Así se disfrazaron tus artistas favoritos este Halloween

Checa los disfraces que improvisaron Dua Lipa, Jesse Rutherford, Tessa Ia y muchos músicos más.

¿Quién hubiera pensado que este año el Halloween se celebraría de manera distinta? Las fiestas de disfraces, el recorrido del terror y las caminatas para pedir dulces tuvieron que cancelarse debido a la pandemia. Sin embargo, hubo aquellos que no perdieron el espíritu de la temporada y se disfrazaron solo para tomarse una foto y más tarde disfrutar de una noche de películas. Músicos, cantantes y bandas se sumaron a seguir festejando esta tradición. Te compartimos a continuación un listado de los mejores disfraces improvisados para este 2020.

Rosalía

 

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Hoy pienso ir disfrazada x casa todo el díaaAaaaAAAA

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Dua Lipa

 

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What you’ll see at the end of ur bed tonight if u don’t stream Fever‍♀️Happy Halloweeeeeeen

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Tessa Ia

 

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Spooky little girl like you

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Death Valley Girls

 

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Halloween is here again!!! Celebrate with us tonite!!! Link above (and so below) !!!

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Clairo

 

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Jesse Rutherford (The Neighbourhood)

 

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life’s what you make it, so let’s make it rock

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Silver Rose

 

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Halloween classic 👻🖤🎃🧛‍♀️

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Halsey

 

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It takes my breath away! Well it would if I had any...

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Fuzz — III

Poderosos riffs se encargan de decir que Fuzz no solo es Ty Segall.

No tengo dudas y sí tengo pruebas para decir que octubre es el mes favorito de Fuzz; el primer día de este mes, pero de 2013, la banda lanzó su álbum homónimo debut y el 23 del mismo mes, pero de 2015, dio a conocer su segundo material de larga duración, IIAhora, en pleno octubre 2020 y luego de exactamente cinco años, o si lo vemos un poco más sentimental, mil 827 días, Chad Ubovich, Charles Moothart y Ty Segall regresan con III, un álbum compuesto de ocho tracks y un total de 36 minutos donde... ¿Nos dan más de lo mismo?

Fuzz no solo es Ty Segall, y aunque hay mucho de él en lo que nos regala la banda, no podemos dejar pasar el papel increíble que Chad y Charles hacen, donde logran que los riffs tomen el protagónico en más de un momento y eso es algo que se agradece, aunque no muchos lo hacen y esto lo tienen bastante claro, pues desde el lanzamiento del primer single en 2013 intentaron mantenerse en el anonimato, ahora sabemos que eso no funcionó.

Pero esto se trata de III. Básicamente, es como si los tres tuvieran muy claro que lo que queríamos después de tantos años era a ellos, y esto se ve reflejado en la portada un tanto austera del álbum, donde Chad, Ty y Charles aparecen en un mood casual, como diciendo “Sí, aquí estamos”. Todo inicia con “Returning”, el track con el que literal volvieron y con el que se nota fácilmente el camino por el que nos van a llevar durante la próxima media hora. Aquí también se muestra que el poder individual que da cada uno es tan fuerte que terminan siendo uno solo.

“Nothing People” es el sucesor de “Returning”; en este track podemos encontrar algo un poco más relajado, pero con un riff rocker inmenso con el que sin darte cuenta alguna parte de tu cuerpo comenzará a moverse, aunque, si lo comparo con los seis minutos de “Time Collapse”, no es absolutamente nada; pues este último va ganando un poder gigante de medios a último. 

Una pieza notoria es “Spit”, este tema bien pudo quedar como únicamente un single, o podría ser parte de cualquier otro álbum de los muchos que tiene Segall. Incluyendo al video, que es bueno, es como si no combinara con el resto del álbum, pero no por ello es malo.

“Mirror” es otro track que formó parte de los adelantos que nos dio Fuzz sobre III. Con una duración de casi tres minutos, “Mirror” te puede transportar fácilmente a los agresivos y poderosos años 80 con el sonido tan clásico con el que está hecha.

“Close Your Eyes”, “Blind to Vines” y “End Returning” son los tracks con los que finaliza este recorrido de toques de blues, poderosos riffs y una batería que no se queda atrás. “End Returning”, con casi ocho minutos de duración, es un buen cierre donde los graves de Chad se pueden notar sin problema y regresamos al riff inicial del álbum.

III no es un álbum disruptivo para la banda y ellos lo saben, ese nunca fue el objetivo para ninguno de los tres. Mencionan que “A veces, se trata solo de ver cuánto tiempo puedes aguantar antes de que te despidan", así que no queda más que disfrutar y seguir con nuestras vidas.

 

Para comprar III, da clic sobre la portada.

Fuzz_2020

The Mummies en Ocesa Irrepetible

Rock, diversión y música prefabricada en medio del desierto.

Realizar un concierto de garage sin público se antoja tan atractivo como probar el pozole frío; sin embargo, las circunstancias actuales así lo obligan. Es una alternativa temporal por el bien y la salud de todos. Aunque antes de emitir un juicio primero se deben vivir ambas experiencias para poder compararlas. ¿Acaso The Mummies logra transmitir a través de una pantalla lo mismo que en sus caóticas presentaciones?

Como una ocasión especial para celebrar Halloween a distancia, el cuarteto californiano emblema del budget rock se presentó por primera vez en su historia en esta modalidad virtual. Fiel al estilo de las portadas de sus álbumes, la transmisión fue en blanco y negro. Sin especificar la locación, tuvo lugar en un local de coches abandonados en medio del desierto. Aunque no se ha confirmado, la grabación forma parte de la película de ficción sobre la banda que realiza el cineasta Jim Granato. Inclusive un breve fragmento de lo ya filmado se proyectó en la pasada edición del Wild O Fest.

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Con perfecta puntualidad, los integrantes aparecieron a cuadro con su característico vendaje y sin mayor preámbulo dio inicio el concierto. No hubo unas palabras de bienvenida ni una introducción; todo fue directo e intempestivo como en una pelea de perros.

Como se anunció previamente, la producción fue única y muy bien cuidada. Más de una decena de cámaras en HD se encargaron de cubrir todos los detalles. Realmente fue como estar en primera fila aunque sin el peligro de recibir empujones. Mientras que el audio también fue de máxima calidad y permitía apreciar con nitidez cada instrumento. Nunca antes un concierto de la banda de había escuchado tan bien. Vaya ironía.

Durante poco más de una hora se escucharon un total de 24 canciones, entre ellas muchas de las más emblemáticas del combo. No podría ser un concierto de The Mummies sin “In & Out”, “Red Cobra #9” y “Stronger Than Dirt”. Aunque entre cada tema los integrantes aprovecharon para relajarse y mientras Russell jugaba con un yo-yo, Trent sacó una vieja revista Mad y Maz tuvo que hacer malabares para poder tocar su bajo arriba de un automóvil.

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A su vez, sorprendió escuchar temas que jamás han aparecido en grabaciones del cuarteto y tal vez haya sido la única ocasión en la que los interpretan. Desde una potente “Dog Meat” hasta “He’s Waiting” de The Sonics pero en una primigenia versión al estilo de Los Picapiedra.

Rumbo al final llegó una de las partes más ruidosas de la noche con el acelerado cover de “Uncontrollable Urge” de Devo, aunque el terremoto ocurrió con “The Fly” y el destartalado teclado con el que Ruane invoca los espíritus del rock en sus presentaciones.

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Lo más decepcionante fue que toda la presentación fue pregrabada y editada. Las equivocaciones que normalmente ocurren en el conteo para empezar una canción fueron suprimidas para entregar un producto profesional pero sin esencia. Por lo mismo, no hubo interacción con la audiencia que permaneció conectada y enviaba mensajes en el chat oficial del concierto.

Por su parte, todo el concierto fue un playback de 70 minutos al estilo de los mejores tiempos de Siempre en Domingo. Tal vez fue un fraude o simplemente estamos ante unos nuevos Sex Pistols. Inclusive pudo ser budget rock llevado a un nuevo nivel y en donde los integrantes se burlaron de sí mismos sin importar todo lo demás. Sí fue un concierto único, aunque no necesariamente para bien.

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A 40 años de 'Bicicleta' de Serú Girán

Desarmar y sangrar el alma, la tercer obra por parte de Serú Girán celebra cuatro décadas de estar en tierra de nadie, aunque sea suya.

Ya en 1980, Serú Girán se había convertido en un hito, el trago amargo de su homónimo fue suplido por la salida y su potente crítica lanzada en La Grasa de Las Capitales. Lo que seguía para la súper banda era un camino distinto, donde el objetivo era entrar a la historia, Bicicleta es justo esa consolidación.

El mismo Luis Alberto Spinetta aseguraba que la mejor banda argentina era Serú. Y era emocionante pensar en una banda que tenía como líder a Charly García, en baterías a Oscar Moro, quién tuvo paso en bandas como Los Gatos o La Máquina de Hacer Pájaros. Además estaba Pedro Aznar, mientras trabajaba a la par con Spinetta Jade y el ex Pescado Rabioso, David Lebón. La mezcla de su talento dio como resultado a "Los Beatles Criollos".

seru giran_ bicicleta_ok

Bicicleta es probablemente el disco donde el cuarteto bonaerense plasma de una manera más contundente su talento, es una obra muy bien lograda de inicio a fin. Arranca con una cinematográfica "A Los Jóvenes de Ayer", que encarna un par de frases tal vez desalentadoras entre arreglos progresivos. La nafta de Oscar Moro en batería da para hacer una canción tan intensa y emocionante que se mezcla con matices bajos.

"¿Cuánto Tiempo Más Me Llevará?" continua, haciendo un tema pop rock épico, donde el paso del tiempo es parte de la vida, y esas incertidumbres son narradas por David Lebón como muestra de la madurez de un artista consolidado. Su coqueteo con el jazz, tango, rock e incluso influencias africanas se nota en "Canción de Alicia en el País", una de sus canciones más famosas en toda la carrera de Serú Girán.

No cuentes lo que viste en los jardines, el sueño acabó. Ya no hay morsas ni tortugas Un río de cabezas aplastadas por el mismo pie juegan cricket bajo la luna Estamos en la tierra de nadie, pero es mía Los inocentes son los culpables, dice su señoría, el Rey de espadas", señala la banda con un sentido de crítica social dedicado a la Dictadura de Videla que se encontraba bajo momentos de tensión.

Se podría decir que Serú Girán fue la banda sonora de la dictadura, llegó y se fue con ella. Y aunque no había prohibición al rock en esos años, la banda era muy vigilada, pero su astucia permitió crear líneas tan sublimes, así como espacios instrumentales dignos de enmarcar como unos de los momentos sonoros más importantes en la historia del rock argentino.

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"Mientras Miro Las Nuevas Olas" es parte del hilo de temas memorables. El joven Pedro Aznar da un bajo categórico mientras crece una canción roquera pasional, que por momentos es balada y en otros juega a las atrapadas con el punk. El asunto del paso del tiempo vuelve, la historia se repite y suena con dureza "La Historia prosigue pero yo ya la vi", como un señalamiento social al mundo que tenía miedo de evolucionar.

Tal vez, el punto más importante no solo de este disco, tal vez de todo Serú Girán e incluso uno de los momentos más importantes de la carrera de Charly García llega en "Desarma Y Sangra". Un piano dibuja las fotografías del mundo en distintos planos, "No existe una escuela que enseñe a vivir" es la base de una canción que narra todo a la vez. El alma que piensa y por pensar no es alma es un elemento filosófico definitorio en Bicicleta, mientras la canción cambia de colores hasta concluir como un abrazo sublime.

Sigue "Tema De Nayla", canción donde el piano de García fue reemplazado por el de Diego Rapoport ya que a la agrupación no le gustó el primero. Un tema tan amoroso y entregado dedicado a la hija de Lebón comienza un cierre baladezco, tal vez finalizando la parte emotiva que despierta todo Bicicleta y su gama de estructuras teatrales, donde hay momentos muy intensos y otros muy suaves en una conexión única.

"Encuentro Con El Diablo" es un final animado, una canción donde la banda aprovecha para dejar solos de guitarra, arreglos acelerados de teclado y bajo, así como baterías llenas de remates y golpeos. Es un final que deja con ganas, ya que la banda separó varios temas debido al arancel de los 40 minutos para el formato de vinilo. "Parado En Medio de La Vida" quedó pendiente para su siguiente disco, Peperina.

La industria musical se movía de forma diferente, de hecho, Bicicleta fue presentado en Estadio Obras Sanitarias por Serú Girán meses antes de su lanzamiento, durante el mes de octubre se grabó y ya cuando toda la gente conocía sus canciones, salió a la luz el 1 de noviembre. Es hasta la fecha un referente artístico, ya que la protesta de Serú se sigue graffiteando en las calles argentinas, mientras su música es de gran inspiración para los referentes rock y pop de estos años. Dale play aquí abajo.

Un Halloween lleno de punk gracias a The Distillers

Solo cinco canciones fueron escogidas para el pequeño set acústico que incluyó la banda en el The Distillers Halloween Special, estrenado el viernes 30 de octubre, y preparado exclusivamente para los miembros de The Revenant,  su club de fans.

Cinco canciones que, a pesar de ser pocas para fans que extrañan verlos en vivo, estuvieron tan bien escogidas que se les perdona lo corto del set. Todas las canciones se tocaron en formato acústico, con la presencia de Tony  Bevilacqua, Ryan Sinn y Brody Dalle. Según ellos mismos comentaron, Andy Granelli no pudo llegar al show. Prepararon un ‘escenario’ que lucía como la sala de una persona entusiasmada con Halloween: calaveras de muchos tipos, desde cuerpos enteros hasta cráneos, calabazas y La Muerte en diferentes tamaños. Todo estaba acomodado alrededor de un par de muebles, micrófonos y amplificadores. Lo íntimo y relajado del setup lo hacía incluso más especial, ya que el acceso al especial solo se conseguía si ya eras parte del club o uniéndote al mismo.

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Arrancaron con “Drain The Blood”, para la que prepararon una versión mucho más relajada aunque sin perder del todo la rabia y la velocidad. Esto gracias a que Tony no se ‘desconectó’, ya que era el único que tenía una guitarra eléctrica. Luego vino “Coral Fang”, probablemente la mejor lograda de todo el set. No solo el trabajo de volverla acústica estuvo muy bien ejecutado, sino que las melodías en tonos graves agregadas en la ejecución los coros le dieron el espíritu de Halloween, spooky y hasta melancólico. Algo inesperado también pero muy bienvenido fue la inclusión de “She”, de Misfits. Algo en la voz de Brody hace que la canción se eleve así la interprete sentada y con una guitarra acústica. Cerca al final, tocaron “Dismantle Me”, una que ya les conocíamos en esta versión. Hasta aquí, el ambiente y la actitud, claramente dirigida por Brody, se sintió natural y apropiada, como dándonos la oportunidad a los jóvenes del ayer de disfrutar sentados frente a un televisor de canciones que hace pocos meses podríamos haber intentado poguear en un estadio, cansados pero contentos. Para cerrar el set, estrenaron “Sunsets”, una canción con mucha alma distilleriana que además suena a unos Distillers que a pesar de la adultez no pierden la urgencia del punk que los mueve. Esta vez, la canción fue tocada por Brody, sola, usando únicamente su voz y su guitarra acústica. A pesar de esto, y teniendo claro cómo Brody llena de personalidad todo lo que hace, fue lo justo y necesario.

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Terminado el set, que duró solo 16 minutos, respondieron preguntas que los miembros de The Revenant les enviaron antes de la grabación. Lo interesante de este setup es que se prestaba para una ‘conversación’ sincera y abierta. Se les preguntó sobre lo diferente que es estar en una banda que obtuvo su fama hace 20 años, a lo que respondieron que ellos creyeron en todas las promesas que se les hizo para mantenerlos produciendo nueva música y giras. Brody se desvió de la pregunta y empezó a contar los desastres que hicieron durante sus giras, algo que Tony interrumpió para continuar con las siguientes preguntas. Brody agregó “significa mucho más para nosotros ahora, poder hacer esto y vivir de esto, es algo que nos supera”. Ryan contestó una pregunta sobre lo que aprendió a partir de esta cuarentena: “Aprendí que no necesito la mitad de las cosas que creía necesarias antes.” Entre otras cosas que respondieron, también respondieron qué música vienen escuchando últimamente, a lo que Tony respondió Actress, de Reino Unido. Ryan a su vez dijo Public Enemy, y Brody cerró con el compilatorio The Roots of Chicha y el último disco de Tricky. Hacia el final, anunciaron la publicación de un disco con versiones alternas, pero no entraron en más detalles. Una experiencia especial que los fans han calificado como “increíble” en foros y grupos en las redes sociales.

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A 15 años del disco homónimo de Wolfmother

Cómo encontrarle sentido a la vida adolescente a través de una catarsis musical.

31 de octubre de 2005. Jóvenes se preparaban para salir con sus mejores disfraces a alguna fiesta con temática de Halloween. Alistando motores para una noche de frenesí y música que hiciera estallar sus oídos. Recuerdo cómo miraba a mi hermana, siendo tan libre, tan efusiva y sin temor a nada, en pocas palabras... quería comerse al mundo entero.  

La banda oriunda de Sidney, Australia, Wolfmother, se encontraba lanzando su álbum debut homónimo… Sin imaginar cuánto trascendería hacia la dimensión de los disturbios auditivos y la locura. 

Originalmente el álbum se lanzó el 31 de octubre de 2005 en Australia, con un total de 12 tracks. No obstante, sería hasta el año entrante que el trío de hard rock llegaría a los oídos del continente americano, además de añadir "Love Train" como pista extra al álbum. 

El primer LP de la banda tuvo rotundo éxito, tomando la posición número 22 en el top Billboard 200 en 2006. Así como fue el ganador de un disco de oro a inicios 2007 por vender más de 260 mil copias en Canadá.

"Woman"  es uno de los singles más reconocidos de la agrupación liderada por Andrew Stockdale. Apareciendo en algunos de los videojuegos más reconocidos en aquel año, entre los que destacan Guitar Hero II y Tony Hawk's Project 8. Asimismo, fue poseedor de un premio Grammy a Mejor interpretación Hard Rock en el año 2007.

Los alocados riffs de guitarra acompañados de explosivas percusiones hicieron de este material una joya, adoptando los ritmos peculiares de Black Sabbath y Led Zeppelin. Y no nos olvidemos de los repentinos cambios de tempo en las canciones, un claro ejemplo, "White Unicorn", cuya melodía inicia con apacibles cuerdas… ¡pero cuidado! Qué cuando menos se espera, ya estás moviendo la cabeza y tu cuerpo al frenesí de la pieza.

Si me preguntaran ¿Conoces a Wolmother? inmediatamente se apoderaría de mi mente "Joker and the Thief", otro de los tracks más imponentes del trío; teniendo lugar en la tercera entrega de la secuela de Dreamworks, Shrek; acompañándose de grandes bandas como Led Zeppelin, Heart, entre otros. Debemos aceptar que la agrupación no ha logrado algo que supere a este single, cargado de poder y locura, el simple hecho de escuchar el riff con el que abre la canción llena de adrenalina nuestras venas para sentir esa necesidad de querer destrozar lo que se interponga en nuestro paso, obsequiándonos ese infinito y mágico poder de lograrlo todo. 

En su décimo aniversario, Andrew y compañía compartieron una edición especial del álbum, incluyendo 20 bonus tracks, entre los cuales se encuentran demos, remixes e interpretaciones en vivo. 

Una simple melodía, un acorde o quizás la primera estrofa de una canción puede hacerte sentir infinito, tener una catarsis o simplemente tener un gran momento entre amigos. En 2005 y 2006, las tendencias musicales en el país giraban en torno al pop, o a bandas de indie rock comerciales, claramente Wolfmother no formaba parte de ninguno de estos círculos, muchos adolescentes se encontraban en la búsqueda de sí mismos, en tanto a amistades, estilo y música; muchos de ellos adoptaron a la agrupación australiana y a su música como suya, y por supuesto con un enorme orgullo de ser parte de ese pequeño todo.  

El primer álbum de Wolfmother dejaría marcada a toda una generación, llenando de euforia los corazones de miles de personas. Algunos imaginando lo que sus padres sintieron en un concierto de hard rock, otros cuantos sintiéndose infinitamente invencibles al mirar una y otra vez a Johnny Knoxville, Steve-O y compañía en un vídeo de la agrupación mientras hacían una y otra estupidez sin salir intactos y burlándose de la vida. Ó ¿por qué no recordar esa emoción que sentiste al escuchar los primeros acordes de "Woman" en una tocada de garage con tus colegas y un par de cervezas en mano?… Porque eso es Wolfmother, una serie de melodías eufóricas que nos hacen recordar con nostalgia las mejores épocas de nuestras vidas, cuando la música y los amigos era todo para nosotros: la adolescencia. 

 

Helado Negro comparte cover de Neil Young

"Se necesitará mucho amor para cambiar la forma en cómo están las cosas", expresa el músico en su propia versión del clásico de 1978.

Recientemente, Roberto Carlos Lange, mejor conocido como Helado Negro, compartió un cover de la canción "Lotta Love" de Neil Young, lanzada en 1978. De acuerdo con el compositor, el cover fue escrito en un momento de reflexión sobre las próximas elecciones presidenciales y la crisis global actual.

Para su realización, Roberto invitó a Jenn Wasner de Flock Of Dimes, quién muy contenta aceptó participar y de inmediato le envió un primer corte del bajo, guitarra y voz. Luego de quedar muy satisfecho, el músico le hizo llegar el track al pianista Trey Pollard y a la cantante Adron, cuya participación consistió en los coros.

Devendra Banhart también colaboró haciendo arreglos en la última línea antes del estribillo final, así que te invitamos a escucharlo a continuación y recuerda que puedes descargarlo en todas las plataformas de servicios streaming.

Me cautivó la sinceridad de la canción y me preguntaba cómo hacer una versión que te obligara a acercarte a las palabras. Quería que fuera un himnario y espiritual fuera de la religión.

Interpreté que el tema de la canción trata sobre la protección. ¿Cómo nos protegemos unos a otros? Crear esta versión me ayudó a encontrar un respiro sonoro y espero que haga lo mismo con los demás", expresó el músico.

Por otro lado, la portada del sencillo la realizó Kristi Sword, en la cual buscó mezclar diversos colores que hablarán por sí mismos del contenido armónico de la canción. Además, Helado Negro celebra su llegada al sello discográfico 4AD con "Lotta Love". Te recomendamos escuchar su más reciente EP y seguirlo en todas sus redes sociales.

Pahua (Pau de Sotomayor) firma con Nacional Records

Para celebrar su llegada como talento de Nacional Records, Pahua anunció que el 13 de noviembre podremos escuchar su primer single, "Vayayó".

Paulina, integrante de la dupla latina de música electrónica Sotomayor, anunció una nueva etapa musical bajo el mote de Pahua, faceta alterna que ya cuenta con el soporte del sello Nacional Records.

Evolución surgida de la relación introspectiva entre el amor consigo misma y de como aprovechar sabiamente las emociones. Hasta el momento, Pahua ha compartido que su proyecto se regirá bajo la fortaleza de la feminidad y la mezcla de sonidos folclóricos con beats electrónicos y lo-fi en conjunción con letras que girarán en torno a la naturaleza y el empoderamiento.

Para confirmar su llegada al emblemático label que apoya a proyectos de música en español de distintos géneros musicales en Latinoamérica y España, Pahua adelantó que el próximo 13 de noviembre escucharemos su primer single; el cual llevará por nombre "Vayayó".

El arribo de Pau Sotomayor a Nacional Records se ha mimetizado en perfecta sintonía con la iniciativa Nacional Power Women, visión que impulsa todo el talento y propuesta de todas las mujeres que pertenecen al sello. Por lo que podremos esperar bastantes proyectos surgidos de está nueva alianza.

 

Monte (Simón Mejía de Bomba Estéreo) presenta “Kaka Hyká”

Monte es un proyecto de electrónica ambiental en el que Simón  explora los sonidos de la cosmovisión indígena colombiana.

Simón Mejía, líder e integrante de Bomba Estéreo, se encuentra impulsando su faceta como productor solista al que bautizó como Monte, proyecto que ha estrenado el video de "Kaka Hyká", mismo que llegó de manera independiente.

"Kaka Hyká" palabras que provienen del lenguaje indígena muisca (y se traducen como "piedra de la abuela") se trata de un tributo a la Tierra, cuyo video es dirigido por Simón Hernández e incluye la participación de Candil Chauta, integrante del grupo indígena colombiano Mhuysqa.

Las piedras son sagradas para muchas comunidades indígenas de todo el planeta, ya que han sido testigos de toda la historia de la tierra. Los cánticos de la pista, cantados por Candil Chauta, son mantras para las piedras", señaló Simón Mejía.

Dicho tema forma parte de Mirla el debut de Monte, material que reúne el trabajo de investigación de Simón Mejía para interpretar los sonidos grabados en los ecosistemas colombianos para traducirlos en música electrónica.

De igual forma, el fundador de Bomba Estéreo, anunció que prepara el estreno de su documental Sonic Forest, para el 18 de noviembre, el cual está presentado por Joaquin Phoenix y Stand For Trees.

Checa "Kaka Hyká" de Monte aquí.

 

Sevdaliza estrena video para “Rhode”

"La feminidad en su ser puro y sin diluir", expresa la compositora en su nuevo audiovisual.

Recientemente, la cantante iraní-holandesa Sevda Alizadeh mejor conocida como Sevdaliza, lanzó el videoclip oficial del sencillo "Rhode", en el cual explora el placer femenino. La canción forma parte de su álbum Shabrang lanzado el pasado mes de agosto.

Ahora bien, el metraje fue dirigido por Anna Himma y en él podemos apreciar el viaje por el cuerpo de una mujer, cuyas transformaciones nos llevan a un performance de Sevda, quién ejecuta un baile muy sensual sobre una navaja metálica. La travesía culmina en una explosión de sensaciones embriagantes acompañadas por la hipnótica voz de la cantante.

¡Dale play, a continuación!

A las mujeres se les enseña a minarse a sí mismas. Las mujeres siempre han sido duramente criticadas y juzgadas en exceso. Se nos enseña a competir con otras mujeres. Elijo mi camino hacia la libertad rompiendo este ciclo.

Hasta el día de hoy, es difícil jugar el juego como mujer. Estamos socavados y tenemos que luchar por cada pequeño paso", expresó Sevda en su cuenta oficial de Instagram.

Con esta nueva entrega audiovisual, Sevda nos invita a desprendernos de los pensamientos y estructuras misóginas e invita a todas las mujeres que están persiguiendo cualquier tipo de pasión a concentrarse en construir una vida interior fuerte y dedicada. Además, señaló "no seas tan dura contigo misma cuando todos los demás ya lo son. No necesitamos una cierta proporción entre la cintura y la cadera para ser cariñosos y cuidadosos".

Te invitamos a Sevdaliza en todas sus redes sociales, además de leer la reseña que Indie Rocks! preparó con motivo de su álbum Shabrang, en el siguiente enlace.

 

 

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Women are taught to undermine themselves. Women have and will always be harshly criticized and overly judged. Women are taught to compete with other women. I choose my path to freedom by breaking out of this cycle. To this day, it’s hard to play the game as a woman. We are undermined and we have to fight for each and every tiny step. I realize that the more our external presence does not fit the misogynistic society, the more we risk drowning because of the exhaustion from swimming against the big machine current. I don’t like to give advice because I am barely at the start of a revolution but for women out there who are pursuing any type of passion, ground yourself by building an strong devoted innerlife and a life outside of your work. Be prepared for that tough road. We are built to be all love and power, but we need to detach from the faulty lessons the world has taught us about owning her light and power. We also need a practice and sanctuary we can devote ourselves to. Please don’t be so hard on yourself when everybody else already is. We don’t need a certain hip waist ratio to be loving and cared for. We deserve to be what we are. Take the time to nourish and rest up. This one is for you, LADIES. Rhode. Go stream that. bts by @willemskantine

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