Little Jesus estrena video para "Gracias por nada"

Little Jesus celebra la temporada de los sustos con el video para "Gracias por nada".

Little Jesus estrena video para "Gracias por nada", el video para una de las canciones de Disco de Oro, su tercer álbum discográfico. Entre momias, vampiros, monjas malditas y fantasmas, el video nos relata la historia de un amor imposible entre un cazador de monstruos y una bruja del estilo de Suspiria.

Este año, la banda lanzó Disco de Oro, un disco con 11 canciones que se apegaban a la nostalgia del pasado, e invitaban a viajar, a la vez que celebraban como casi siempre, el amor. Entre ellas estaba "Gracias por nada", canción cínica que reconoce lo bueno de un amor, solo porque comparándolo con el resto, no está tan mal. En sus palabras, "Todo es mejor gracias a esa época horrible".

Mira el video a continuación:

La canción fue compuesta por Santiago Casillas Escobedo, grabada por Daniel Bitrán Arizpe en El Desierto Casa Estudio en la Ciudad de México. Fue mezclada por Jake Aron en Studio Windows en Nueva York. El video fue dirigido por Neuderts, una casa productora originaria de Hermosillo, Sonora. El concepto mantiene el humor característico de la banda, y agrega el peso tenebroso necesario para festejar esta temporada de los muertos.

El lanzamiento es un recordatorio que prepara a los fans de la banda para su próximo concierto a finales del mes. Little Jesus se presentará el 28 de noviembre en el Pepsi Center WTC con su último material: Disco De Oro, no te los pierdas, conoce más detalles aquí.

Jumbo en el Teatro Metropólitan

Jumbo: Festeja 20 años de historia.

Una de las bandas de la escena regia, se hizo presente en el Teatro Metropólitan en una celebración de aniversario por sus dos décadas de historia, se trata de Jumbo.

La banda arribó al escenario para conquistar a su público, en un concierto íntimo y acústico que fue un deleite para sus seguidores. El que cumpla años, merece todo su reconocimiento.

La agrupación regiomontana optó por presentar su show acústico, acompañada de instrumentos de vientos, metales y percusiones. Jumbo interpretó su más reciente álbum Manual de viaje a un lugar lejano.

El cuarteto integrado por Clemente Castillo, Flip Tamez, Charly Castro y Beto Ramos; esta ocasión no estuvieron solos, se les unieron músicos invitados.

En punto de las 21:00 H, las luces se apagaron y fue el momento para recibir a Jumbo a una noche que prometía un recorrido musical lleno de recuerdos. Con un espectáculo enérgico, con un set sobresaliente y fuera de lo común; donde se ganó los aplausos de los asistentes, esa noche Jumbo hizo ver que los años no pasan en vano. Y tal pareciera que fue un suspiro.

Pasó el tiempo y Jumbo está festejando.

La primer canción de la noche inició con "En repetición", los elogios no se hicieron esperar, provocando que retumbara cada rincón del Metropólitan. Sorprendieron con "Caminando hacia atrás", cuando invitó a Juan Galeano de Diamante Eléctrico. La colaboración con el cantante colombiano fue potente, nadie se esperaba tan peculiar participación; que sin duda fue una versión distinta.

De esa manera, nos darían la bienvenida a una noche que sería para muchos nostálgico. "Cada vez que me voy", acompañado de Alberto Arcas (Okills) encendió los ánimos de los presentes que de inmediato cantaron al unísono; haciendo retumbar el emblemático recinto.

Manual de viaje a un lugar lejano, no solamente es el último álbum de los regios; sino es una caja donde se guardan las mejores canciones en estos 20 años. Y para muestra de ello, supieron hacerlo correctamente. En este concierto hicieron un pasaje por sus grandes éxitos, donde bien dicen que recordar es vivir.

"Yo sin tu amor", ese clásico de la agrupación norteña Limite fue interpretada a manera de balada acompañada de Vanessa Zamora, la joven cantante de Tijuana, aquí se juntaron las fronteras.

Los invitados iban ganando lugar en este concierto, Clemente Castillo. "Pido por favor un aplauso a dos grandes músicos, Caloncho y El David Aguilar de La Vacación". La euforia estalló y en instantes sonó "Después", aquella canción del álbum D.D y Ponle Play (2001) . Tras ese emotivo momento, la canción más anhelada sería "Fotografía", que pese a la ausencia de Jay de la Cueva sobre el escenario, no importó; tal vez, uno de los momentos más emotivos de la noche.

La cantante argentina Daniela Spalla salió con una gran sonrisa, vestida con un abrigo color rosa; donde fue elogiada. Otro tema que no podía faltar en el recopiltarorio de Jumbo es "A veces", quizá uno de los temas más empedernidos, incluido en su disco Alto al Fuego.

El momento cumbre llegó con "Rockstar", el cual hizo brincar a todos. Muchos aprovecharon para despejarse de sus asientos y armonizar el ambiente con una buena dosis de energía. Esa canción fue catarsis. Una liberación de recuerdos almacenados por Jumbo estos 20 años.

La noche parecería que llegaría a su fin, pero no sin antes regalarnos una canción que es un parteaguas en su historia. Daniel Gutierrez, el último invitado que tendrían para su noche de aniversario. Se acomodó en el entarimado, y de esa manera nos remontó a algunos ayeres. "Siento que.." , una versión muy bien acoplada en compañía de la guitarra de Clemente Castillo, y de Flip Tamez, una muy buena dupla de parte de el frontman de La Gusana Ciega.

"Son 20 años, pero ustedes primero, nosotros después", esas fueron las palabras de agradecimiento. A su vez agradeció por esta noche llena de estrellas.

Fue un concierto que destacó por la interpretación de una agradable selección de canciones, que más de uno nos remueve las entrañas. El concierto se amoldó a las exigencias requeridas, todo salió como se esperaba.

Todo indicaba que terminaría, pero hicieron presente anunciar un breve descanso para ofrecer la segunda parte. Como es común crear ansias entre los asistentes, que mantenían al público con ganas de más.

Y así, Jumbo tenía preparado un par de canciones extra. "Como no queríamos hacer un disco tan cansado con muchas canciones, creímos que 14 eran justas, pero aquí les van estas". Un breve set de covers, el primero de ellos fue "Enséñame a olvidarte" de Intocable. A lo cual Castillo se apoderó de su guitarra acústica e hizo suya esa versión. Finalmente. "Quiero recordar a un grande, al príncipe de la canción"; y deleitó con "Anda y ve" de José José, muchos se mostraron conmocionados.

La celebración por estas dos décadas para Jumbo fue sobresaliente. Exquisita, donde envolvió emociones y arrebató memorias que se quedarán guardadas en cada uno de nosotros. Si bien, hicieron falta canciones icónicas como "Bajo control" o "Automático" dejaron claro porqué siguen siendo aclamados.

Escucha "Frío" la nueva canción de Omar Apollo

Así suena la primera canción completamente en español de Omar Apollo.

Omar Apollo lanzó "Frío", su primer tema cantado completamente en español. En este lanzamiento, se aleja de su sonido característico, y se apega hacia un sonido más trapero. Dejamos de escuchar las guitarras y los trazos de R&B de Friends, para obtener a un Apollo mucho más apegado al de Stereo, su primer EP. En el que habían más versos de rap, y a pesar de estar igualmente influenciado por el ritmo del R&B del segundo EP, tenía un sentimiento más pesado y una lírica más cruda.

En "Frío", Apollo usa un beat de trap innegable, y habla acerca de quererse salir de una relación que es como un ciclo vicioso. Es acerca de una relación tóxica de la que se vuelve imposible salir. Dice haberla escrito mientras estaba de visita en su ciudad natal para la boda de su hermano. La canción fue producida por Kenny Beats en Los Ángeles, y ya está disponible a través de varias plataformas digitales. El lanzamiento es un calentamiento para su gira europea.

Escúchala a continuación:

Apollo es de descendencia mexicana, y aunque regularmente hacía uso de ciertas palabras en español en algunas de sus canciones y títulos, no había lanzado ninguna completamente en español. "Frío" es un cambio radical de sonido y estilo para el cantante. No es un mal cambio, pero en comparación con los otros EPs, definitivamente aparenta acercarse a las tendencias latinas, y nos deja cuestionándonos si este lanzamiento sólo es un experimento, o el nuevo giro que el artista está por tomar.

Billy Corgan estrenará el disco 'Cotillions'

Cotillions de Billy Corgan saldrá a la venta a finales de noviembre.

Billy Corgan de The Smashing Pumpkins anunció su nuevo álbum doble titulado Cotillions, el cuál saldrá a la venta el próximo 22 de noviembre. El disco estará disponible en formato digital y contará con un total de 17 canciones, todas escritas y grabadas en Estados Unidos (Nashville y Chicago).

Dale un vistazo a la portada del álbum y al tracklist completo.

Billy Corgan

  1. "To Scatter One’s Own"
    2. "Hard Times"
    3. "Jubilee"
    4. "Fragile, The Spark"
    5. "Cotillions"
    6. "Faithless Darlin’ "
    7. "Colosseum"
    8. "Martinets"
    9. "Buffalo Boys"
    10. "Dancehall"
    11. "Cri de Coeur"
    12. "Like Lambs"
    13. "Rider"
    14. "Apologia"
    15. "Neptulius"
    16. "6+7"
    17. "Anon"

El álbum contará con participaciones especiales de Katie Cole, Jeff Schroeder y otros importantes músicos de Nashville. 

Puedes pre-ordenar el álbum ahora mismo a través del siguiente enlace o pre-guardarlo en la plataforma de música en streaming Spotify. Además, no olvides mantenerte al pendiente de las redes sociales de Billy, ya que en una publicación de Instagram, hizo mención a que se darán más detalles para obtener una copia del álbum en vinilo, del cual se realizarán dos ediciones, una de ellas limitada y con más material.

"International Woman of Leisure", la nueva canción de La Roux

Escucha el regreso de La Roux en "International Woman of Leisure".

Después de media década, La Roux por fin nos regala nuevo material. Elly Jackson lanzó "International Woman of Leisure", la primera canción de Supervision. Este siguiente álbum será su segundo disco como solista, donde por fin tendremos el honor de volver a verla en acción sin que sea el featuring de nadie más. El material saldrá a través de Supercolour Records.

Desde el lanzamiento de Trouble in Paradise en 2014, su colaboración con New Order, y la aparición que hizo en “GONE, GONE / THANK YOU”, canción del último álbum de Tyler, the Creator, no habíamos escuchado nada de Jackson. Ahora regresa con más presencia que nunca con un video cargado de nostalgia ochentera. "International Woman of Leisure", es un himno que se une a la ola de empoderación femenina, cargado de vibras de Totally Spies!, Jackson se convierte en una especie de ángel de Charlie pero mucho más groovy. La canción tiene el sonido característico de La Roux, y un tono pegajoso que recuerda a los lanzamientos dosmileros que nos hicieron comenzar a amarla.

Mira el video a continuación:

La estrella del electropop tiene fecha de estreno para el nuevo material el 7 de febrero del 2020. Junto con el lanzamiento, iniciará una gira por Europa y América, lamentablemente, ni México, ni ningún país latinoamericano se encuentra en la lista. Te dejamos la portada y el tracklist abajo:

Supervision

1. "21st Century"
2. "Do You Feel"
3. "Automatic Driver"
4. "International Woman of Leisure"
5. "Everything I Live For"
6. "Otherside"
7. "He Rides"
8. "Gullible Fool"

Escucha "Common Lives", tema de Metric y Zoé

Dale play a la colaboración que se armaron algunos integrantes de Zoé con Metric para una buena causa.

La dupla entre Zoé y Metric ha dado frutos y esto se puede ver reflejado en el tema "Common Lives", canción que busca recaudar fondos para la mariposa monarca. Aunque en esta canción no está León Larregui sí podemos encontrar a otros miembros como Sergio Acosta y Rodrigo Guardiola

La grabación del track se dio durante la primera visita de Metric a la Ciudad de México en los estudios Panoram. Durante el proceso, Jimmy Shaw trabajó en la edición y mezcla de la canción en Giant, el estudio de Metric en Toronto, donde las voces fueron grabadas por Emily Haines.

La letra de la canción hace mención sobre las situaciones políticas que ocurren a nuestro alrededor y también habla sobre cómo es que las fronteras no impiden que ciudadanos de diferentes naciones realicen actos de comunidad y de solidaridad.

¡Puedes escucharla a continuación!

Las ganancias generadas por la canción se donarán a Monarch Ultra, un maratón de 4,300 kilómetros que sigue la ruta de migración de las mariposas monarcas. Además, Zoé ha subido el documental Panoramas a la plataforma de streaming Netflix para que sus fans vean el proceso de creación de Aztlán, su más reciente LP.

VANS Presenta: Así vivimos el festival HIPNOSIS 2019

HIPNOSIS 2019: un festival incitador.

El bosque intensifica los sentidos en un festival, es una reacción natural. Algo detona en nosotros cuando nos alejamos del asfalto, el ruido de los coches y las enormes estructuras de cemento.

HIPNOSIS creó su propio hábitat, un espacio diferente que nos desorientaba y a la vez nos iba liberando de lo ordinario. Poco a poco nos fuimos contagiando, tocando las fibras de la locura y lo salvaje.

El lugar era muy peculiar: con una tirolesa, tiendas y varias fogatas, pero mantenía una esencia oscura y de misticismo. Era como ver brujas y demonios invadiendo un campamento de verano.

Hipnosis 2019

La primera impresión de los asistentes venía los oídos. Los riffs los ponían en un estado de alteración y el lodo era su campo de juegos. Vimos gente bailar y brincar sin cesar en los charcos, incluso cuando no había bandas en el escenario.

Hubo personas que no la pensaron dos veces para hundir sus Vans en el lodo, pero de eso se trataba HIPNOSIS, de ser impulsivo y dejarse llevar. No había calentamiento ni oportunidad de aclimatarse, solo podías seguir adelante.

El sentido del olfato también se sensibilizó con la lluvia y el frío. El olor de la tierra y las hojas hicieron que la atmósfera se volviera espesa. Eso y el sabor de la cerveza, o del whisky para los que querían mantener el calor.

Hipnosis 2019

HIPNOSIS llevó a una condición inusual, a la unión y ampliación de los sentidos. Aunque estábamos empapados, con frío y cansados, seguía un estado de lucidez y éxtasis.

Regresamos a un estado animal, nos rodea la locura, las ideas extrañas adquirían sentido, la paranoia se convertía en fascinación. Nuestras mentes buscaban conectar los puntos mientras nosotros nos sentíamos poseídos.

Fue así como vivimos HIPNOSIS 2019: experimentando y saturando nuestros sentidos.

Solomun en Deportivo Lomas Altas

Solomun: Su nombre habla por él.

El día de ayer el Deportivo Lomas Altas se llenó de los mejores beats del techno. La vibra se podía sentir desde la fila para entrar. Todos esperábamos ansiosos bailando un poco para que se nos quitará el frío. Ahí mismo se escuchaban historias de cómo muchos fans han estado bailando con Solomun noches enteras, sin importarles que pasen las horas.

Personas de todos lados vinieron a ver al mejor: Solomun, gente de Tampico, de Hidalgo y de la Ciudad de México. Sin embargo, todos bailaron con Innella, los DJs encargados de ambientar el lugar. Ellos dieron pie, a la gran fiesta que se acercaba.

Mladen Solomun, mejor conocido por su nombre artístico Solomun, es un DJ y productor Bosnio. Tiene una trayectoria gigantesca y toda está historia, experiencia, vibra e inspiración, la demuestra en el escenario.

Sus habilidades para hacer bailar a la gente son sorprendentes, el día de ayer todos descubrimos –una vez más– porque este DJ es tan querido en México.

El venue se convirtió en la pista de baile más grande que cualquiera de nosotros haya visto, acompañado de un espectáculo de luces brutal.

Es la primera vez en mucho tiempo que veo cómo las luces se convierten en un valor agregado al espectáculo, ya que son parte de una narrativa muy bien diseñada. A esto contribuyó un video mapping que ambientó el lugar, y le dio un toque especial.

Aclamado por gritos, aplausos y celulares, Solomun subió al escenario como un Rey. Después de sus shots de tequila, estaba listo para dar un excelente set. Como siempre.

Aunque durante la presentación él estaba muy serio y concentrado, antes de subirse al escenario tenía una sonrisa de oreja a oreja. Rodeado de gente que lo abrazaba y sobre todo le aplaudía.

Es increíble ver a un artista qué realmente disfruta lo que hace y todo eso se lo transmita a su público. Eso experimentamos el día de ayer.

Uno de los detalles que resaltaba en esta presentación es que dentro de los espectadores había mucha gente disfrazada. Un elemento que le daba autenticidad.

Se veía un contraste de edades y una diversidad en los asistentes, pero esto no limitaba a ninguno de nosotros seguir bailando. Los sonidos característicos del techno nos inundaron por completo. Cada sonido, cada chirrido, cada drop nos ponía eufóricos.

Literalmente Solomun nos hizo vibrar.

La experiencia que compartí con todas las personas que dejaron sus pies en la pista fue sorprendente. El clímax de la noche fue darme cuenta que la mayoría de los que estaban a mí alrededor estaban bailando y disfrutando. Sus celulares estaban guardados y lo único que hacían era marcar los pasos que daban.

Hace mucho tiempo que no veía este “fenómeno”. Lo llamo así, por que hoy en día las personas que van a los conciertos solo se dedican a tomar fotos y grabar el concierto en vez de disfrutarlo. Y el día de ayer la actitud de la multitud me dejó sorprendida. Para esto existen los conciertos, para eso vamos. Desconectarnos por un rato y dejarnos guiar por los pum pums.

Entrevista con Omar Apollo

Una carrera meteórica: El voyager de Omar Apollo.

Sin pensarlo demasiado, estoy seguro que un gimnasio es el lugar más raro en el que Omar Apollo ha dado una entrevista. Se le nota en la mirada: entra, y antes de vernos, imagina cómo se vería si jugase en esos aparatos para fortalecer las piernas. Una distracción que habla mucho de él. Y es que, a pesar de todo el ruido que está haciendo como parte de una movida de artistas hispano-americanos, sigue siendo ese muchacho que crea música porque no entiende la vida de otra manera.

Apenas dos días han pasado en su primera visita a la Ciudad de México y ya vivió un aguacero torrencial y el concierto de Bad Bunny. Con todo y su sudadera amarilla y esos pantalones verdes old fashioned, es evidente que hay cierta nostalgia en él, tanto que su acercamiento inicial con la composición llego a través de la añoranza.

"Mi primera canción la escribí a los 11 años. Era para mi mamá… En esa época ella no estaba mucho tiempo en casa y la extrañaba mucho. No la recuerdo del todo; pero tenía apenas tres acordes".

Aún con eso en el corazón, parece que la lejanía de su hogar es algo que ha asimilado con bastante naturalidad. Fuera del escenario ofrece una madurez que pocos tienen a esa edad. "Viajar entre ciudad y ciudad es lo más complicado de las giras. En esos momentos trato de usar mi tiempo para ver películas, leer y escuchar toda la música que pueda. Es una manera de alimentar mis ideas".

A la hora del show, también es una anomalía de los tiempos actuales. Inspirado por Prince y Bowie, Omar Apollo retoma la escuela de los frontman de antaño: baila, canta, toca la guitarra, hace crowdsurfing y se relaciona con el público como lo hacía Freddie Mercury. "Veo videos de todos mis héroes musicales antes de salir a tocar. Me pone en mood".

Incluso con fracasos en el historial –como los primeros conciertos en Barcelona y Miami- verlo en vivo es un espectáculo absoluto.

La Rosa de Guadalupe y el álbum debut

Cualquiera puede revisar las redes sociales de Omar Apollo y darse cuenta que está orgulloso de su origen mexicano. Es de familia jaliciense, y por eso considera que "La Perla Tapatía" e Indiana son los lugares donde todo comenzó.

Para ejemplo de ello, son constantes los guiños a la cultura pop de nuestro país. "Recuerdo todas las tardes en las que mi abuela y mi mamá se sentaban a ver La Rosa de Guadalupe. Hasta yo me hice fan".

Y si de sonidos mexicanos se trata, entre Brian Eno y Lana del Rey, siempre existe un espacio en su playlist para la dolida "Qué envidia" de T3R Elemento y los grandes clásicos de Pedro Infante.

La carrera de Omar Apollo sigue en la etapa de consolidación; sin embargo, de tocar un cover de "Nothing Else Matters" de Metallica en la secundaria a dar giras mundiales, el trecho es considerable.

Dos Eps después y el reconocimiento de contemporáneos como Cuco y Kevin Abstract, decide que ya no tiene prisa y quiere cocinar a fuego lento su álbum debut. "Estoy listo para dar el siguiente paso; pero lo sacaré cuando crea que está realmente listo".

Chetes — Odisea Magnética

Chetes: La mezcla de todo lo vivido.

Un chico de 14 años, llamado Luis Gerardo Garza, no imaginaba en 1993 que el proyecto musical en el que participaba, llamado Zurdok Movimento (posteriormente Zurdok), sería trascendental para la música en Monterrey y para su vida. "Nunca pensé en dedicarme a la música, pero la vida me llevó a eso", comentaba en un medio de noticias, con el seudónimo de Chetes.

Problemas internos no dejaron que el proyecto continuara, pero él siguió en la música. Pronto salió Vaquero, el dúo con el bajista de Zurdok, Maurizio Terracina. Y aunque el proyecto fue breve, pronto se unió con otros músicos para formar Mexrrissey, con el que recorrió Europa cantando los clásicos de Morrissey pero en versión mexicano. Al mismo tiempo no dejaba de lado su carrera en solitario. Ahora, condensa todo lo aprendido dentro su extensa carrera musical con Odisea Magnética, un álbum que logra explorar los sonidos del rock y sus vertientes con los arreglos y las no limitaciones de instrumentos que puede sumar Chetes a sus composiciones.

Su “odisea” comienza al darse el gusto de producir este álbum de forma análoga, sin utilizar el sistema digital o de computadoras, por lo que tiene que ser muy minucioso al momento de la grabación. La fotografía también se hizo de manera análoga, superponiendo una imagen sobre otra. Aquí observamos a Chetes en medio de lo que parece ser una caja que registra la voz. Esta caja está parada, lo que da el efecto de proyectar la salida de voz hacia la boca.

El primer tema, "Aullando a la luna", apela a la nostalgia. La canción arranca con fuerza, las influencias del blues se dan en el transcurso. Con guitarra en mano y coros, canta a una persona que se alejó de su vida por la decisión equivocada que tomó. Su sonido recuerda a lo hecho por Enjambre en las canciones más pausadas de su álbum Proaño.

"Será" es una balada inspirada en las melodías de George Harrison como solista. Destaca el riff que nos ofrece al inicio y el solo de guitarra al medio de la canción evita que caiga en monotonía, lo que origina dar pase a la armónica de acompañamiento. También viene a la mente "Shape of My Heart" de Sting e inclusive "You and Me Song" de The Wannadies. La tercera canción de la producción, "Campeón" lejos de ser una canción optimista, retrata con sarcasmo lo desafortunado que se siente el cantante. "No me molesto en intentar. Siempre todo sale mal", al final nos dice a través de un sonido más electrónico, recurre a los sintetizadores. La frase "es mejor reír que llorar de las desgracias" se convierte en su mantra.

A Chetes le gusta explorar y jugar con los sonidos. Eso se nota sobre todo en "Lejos", su cuarta canción. Aquí, destaca el solo en trompeta para darle un estilo más ostentoso a la composición. El espíritu optimista se hace presente. "Me muero" es de corte más pop, e incluso hay pequeñas referencias melódicas a la música que se hace en el norte de México, al incluir al acordeón y punteos de guitarras acústicas. "La mosca" se inclina por el rock. Nos comenta que la vida “es maravillosa” centrándose en los pequeños detalles que podemos observar a nuestro alrededor. Un "Strawberry Fields Forever" al estilo de Chetes: Con piano, pequeños solos de guitarra, coros y hasta instrumentos de cuerda clásicos. Es la versión mejorada de "Canción optimista", del su álbum Efecto Dominó.

Es ese encanto vintage y las referencias a lo anteriormente trabajado que genera la grabación analógica de Odisea Magnética que lo dirige a la canción "Perdí la cabeza". Las referencias a lo indie folk nos llevan a bandas como The Black Keys. El indie continúa con "Aguanta", composición infaltable en la playlist cuando las cosas no salen como se esperan. El coro es destacable.

"Sincronía" contiene referencias que apuntan a lo hecho por The Stone Roses en su álbum homónimo desde su inicio con los efectos de la canción invertida, hasta con los riffs de guitarras. Podemos decir que, con "Aullando a la luna", son las que más resaltan de la producción. "Solo sigue tus latidos con tu propio ritmo" es lo que nos aconseja. La última canción, "A través de mi ventana", unifica el mensaje que se esparce por las 10 canciones que conforman Odisea Magnética: El cambio se da, está, pero depende de ti dirigirlo a tu favor. Esta canción mantiene como base un acompañamiento solo coros y chasquidos de dedos. El magnetismo y la mezcla de sonidos y experiencias desaparecen.

Los más de 20 años de carrera no le impiden a Chetes traer al presente herramientas como las grabadoras análogas que habían quedado en la memoria de todo amante de la música. Apena darse cuenta que su nombre solo adquiere notoriedad dentro del país (México), pero este artista tiene mucho que mostrar en esa exploración y unión de sonidos que realiza en cada disco. No descubre la pólvora, pero sabe explotar los elementos musicales que encuentra, aunque el concentrarse en ello puede crear descuidos con las letras de estas composiciones y repetirse álbum tras álbum. La experiencia de todo lo vivido tiene que pesar y notarse.