Rostam comparte el nuevo tema “These Kids We Knew”

El nuevo sencillo del ex Vampire Weekend nos hace reflexionar sobre el cambio climático y la importancia de hacer algo para detenerlo.

Rostam ha lanzado una nueva canción llamada "These Kids We Knew", la cual corresponde a su primer lanzamiento en este 2021. De acuerdo con un comunicado de prensa, el músico dijo que la canción fue escrita mientras estaba "en un estado de sueño febril durante la segunda semana de marzo del año pasado, mientras se estaba recuperando del COVID-19".

Lo nuevo del músico se centra en el calentamiento global y en la idea de que la juventud y las generaciones que vienen por delante deberían de tomar el relevo de los adultos que buscan dar visibilidad sobre este problema que perjudica a todos los seres vivos.

Estaba pensando en tres generaciones mientras escribía esta canción. Hay una generación de adultos que no ven el calentamiento global como su problema porque piensan que no se verán afectados por él. Luego hay una generación más joven que la mía, que sin duda tendrá que lidiar con lo que está sucediendo. En la canción fantaseo con la generación más joven arrestando a los adultos y sometiéndolos a juicio en las calles de ciudades de todo el mundo. Esas son las 'canchas de acera' sobre las que canto en la canción", señaló Rostam.

Por su parte, "These Kids We Knew" cuenta con un videoclip animado por Jon Race y dirigido por el ex Vampire Weekend. En este visual vemos un montón de imágenes de ciudades desoladas que tienen la intención de formarnos conciencia sobre cómo está afectando el calentamiento global en nuestro entorno. Dale play a continuación:

Goat Girl — On All Fours

La ansiedad que surge por el desconsuelo de un mundo perdido.

El cuarteto femenino del sur de Londres ha demostrado en sus casi cuatro años de trayectoria que son expertas en hablar con la verdad. Para su álbum homónimo (2018), Goat Girl señaló al ritmo del post punk su inconformidad política, y aunque esta sigue latente para su segunda larga duración, On All Fours, Lottie Cream, Rosy Bones, L.E.D. y Holly Hole, decidieron abordar temas ambientales, experiencias personales de acoso y ansiedad, en un LP que indaga en ritmos frescos y alejados a lo que la banda había compartido en un primer momento.

Si te habías acostumbrado a un desafinado post punk de los años 70, este disco podría ser un choque para ti. Las 13 pistas que componen al material son un sinfín de sonidos experimentales con tintes melódicos en los que con frecuencia se yuxtaponen arreglos que te invitarán a ser parte de otro escenario; uno más caótico y lleno de desesperanza.

The Earth.

On All Fours se compone por dos partes. En la primera, Goat Girl nos habla de la Tierra y el daño que se le ha hecho. “Pest” abre esta inquietud ambiental con unos sintetizadores que abrazan la armonía de una constante batería que inmediatamente te transporta a una dimensión catastrófica que nos invita a mirar internamente y a dejar de buscar un culpable del cambio climático. Por su parte, “Badibaba” muestra mucha intensión desde el sonido que es más enérgico y lleno de pausas. Hay ruido derivado de la guitarra, batería y el bajo que nos dicen con sus riffs: hacemos lo imposible para salvar el planeta fingiendo nuestra vida diaria.

“Jazz (In The Supermarket)”, tal como su nombre lo indica, es un jazz que la banda experimentó un día de mucho calor. Hay un tintineo constante que al final cambia para convertirse en una misteriosa pista llena de temor y nebulosas. “The Crack” un tema bastante animado en el que existe mucha elocuencia sonora, algo que fácilmente podríamos encontrar en su debut de 2018. La banda nos recuerda que la Tierra es nuestro hogar y que cada vez hay más gente que mira los sucesos con indiferencia.

The power of anxiety.

Goat Girl se prepara para hablar de sus miedos y lo que estos han desencadenado en su vida diaria. Con sintetizadores locos, y un sonido latente que evita que la pista sea lo suficientemente abrumadora, “Once Again” te hace saber que no importa lo que hagas, la gente siempre cambia. Posteriormente encontramos “P.T.S. Tea” una continuación de lo que resonó en 2018 como “Creep”; el supuesto chico del tren realmente fue una experiencia en la vida de Rosy quien de forma tranquila y con tintes psicodélicos, cuenta lo desafortunado que es coincidir con hombres detestables.

Hemos perdido el control de la realidad y a manera de western “Sad Cowboy” nos lo recuerda. Los que sufren ansiedad entenderán que no todos la viven de la misma manera, por eso Goat Girl interpretó su sufrimiento en forma de fantasmas; “Closing In” es ese retrato en el que la música, irónicamente, es bastante animada, pero finalmente logra confundirte con sus guitarras coquetas.

Canciones como “Anxiety Feels”, “They Bite On You” y “Bang” demuestran poco a poco lo terrible que es tener ansiedad y la desesperación que incluye querer tener una vida normal. El sonido de la guitarra es mucho más suave y tienden a ser pistas con tintes más pop, algo que no está mal, pero cambia totalmente el mood del disco.

On All Fours culmina con “Where Do We Go From Here?track que inmediatamente remonta al escucha a los inicios de Goat Girl donde exponían sin temor su posición hacia temas políticos, esta vez dedicando un tema exclusivamente al Primer ministro de Reino Unido, Boris Johnson.

Para una pista bastante obstinada como “A-Men”, la banda decide cerrar su larga duración con sonidos suaves y llenos de esperanza; un final diferente, como el propio disco. A lo largo de la reproducción se escucha la influencia de proyectos como Broadcast y Stereolab, sin embargo, Goat Girl decide entregar algo que aunque es sonoramente distinto, mantiene la esencia del cuarteto.

A 30 años de 'Buena Suerte', el álbum debut de Los Rodríguez

Conquistas intercontinentales con una embarcación única. El primer material de larga duración de Los Rodríguez cumple 30 años de su nacimiento e instalación en la historia del rock hispano.

La jerga española hace entender a un Rodríguez como un hombre que debe quedarse en casa o salir de viaje por trabajo mientras la familia está de vacaciones. Esto hace más sencillo comprender un poco sobre el nombre de una aventura que comenzó el 27 de septiembre de 1990, cuando Andrés Calamaro aceptó la invitación de Ariel Rot para unirse a la banda que Julián Vilella y Germán Infante estaban construyendo. Luego de ensayos, guitarras y bajo presupuesto nació su primer disco, Buena Suerte, el cual cumple tres décadas de historia.

Si somos honestos, este disco no tiene un enorme valor conceptual, ni siquiera tuvo gran impacto, puesto que antes de su lanzamiento la disquera Pasión ya estaba en banca rota. Lo que si tiene, y mucho, es valor, valor para romper con los parámetros de la industria argentina y española de un solo golpe, sin necesidad de enormes campañas publicitarias ni instrumentos nuevos, solo una agrupación de jóvenes haciendo un muy buen rock and roll con los instrumentos que todos conocemos y con historias de amor que todos hemos vivido, solo que narrado de una manera única, elegante y agresiva.

Lejos del rock pop con el que la música en España se movía, así como las vertientes electro-roqueras experimentales de una Argentina dominada por Soda Stereo y Babasónicos, Los Rodríguez jugaba otra liga. ¿A qué jugaba Los Rodríguez? a provocar, a reventar riffs potentes de guitarra con ritmos del rocanrol añejo y la principal apuesta era la melancolía. La agrupación fundada oficialmente en octubre de 1990 comenzó su camino en las salas de ensayos y las presentaciones discretas ante decenas de personas.

Los Rodríguez

Fue hasta febrero de 1991 que con un puñado de canciones bien ensambladas, el cuarteto más el bajista Guille Martin llegaron a los estudios Trak y Cinearte (donde Hombres G hacía maquetas) para grabar y autoproducir Buena Suerte. Si somos honestos, no había mucho trabajo que hacer en producción, eran 16 temas bien montados a raíz del talento humano y solo pedían una buena mezcla. Ariel Rot y Julian Infante disparaban con guitarras rocanroleras, mientras Germán Vilella desataba baterías frenéticas y Calamaro daba teclados inteligentes que se acomodaban acorde al mood.

Es muy curioso Buena Suerte, al disco y la banda no le importa un carajo el rock que predominaba, no se quería ese estigma común. Más bien, había tango, rock torero, flamenco, baladas pop, rock and roll al estilo de The Rolling Stones. Es un recorrido que no discrimina nada, hay vientos, un acordeón tocado por Andrés, canciones aceleradas, canciones lentas y mucho trabajo de autogestión que daba una libertad creativa notoria.

Las historias narradas por Los Rodríguez eran duras. El amor visto desde una vertiente llena de inercia, donde no hay más que dejarse llevar por los sentimientos. "Visceral y preciso", como cataloga el músico y actor Antonio Birabent a las composiciones de Calamaro, esa es la definición de unas letras dramáticas que hacen duelo y alegría al desamor, le dan rumba al coqueteo y prometen romance sin represión.

"A Los Ojos", "Engánchate Conmigo", "Buena Suerte", "Canal 69" o "Señorita" eran reflejo de ese collage de ritmos, letras y emociones, que hablan de la falta y la sobra de suerte al mismo tiempo. Cuando perdemos unas cosas aparecen otras, así pasa con las personas, las oportunidades y el tiempo.

Revanchas y frustraciones.

Ariel Rot y Julian Infante contaban con experiencia en la industria española. Su pasado en Tequila fue suficiente para darse a conocer en el medio, aunque nunca pudieron sobresalir ante la ola creciente de música popular. En Buena Suerte y en Los Rodríguez la vida les tomó inspirados para establecer brutales solos de guitarra, y en el caso de Rot, composiciones que superaban lo que llegó a hacer antes.

En Argentina, Calamaro parecía no encajar con las vertientes que reventaban las bocinas de la post dictadura. Tras el éxito obtenido con Los Abuelos de la Nada, la separación del hincha de Independiente para comenzar como solista pasó sin pena ni gloria. Cuatro discos (Hotel Calamaro, Por Mirarte, Vida Cruel y Nadie Sale Vivo de Aquí) no fueron suficientes para golpear la mesa que dominaban aún Charly García, Spinetta, el boom de Soda Stereo y un creciente Fito Páez.

Al Salmón, antes de conocerlo como Salmón, no le faltaba nada en su país, pero se sostenía más como un productor de agrupaciones como Enanitos Verdes o Los Fabulosos Cadillcas. El joven maravilla que había llegado con nuevos sonidos a Los Abuelos de la Nada había quedado atrás, así que la invitación de Rot fue un salto de fe para el artista. Las ambiciones solistas quedaron fuera, dejó su casa y a su novia en Buenos Aires y compartió equipo, el resultado fue la consagración, al grado que esté en el top 5 de argentinos más queridos en España, después de Maradona y Messi.

Luego de estos arriesgues, el sello Pasión cayó abatido tras trabajar con Los Rodríguez, Extremoduro y Antonio Vega, así que con trabajos se llegaron a vender algunas copias. Un disco con tanto empuje se vio mermado por el aspecto económico, y aunque pudo sonar en Argentina, la situación local quedó a deber.

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Fabiana Cantillo, Maradona, Sevilla y Calamaro ¿De quién era la enfermedad?

Algo muy preciso por señalar, es que "Mi Enfermedad" fue la canción más importante de Buena Suerte y una de las más prolíficas de toda la carrera de Andrés. Cuando se grababa esta canción fue enviada una maqueta por parte de Rot a Fito Páez, quien en Argentina se encontraba produciendo el nuevo disco de Fabiana Cantillo, Algo Mejor.

Fito decidió grabar "Mi Enfermedad" con Cantillo, y a su lanzamiento la canción tuvo un enorme despegue en voz de la mujer ícono del rock argentino. Por otro lado, la versión original, la de Calamaro apenas sonaba en recitales de no más de 200 personas. La canción es un hito de los noventa, y aunque con el tiempo se pudo saber que era del Salmón, fue afamada gracias a Fabiana, quien hizo que los argentinos pudieran saber donde estaba aquel ex de Los Abuelos de La Nada que desapareció del mapa.

Esto de las canciones de Calamaro resueltas a mayor fama por otros artistas ha sido una constante en su carrera. Pensar en "Mil Horas" y sus múltiples versiones de cumbia y salsa, los temas de su disco homenaje que tiene a Los Fabulosos Cadillacs y "La Parte de Adelante", Joaquín Sabina con "Todavía Una Canción de Amor" e incluso Julieta Venegas trayendo a México la revolucionaria "Sin Documentos".

La competencia entre Los Rodríguez y Cantillo importó poco cuando Maradona tomó ese tema como bandera. El referente del futbol mundial pasaba malos momentos por cuestiones de drogas, se encontraba vetado de la liga italiana y ahí conoció la canción. Tal fue su emoción que la compartió como un himno a su vida de adicciones y sufrimiento, posteriormente, igual en España, su nuevo Club Sevilla la tomaría como porra. ¿No es curioso que una canción de un sello en banca rota sonara en estadios y fuera alabada por un ídolo y sin remuneración?

Los Rodríguez__

Destino suerte.

Lo que une a Los Rodríguez es la suerte, la suerte de dejar todo, de quedarse sin dinero, de ver como todo lo que se le ha dedicado meses termina en resultados decepcionantes. Calamaro, Rot, Infante, Vilella y Martin no tuvieron una respuesta inmediata con Buena Suerte, pero la vida les daría la oportunidad de lograr el estrellato por sí solos y sin abandonar su estilo unos años más tarde.

Buena Suerte es el inicio de una nueva ola con la que Los Rodríguez dio paso a una nueva visión del rock en España. De las letras dramáticas, los sonidos potentes y las grandes historias son herederos Vetusta Morla, Love Of Lesbian, La Habitación Roja y Lori Meyers entre otros artistas que dieron las bases para la estimulante ola española que se ha trabajado desde hace más de 20 años.

Los Rodríguez es, para una buena cantidad de personas, una de las mejores bandas en la historia de España y, para algunas otras pocas, una de las mejores bandas en la historia de Argentina. Si bien, resulta casi imposible saber la fecha oficial de lanzamiento de Buena Suerte, es un hecho que se grabó, produjo y liberó hace 30 febreros. Te invitamos a disfrutarlo a continuación.

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Sleaford Mods — Spare Ribs

El humor mordaz en complejas sintonías metafóricas.

La pandemia llegó y arrasó con todo. Arrasó con la vida que tenías antes y con la vida de los que más querías. Duele escucharlo, pero es la verdad y Sleaford Mods no duda ni un segundo en recordárnoslo. Durante todo este tiempo hemos escuchado frases como: “la música como vía de escape”, y sí, cada quien toma y hace de la música lo más le conviene, por ello es que la dupla se animó en Spare Ribs a afrontar la realidad y exhibir las debilidades del gobierno británico. 

La sexta larga duración de Jason Williamson y Andrew Fearn irónicamente cautiva por sus líricas lacerantes que son las protagonistas de este material. La ira se conjuga con los beats, riffs y arreglos que los ingleses implementan en este LP, en el que el sonido pasa a segundo plano, pero siempre como un fiel acompañante al mensaje. 

En Spare Ribs hay una intención. A manera de introducción y con los sintes resonando, “The New Brick” te invita a escuchar completo el material. Los intérpretes te dicen que algo bueno se avecina y te advierten que debes de estar preparado. Are you ready?

El pulcro sonido derivado del bajo entra en “Shortcummings”, el primer track que demuestra que esta larga duración será diferente a lo que anteriormente hemos escuchado por parte de Sleaford Mods. Una guitarra llega para desafiarte con un sutil chirrido mientras te das cuenta de que ya estás dentro de esta miseria, así que deja de lamentarte. La clase dirigente nos domina y seguimos su ejemplo; un tema inspirado en cómo el estratega británico Dominic Cummings rompió la cuarentena para viajar con su familia. 

La dupla invitó a Amy Taylor (Amyl and the sniffers) a que le diera un giro interesante a “Nudge It”, donde los ritmos cambian inmediatamente y se animan en compañía de los sintetizadores y la batería eléctrica. La cantante australiana entra casi al final para decirnos que todos somos seres manipulables. 

Conforme avanza su reproducción es más difícil impedir que los sonidos penetren tu mente. Los cambios de ritmo los descubres pista a pista, sin embargo al ser tan hipnotizantes, olvidas si realmente estos siguen ahí o ya son parte de tu imaginación. Esta delirante y efusiva mezcla de electro y post punk minimalista habla con elocuencia de la oposición al gobierno. Temas como “Out There”, “Glimpses” y “Top Room” entran en una sintonía lenta y perfecta para expresar un descontento socio-político, recordarnos que siempre nos preocupamos por nimiedades, y que ya nada importa porque todo se irá a la mierda. En la vida no hay que andarnos con rodeos. 

“I'll just like look like anyone”

La auténtica Billy Nomates hace dueto junto a Sleaford Mods en “Mork n Mindy”. La programación sónica explota y se escucha cómo se quiebra el sistema y salen sus fallas a la luz. Hay mucha experimentación con sonidos, sobre todo con lo electrónico y lo orgánico; en conjunto estos logran que el espectador cache el mensaje: la tragedia de la vida. “Spare Ribs” tanto en pista como en álbum demuestran que más que cantarle a los desajustes, están declamando una inconformidad ante la incompetencia. 

En la recta final nos enfrentamos con sonidos electrónicos mucho más crudos que cuentan cómo el gobierno se queda con absolutamente todo mientras tú pierdes más oportunidades en todos los aspectos de la vida. 

Este material no solo se alimenta de la rabia que significa vivir en un mundo lleno de egoísmo y manipulado por la élite, sino también de las memorias de otra época llena de inocencia en la que con facilidad se podía salir a la calle, disfrutar del día junto a tus amigos y alegrarse por tener una infancia o adolescencia miserablemente feliz. Entre sonidos galácticos que se mantienen en tu cabeza “I don’t Rate You” te cuestiona ¿realmente te gustaría parecerte a los demás?, mientras que con nostalgia “Fishcakes” te transporta a escenarios donde todos estos problemas te eran indiferentes. 

Una vez más Jason Williamson demuestra que su lirismo es único en un LP en el que sin cautela, te coloca los pies en la tierra, te suplica abrir los ojos y analizar los acontecimientos. 

Chrissie Hynde (The Pretenders) se une a Fender y presenta nueva guitarra

La icónica guitarra azul de la cantante está disponible y puedes tenerla en tus manos.

La cantante, guitarrista y fundadora de The Pretenders, Chrissie Hynde, se caracteriza por ser un fiel usuario de las guitarras Telecaster de Fender, es por ello que acaba de unir fuerzas con la icónica y destacada marca para lanzar una nueva guitarra que sigue la línea del modelo que la cantante ha utilizado desde hace más de 40 años.

Fender tiene una serie de guitarras de nombre Artist Signature, donde replica a la perfección el modelo con uso y desgaste físico que utilizan los artistas, es aquí donde hace aparición la guitarra azul que ha acompañado a Chrissie en cientos de presentaciones a través de las décadas y tú puedes tenerla en tus manos. 

Mi técnico de guitarra, David Crubly, me convenció de lanzar una Fender Signature Telecaster diciéndome que podría animar a más personas a entrar en bandas y música. Espero que eso sea cierto y sé que aquellos que lo hagan, no mirarán hacia atrás”, menciona Hynde.

La Chrissie Hynde Telecaster está disponible por 1,399.99 dólares y puedes comprarla dando clic aquí. Visualmente tiene uno de los acabados más llamativos de Fender y por la parte trasera podrás encontrar las iniciales de Hynde; en tanto al sonido, cuenta con características de primera calidad que harán que te sientas un miembro más de The Pretenders.

Chrissie-Hynde-Guitarra-2021

Chrissie_Hynde-Guitarra-2021

Steven Wilson se transforma para el video musical de “SELF”

A través de este material, que fue estrenado durante una proyección en las pantallas de Times Square, Wilson reflexiona sobre el concepto de identidad.

Steven Wilson, músico de rock y anterior líder de Porcupine Tree, acaba de estrenar video musical para la canción “SELF”. Ésta pertenece a su octavo álbum solista titulado The Future Bites, que vio la luz el pasado 29 de enero vía Caroline Distribution.

"SELF" utiliza la tecnología deepfake, la cual ha sido controversial los últimos meses debido a su capacidad para sustituir rostros en los grabaciones. De esta forma, en el video dirigido por Miles Skarin vemos a Steven Wilson transformarse en diferentes personalidades apreciadas —o no tanto— por la gente. Entre ellas se encuentran Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, David Bowie, Donald Trump y Hillary Clinton.

Con el coro “we are self, the self that loves itself now”, Steven Wilson nos invita a reflexionar en esta canción sobre el problema de la identidad en la era digital:

'SELF' es sobre la nueva era de narcisismo, en donde la raza humana que solía mirar con curiosidad al mundo y las estrellas, ahora pasa gran parte de su tiempo mirando a la pequeña pantalla para reflejarse en el espejo de las redes sociales. (...) Ahora todos pueden figurar en el concepto de celebridad”, comentó el músico en su cuenta de Instagram.

Al igual que “SELF”, el álbum The Future Bites reflexiona en torno a la cultura del consumo y de la imagen. Puedes ordenarlo en este enlace y ver “SELF” a continuación:

Escucha “Saturn and Jupiter”, lo nuevo de Balthvs

Un clavado psicodélico: La nueva síntesis sonora traída por el conjunto colombiano.

Cual una habitación inundada en misticismo y psicodelia: Así es escuchar “Saturn and Jupiter”, el nuevo single de Balthvs. Bajo el sello de Stereochip Records, el trío originario de Bogotá, Colombia, arriba este 2021 con este sencillo que ahonda sobre temáticas espaciales, conexiones astronómicas, y ritmos suaves con un acercamiento al dreamwave y el deep house, mismos que añaden el toque psicodélico característico de la agrupación.

Esta reciente entrega, que prevé la llegada de su segundo larga duración para este año, corresponde al tercer lanzamiento de la banda desde la publicación de su LP debut MACROCOSM, en septiembre del año pasado, el cual conjunta 10 tracks con temas como “Breathin” y “Siente”.

Con la antesala de “What’s The Use” (un tributo a Mac Miller) y “Vapor Waves”, el proyecto conformado por Balthazar Aguirre (guitarra, voz), Johanna Mercuriana (bajo, voz) y Santiago Lizcano (batería, voz) publica esta nueva canción, que al igual que la mayoría de sus sencillos, fue realizada durante el confinamiento a lo largo del 2020-21, por lo que la tercia ansía el regreso a los escenarios para estrenar todo este nuevo material:

No hay nada como la experiencia en vivo, la conexión con el público y la posibilidad de expresarse a través de un lenguaje tan honesto como la melodía, armonía y ritmo”, afirma la banda.

Escucha “Saturn and Jupiter”, el nuevo tema de Balthvs:

Se publicará obra literaria del fallecido Alan Vega

El libro será presentado bajo el título Cheap Soul Crash y está listo para pre-ordenar.

Lamentablemente, el 16 de julio de 2016 falleció el músico y cantante disruptivo, Alan Vega, quien es recordado como una leyenda del electro punk junto a Suicide. Ahora, tras cinco años del terrible acontecimiento, será publicado Cheap Soul Crash, un libro que documenta información exclusiva de los garabatos y reflexiones de un cuaderno personal de Vega.

Se espera que el contenido del material sea igual de único que el cantante, ya que se asegura que este mezclará distintos temas, tales como poesía, lírica, escultura y esbozos cinéticos; arte puro desde la vista del músico en vida y del cual únicamente familiares tenían acceso.

 

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Cripple Nation (1994) es el primer libro de Vega, así que de cierta forma Cheap Soul Crash se muestra como una continuación de esta obra publicada por el sello 2.13.61 y dirigido por Henry Rollins, quien presenta la introducción del próximo libro. Por su parte, el prólogo está a cargo de Jared Artaud y del epílogo se encargó Liz Lamere, quien fuera esposa de Vega hasta su fallecimiento.

El libro estará disponible a partir del 12 de marzo y está limitado a 100 páginas cubiertas por un perfecto encuadernado donde en la portada se muestra al músico. Si quieres ser parte de Cheap Soul Crash no dudes en dar clic en este enlace para poder pre-ordenar.

Te dejamos con “Juke Box Baby”, icónico tema de Alan Vega.

“En el Limbo”, el nuevo single de LEO ft. Dorian

La nueva versión de este track llega hasta tus oídos para inyectar un poco de nostalgia y electricidad.

El músico y solista español, Leo López, lanzó el suave y electrizante tema “En el Limbo”, una colaboración con Marc Gili (vocalista de la agrupación española de electro / new wave, Dorian). Dicho sencillo, producido por Lisandro Montes (tecladista y guitarrista de Dorian), es una reversión de su primer single “Diez Años en el Limbo” publicado en enero 2020, y precede de su más reciente lanzamiento “Nuestro Universo”

LEO, debutó el año pasado con con su EP Media Parte, una producción discográfica que incluye 4 temas, tales como “Días de Ficción”, “Como un Tren”, “Otros Diez Años en el Limbo” y su segundo track “Soy un Extraño”, en compañía de Santi Balmes (vocalista de Love Of Lesbian), canción que lo posicionó en el número 1 del top 'Los 50 más virales de España', en Spotify.

López ha dedicado más de diez años de experiencia a la producción y gestión escénica dentro de la industria musical como road manager, stage manager y backliner, lo que lo ha llevado a trabajar con agrupaciones como Love of Lesbian, Dorian, Standstill y Sidonie, entre otras.

Gracias a su trayectoria y cercanía con la música desde hace varios años, LEO presenta este nuevo proyecto que involucra una enérgica vibra traída desde el electro y el rock pop.

Escucha “En el Limbo” ft. Marc Gili (Dorian) aquí:

Josh Homme comparte dos poemas de su autoría

Las grabaciones del también fundador de Kyuss nos alejan de las imágenes diabólicas habituales en su música y nos acercan a un lado más personal del autor.

Josh Homme, vocalista y líder de Queens of the Stone Age, compartió en su cuenta de Instagram dos poemas de su autoría escritos y grabados en 2015, durante un periodo de inactividad por enfermedad. Éstos llevan por título “Where the Fog Begins” y “Glass Cars”.

“Glass Cars” presume de una historia bastante íntima para el músico, pues el título de este poema fue ingeniado por su hija cuando él y su esposa (Brody Dalle de The Distillers) le preguntaron por algún nombre para futuras canciones:

Su madre y yo amamos tanto el título que, en ocasiones, pretendíamos discutir sobre quién debería usarlo. Al final, decidí tomarlo para un poema. Un poema que es como un eterno soltero, listo para encontrar a su canción especial y comprometerse con ella”, comenta Homme en Instagram.

Por otra parte, fanáticos del grupo en Reddit han puntualizado que en “Where the Fog Begins” aparecen dos líneas que figurarían después en “Head Like a Haunted House”, canción de Villains (2017): “to trip the light fantastic one takes wire on the shins” y “petty disguises worn like a skin”.

Desde el estreno de Villains (2017), QOTSA no ha vuelto a dar señales de vida, aunque Homme recientemente sorprendió en una colaboración con Sharon Van Etten. Escucha los poemas a continuación: