Beruh estrena el EP 'Objetos de Ficción'

Posted on noviembre 3, 2020 by -

Déjate llevar por la plasticidad y exploración sonora de Jorge Berumen.

Mejor conocido como Beruh, el baterista y compositor originario de la Ciudad de México, presentó el pasado 30 de octubre su primer EP titulado Objetos de Ficción. El proyecto en sí mismo es una invitación a la interpretación de sonidos y a que eches a andar tu imaginación.

Fue grabado y producido en su totalidad por Jorge durante los meses de septiembre y octubre. La post producción la llevó a cabo Vicente Romo mientras que Hilo Ariadna se encargó de la fotografía y diseño del arte de la portada.

Musicalmente es un disco donde me concentré en construir y tocar 'ritmos' y que estos fueran la pauta para lo demás. También intento emular cajas de ritmo y poner algunos otros enfoques que tengo sobre el sonido y las formas en que puedo tocar mi batería.

La experimentación con osciladores de onda, sintetizadores y mi voz saturada de vocoder, son los otros tres elementos que se adhieren para recrear una ficción durante las rolas. En realidad me gustaría dejar estos sonidos abiertos a la interpretación de lo que la gente pueda imaginar", expresó Beruh.

¡No dejes pasar esta interesante propuesta! Recuerda que puedes escuchar y adquirir Objetos de Ficción en la página oficial de Bandcamp del artista. Además, te invitamos a que lo sigas en todas sus redes sociales.

METZ libera el video para “Pulse”

Posted on noviembre 3, 2020 by -

La agrupación canadiense lanza un video distópico para darle vida a uno de los temas de su más reciente álbum.

El 9 de octubre, METZ reveló en su totalidad el álbum Atlas Vending, uno de sus trabajos más dinámicos, con una gama dimensional y atractiva que nos hicieron adentrarnos en un nuevo mundo creado para esta etapa de su carrera.

Bajo esta línea, la agrupación mostró varios visuales para darle vida a algunos temas del LP, tal fue el caso de "A Boat to Drown In" que se parece más a un cortometraje por la visión fílmica; el clip cinematográfico en blanco y negro de "Hail Taxi"; el universo ulterior creado en el video de "Blind Youth Industrial Park", y el extravagante y alegre video de "No Ceiling".

Ahora, sale a la luz un video para "Pulse" dirigido por Jeremy Gillespie, el cual está basado en el mito griego de Sísifo y que se combina con una estética Sci-Fi. De acuerdo con la mitología griega, Sísifo fue por su astucia a empujar eternamente una roca a lo largo de una montaña. Una vez que lograba llegar hasta la cima, tenía que hacer rodar la piedra hasta el punto de partida y comenzar desde cero. En este sentido surge el videoclip, por lo que vemos a un astronauta en un futuro distópico subiendo las escaleras de un rascacielos repetidamente. Tras llegar a la cima del edificio, el personaje se tira al vacío para después volver a subir.

Checa el metraje aquí abajo:

Escucha “Temporales”, lo nuevo de Trillones

Posted on noviembre 3, 2020 by -

"Vamos todos juntos al vacío" canta el músico en su nuevo tema.

Lo que podría parecer una canción repetitiva, se convierte un mensaje de aliento y esperanza cuando entiendes la premisa con la que fue realizada. Bajo dos primeros encuentros al ritmo de "Rupturas" y "Maribel Vanguardia", se ha dado a conocer que el proyecto de Polo Vega, el rostro detrás del proyecto de Mexicali, es un reflejo de su disconformidad ante temas sociales, y experiencias personales que se ven construidas con el sonido de sintetizadores con tintes pop rock.

En "Temporales", el nuevo sencillo de Trillones, la pureza de su concepto nuevamente tiene gran alcance, pues el músico mexicano se atreve a hablarle al miedo de afrontar lo que el destino nos ponga en el camino; algo que indudablemente compagina con la situación que estamos viviendo. Nadie estaba preparado para sobrellevar una pandemia, sin embargo, lo estamos haciendo.

"Temporales" tiene un ritmo pegajoso que se inclina por el uso de los sintetizadores y las guitarras eléctricas. La simpleza de su lírica "Vamos todos juntos al vacío" no es un impedimento para que Trillones llegue al corazón de las personas, al contrario llega de forma sutil para llenarnos de ilusión. Da play ahora para escuchar la canción:

GusGus revela el tema “Higher”

Posted on noviembre 3, 2020 by -

En este single, el proyecto de música electrónica da la bienvenida a Margrét Rán, la vocalista principal de la banda islandesa de dream pop VÖK.

GusGus es una de las bandas más importantes de Islandia en la electrónica y tiene una larga trayectoria que ha dado cuenta de todo su proceso musical de evolución. Ahora, el proyecto de Birgir Þórarinsson y Daníel Ágúst estrenó un nuevo sencillo junto a Margrét Rán, la vocalista de VÖK. Este tema lleva por título "Higher" y fue lanzado a través de Oroom, su propio sello discográfico.

Musicalmente hablando, "Higher" tiene un concepto interesante, pues hay un choque electrizante de sintetizadores con un beat marcado desde el inicio, y que se mezcla con la voz de Margrét para darle mayor dinamismo a partir de todos los matices que maneja con su timbre vocal.

Por otro lado, el track también cuenta con su propio audiovisual, el cual ha sido dirigido por Arni y Kinski. El metraje es un viaje visual y sonoro, pues está hecho a partir de una coreografía que se ensarta perfectamente con el ritmo de la canción, lo que genera una sensación de satisfacción en todos los sentidos. Además, la letra habla sobre la soledad y la codicia humana, lo que se quiere reflejar en este clip. Dale play a continuación:

Morrissey lanza el tema que grabó en vivo junto a David Bowie

Posted on noviembre 3, 2020 by -

El cover que se realizó en 1991, fue oficialmente liberado.

Hace 29 años dos grandes figuras de la música británica se reunieron en el mismo lugar para interpretar un tema que no había visto la luz oficialmente, hasta ahora. Morrissey viajó a Estados Unidos en junio de 1991 para ofrecer un concierto en The Forum, Inglewood, California, como parte de la promoción de su segundo material, Kill Uncle, lanzado ese mismo año.

El cierre de este show llegó con una grata sorpresa para todos los presentes, pues David Bowie apareció en el escenario para interpretar el tema de 1971 "Cosmic Dancer", original de T. Rex. A casi tres décadas del encuentro, se había logrado escuchar esa versión de manera informal, pues hubo más de uno que colgó la presentación en YouTube, sin embargo, todos los audios carecen de calidad ya que todo se realizó en vivo.

Este tema ya lo puedes escuchar en tu plataforma de streaming favorita. La fidelidad del audio en vivo es indudablemente buena y muestra con sencillez, el talento nato de estos intérpretes. Da play a continuación para poder escuchar la canción:

Parlophone anunció que la versión en físico en vinilo de 7" pulgadas del cover en vivo de Morrissey y David Bowie llegará el 19 de febrero junto a una versión que realizó el líder de The Smiths para la canción, "That's Entertainment" de The Jam.

 

A 40 años del ‘In the Flat Field’ de Bauhaus

Posted on noviembre 3, 2020 by -

Sonidos oscuros y tétricos que se niegan a envejecer como los vampiros.

 Cuando la noche cae la oscuridad se apodera del firmamento. Todo se reduce a sombras que deambulan al ritmo de la Luna mientras los grillos recitan una serenata. También es el momento preciso en el que los vampiros salen de sus féretros en búsqueda de víctimas para alimentarse. Las persiguen a través de callejones sin salida hasta acorralarlas y conseguir el líquido vital que les permita alcanzar la eterna juventud. Mientras que lejos de la escena, dentro de una pequeña habitación, unas bocinas escupen unos sonidos tétricos y tenebrosos que pronto alcanzaría el estatus de culto.

Aunque hoy el rock gótico tiene elementos visuales y sonoros bastante definidos, no siempre fue así. Se requirió de un paulatino proceso para delinear las características de una de las culturas musicales más distintivas que existen. Precisamente una de las bandas fundamental para que eso ocurriera fue Bauhaus. Un lustro fue suficiente para dejar una profunda huella y cada cierto tiempo sus integrantes originales regresan de las tinieblas para continuar con su legado.

Fue en 1978 cuando cuatro jóvenes del Reino Unido tuvieron la idea de crear un grupo musical. Todos habían estado en proyectos de punk sin consecuencias mayores. A diferencia de lo hecho con antelación, ahora buscaron un sonido lúgubre y decadente que fuera el reflejo de su época. Cada vez existía más desempleo, desesperanza y violencia a su alrededor. El gobierno de Margaret Thatcher iniciaría un año después tan solo para empeorar el ambiente.

El inicio de una fugaz carrera

De esta forma, Peter Murphy (voz), Daniel Ash (guitarra, saxofón), Kevin Haskins (batería) y David J (bajo) se reunieron para ensayar y lograron algo muy pocas veces visto en la música. Apenas unas semanas después del nacimiento oficial del conjunto, su primera composición fue "Bela Lugosi's Dead", considerada hoy como una de las mejores canciones de la historia y publicada como un sencillo de 12”. A la fecha son los nueve minutos más escalofriantes de la música.

De manera inmediata los cuatro continuaron con su proceso creativo hasta tener listas otras nueve piezas que fueron encapsuladas en su primer álbum, lanzado el 3 de noviembre de 1980 por el también debutante sello 4AD. Al instante captó la atención de los medios alternativos por mostrar un estilo novedoso pero que marcaría el rumbo a seguir dentro del mainstream durante los ochenta. Por una parte, hay una influencia directa de agrupaciones como New York Dolls y cantantes del nivel de Iggy Pop y David Bowie, aunque en ninguno de los casos suena a una copia.

El material arranca con “Dark Entries", una pieza frenética que se instala dentro del punk gracias a su filosa guitarra que corta la respiración y una batería robótica que nunca pierde el ritmo. Mientras que al igual que Joy Division, una de las virtudes del cuarteto originario de Northampton fue tener al frente a un cantante con una voz potente y distintiva. En este caso, su barítono se convirtió en el referente de una generación.

Los padrinos del rock gótico

Por otra parte, Bauhaus también se daría a conocer por sus profundas letras inspiradas por la literatura y no necesariamente por la música. Al respecto, “A God in an Alcove” contiene la misma elegancia que las composiciones de Lou Reed y Leonard Cohen. Son pequeños poemas disfrazados de canciones.

En ese sentido, las canciones asemejan el estilo de Geezer Butler con Black Sabbath, quien utilizó su fanatismo por el ocultismo para crear universos musicales.

Aunque el álbum no fue un éxito en ventas, logró cosechar buenas reseñas entre los medios subterráneos para crear una fiel base de fanáticos. A la fecha es considerado como uno de los trabajos fundamentales dentro del rock gótico y post-punk. El nombramiento se ha reforzado gracias a los subsecuentes reencuentros del cuarteto, siendo el primero en 1998 cuando aterrizó por primera vez en la Ciudad de México (las reseñas de la época afirman que hubo portazo y hasta un trompo de pastor entre el público).

Aunque Bauhaus no fue la primera banda en hacer referencia al personaje del vampiro dentro de su música, sí ha sido la que lo ha hecho con mayor elegancia. Pasan los años y parece que su consumo de sangre ha surtido efecto porque su trabajo debut se niega a envejecer y se escucha con la misma frescura que cuando fue publicado por primera vez.

Entrevista con Mexican Institute of Sound

Posted on noviembre 3, 2020 by -

El baile como acto de protesta.

Pese a la situación actual de cuarentena en el mundo, Camilo Lara se adapta y no para de trabajar. Si no está haciendo labores de producción, en otros tiempos estaría planeando alguna de las múltiples giras que realiza año con año. Sin embargo, el estudio se ha convertido en su nuevo hogar, dónde continúa trabajando en nueva música. El resultado: un nuevo tema de su proyecto Mexican Institute of Sound, que lleva por nombre “My America is Not Your America”, al lado de Graham Coxon, sencillo de corte bailable, inspirado en el discurso inaugural de Donald Trump, quién está a días de competir en nuevas elecciones.

O estás del lado de la historia que le va hacer bien a la humanidad, o estás con los que destruyeron un pedazo importante de la construcción de un mundo más liberal. Tienes que ser vocal, estar claro; de repente en nuestro país hay mucha confusión, demasiado ruido y tampoco es volvernos enemigos, es nada más pensar ¿de qué lado de la historia vas a estar?".

El sencillo forma parte de un nuevo disco que lleva por título Distrito Federal y que saldrá a principios de año. Para este tema Camilo contó con la participación del guitarrista de Blur, quien contactó a través de otro de sus héroes, Damon Albarn. Así el año pasado Coxon se tomó un día extra de su visita a la Ciudad de México, para colaborar tocando la guitarra en varias canciones del disco, pero fue en este track dónde además decidió incluir su voz.

“Esta fue la canción en la que más colaboró y fue muy emocionante ver como uno de tus ídolos más grandes, de repente está tocando tu rola, con su sonido. Fue uno de los grandes momentos de estudio, su voz es única, y su guitarra es inconfundible, tiene un sonido que nadie tiene”.

El video que acompaña la canción está dirigido por Adam Neustadter, quien quedó fascinado con la canción y decidió hacer un collage con imágenes creadas a partir de las marchas del Black Lives Matter en Los Ángeles y posteriormente viajar a México y filmar en las solitarias calles de la CDMX al lado de Lara.

“Vino a México en un momento súper difícil de pandemia, de esas semanas con el pico más alto y lo filmamos con mucha precaución, fue increíble, lo hizo con mucho cariño. Quedó como el documento que queríamos tener: que fuera un panfleto, que ayudara a un mensaje mayor que era que la gente votara en EU en contra de Trump.”

Debido a la pandemia y a que el disco llegara en 2021, Camilo se planea una posible gira el siguiente año para presentar el disco; un trabajo que define como un mapa de la Ciudad de México y que no podría estar completo sin lo más importante: la gente. “Quiero que sea un show que pueda tener visuales, que podamos tener a Graham de invitado y que estés ahí para presenciarlo”.

Mexican Institute of Sound regresa en un momento político importante, pero siempre con la clara intención de que la música y el mensaje estén por delante. “Al final los artistas políticamente cargados, son mucho más interesantes por que evaden la temporalidad. Por eso creo que mis artistas favoritos: The Clash, Bob Marley, Manu Chao, son gente que tiene una postura ante la vida, al final ni siquiera son de izquierdas o derechas. Es la forma en cómo ves tu entorno y cómo lo quieres cambiar”.

John Frusciante — Maya

Posted on noviembre 3, 2020 by -

Maya: Un homenaje a la electrónica de los noventas por parte de John Frusciante.

John Frusciante es un músico nómada muy peculiar. Siempre ha hecho lo que le ha dado la gana, cuando le ha dado la gana y se ha salido con la suya. No parece el tipo de persona que se interesa por lo que los demás piensen o que quiera complacer a otros. Por eso siempre ha experimentado con diversos géneros, en especial la electrónica. En esta ocasión, se enfoca en géneros que invitan a bailar y se alejan de lo acid y lo experimental. Maya, título de su nuevo álbum, es un viaje por el jungle, drum and bass y el breakbeat de los 90, el cual es su mejor trabajo en el mundo de la electrónica.

Para empezar, es el segundo álbum que lanza este 2020 (el primero bajo el nombre de Trickfinger), en el cual comenta en su Bandcamp que se auto impuso limitaciones para dificultar su creación, las cuales dejó de lado para facilitar las cosas al final. El resultado: un álbum divertido de escuchar, un homenaje a la electrónica de los 90, en especial a la escena del Reino Unido, que va creciendo conforme lo escuchas, sin embargo, genérico por partes. Lo notas porque quiere abarcar mucho campo, pero con eso pierde perspectiva al crear piezas sin mucha identidad. Terminan por sentirse como copias al carbón de otros músicos. ¿Esto es malo? No necesariamente, porque disfrutas lo que escuchas, no obstante, esperas que deje su marca en todo, no solo por partes. Y él mismo lo dice, sigue aprendiendo. Tal vez después ya aporte más a estos géneros.

Con respecto a las canciones, cada track se nutre de breakbeats, bajos, loops de percusiones, sampleos, sintetizadores, moduladores. Todo cambia de dirección en cualquier momento. Los ritmos frenéticos de la batería sacuden tu cabeza e inmediatamente te cambia el ritmo, bajan las revoluciones para introducir una voz, una melodía, un ritmo funk, uno de dub o reggae o, al contrario, las aumenta. Empieza con "Brand E", tal vez la canción más directa y bailable: un track melódico con una buena base de Drum and Bass. Después, en "Usbrup Pensul", "Flying" y "Blind Aim", te lleva a un sube y baja, con tempestivos ritmos y caóticos beats para pasar, por momentos, para recuperar el aliento, a pasajes calmados; con "Pleasure Explanation" y "Reach Out" ya quita un poco el pie del acelerador, aunque no mucho, aquí se nota más la influencia jungle. En la recta final con "Amethblowl", "Zillion" y "Anja Motherless", cae un poco la diversión, son más experimentales, sin ninguna novedad, muy genéricos, lo cual es lo negativo de este trabajo.

Finalmente, te puedes dar cuenta de que algunos pasajes de la discografía de John Frusciante son muy de nicho (en concreto, todo lo que ha producido en la década pasada), sin embargo, Maya es uno de sus trabajos en la electrónica más sobresalientes y divertidos de escuchar. Si siguen su carrera con la guitarra, nada que ver con su banda de California, pero si son entusiastas de la electrónica, les gustará.

Entrevista con Molchat Doma

Posted on noviembre 2, 2020 by -

¿Renacimiento del post punk?: La estetización de un pasado que no se convirtió en un futuro.

9 de mayo de 1985: Las y los asistentes decoran los alrededores con banderines e insignias que exaltan la labor de la milicia. Otros se encuentran con quienes visten de negro y portan algún artículo fichado por las autoridades fronterizas. Los motivos de las y los transeúntes no son los mismos: Algunos visitaron la Plaza Mayakovsky por los fuegos artificiales del Día de la Victoria, unos más por la celebración del 23º aniversario de Dave Gahan y la entonación colectiva de “Master and Servant”.  

Años después de la disolución de la Unión Soviética, vestigios como Our Hobby Is Depeche Mode (2008), Poor But Sexy: Culture Clashes in Europe East and West (2014) y la afluencia de un club fundado por Andris Urbanovic (DM Bar) expusieron la clandestinidad (y desobediencia) de jóvenes que -ya en una edad adulta- anhelan compartir un escenario junto a Martin Gore: Molchat Doma se encuentra en las primeras filas. “Si hablamos de ser legendarios, Depeche Mode sería nuestra primera opción para un tour memorable”, expresan Egor Shutko (voz), Roman Komogortsev (guitarra y sintetizadores) y Pavel Kozlov (bajo) para Indie Rocks!

Las charlas entre Molchat Doma y la prensa tienen una constante: Se toman distintos atajos para conocer su postura respecto al “renacimiento del post punk” y al contenido apolítico de sus canciones, incluso cuando deciden presentarse en un idioma -históricamente- excluido de las cláusulas (hegemónicas) de la industria musical. “No tenemos mucho qué decir al respecto. Lo tratamos con normalidad. Equivale a lo que hacen nuestros compatriotas que gravitan hacia alguna cultura extranjera; eso pasa con el k-pop”, expresan. 

En adición a las palabras de Alexei Borisov:

Las interrogantes son ambiguas, replicadas hasta el cansancio y -predominantemente- difuminan las particularidades del hacer musical de quienes crecieron en países (ex) soviéticos. Propuestas como Notchnoi Prospekt, Robotik Dreams, The Close Enterprise, ВОВа CИНИЙ ИБраТьЯПО y РаЗУМУ demostraron que la normativa de “lo ideológicamente aceptable” no solo radicó en el contrabando de los cassettes de Depeche Mode y Duran Duran.

La música de Molchat Doma, УТPO, IC3 PEAK, Ploho, Artek Elektronika y Glintshake rescata las condiciones de la industria durante el periodo de la Guerra Fría: Compra (ilegal) de guitarras de baja calidad, proyectos ‘inter-city’, la tutela de los culture clubs y censura por parte del Ministerio de Cultura. 

Si bien Ergo, Roman y Pavel sostienen que “no deberían ser cuestionados sobre el legado musical post soviético”, sería un error negar que dichas propuestas impregnan rasgos de lo que Lyudmila Shevchenko nombra “mito de la nostalgia”. Se encuentra en la portada de Этаж y en su constante fascinación por un trabajo arquitectónico que podría formar parte de los proyectos de Mateusz Kaminski. 

Frente a una descripción que pretende catalogarlos bajo la etiqueta de “sovietwave”, la  tripla insiste que “en el territorio de la U.R.S.S no se creó ningún tipo de música propia”. Quizá el rechazo parta de la absurda obligación de describir “su sonido”. No obstante, temas como “Я Не Коммунист” recuperan una de las razones para pensar la música de Molchat Doma fuera de la narrativa homogénea del (sub)género: La estetización de un pasado que no se convirtió en un futuro. Basta leer las réplicas a la viralización de “Судно”. 

Los porqués se debe hablar de “innovación y talento en las adaptaciones” y no de un ‘revival’:

Con el posicionamiento de bandas como She Past Away, Fontaines D.C., Idles y Motorama, en los últimos cinco años, distintos medios han saturado -y malgastado- los contenidos de sus portales web con el ascenso y -presuntuoso- rescate del post punk: Algunos insisten (¡demasiado!) en lo que se hace en capitales referentes y otros reducen el término ‘revival’ a cualquier publicación de #AltTikTok y algoritmos de servicios streaming. 

Anexo al uso (mediático) indiscriminado, desde sus inicios (2016) Molchat Doma ha negado reconocerse dentro del llamado “post punk renaissance”, pues desde su perspectiva: “En general, nada está pasando en la música. Nos encontramos en una espiral en la que se adaptan viejos estilos y se hace de una forma extraordinaria; siempre hay alguien que lo hace mejor. Sin duda, la escena actual es muy buena, pero es de nicho. Realmente nos gustaría algo novedoso en el shoegaze y post punk. Ahí tal vez podría hablarse de una segunda ola”. 

A pocos días del lanzamiento de su tercer material discográfico (Monument), los integrantes de Molchat Doma conocen y defienden su premisa de trabajo. “Nunca haremos lo que no nos gusta; esa es la clave del éxito. Formar esta banda fue y es la decisión más importante de nuestras vidas. Estamos involucrados con lo que amamos”.

Para ellos, el ser reconocidos como una de las mejores bandas del lustro no ha tenido ningún peso en lo que pretenden transmitir a su público en 2020. “El primer álbum (С крыш наших домов, 2017) fue una versión demo, nadie entendía lo que estábamos haciendo. Se trataba de que todo fuera lo más sensorial posible. Para la segunda entrega (Этаж, 2018) ya teníamos un bagaje musical. Conocimos gente que estaba más empapada de los estilos que nos influenciaron. Aprendimos mucho de todos. Este último (Monument) es un trabajo independiente; sabíamos exactamente qué y cómo lo queríamos lograr. Es un trabajo maduro”, detallan.  

A la fecha, Egor Shutko, Roman Komogortsev y Pavel Kozlov describen Molchat Doma como una fusión entre Dave Gahan, Peter Hook y Vince Clark. Sin titubeos: Niegan formar parte de un presuntuoso rescate del (sub)género. Proyectan como legendario no dejar de ser los jóvenes que -ya en una edad adulta- anhelan compartir un escenario junto a Martin Gore.

Anohni comparte cover de “I Will Survive” de Gloria Gaynor

Posted on noviembre 2, 2020 by -

La emotiva versión del compositor llega acompañada de un videoclip con extractos de grabaciones de los años 90.

Recientemente, Anohni publicó el video oficial del cover que realizó de "I Will Survive", la famosa canción escrita por Freddie Perren y Dino Fekaris e interpretada por Gloria Gaynor en 1978. La conmovedora versión está dedicada la comunidad negra trans, a los diversos grupos indígenas del mundo, a los animales asesinados en Australia y a muchos otros grupos vulnerables de nuestra sociedad.

Para la realización del cover, el compositor trabajó con los músicos Oren Bloedow y Max Moston, quienes se encargaron de las guitarras y los instrumentos de cuerda, respectivamente. Además, el video está compuesto por extractos de grabaciones de las presentaciones que Anohni ofreció en el club nocturno Pyramid and Jackie 60 y en The Ohio Theater de Nueva York durante el periodo de 1991 a 1994.

¡Dale play, a continuación!

['I Will Survive'] fue la primera canción que canté en clubes nocturnos de Nueva York cuando tenía 20 años. La canté cientos de veces. En aquellos días la canté pensando en Marsha P. Johnson y la comunidad queer clandestina que lucha por sobrevivir frente al SIDA. Ahora me parece un himno para el futuro de la vida en la tierra", comentó Anohni. 

Junto con el lanzamiento de esta nueva versión, Anohni compartió un ensayo en el que explica el incidente que tuvo con Facebook hace unos meses, luego de que la compañía le propusiera interpretar "I Will Survive" para una campaña publicitaria.

Además, el cantante expresó su opinión sobre nuestra sociedad actual y la intensa relación que tenemos con Instagram, Twitter, Google y demás empresas de tecnología que "parecen estar destruyendo nuestras vidas, nuestras mentes, nuestros trabajos, nuestras culturas y la capacidad de nuestras sociedades para gobernarse a sí mismas", por lo que enfatizó la importancia de la postura que toman los artistas al respecto.

Te dejamos con un extracto del comunicado de Anohni, así como con la versión original de "I Will Survive". Si quieres leer el texto completo, dale click al siguiente enlace.

Como artistas debemos demostrar que es posible vivir sin Instagram, sin Facebook, sin Google y sin Amazon. Debemos esforzarnos por reconstruir nuestras vidas y nuestras comunidades, nuestras conversaciones privadas, de manera que no dependan de infraestructuras e interfaces manipuladoras proporcionadas por las corporaciones más ricas y malévolas del mundo".