Entrevista con Vetusta Morla

Posted on diciembre 6, 2021 by -

Entre colisiones generacionales y la búsqueda de nuevos sonidos, Vetusta Morla presenta Cable a Tierra, su sexto álbum de estudio.

Si nos instalamos nuevamente en aquella semana irreal previa al 14 de marzo de 2020, donde todo el mundo comenzaba a cerrar sus puertas podemos encontrar un par de anécdotas curiosas con Vetusta Morla. La banda de Tres Cantos, Madrid, estaba en la presentación de MSDL - Canciones Dentro de Canciones bajo una puesta en escena nunca antes vista en la agrupación, con vestuario y escenario especial y sus siguientes paradas eran el Vive Latino en la Ciudad de México con un horario estelar y el Royal Albert Hall en Londres, sitio donde tocó The Beatles. Las restricciones obviamente no lo permitieron.

Pasaron los meses y salió a la luz "Los Abrazos Prohibidos" para homenajear al personal médico, y mientras aquella realidad a la que acostumbrábamos se iba desvaneciendo junto a aquella prometedora gira, la agrupación comenzó a preparar su nueva placa que se llama Cable a Tierra. A diferencia de anteriores registros que nacían por los seis al mismo tiempo en la sala de ensayo, Vetusta Morla no podía reunirse gracias a las restricciones, entonces comenzó el proyecto a componer desde la individualidad, encontrando un nuevo camino creativo. Guille Galván (guitarras, pianos, coros y letras) y Jorge González (sintetizadores, percusiones y teclados) nos cuentan en Indie Rocks! como fue este proceso.

De un tiempo a esta parte intentamos que la frontera entre el local de ensayo y el estudio no exista, tenemos tecnología capaz de ir grabando todo lo que estamos haciendo y casi componer y grabar a la vez. Eso nos permite implementar otro tipo de instrumentos que normalmente en un local de rock no se pueden tener porque no se pueden tocar o sonarían bajo. Hemos usado instrumentos tradicionales que nos han permitido componer a través de sonidos individuales y específicos que luego se van armando con todos los demás. Hay canciones que hemos tocado todos en el local pero hubo otras que construimos sobre la grabación, y una vez grabadas las hemos aprendido a tocar", expresan Guille y Jorge respecto al nuevo proceso creativo.

Vetusta Morla_2021

Lo nuevo y lo viejo.

Vetusta Morla narra a Indie Rocks! que la idea de mezclar instrumentos tradicionales con referencias modernas era algo que ya les había causado inquietud anteriormente. Cabe señalar que en su anterior placa, Mismo Sitio, Distinto Lugar la banda se dio oportunidad de utilizar instrumentos musicales antiguos encontrados en los Hansa Studios de Alemania, mismos con los que llegó a grabar David Bowie la Trilogía de Berlín. Eso fue un punto de partida y ameritó la búsqueda de nuevas formas de hacer música. Por otra parte, el deseo de retomar aspectos de la música tradicional es algo que ya habían realizado en canciones pasadas como "Alto", "23 de Junio" y "Maldita Dulzura", de acuerdo a palabras de Guille Galván.

"El concepto de lo viejo y lo nuevo es uno de los pilares por los que transcurre el disco, y no solo era conceptual y a nivel de letras, sino que al usar muchos instrumentos y formas de hacer las cosas antiguas pero transformarlas únicamente y no utilizarlas para hacer un género sino para ponerlas al servicio de una canción nos parecía algo bueno. Teníamos canciones pero nunca habíamos tenido un disco basado fundamentalmente en ello", expresa Guille respecto a la idea principal de Cable a Tierra, que representa el choque generacional expresado en letras y en música.

Para este nuevo álbum, Vetusta Morla buscó instrumentos así como referencias que fue recolectando de la música tradicional no solo en España, también en África y en Latinoamérica. Carles Campón, quien toca en la banda de Jorge Drexler, colaboró en la producción y su bagaje fue de gran ayuda, ya que musicalmente tuvo peso para mejorar la propuesta sonora del sextete. Además, la agrupación pudo reinventarse en la forma de componer y grabar, ya que el uso de estos instrumentos no fue grabado y trasladado así como así, más bien se aprovecharon sus sonoridades y se modificaron sonidos al entrar al espectro digital. Jorge González tiene una anécdota peculiar al respecto:

Me acuerdo que en 'El Imperio del Sol' se estuvieron buscando notas precisas para algunos instrumentos, se grabaron unas congas pero se procesaron con plugins y se estuvo buscando como tocarse para encontrar unas notas que funcionaran con la estructura armónica del puente.

Hemos entrado a la sala de a uno, y los instrumentos que no tenían mucho volumen como guitarras de nylon tenían su espacio en el estudio y daban pie a poder jugar con delays, distorsiones y diferentes cuestiones. Ha sido muy sencillo el trabajo porque ha ido de la mano, el tradicional y el más moderno".

La idea de colisión generacional también aparece en La Virgen de La Humanidad, un trabajo audiovisual que sirvió como promoción para que la banda sacara a la luz los primeros singles. Esta serie consta de tres videos que dan paso a "La Vigen de La Humanidad", "Puñalada Trapera" y "Corazón de Lava", y narra la historia de dos mujeres de diferentes edades en contextos dramáticos y envolventes. El joven director Patrick Knot se encargó de proponer esta serie de videos a Vetusta Morla, y la agrupación pudo interpretar el acercamiento con conceptos generales del álbum.

Guille destaca de esta serie de videos el trabajo cinematográfico, ya que la primera parte tiene encuadres amplios, mientras que "Puñalada Trapera" es un poco más compacta y "Corazón de Lava" maneja planos más cerrados. Por otra parte, enfatiza en que es bueno que los discos tengan estas pequeñas sociedades en canciones, y que se vuelvan de algun modo mini discos.

En busca del folclore.

El nombre de Cable a Tierra tiene una profunda relación con el folclore. La agrupación dio vueltas mientras pensaba en lo que quería decir para cada uno de los integrantes. Ese concepto quedó marcado y ha sido de distintas formas reinventado por Vetusta Morla para esta entrega. Las influencias son vitales a la hora de hacer música, y aunque la banda puede tirar nombres como The Beatles, Radiohead o Kiko Veneno, señala Jorge que son las decisiones que uno toma respecto a qué influencia o pasos seguir en relación de un tema o todo un disco.

Muchas de las influencias que nos han dejado las canciones fueron parte de nuestro folclore, para mí es algo muy evidente con Latinoamérica y el flamenco, que es algo que hemos mamado todos. Hay un palo flamenco y de ahí se desprende una serie de cantos de ida y vuelta, flamencos que han sido llevados allá y que volvieron transformados y han formado parte de nuestro folclore más adelante, trayendo cosas originarias de hace milenios pertenecientes al folclore de Latinoamérica", apunta Jorge González.

Este tema se torna muy interesante en Cable a Tierra, ya que Vetusta Morla apunta a un folclore que no solo está en lo endémico, sino que aparece de igual forma en referencias con las que crecimos. Y es ahí que se desprenden influencias de Charly García en el disco, así como sampleos a diferentes artistas que de una u otra forma han sido influencia de la banda. Por otra parte, la mezcolanza generacional y de influencias que implica este álbum puede invitar al escucha a no buscar un álbum convencionalmente conectado con el rock únicamente, sino que se acerca a otros ritmos, texturas y géneros.

Vetusta_Morla

Música sin prejuicios y una noche en un estadio.

Vetusta Morla ha comprendido en esta etapa de confinamiento que su trayectoria ya es larga. La agrupación que comenzó a finales de los noventa y que canalizó su primer álbum en 2008 ha tenido un andar importante, que le ha colocado como una de las bandas emblema en su país y en su lengua. En Cable a Tierra no ha sido impedimento la condición de la banda para buscar nuevas cosas y aspirar a nuevos horizontes, es por ello que han dado un salto al vacío y se han deslindado de ese rock enérgico para sumergirse en un oceáno de capas sonoras que han surgido de nuevos métodos para hacer música de su parte.

También se muestran sorprendidos de la forma en que se hace música hoy día. Jorge recuerda con gracia que en sus comienzos bastaba con unas guitarras y baterías para hacer música en una sala de ensayo, y ahora no se necesita más que un ordenador y en cualquier lugar se pueden crear canciones. "Ganas de un lado y pierdes del otro" expresa al señalar que la forma de hacer música por parte de exponentes nuevos tiene sus ventajas y desventajas, asimismo hace hincapié en el trabajo de voces, ya que se muestra sorprendido en como se procesa hoy día algo que en sus orígenes de Vetusta Morla era esencial y requería de mayor cuidado así como una reverb bonita.

Lo que nos está aportando este movimiento de gente joven es que está trabajando con pocos prejuicios y ha abierto la puerta a mezclar cosas que les emocionen y le mueven. Lo que traíamos nosotros era que segmentamos todo en géneros y ellos han abierto la puerta y han entrado como un soplo de algo fresco, al ver que entran a la escena y funciona sí que ha quitado un poco de pozo y en eso están ayudando. Hay artistas que han funcionado e influyen", señala Jorge.

Finalmente, Vetusta Morla habla un poco acerca de la gira en puerta, así como las presentaciones estelares que vienen en camino, donde sin duda destaca un show en junio de 2022 en el Estadio Wanda Metropolitano, casa del Atlético de Madrid que albergará a decenas de miles de fans de la banda, siendo su show más grande en su historia. Guille expresa que ahora la banda prefiere no pensar tanto en ese evento, más bien ir paso a paso y dejar que todo fluya, ya que hacer un salto en aforo representa mucha responsabilidad y aunque no se puede dejar del lado, si que el sextete mira esa fecha de reojo.

Ahora todos estos días pasan volando para Vetusta Morla. El pasado 25 de noviembre fue rpesentado Cable a Tierra a través de Tik Tok. La agrupación pudo dar destellos de lo que será la gira y también mostrar el álbum desde dentro en formato físico. Si bien, Jorge argumenta que este camino lo ven como algo lleno de incertidumbre donde no se sabe qué va a pasar al final, si que se sienten confiados ya que se dan cuenta que hay fans que están ahí, que hay toda una familia dentro del staff y personas allegadas al proyecto y sobre todo aún existen esos nervios al salir a tocar canciones nuevas.

Vetusta Morla se presentará en el Vive Latino de 2022, y recientemente se ha confirmado su participación en el festival Pa'l Norte un par de semanas después. Guille comenta que esperan abrir más fechas, ya que es un poco frustrante la idea de cruzar todo el Atlántico por pocas presentaciones. Se espera conocer información referente a presentaciones de Vetusta Morla en México durante las próximas semanas. Por ahora te invitamos a escuchar Cable a Tierra, un álbum especial, que cierra con la frase "Cuando todo se termine seguirán aquí", misma que Guille Galván interpreta de la siguiente forma:

La fuerza o la trascendencia que tienen las canciones es que sobreviven a quien las hace y forman parte de la vida de la gente".

Darius — Oasis (Prelude)

Posted on diciembre 6, 2021 by -

El toque francés de Darius.

El DJ francés Terence N'Guyen, mejor conocido como Darius, nos presenta su nuevo EP, titulado Oasis (Prelude), a través de Roche Musique. El también productor regresó este año lanzando algunos sencillos, para luego reunir los seis temas que componen este material, rompiendo así, un silencio de cuatro años desde Utopia, su álbum debut. Fiel a la tradición de la que es parte, el French Filtered House, que domino en los 90 y principios de los 00, este material se mueve a ritmo de funk, jazz, hip hop y disco, dando como resultado 27 minutos de sonidos muy finos, bien producidos y ligeros, contando con la participación de varios artistas entre ellos; Duñe, Amaria y Flwr Chyld.

El proceso creativo que sigue Darius en sus producciones no deja de ser llamativo; la diferencia que existe entre el ajetreo de la ciudad, en especial una tan cosmopolita como París, y la calma de la campiña es gigante, y que N'Guyen se decante por lo segundo para la creación de tracks que están destinados a la pista de baile de clubs alrededor del mundo parece algo disociado. Tal vez ahí radique la mayor fortaleza del EP, la creación de paisajes sonoros y no secuencias de beats que están alimentados por las listas de popularidad, transportándonos a parajes distantes en medio de la obscuridad rota por luces de neón.

Prueba de ello es “EQUILIBRIUM” track de apertura y que cuenta con la participación del cantante nigeriano Wayne Snow, que con la ligereza de su voz guía esta tonada soul con tintes espaciales. Otro momento destacado es “Feels Right” junto a Duñe, una vibrante mezcla de pop, disco y elementos electrónicos que te invitan a sacar tus mejores pasos.

Por último, mencionar “Can´t Let Go” tal vez la más experimental y compleja de las seis canciones que componen Oasis (Prelude) y en la que interviene el productor estadounidense Flwr Chyld, con beats más pesados y el sonido R&B procesado por los sintetizadores hacen una marcada diferencia con las demás sin perder la armonía del conjunto.

En conclusión, este EP contiene sonidos muy sofisticados, cada canción está bien trabajada y respeta a cabalidad las reglas del french touch que conocemos y amamos. Como siempre tu mayor virtud puede ser tu debilidad y aquí pasa bastante de eso, por momentos llega a sentirse plano, reverencia demasiado a sus antecesores, se deja oír, pero no sentir. Falta esa intención de romper con los cánones, que se llega a vislumbrar por algunos momentos. Esperamos que este sea el preludio de esa explosión.

A 40 años del ‘Damaged’ de Black Flag

Posted on diciembre 5, 2021 by -

Todos los caminos del Do It Yourself conducen a Black Flag y sus canciones a máxima velocidad llenas de furia  

El impacto inicial que causó el surgimiento Ramones con sus peinados y su ropa vieja se mantiene vigente hasta nuestros días. Representó aire fresco para el rock que había caído en la grandilocuencia por culpa del virtuosismo de Pink Floyd y King Crimson. Pero aunque muchos aplaudieron las canciones de dos minutos de duración otros lo tomaron como un reto. El nuevo sonido ahora conocido como punk sonaba rápido pero siempre se puede ejecutar a mayor velocidad y así lo demostró Black Flag.

Mientras la década de los sesenta fue de abundancia para Estados Unidos, la siguiente fue como pasar de un sueño a una pesadilla. El inicio de una crisis económica cada vez más prolongada derivó en el nacimiento de dos estilos diferentes entre sí pero surgidos gracias a la pobreza. Mientras en Nueva York emergió el hip hop en California nació el hardcore punk.

Canciones desnudas que incitan a la rebeldía

En el documental American Hardcore (Paul Rachman, 2006) el cantante Keith Morris, primer vocalista de Black Flag, hace una interesante confesión. Señala que las canciones convencionales de rock están llenas de paja. Por eso se les deben quitar los aburridos intros, los coros repetitivos y los arreglos innecesarios. Al final puedes obtener unos cuantos segundos pero eso es mejor que tres minutos de lo mismo.

Ahora bien, aunque bandas como The Stooges o The Sonics pueden ser consideradas como fundadoras del punk, hay un punto en el que fallaron. Necesitaron del apoyo de una disquera para poder darse a conocer y encajar en la industria musical. Sus canciones desbordan energía pero necesitaron de un manager y un equipo de trabajo como cualquier otra agrupación.

En cambio, el conjunto fundado por el guitarrista Greg Ginn fue de los primeros en impulsar una forma de vida que hoy es vista como una ideología: el Do It Yourself (DIY). Para poder viajar por todo Estados Unidos lo único que necesitó fue una camioneta y rechazar todo tipo de lujos. Mientras que no buscó sellos interesados en publicar su música sino que optó por crear SST Records y su ejemplo ha sido replicado en todo el mundo.

La voz que le dio personalidad al hardcore punk

Después de una primera época bastante convulsa finalmente el 5 de diciembre de 1981 vio la luz el álbum debut de Black Flag. El primer obstáculo fue encontrar un nuevo vocalista que pudiera transmitir la furia de las letras de las canciones. Todos los caminos condujeron a un alto espigado adolescente que ya era fanático de la banda y tenía una incipiente experiencia musical. Hoy Henry Rollins goza de popularidad pero en ese entonces era un simple desconocido y tuvo que enfrentarse al mayor reto de su carrera.

La fotografía de la portada en donde golpea con enojo un espejo es el mejor reflejo —literal— del contenido del trabajo. Las 15 canciones ya son clásicos del hijo más desobediente e hiperactivo del punk. La abridora “Rise Above” es un cañonazo que no pierde el tiempo y ataca directo. Mientras que la letra fue inspirada por las restricciones impuestas por el gobierno de Ronald Reagan y uno de los períodos más oscuros que ha vivido Estados Unidos.

Por otra parte, no todos los temas del álbum son literales ni caen en la solemnidad porque también hay lugar para la diversión y el sarcasmo. En especial “Six Pack” y “TV Party” son mofas al estilo de vida de parte de la juventud de antes (y también de ahora). En todas las épocas han existido personas cuya mayor aspiración es sentarse frente a la televisión y caer hipnotizadas. Es la misma moraleja que ya mostró Darren Aronofsky con Requiem for a Dream y el peligro de la enajenación.

La controversia suele estar relacionada con el rock y en el caso de Black Flag su peor enemigo está en casa. Su legado se ha visto empañado por las disputas legales entre sus integrantes y los penosos trabajos recientes de la banda. Pero si hay algo que no se puede negar es la influencia que tuvo su primer álbum. Logró inspirar a más personas para hacer las cosas por sí mismas y no esperar que otros les resuelvan sus problemas. De eso se trata el DIY y no de un sonido ni un estilo de vestimenta.

A 30 años del 'Pelusón Of Milk' de Luis Alberto Spinetta

Posted on diciembre 5, 2021 by -

La paternidad y la canción más grande. Hace 30 años Luis Alberto Spinetta sacaría a la luz una de sus últimas grandes obras discográficas.

Es común cuando se habla de las grandes figuras del rock en países latinos de pocos temas que en verdad trascendieron a lo popular, que lograron competir contra los otros géneros musicales que predominan constantemente y que suenan en los antros y las fiestas. Al hablar de Luis Alberto Spinetta siempre se le piensa como una pieza fundamental en el rock de nuestro continente, ya que fue una de las primeras figuras y se podría decir que una de las influencias más grandes. Pero él también tuvo y ha tenido esa lejanía con la popularidad mediática, aunque la tocó de forma concreta en el año de 1991, cuando salía a la luz Pelusón Of Milk.

Luis Alberto venía de un ajetreado estilo de vida lleno de conciertos, grabaciones y lanzamientos, uno detrás de otro. La vida como solista comenzaba a ser sólida a finales de los ochenta, esto luego de sacar a la luz Téster De Violencia y Don Lucero. Todo cambiaría en 1990, cuando "El Flaco" fue electrocutado en un concierto y tras algunos desencuentros separó a su banda solista, necesario mencionar que en ese mismo año se realizó un álbum en vivo con diversos éxitos de su carrera.

Pelusón Of Milk fue grabado en la segunda mitad de 1991, cuando Luis y su esposa se encontraban a la espera de Vera, la menor de sus cuatro hijos. Se podría decir que para este álbum Spinetta ya estaba con un ritmo de vida mucho más tranquilo, donde sin duda intentó recuperar tiempo del que perdió con las distancias entre su profesión y su familia. Es entonces que "El Flaco" se toma el tiempo de grabar mayoritariamente Pelusón Of Milk en todos los instrumentos salvo algunas invitaciones, y el resultado es genial.

Spinetta_1991

Compartir la vida con alguien.

A diferencia de anteriores obras de Luis Alberto donde reinaba una búsqueda musical orientada al progresivo y la psicodelia, alusiones al rock con el jazz así como destellos experimentales, Pelusón Of Milk es sumamente pop, quizás es el álbum más digerible en toda la obra del cantante y guitarrista. Cuentan distintas reseñas que la mayoría de este disco fue grabado en su hogar y obviamente permitió al artista buscar sonidos y métodos de grabación relajados, ya que no contaba con la presión que bien podría imponer un lugar impropio o patrocinado por una disquera.

Entonces Spinetta se atrincheró entre su guitarra, su voz, secuencias de ritmo y samples para crear una obra pop que coqueteaba por momentos con el jazz e incluso el trip hop, llega a dar un aire a lo que años más tarde sería el Bocanada de Gustavo Cerati. Y entre arreglos bien organizados, así como un impecable manejo de armonías es que crece Pelusón Of Milk, una obra que en sí tiene un construcción de melodías memorables, que apuestan por arreglos sencillos de recordar, así como una suave atmósfera en la mayoría de sus canciones y una interpretación melancólica, sello tradicional del "Flaco".

Varias de las canciones de Pelusón of Milk dependen ciegamente de los pequeños arreglos, de aquellos momentos que ilustran temas que de algún modo siempre son suaves y tiernos. Ahí aparece con guitarras en chorus o con algún arreglo en teclados que permite al escucha percibir un álbum que jamás decae. Se podría decir que este álbum fue una bisagra para Luis Alberto Spinetta debido a que fue una de sus últimas evoluciones y de algún modo marcó una etapa creativa a futuro como solista orientada a música elegante, compleja pero también con un toque de romantisismo.

Además, en esa etapa de grabación y producción el mismo Luis Alberto se volvió un artista menos protagonista, y es curioso que de forma inesperada en Pelusón Of Milk aparecen elogios que catapultan al cantante mediáticamente en su país. Éste álbum y de algún modo su sencillez y sentido familiar hicieron que el ex Pescado Rabioso sonara en todas las estaciones de radio.

Pelusón of Milk Luis Alberto Spinetta

Una balada para siempre.

Pelusón Of Milk abre con "Seguir Viviendo sin tu amor", por mucho la canción más famosa e importante en la carrera de Luis Alberto Spinetta. Este tema rompió parámetros y de muchos modos nos ofreció una perspectiva única respecto a la visión del artista en una atmósfera desconocida, que aspiraba al drama humano únicamente sin perder ese toque romántico y sofisticado que era habitual en Luis Alberto. Se cuenta en diferentes medios argentinos que este tema habla un poco de la relación que tenía con su esposa en aquellos años, donde habían bastantes conflictos y relaciones que hacían del matrimonio algo complicado.

La poética implementada por "El Flaco" es sumamente importante en Pelusón Of Milk, ya que sus letras son digeribles y muestran de algún modo bastante inteligente aquel momento por el que pasaba en su vida personal. La mayoría de temas son dedicados a Vera Spinetta, la hija del artista que venía camino al mundo y de hecho llegó en su casa. Por otra parte, Luis Alberto Spinetta considera a Pelusón Of Milk un disco con historias bastante personales.

Considera Luis que este disco está plagado de temas "de mí para mí", ya que hay pistas que de diferentes formas hablan sobre una búsqueda de la humanidad en tiempos de cambio y de globalización, un gran ejemplo es "Hombre de Lata". Mientras que el nombre del álbum estaba plenamente ligado a la ternura que significaba el crecimiento, principalmente en la infancia. Es entonces que Pelusón Of Milk guarda una importante serie de anécdotas que glorifican el desarrollo humano y que se ven en retrospectiva para añorar lo maravillosa que puede ser la vida.

Pelusón Of Milk vendió más de 30,000 copias y fue el último álbum en vinilo que sacó Luis Alberto Spinetta. Es un disco lleno de detalles, que vale la pena sentarse a disfrutarlo lirica y musicalmente. Para este disco se intentó sacar diferentes listados de canciones dependiendo el formato, aunque en streaming puedes encontrar la lista mayor con quince temas. Te invitamos a disfrutar de Pelusón Of Milk a 30 años de su lanzamiento.

Está más ligado a mi vida que era 'esperándola a Vera', porque eso es Pelusón of milk. Esos temas fueron hechos en mi casa, con el embarazo de la mamá, esperando a la beba... Muchos temas de Pelusón of milk están hechos de mí para mí. Es el intento de armar un enorme patio interior", llegó a declarar Spinetta para Martropía.

Pedropiedra en el Foro Indie Rocks!

Posted on diciembre 4, 2021 by -

Con canciones de sus cinco álbumes de estudio, el cantante chileno complació a sus fans mexicanos con un set largo y variado.

Siempre será un buen augurio que la fila para un concierto esté formada horas antes de que este inicie. Para el de Pedropiedra los fans que estaban en el inicio de la fila llegaron desde antes de las 19:00 H aunque el cartel del concierto anunciaba que este iniciaría dos horas después. No solo esperaron esas dos horas para ingresar al inmueble, ya adentro tuvieron que esperar otra hora y media antes de que el show comenzara, eso puede ofrecer una idea de cuánto cariño le tiene México a Pedropiedra. 

Después de tanto esperar y de una rechifla continua, media hora antes de las 23:00 H, Pedropiedra salió solo, sin banda de acompañamiento. En este formato solitario solo utilizó la pista de sus dos primeras canciones, "Sueños Por Cumplir" y "Aló!", y se convirtió en un showman que jugó con su voz y el ánimo del público que lo cobijó desde el primer momento que pisó el escenario.

Después de estos dos temas, se subieron los músicos que lo acompañarían, de entre los que destacaba la presencia de Mauricio Durán, de Los Bunkers, en la guitarra eléctrica. Ya en el formato full band, Pedropiedra tocó "Pasajero", "La Balada de J. González", "Lluvia Sobre El Mar" y "Para Ti". Con esto algo quedaba muy claro, este concierto no sería exclusivamente para presentar su más reciente material Aló!, sino que sería un recorrido por todos sus discos.

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Después de interpretar "Occidental", el chileno sorprendió a todos en el Foro Indie Rocks!, ya que tocó por primera vez en vivo su nueva canción "Sonámbulo". Personalmente lo veía poco probable porque este sencillo salió horas antes del concierto. De regreso al formato solitario, Pedropiedra tomó su guitarra y ofreció versiones acústicas de "Sol Mayor" y "Rayito/Olita", a lo que el público respondió de muy buena manera ayudando al cantante con los coros de estas canciones.

Los músicos volvieron a tomar sus puestos porque era hora de hacer brincar a todo mundo con dos temas que la gente ya tenía rato pidiendo: "Hipnotizada" (sin Álvaro Henríquez) y "Vacaciones En El Más Allá", con la cual todo el piso vibró debido a que no hubo una sola persona que no brincara y bailara durante los más de cuatro minutos que duró la canción, que no cabe duda que es de las más queridas del repertorio de Pedropiedra.

Antes de el encore, Pedro tocó la siempre tierna e inocente "Amar En Silencio", después bajó del escenario y la gente empezó a corear "Oe oe oe oe, Pedro, Pedro" a la vez que aplaudía para seguir el ritmo de los gritos. Pedropiedra regresó al escenario una vez más en solitario con su guitarra para hacer estallar al público con dos de sus temas más populares, "Las Niñas Quieren..." y "Luna Luna". Cuando todos pensaban que el concierto había terminado, el chileno sabía que no podía irse sin tocar el éxito que le abrió las puertas internacionalmente, así que le regaló "Inteligencia Dormida", con banda completa, a todos sus fans mexicanos que no tuvieron nada que recriminarle por tan exquisito setlist.

Con las entradas agotadas, con el Foro Indie Rocks! a tope y con un ambiente inmejorable, Pedropiedra se puede ir tranquilo porque quedó mas que claro que en México siempre será recibido calurosamente por su público que le sigue fielmente desde hace más de 12 años.

Tears For Fears comparte el video de “No Small Thing”

Posted on diciembre 3, 2021 by -

La dualidad que se crea entre la libertad y la responsabilidad colectiva.

El icónico dúo Tears For Fears, lanza su segundo sencillo "No Small Thing", tema que se desprende de su próxima producción llamada The Tipping Point, su nuevo álbum después de 17 años.

Escrita por los dos miembros de la banda, Roland Orzabal y Curt Smith, la canción nos lleva por rasgueos de guitarra que te atraen con su tono folk, transformando todo poco a poco en un caos controlado mientras Roland y Curt llevan los sonidos de la canción lo más lejos posible.

El nuevo lanzamiento es acompañado de un video musical inspirado en el documental Koyaanisqatsi. Utilizando imágenes, el dúo construye una analogía que muestra el conflicto entre las libertades individuales y la responsabilidad colectiva. Dale play a "No Small Thing" y disfruta de los paisajes sonoros.

'No Small Thing' parece que podría haber sido una canción de un álbum de folk acústico de los años setenta o sesenta con la forma en que comienza la pista. El hecho de que nos sintiéramos lo suficientemente seguros como para ir desde allí hasta el final de la canción, donde es un caos absoluto, habla de esa sensación de libertad", comentó Curt. 

Actualmente la banda anunció The Tipping Point World Tour, con el apoyo de Garbage durante su paso por los Estados Unidos. La gira consta de veinte ciudades de América del Norte para finalizar en Wantagh, NY.

The Tipping Point llegará este 25 de febrero de 2022 a través de Concord Records, ya puedes pre ordenarlo en tu plataforma favorita, da click aquí para pre guardar.

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Aurora comparte “Heathens”

Posted on diciembre 3, 2021 by -

Esta canción estará dentro de su próximo disco de estudio The Gods We Can Touch que saldrá el 21 de enero.

Con casi 10 años de carrera, Aurora es una de las artistas noruegas con más proyección y con una de las trayectorias más destacadas de aquel país. Solo tiene tres álbumes de estudio All My Demons Greeting Me As A Friend y los dos "pasos" del Infections Of A Different Kind, pero eso le ha bastado para presentarse en muchos lugares del mundo, incluyendo el pasado Corona Capital 2021 en nuestro país.

Hoy la cantante de 25 años nos presenta su más reciente sencillo "Heathens", una canción que cuenta con la voz suave y armoniosa de Aurora y junto a instrumentos que repuntan las notas que la noruega canta, logran conectar con las emociones más enraizadas de quien escucha el tema. La canción va incrementando su sonido y la intensidad de las notas tocadas en el piano y el bajo conforme va avanzando. A la mitad de la canción ya ha ofrecido un sube y baja de emociones y aún así en la segunda mitad de "Heathens" todavía encontramos algunas sorpresas, como el puente donde pasa de la calma y el silencio total, al estallido musical que llega con la incursión de un coro más.

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Además de este anuncio, Aurora también declaró que tendrá un show virtual en vivo el 25 de enero en el cual podremos escuchar muchas de las canciones que formarán parte de su próximo material The Gods We Can Touch que saldrá cuatro días antes. El evento será transmitido por la página Moment House y los accesos ya están a la venta.

Kim Gordon estrena “Grass Jeans”

Posted on diciembre 3, 2021 by -

Una canción en apoyo a Texas.

A dos años de lanzar su primer álbum como solista la cantante, Kim Gordon, ha compartido una nueva canción titulada "Grass Jeans", tema que fue grabado junto a sus compañeros de banda Sterling Laws, Sarah Register y Camilla Charlesworth.

Las ganancias de la canción obtenidas durante el mes de diciembre serán donadas a Texas Choice, creando un fondo para costear el viaje a clínicas de aborto a aquellas mujeres de Texas que deseen interrumpir su embarazo. Cabe mencionar que en ese estado norteamericano, el aborto es ilegal desde septiembre de 2021.

Con un ritmo mezclado entre blues y no wave, Gordon, repite constantemente la frase "Take me downtown/¡Llévame al centro!”, logrando crear un tema contestatario con fuerza y un mensaje de apoyo. A continuación te dejamos con "Grass Jeans" el nuevo lanzamiento de Kim Gordon.

Kim Gordon, es una de las artistas que se han sumado a manifestarse en contra de las leyes que atentan en contra de los derechos reproductivos. El mes pasado el proyecto de Gordon, Sonic Youth, colaboró con Aaron Dilloway en el nuevo álbum Body/ Dilloway/ Head.

Thundercat presenta “Satellite” ft. Louis Cole y Genevieve Artadi 

Posted on diciembre 3, 2021 by -

Un single extraído de la serie de HBO, Insecure.  

Thundercat trae hasta tus oídos su nuevo tema “Satellite” ft. Louis Cole y Genevieve Artadi vía Atlantic Records. Una etérea y volátil mezcla de sonidos R&B/soul, creada para la quinta y última temporada de la serie norteamericana de HBO, Insecure.

A su vez, acompaña dicho lanzamiento con un videoclip oficial en el que se observa en loop una escena de la serie de televisión de comedia dramática, la cual está basada en la aclamada serie web de Issa Rae, Awkward Black.  

Además de su participación en esta playlist titulada Insecure: Music From the HBO Original Series, Season 5, otros artistas como Saweetie con “Get Girl”, Drew Love con “Snoring”, Mereba con “Glock Peaceful”, entre muchos otros, acompañan la producción a lo largo de 35 episodios.  

Por su parte, Stephen Lee Bruner recientemente ganó el Grammy 2021 por Mejor álbum Progresivo de R&B, con su LP It Is What It Is. Mientras que a principios del mes de noviembre celebró el décimo aniversario de su disco debut, The Golden Age of Apocalypse.  

Hasta el momento el músico de 37 años se ha sumado a distintos festivales como el Smokin Grooves en Los Ángeles o Wilco’s Sky Blue Sky en Riviera Maya, México, además de unirse a la gira mundial 2022 de Red Hot Chili Peppers. 

Dale play a "Satellite" y conoce más de Thundercat a través de Indie Rocks! 

Jonny Greenwood comparte el video de “New Currency”

Posted on diciembre 3, 2021 by -

Una pieza que te mueve un mar de emociones.

El músico inglés, Jonny Greenwood, estuvo detrás de una de las piezas que forman parte de la banda sonora de la nueva película Spencer. Se trata del tema "New Currency" una canción instrumental que cuenta con la participación del trompetista Byron Wallen en compañía de toda una instrumentación de free jazz.

Greenwood compartió un emotivo video para acompañar este tema en el cual se logran observar fragmentos del filme, la película protagonizada por Kristen Stewart se estrenó el mes pasado y se espera un lanzamiento físico de la banda sonora para el próximo año.

Disfruta de "New Currency" y déjate envolver por su fascinante combinación de elementos entre la música clásica y el jazz.

Sugerí que contratáramos una orquesta barroca, así que escribí música en ese estilo real regular, con tambores, trompetas, clavecines y órganos de tubos. Luego, mientras tocaban, sustituimos la orquesta por músicos de free jazz. Podían tocar esos instrumentos, pero hicimos que se transformara en una interpretación de free jazz" comentó Greenwood sobre el proceso creativo de la canción.

Spencer es una película que cuenta la historia de la princesa Diana a través de una narrativa estimulante y a la vez sombría, logrando presentar una impresión fresca y esclarecedora de una de las figuras más diseccionadas del siglo XX. La banda sonora se encuentra disponible en todas las plataformas digitales o a través de Mercury KX