la canción es coreada por todos y cada uno de los asistentes.

El espectáculo se acerca a su fin, no sin antes presentar "En la ciudad de la furia" con otro gran acto que incluye un número de calistenia callejera sobre una reja inspirada en el video original. El cierre, por supuesto, llega con "De música ligera" con un grupo de aproximadamente 13 artistas realizando banquine y power track –acrobacias y ejercicios gimnásticos de gran altura y velocidad–. Todo culmina con el famoso "Gracias totales" y la imagen del último concierto de Soda Stereo.

Esta es la primera vez que Cirque du Soleil rinde tributo a una banda de rock en español, actualmente considerada la más influyente en Latinoamérica. La producción musical del show incluyó un largo proceso de digitalización y restauración de grabaciones originales de la banda y corrió a cargo de los mismos Zeta Bosio, Charly AlbertiAdrián Taverna, quien trabajó con Gustavo Cerati para su último trabajo, Fuerza Natural.

Lo bueno:

Artistas de primer nivel representan la belleza de las canciones de Soda Stereo.

Lo malo:

Casi siempre el Cirque du Soleil crea un espacio especial o coloca carpas para sus presentaciones, así que sino eliges boletos de zoom zone en el Palacio de los Deportes, no vivirás esta gran experiencia como se debe porque no estarás cerca de los artistas y no podrás apreciar de cerca el maquillaje, vestuario o algunos actos.

Sép7imo día - No descansaré by Cirque du Soleil se estará presentando del 28 de noviembre al 23 de diciembre en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México en el cierre de su gira 2017.

 

 

Escucha la nueva rola de N.E.R.D junto a Future

La agrupación estadounidense N.E.R.D dio a conocer "1000", track que formará parte de su nuevo LP.

Hoy N.E.R.D nos ha compartido el segundo corte de su material, una colaboración con el rapero Future titulada"1000", una rola que combina sonidos de sintetizadores con hip hop, estilo que marcará esta era de la banda.

Escúchala a continuación y comparte tus impresiones en nuestras redes sociales:

El nuevo proyecto de Pharrell WilliamsChad Hugo y Shay Haley  se estrenará el próximo 15 de diciembre bajo el sello Columbia Records, este larga duración contará con la participación de Kendrick LamarM.I.A., Andre 3000 y Rihanna. Este material representa su regreso al mercado 7 años después de su último LP Nothing.

Desde 2015 Pharrell nos daba indicios de que N.E.R.D volvería a los escenarios y con material inédito, pero no fue hasta el 1 de noviembre que liberaron "Lemon", una rola con elementos del funk y hip hop en colaboración con Rihanna, quien puso a prueba su habilidad para rapear.

El pasado 6 de noviembre esta banda sorprendió a los asistentes del Complex Con en California, ya que tocó en su totalidad su próxima placa. En un escenario con postes de luz y simulando a un barrio —con bailarines y automóviles incluidos— es como se llevó a cabo este show.

Ya puedes preordenar este disco en distintas plataformas electrónicas.

Angel Olsen versiona a David Bowie

Durante un concierto Angel Olsen interpretó "Five Years" de David Bowie.

La cantante estadounidense ha estado muy activa este año con el lanzamiento de Phases, una colección con rarezas, b sides y temas inéditos que compartió hace unos días. Pero también la interprete ha estado en una gran gira, la cual incluso la trajo a nuestro país para presentarse en el festival Corona Capital. Durante una fecha de esta gira, la artista interpretó una canción de David Bowie.

El cover que hizo Angel Olsen es de "Five Years", tema que abre The Rise and Fall of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, uno de los álbumes más destacados en el ámbito conceptual y uno de los favoritos entre los seguidores del fallecido británico.

Esta interpretación se dio durante su concierto en el Jefferson Theatre de Charlottesville, Virginia. La cantante junto a sus músicos tocaron una versión bastante acertada, aunque la grabación tiene un sonido descuidado la distinción de su voz es evidente.

Cabe mencionar que Angel Olsen salió al escenario con un traje plateado brillante, al más puro estilo glam de David Bowie o Marc Bolan, lo cual podrán ver en el video tomado por un fan.

Puedes escuchar ambas versiones de "Five Years" y ver imágenes del concierto justo aquí:

⚡️Angel Olsen covering Bowie ⚡️

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Escucha lo nuevo de Calexico

Calexico presenta "Voices In The Field", un nuevo corte de su próxima placa.

La banda estadounidense Calexico ha dado a conocer el lyric video de su nuevo single "Voices In The Field", que estará incluido en su LP The Thread That Keeps Us, que se estrenará el 26 de enero de 2018 bajo el sello Anti Records.

"Esta canción está inspirada en los poemas en postales de los desplazados por la guerra y la opresión. Es una canción para recordarnos a abrir nuestros corazones y escuchar al otro. Voces que cantan sus historias ", declaró Joey Burns en comunicado de prensa.

Escucha este tema con tintes folk a continuación:

De acuerdo a la banda, el sucesor de Edge of The Sun está inspirado en los cambios que las personas experimentan al volver a su lugar de origen y encuentran todo en caos.

Además de este lanzamiento nos compartieron las fechas de su gira que recorrerá los Estados Unidos:

12/8 - Los Angeles, CA - Swing House
12/19 - Tucson, AZ - 191 Toole
4/19 - El Paso, TX - Tricky Falls
4/20 - Dale, TX - Old Settler's Music Festival
4/21 - Tulsa, OK - The Vanguard
4/22 - St. Louis, MO - Blueberry Hill Duck Room
4/23 - Minneapolis, MN - Fine Line Music Cafe
4/25  - Chicago, IL - Thalia Hall
4/26 - Cincinnati, OH - The Woodward Theater
4/27 - Washington, DC - Lincoln Theatre
4/28 - Brooklyn, NY - Music Hall of Williamsburg
4/29 - New York, NY - Bowery Ballroom
5/1 - Cambridge, MA - The Sinclair
5/2 - Philadelphia, PA  - World Cafe Live
5/3 - Charlottesville, VA - Jefferson Theater
5/7 - Atlanta, GA - Terminal West
5/8 -  Nashville, TN - Mercy Lounge

Rostam le hace un cover a Bob Dylan

Con "Like A Rolling Stone", Rostam le rinde trubuto a Bob Dylan.

Hace unos meses el ex integrante Vampire Weekend hizo su debut en solitario con el álbum Half-Light, por lo que ha estado promocionando este material en diversos medios, como en SiriusXMU, canal de radio satelital en Canadá enfocado a la música independiente. Durante su visita el músico le hizo un cover a uno de los clásicos de Bob Dylan.

El tema que interpretó Rostam fue "Like A Rolling Stone", publicada en 1965 en el álbum Highway 61 Revisited. Tanto el tema, como el disco han sido sumamente aclamados durante la carrera del cantante de Dulluth e incluso se les ha mencionado como dos de las piezas más importantes en la historia de la música.

A diferencia de la versión de Bob Dylan, Batmanglij deja a un lado la desprolijidad y el tono campestre para enfocarse en el piano, logrando una balada sumamente emotiva. Además, el neoyorquino reemplaza la voz de trovador de Dylan, por un cántico suave y contenido que se adapta de buena manera a la afable melodía.

El disco de Rostam, Half-Light ya está disponible en tiendas y servicios de streaming gracias al sello discográfico Nonesuch Records (Fleet Foxes, Devendra Banhart).

Puedes escuchar ambas versiones de "Like A Rolling Stone" justo aquí:

 

HIPNOSIS 2017: Entrevista con Ty Segall

Lo raro es más divertido.

Cuando Ty Segall tenía 19 años, pasó por una etapa crítica que definiría el resto de su prolífica carrera. Su primer banda en requerirlo como frontman, Epsilons, estaba comenzando a ser reconocida y aclamada, al menos dentro del nicho del garage rock californiano en 2006.

Lo que pasó entonces es la ocurrencia natural que se esperaría cuando alguien que se describe como un “joven bebedor existencial” se ve envuelto en el vórtice de confusión que debe ser terminar la prepa mientras tu banda comienza a ser aclamada por desconocidos: Ty comenzó a cuestionarse por qué hacía música en primer lugar.

“Admitiré que tenía un ego inflado para un escuincle de 19 años, y fue un duro momento darme cuenta que de pronto mucha gente pensaba que era un pendejo, porque estaba actuando como un pendejo. Entonces dije ‘espera una segundo, no debería comportarme así’, y pensé: ‘¿por qué me gusta la música?’, ‘por qué hago esto?’‘oh claro, es porque soy un raro y amo a los raros y me gusta hacer mierda rara’.”

Ty no es muy vocal respecto a qué tipo de comportamiento exactamente le ganó esa reacción, pero no pasó mucho tiempo después de esa etapa para que comenzara su proyecto solista, tras la separación de su primer banda y su mudanza a San Francisco.

Fue entonces que esa filosofía de “hacer mierda rara para gente rara” comenzó a permear el resto de sus creaciones. Decenas de álbumes después, el Ty de 2017 (ahora a sus 30 años) reconoce que fue afortunado el que pudiera tenerlo tan claro a una edad tan joven.

“Me parece que aprendí la lección bastante temprano ¿sabes? que no vale la pena hacer nada a menos que sea divertido. Porque si no es divertido entonces ¿quién quiere hacerlo? Creo que era el tipo de persona que aprendía las lecciones de la forma difícil, pero no cambiaría eso de mí porque, de cierta forma, ha hecho que la lección perdure”.

Y vaya que ha perdurado. Durante nuestra plática de 20 minutos, Ty Segall estaba en su casa en Los Ángeles, en el mismo cuarto que convirtió en un estudio y en donde pasa la mayor parte de su tiempo haciendo los demos de weird shit’que se convierten en álbumes, EPs o sencillos.

“En general cuando estoy aquí, y no tengo que prepararme para un tour o algo, estoy en este estudio dos, tres, cuatro días a la semana haciendo cosas. No sé qué hagan los grandes, pero es como un trabajo normal para mí… soy como un niño en una dulcería creando cosas raras. A veces la gente me dice que estoy haciendo demasiada música y se sacan de onda, y yo así de, ‘ok man, supongo que solo me he estado divirtiendo mucho…’”.

El último resultado de esa persecución por rareza y diversión se llama simplemente Ty Segall, a pesar de que su álbum debut de 2008 también se llamaba como él. Prueba quizás de que, a estas alturas, el músico californiano ha abandonado toda esperanza de que la gente le siga el rastro a sus lanzamientos.

Como ejemplo, podríamos decir que ese es el álbum que lo traerá al Festival HIPNOSIS de Indie Rocks! este 9 de diciembre. Pero considerando que en lo que va de 2017, Ty también ha sorprendido con el EP Sentimental Goblin, un mini disco llamado Fried Shallots y tres sencillos nuevos lanzados solo en Bandcamp, es difícil saber.

Protistas — Microonda

Microonda: Amores, despedidas y jangle.

Una vez, dos personas se encontraron. Parecían hechos el uno para el otro. Las sonrisas eran eternas, los abrazos, las palabras. Bastaron dos semanas para que quedaran prendidos. Eran esos los primeros días de un viaje que prometía ser perpetuo. Tardes que se prolongaban entre listas de canciones cuidadosamente curadas, ratitos de quedarse dormidos y ocasionales visitas al bar en donde diario sonaba esa banda escocesa que cantaban “Rip It Up” y tenían nombre de bebida para el desayuno. Pero un día, las cosas empezaron a cambiar. La desconfianza apareció y con ella todos los problemas. Hasta que las canciones dejaron de significar algo, las distancias comenzaron a incrementarse y el viaje llegó a un final.

Esa historia, la misma con la que se puede identificar más de uno, es quizá el hilo conductor del nuevo trabajo de los chilenos de Protistas. Casi se ha vuelto un cliché alabar el trabajo de los músicos andinos. Ya conocemos de memoria a Dënver, a Javiera Mena, a Alex Anwandter, extrañamos a Astro y cada que hay oportunidad vemos a Los Tres para ver si sale alguien de Café Tacvba. Pero que se haya convertido en una regla, no quiere decir que vaya perdiendo impulso. Es así. Chile es actual punta de lanza en lo que respecta a las propuestas musicales.

Protistas está inserto ahí. Pero no son el clásico electro pop que conquista el Vive Latino. Ellos parecen más cercanos a las disqueras del Reino Unido de mediados y finales de los 80, quizá también al sello neozelandés Flying Nun Records y su sonido de Dunedin en donde las guitarras prístinas son el fondo para historias que nos recuerdan los mejores años formativos. Años que determinan el porvenir, a pesar de ser, muchas veces, recuerdos que salen en esos momentos cuando más flaqueamos en la existencia. Parecieran historias sacadas de las páginas de un diario que lleva mucho tiempo empolvándose, aquél en donde el primer amor figuraba de manera prominente y las ideas eran más impulsivas y pasionales.

Protistas cita por igual a Violeta Parra o a Los Prisioneros, a Niños del Cerro o a Pánico. Por eso no es extraño que no se casen con un género en particular. Hay algo de tradición folklórica, algo de synth y algo de jangle. Esa es la magia de un sello como Quemasucabeza, que podemos encontrar de todo y ahora hasta algunos mexicanos como Vaya Futuro.

De Microonda podemos rescatar muchas cosas. Las letras, los acordes, los sentimientos. Canciones como “Historia natural”, “De casa en casa” o “Entre los dos no sumamos uno” son pasajes que se pueden incrustar en la vida de cualquiera, y que siguen encumbrando al rock chileno, como un bastión innegable de lo que sucede en nuestro continente.

Enhorabuena Protistas, porque son discos como este, los que hacen que la música vaya más allá de los hits, de los millones o de la imagen, son discos como este los que hacen que alguien, un extraño, quizá mientras lee, o va caminando por la calle, esboce una sonrisa por saber que alguien más piensa como él.

Björk comparte un asombroso tráiler

Además, Björk habla sobre una versión aumentada de Utopia.

Cada vez conocemos un poco más el entorno utópico que esta artista busca presentar con el acompañamiento visual de su nuevo material discográfico, Utopia, el cual salió a la venta el pasado 24 de noviembre vía One Little Indian.

Ahora, Björk nos muestra un vistazo más cercano a este lugar con un breve tráiler musicalizado por la canción que da nombre al disco. Probablemente este adelanto sea parte de un nuevo video musical el cual daría seguimiento a los sencillos previos “Blissing Me” y “The Gate”.

En este clip vemos formas y colores que parecen fuera de este mundo, poco a poco surgen varias mujeres que están tocando la flauta mientras que en la escena final aparece Björk acostada con una flor en su pecho que al parecer es parte de su vestido.

Tras el lanzamiento de Utopia, Björk externó su deseo de publicar una versión aumentada de este material en la primavera de 2018. “Hubo muchas cosas con flautas que no exploré por completo, como más arreglos solistas y misteriosos, y voy a ensayar con las chicas que tocan la flauta aquí en Islandia”, declaró en la entrevista para Beats 1. “Tenemos algunas canciones adicionales y algunos ángulos diferentes”. Escucha el extracto a continuación: