Bloc Party — Alpha Games

Posted on mayo 5, 2022 by -

Alpha Games o lo que podríamos llamar Bloc Party 2.0, ¿es un buen regreso?

Alpha Games, el sexto álbum de estudio de los veteranos del indie rock británico, Bloc Party, nos llega a través del sello BMG. Seis años han pasado desde su predecesor Hymns (2016), además, en ese periodo hubo un cambio de alineación y una gira de aniversario por los quince años de Silent Alarm (2005), su disco debut, eventos que sirvieron como el cierre de una etapa para la banda. 

Este material juega entre lo que Bloc Party fue, lo que son y lo que queremos que sean. En primer lugar, los ritmos están ahí; los riffs veloces, su combinación dance punk y la característica interpretación de Kele Okereke, mantienen el sonido de la banda. Luego, viene el salto mortal que significa Alpha Games, este es el primer material donde se ven involucrados los dos nuevos miembros del grupo, la baterista Louise Bartle y el bajista Justin Harris, dotando de frescura todo el proceso creativo, no son un nuevo grupo intentando imitar un viejo sonido. Llevándonos al último punto: lejos están de ser el emocionante descubrimiento de mediados de los 00, pero, ¿quién de nosotros es el mismo de hace 18 años? Ya no somos aquellos buscadores de internet que escarbaban hasta el último blog, pendientes de todas las portadas de revistas y cada cuenta que se creaba en MySpace y YouTube en busca de la joya que cambiaría la música para siempre. Tampoco pensamos ni creemos en lo mismo, y está bien, no podemos encerrarnos en nuestras viejas formas, debemos evolucionar, siendo ésta, la intención del grupo. 

Los primeros tracks “Day Drinker” y “Traps” son enérgicos, directos, encajan bien dentro del estilo Bloc Party, corriendo el riesgo de sonar a una banda que se imita a sí misma. A medida que avanza el álbum, sentimos como se van estabilizando hasta llegar a un espacio seguro, donde los nuevos sonidos empiezan a surgir “The Girls Are Fighting” y “Sex Magik” son muestra de lo que nos espera en la siguiente etapa del grupo. Por último, destacar “If We Get Caught”, sencilla y que apela a lo sentimental, un guiño a la complicidad que hemos mantenido durante 18 años. 

En conclusión, es un buen regreso para Bloc Party. Nos muestra que el tiempo ha pasado y nadie es inmune a ello. En vez de luchar esa batalla perdida que es vivir en el pasado, toman el riesgo de evolucionar y perfeccionar su estilo. No es un disco que complazca a los fans, aunque algunos detalles serán agradecidos, y tampoco es su objetivo, Okereke y compañía nos enseñan que tanto en la vida como en el arte la meta es el camino mismo.

Tangowhiskyman estrena el video de “Head Full Of Voices”

Posted on mayo 4, 2022 by -

Tangowhiskyman nos induce a un sueño psicodélico en su nuevo sencillo.

Tangowhiskyman presenta su nuevo sencillo “Head Full of Voices”, que formará parte de su próximo álbum The Wait, programado para este año.

La canción viene con una melodía influenciada por rock suave y ritmos psicodélicos de fondo que hacen de esta experiencia sonora una sensorial. Los teclados y las percusiones logran captar la esencia de encontrarte en un loop, al tiempo que las guitarras apenas perceptibles crean el ambiente de fondo. Así mismo la voz de Frank Antun en tonos bajos y lentos la vuelven inductiva y se complementa con las semicadencias que en conjunto nos atraen a un sueño alucinógeno.

Así lo expresa también el vídeo musical que acompaña este lanzamiento, donde vemos a través de una historia animada, a nuestro protagonista caer en una alucinación provocada en la silla de un dentista. Este sueño, que es (obviamente) demasiado surrealista, se desarrolla en un espacio lleno de color, donde se encara a diferentes personajes que lo conducen a enfrentarse finalmente a sí mismo. Esta simbología puede representar esos pensamientos reprimidos que todos tenemos; y la máscara roja que aparece a lo largo del cortometraje, las voces en nuestra cabeza que tienen una influencia en nuestra vida, ya sea de forma positiva o negativa y con las que luchamos (o no) día a día.

TWM_Head full of voices

A pesar del denso mensaje, la música es perfecta para escucharla en un día relajado. En palabras de Frank Antun:

Se trata del impacto de la mente y las muchas voces que escuchas a diario. Con color rojo del tono LA y el amarillo del tono DO pintan un sol amaneciendo naranja rojo al horizonte manejando por la autopista contra la costa con el viento en la cara y la sonrisa estallada trotando como un cowboy en el espacio".

“Head Full Of Voices” es el tema central del álbum y viene con el impacto que se espera del mismo. No sólo líricamente hablando sino en sonido, sus influencias tomadas de artistas como Pink Floyd y The Beatles, se hace presente en producción y marca el rumbo de lo que próximamente oiremos en los siguientes sencillos como "Saturday" y "No Regret", que ya fueron anunciados por la banda como los siguientes adelantos de su álbum The Wait.

 

 

Dapuntobeat en el IG Live de Indie Rocks!

Posted on mayo 4, 2022 by -

Conéctate con la banda vía IG live para conocer los detalles de su nuevo material.

El conjunto de música electrónica, Dapuntobeat, está de regreso y prepara el lanzamiento de “Eres Funk”, su nuevo single, que estará disponible en plataformas a partir de próximo viernes 6 de mayo de 2022. Para celebrar, la banda realizará una transmisión en vivo a través de Instagram, la semana siguiente.

Dapuntobeat utilizó sus redes sociales para comunicar a todos sus seguidores el nuevo lanzamiento, por medio de en una publicación en la que compartió el arte oficial del sencillo y el link para pre-guardarlo.

La transmisión en vivo de la banda, tendrá lugar a través de la plataforma Intagram live el próximo 10 de mayo en punto de las 14:00 H (GMT-5), donde compartirán con todos sus fans los detalles de la creación de su más reciente material.

No olvides conectarte a las redes sociales de la banda y estar atento a Indie Rocks! para conocer más acerca de Dapuntobeat y su “filthy hot electrophunk“.

Beach Bunny estrena video de “Karaoke” con Bob Odenkirk

Posted on mayo 4, 2022 by -

El primer clip de lo que será, una serie de aventuras visuales.

El grupo de power pop Beach Bunny estrenó el videoclip del single “Karaoke”, protagonizado por el actor Bob Odenkirk, famoso por su papel como Saul Goodman en las series Breaking Bad y Better Call Saul.

El video dirigido por Eliza Chance, muestra a Odenkirk como el comandante de una nave espacial tripulada por los integrantes de la banda liderada por Lili Trifilio y de acuerdo con un comunicado de prensa, es el primer clip de lo que será, una serie de aventuras visuales con una temática “Star Wars-meets-Star Trek”.

Acerca de la canción, Beach Bunny compartió:

'Karaoke' es una canción sobre estar enamorado: se trata de enamoramiento, sentimientos fugaces y la naturaleza agridulce de la incertidumbre. Se trata de aprender partes de quién es alguien y que te gusten antes incluso de saber toda la historia”.

“Karaoke” forma parte de Emotional Creature, el más reciente trabajo discográfico de Beach Bunny, el cual se estrena el próximo 22 de julio vía Mom+Pop Music, en todas las plataformas de streaming.

PREMIERE: Myuné estrena video para “En Mi Cajón” y “Entra, Acéchame”

Posted on mayo 4, 2022 by -

Explora el estilo sonoro de Myuné a través del terror visual.

Myuné, el proyecto musical de la tijuanense Amor Amezcua nos ha entregado un nuevo capitulo dentro de su narrativa sonora con el lanzamiento de Fuera de Lugar (2022), segundo álbum de estudio de la artista. Ahora, de manera exclusiva para Indie Rocks!, Myuné nos presenta un material audiovisual, que corresponde a los tracks "En Mi Cajón" y "Entra, Acéchame",mientras nos presenta una historia obscura.

En el material Fuera de Lugar (2022), se plasma la personalidad más experimental del proyecto Myuné. Dominado por el shoegaze, y fusionado con un estilo más orgánico, que dota al material de una personalidad letárgica, el álbum nos entrega el mensaje de ser ajeno a todo lo que nos rodea, derivado de la insatisfacción emocional personal, girando en torno al concepto de no pertenecer a ningún lado, solo por la niebla que genera nuestro pasado sobre la percepción del presente y el futuro.

La narración de este disco proviene del punto de vista de mi ser observador y analizador, la persona que prefiere permanecer callada y observar el movimiento del mundo exterior; en este caso narración de mis memorias."

El material visual dirigido por Marinthia Gutiérrez y entregado por la artista, nos presenta una historia muy relacionada al concepto general del álbum, en el que podemos observar a una artista siendo atormentada por un fantasma, que por medio de diferentes técnicas cinematográficas, nos da a entender que puede ser la misma persona, pero de una época diferente, tal vez el pasado acechando y atormentando el presente de una persona solitaria. El material nos entrega diez minutos de una gran calidad audiovisual, que genera sentimientos de inquietud transitando los géneros de terror y suspenso, que complementan de gran manera al trabajo sonoro de la artista.

Quise realizar la historia en un teatro porque creo que ahí los sueños y los fantasmas coexisten. Vamos al teatro a ver historias que se materializan en frente de nosotros y luego desaparecen cuando el público y los artistas se van. Es curioso que a cada teatro que vayas te dicen que está embrujado, pero para mi esto tiene sentido porque como en cualquier espacio transitado por tanta energía y personas, hay mucho que se queda entre las paredes. Aunque no creas en fantasmas o en espíritus, hay muchas historias que pasan en el escenario de un teatro. Todas son temporales, pero alguna vez sí estuvieron ahí. El fantasma no tiene que ser un ser sobrenatural sino algo que pasó, y su ausencia es presente. En el caso de éstos videos musicales, el fantasma es el pasado. Myuné tiene todavía recuerdos bonitos, y los quiere tanto que nos los presenta a una escala teatral– y los malos, el fantasma, la persigue por los pasillos del teatro después de la función", expresó la directora.

Mira el vídeo a continuación:

Myuné nos permite observar una versión más introspectiva de la artista, mientras somos guiados a través de sentimientos y sensaciones incomodas que rodean temas complicados de la vida, hacia nuestra propia percepción personal.

Eminem, Duran Duran y Eurythmics en el Rock & Roll Hall of Fame 2022

Posted on mayo 4, 2022 by -

Los nuevos miembros del Salón de la Fama ya fueron elegidos y aquí te contamos todo.

A principios de este año se dio a conocer la lista de los posibles cantantes y agrupaciones que tendrían el honor de formar parte del Rock & Roll Hall of Fame 2022. Entre estos se encontraban Eminem, Dolly Parton, Rage Against the Machine, Beck, Lionel Richie, Duran Duran, Carly Simon y A Tribe Called Quest. Cabe mencionar que para poder ser elegido en la nominación, el artista o banda debió haber lanzado su primera grabación comercial con al menos 25 años antes del año en el que fueron nominados.

Los meses pasaron y el proceso de elección culminó con siete nuevos miembros del Rock & Roll Hall of Fame. Estos fueron elegidos por 1200 artistas y por supuesto, el voto del público. Los nombres son Duran Duran, Eurythmics, Eminem, Dolly Parton, Pat Bernat, Carly Simon y Lionel Richie. El Teatro Microsoft en la ciudad de Los Ángeles, será el spot en el que, en el mes de noviembre, se llevará a cabo la ceremonia para hacer esto oficial.

Pero las sorpresas no paran aquí, ya que en dicha festividad se honrará a Judas Priest y Jimmy Jam & Terry Lewis con el premio a la Excelencia Musical del Salón de la Fama del Rock & Roll. Además, Harry Belafonte y Elizabeth Cotten también serán premiadas como Influencia Temprana.

Si no quieres perderte ningún detalle de la ceremonia, no te preocupes porque esta será transmitida en televisión de paga un día después, es decir el seis de noviembre.

¡No te despegues de Indie Rocks! para conocer más sobre el Rock & Roll Hall of Fame!

Toro y Moi — Mahal

Posted on mayo 4, 2022 by -

Sobre encontrar una sensación de alegría frente a la adversidad.

Con cinco años de preparación, el séptimo álbum de estudio de nombre, Mahal, de Toro y Moi, es una demostración de música electrónica psicodélica que mezcla diversos géneros.

El artista californiano, Chaz Bear, la cabeza creativa detrás de Toro y Moi, lleva al escucha a un viaje que salta ágilmente entre géneros y sonidos, tales como el rock psicodélico de los años 60 y 70, hasta el post-rock de los 90, manteniendo una estética original e inventiva con ritmos cálidos y con tecnicolor. 

Esta séptima producción, como a menudo se describen sus discos, es un mundo en el que encajan sus canciones; es un homenaje bañado por la luz del sol a los días predigitales, y es el primer material que Bear lanzará en un nuevo sello discográfico, Dead Oceans. Se destaca de entre sus lanzamientos, como un cambio de un sonido teñido únicamente de baile a un proyecto difuso, íntimo y único, consolidándose como uno de sus proyectos más eclécticos y audaces hasta el momento.

Mahal, abre con un motor acelerando y un riff pesado de guitarra en la canción “The Medium”, mientras que la pausada (e irónicamente titulada) “Goes By Fast” ralentiza los engranajes en voces moduladas, que parecen estar suspendidas en el tiempo. “Clarity”, con la música y colaboración de Viena Sofie Royer; “Magazine”, implica una reflexión sobre la vida moderna y la relación que tenemos con los medios en un mundo digital cambiante, acompañados por la voz suave y sutil de Salami Rose Joe Louis. “Foreplay” y “Déjà Vu” brindan un buen comienzo para la segunda mitad del proyecto, antes de que “Way Too Hot”, “Millennium” y “Days In Love” deambulen hacia los coros con guitarras mareadas y percusión cálida.

Revoloteando entre el rock psicodélico de “The Loop”, las influencias latinas y de jazz con sonidos etíopes tradicionales en “Last Year”, y las significativas mediaciones sociales de “Postman”, hacen que el oyente seguramente se vea atrapado por un espíritu de alegría en la intersección de la comunidad y música. 

Líricamente, Mahal, busca criticar una era digital. Para el vocalista, las conexiones se vuelven más falsas con la disminución de compartir "cosas" físicas. El álbum juega con temas de nostalgia y tiempos más simples, pero destaca la importancia de las relaciones significativas. Pese a esos temas, se le ve a Bear en su forma más emocionante, más inventiva y más divertida.

Este proyecto seguramente sorprenderá a los fanáticos con su sensibilidad única, mostrando aún más lo difícil que es restringir al artista a un género específico. Toro y Moi, toma prestado múltiples elementos para crear algo exclusivo, patinando a través de los sonidos con una descarga de género para todos los gustos.

Entrevista con Girl Ultra

Posted on mayo 4, 2022 by -

La aventura de experimentar con la suciedad del sonido y la simpleza de la voz.

Cada vez es más frecuente ver que los artistas musicales se atrevan a experimentar con más y nuevos sonidos. Hay quienes piensan que esta decisión tiene que ver un poco con aquello de querer “encajar” con otros estándares, no obstante, la idea es un tanto equivocada. Girl Ultra, por ejemplo, puso en alto el nombre de su proyecto musical por ser la cara femenina de una propuesta R&B en español, sin embargo el tiempo ha pasado y ahora la cantante busca darle un twist a su música. Algo que ella misma denomina como “una especie de rebeldía”; una locura explosiva.

La cantante se encuentra presentando su nuevo EP, El Sur, un material que llega bajo la producción de Kiddzie (Noah Pino Palo) para compilar un bagaje impresionante de texturas y aventuras que solo podrían rescatarse de la mente creativa de Nan de Miguel.

“Este nuevo EP sigue siendo un hilo conductor en mi voz. Hay melodías que prosiguen en el R&B, pero en realidad yo sentía la necesidad de expandir el espectro de lo que lo que puede hacer, y lo que esperan de Girl Ultra. Yo empecé siendo DJ como Girl Ultra. Tocaba house. Los fines de semana pinchaba y siempre quise poner mis canciones y dije: 'bueno ¿Qué puedo hacer? No quiero que sean un edit, que sea música club'. También crecí escuchando rock en español, me gustaban las bandas mexicanas. Fue un proceso de dos, tres años de juntar sonidos y referencias de mezclas y desechar muchísimas canciones.”

Girl Ultra_2022

Dentro del material podemos encontrar ritmos que transitan dentro del R&B, hasta un garage con toques de trip hop. El proceso de construir lo que encontramos en estas siete pistas tomó bastante tiempo. Escuchar referencias, seleccionar, componer, ensamblar los sonidos, recopilar otros tantos, mezclar y escuchar el resultado final fueron algunos de los pasos que la intérprete mexicana tuvo que vivir para poder crear lo que hoy resuena con mucha fuerza.

“Esto no sucedió de un día para otro. Es una inquietud de muchos años, investigación de mucho tiempo. Para crear este proyecto invité a alguien que creció conmigo, Kiddzie (Noah Pino Palo) y literalmente le dije ‘vente a vivir a mi casa’ y todos los días íbamos al estudio, todos los días era pensar en este álbum. Todos los días era abogar y delegar por este proyecto. Era: ‘ok, quiero esta tarola de esta canción de Placebo, ¿Cómo la logramos? ¿Quién la graba?’ Era un excel de demasiada información. En cuanto a mezcla es algo que siempre había querido hacer, hay muchas texturas, a pesar de que tiene un sentido pop la voz; es una voz que está muy presente. Me di a la tarea de re aprender desde que hice Nuevos Aires (2019). Jamás había escuchado mi música de esa manera. Abrió un panorama y un universo de posibilidades este álbum”.

La maestría para convertir las noches de fiesta en una locura musical

La inspiración para crear algo puede venir desde las acciones más sencillas que realizas en tu día a día, de las personas con las que te relacionas, de lo que escuchas al despertar y al anochecer. Todo influye para motivar la mente creativa de las personas. Girl Ultra sustrajo todas sus vivencias del sur de la CDMX, su amistad con Santiago Casillas (Little Jesus) y su afinidad por este punto geográfico de la capital mexicana.

“Es poco rebuscado mi concepto. Yo crecí en el sur. Iba a fiestas horribles en Azteca, a bares, a shows de rock. Tuve mi despertar amoroso, sexual y musical en esta zona geográfica de la CDMX. Toda la lírica es este sentido de aventura y es nostalgia del sur. Cuando lo estaba haciendo iba a muchas fiestas en el under. Se me hace muy interesante este vaivén de elementos y de conceptos del amor, y del sexo se encapsularán en el sur porque este lugar me recuerda mucho al frenesí”.

La relación sonora está conjugada a la perfección con el tema visual que maneja para esta producción. Una onda oscura y llena de misterio; en la cual también se ve involucrada su creatividad y estilo.

GirlUltra-22

"Me importa mucho ser parte de los videos, de la edición. Simplemente quería historias que hablaran del amor y el sexo: el escape. Quería que todo fuera muy cinemático que hubiera mucho movimiento y mucha espontaneidad. Que reflejara la juventud, el estar corriendo de algo o caminando hacía algo. Para mí es muy importante cada aspecto del mensaje, desde cómo se oye en vivo hasta cómo se ve el video; una cosa no está peleada con la otra. Sé cómo quiero decir las cosas. Siempre intento rodearme de gente que me entiende”.

Desde un inicio este proyecto estuvo pensado para trabajarlo debajo y arriba de un escenario y así descubrir la reacción del público en los dos diferentes espacios. Girl Ultra recién comenzó su gira promocional la cual incluye tanto ciudades de México como de Estados Unidos.

“Todo viene de un principio macabro que tengo. Estás en un show de R&B y la música es preciosa y la gente hasta primitivamente puede bailar y vibrar un poco más libremente, pero cuando tu estás en un escenario y les das un floor on the floor, la gente, aunque no le guste, va a empezar a mover el pie; viene un poco desde algo más ancestral. Hay un ritmo que es natural, el ritmo del corazón. Entonces me emociona mucho hacer este ejercicio de ver cómo reacciona esta gente. En mis shows no había visto gente brincando y es algo increíble".

La intérprete de “Punk” está cerca de presentarse en el Foro Indie Rocks! La cita será este jueves 5 de mayo; un show que promete una serie de artistas invitados y una infinidad de sorpresas. Antes de presenciar este encuentro no dudes en escuchar el EP.

“De Sur me llevo una gran complicidad con mi productor porque crecimos juntos y es algo bien chido. El tiene su proyecto y yo el mío. Fue un año de masterclass intensiva de prueba y error. Es un álbum que me emociona cantar en vivo. Definitivamente me llevo esa libertad en 360".

!!! (Chk chk chk) — Let It Be Blue

Posted on mayo 4, 2022 by -

El reflejo experimental de un álbum post pandemia.

Si pudiéramos describir a !!! (Chk chk chk) (además de excéntricos, ¿quién se nombra chic chic chic, la neta?) utilizaríamos las palabras “baile, dance punk, y locura total en vivo”, pero estos norteamericanos llegan con su noveno disco para demostrar que traen más con qué sorprender que la expectativa de su audiencia.

“Normal People”, una apertura diferente a lo que se esperaría de un disco de esta banda que lleva 26 años de carrera, pero con una voz reconocible con la que hemos bailado tantas veces. 

2 minutos con 11 segundos bastaron para generar sensaciones que realmente no sabía que !!! podría dar.

Esto era un apariencia más que otra cosa, siguiendo esta primer entrada, llega “A Little Bit (More)” que desde el primer segundo trae un vibe de fiesta en la casa de algún amigo que dice ser DJ, en un concierto en un recinto lleno de sudor en las paredes, tal como el difunto Foro Alicia, o un festival donde dejarse ir sintiendo el ritmo y moviendo los pies es básico.

De repente cortamos con ese fiestón loco para darle paso a “Storm Around the World”, canción que viene de la mano de Maria Uzor (Sink Ya Teeth). La voz de Maria le dio un toque más místico, que contrasta con el video animado que acompaña esta canción. Acá puedes leer más acerca de este lanzamiento.

Siempre es una grata sorpresa para los fans de aquellas bandas que deciden hacer algún track que incluya frases o palabras en sus canciones, pero !!! (Chk chk chk) lo llevó al extremo haciendo una canción en español que al menos a mi me tiene repitiendo “lamentablemente, tú ves una pared, yo veo un puente”. “Un Puente”, junto con Angélica García llena de vida el cuarto lugar en este tracklist de Let It Be Blue.

“Here’s What I Need To Know”, un pequeño himno a los pequeños detalles de un rompimiento cuando está llegando a su final, acompañado de un video donde las expresiones del dolor interno de saberte superado por alguien están más que explícitas, más allá del alivio de haber salido adelante de una relación. Todas estas emociones mientras la mente se llena de bajos profundos y vibrantes.

El tracklist continúa con “Panama Canal” y “Man On the Moon”, canciones seguidas en este disco con Meah Pace, quien estará de gira por todo el mundo con la banda. Si te tocó escuchar un poco de Black Eyed Peas antes de que entrara Fergie a la banda, notarás que “Man on the Moon” tiene un vibe de Behind the Front o Bridging the Gap, por allá del 1998 y el 2000.

Siempre le pongo atención especial a las canciones que le dan el nombre a cualquier disco. En este caso podríamos decir que este noveno álbum es multifacético, variado y de cierta forma experimental, y todo eso se encuentra en una sola canción, “Let It Be Blue”. Cuatro minutos donde saltamos de un estilo de canción a otro, que vive en el mismo tempo.

Hay algo que a veces tiende a suceder a lo largo del tracklist de un buen álbum, y es esta parte de tener una primera mitad muy enérgica, curiosa y empírica, y de repente tenemos un bajón, que podemos sentir con “Man on the Moon”, “It’s Grey, It’s Grey (It’s Grey)”, y “Crazy Talk”, hay uno que otro destello o highlight dentro de estas canciones que las hace rescatables, pero no comparables con las primeras joyas de este Let It Be Blue.

Por otro lado, y cerrando este noveno álbum “This Is Pop 2”, trae recuerdos de un The Pains Of Being Pure At Heart de hace 11 años, con un cierre igual de atípico que su inicio (un dato curioso es que la canción más corta de Let It Be Blue, está al inicio y la más larga al final), brinda serenidad y la sensación del término de una película o una obra de teatro, dejando un sabor de boca feliz y divertido.

Entrevista con Carla Morrison

Posted on mayo 4, 2022 by -

La cantante mexicana lanzó El Renacimiento, un álbum que explorará temas que no había tocado antes.

El artista se mantiene constantemente creando, es difícil imaginar que un pintor deje de los pinceles, que un escultor abandone el cincel, que un actor se olvide de los reflectores, igualmente es inconcebible pensar que un músico puede dejar de componer y escribir canciones. Carla Morrison está de regreso después de que su último material de estudio, Amor Supremo fue lanzado hace casi siete años. No fue sencillo volver a un estudio de grabación luego de tanto tiempo, pero para Carla, El Renacimiento conceptualiza muy bien esta nueva etapa en su carrera porque con este nuevo disco llegarán ritmos, géneros y temáticas que nunca habían aparecido en algún otro álbum de la artista tecatense.

"Quería que mis temáticas fueran distintas, no porque estuviese cansada de ellas, me encanta escribirle al amor y al desamor, pero en lo personal estaba en otro lugar en mi vida y cuando yo me tomé este tiempo para reflexionar sobre mi vida, mis proyectos y mi música, me encontré con esta parte muy abandonada de mí que era la salud mental, el amor propio, todas esas esas temáticas con las que hablo en los cuatro actos que no había hablado antes", comenta Morrison y después, en una muestra de apertura y sinceridad, menciona lo liberador que fue escribir sobre su salud emocional, "sufro ansiedad desde que tengo nueve años y nunca había hecho una canción sobre ansiedad. Había hecho canciones de depresión, de tristeza, de confusión, pero no de ansiedad. El amor propio es algo que tampoco practicaba, no era muy buena onda conmigo misma y entonces todo eso tenía ganas de explorarlo y de trabajarlo porque también como compositora es padre inspirarte de otros temas y hablar de esas otras partes de ti que usualmente no platicas". 

Por otra parte, el sonido que hemos podido escuchar en los cuatro sencillos que se desprenden de El Renacimiento, nos dan una muestra de que Carla no se estancó en el sonido acústico que le ha funcionado tan bien en sus discos anteriores y decidió hacer música que le llenara el oído primero a ella que a alguien más. "En cuanto al sonido pop, lo quise hacer porque ya tenía ganas. Decía 'güey, yo quiero hacer música cómo lo que a mí me gusta escuchar. Lo que a mí me gusta poner en mi carro y andar así en loca'. Yo escucho a Adele, Sam Smith, Ariana Grande, Dua Lipa yo estoy muy inspirada en esas artistas entonces ¿por qué no hacerlo?", dice Carla entre risas que denotan su emoción por sacar su nuevo disco, pero la inspiración no fue el gran obstáculo de El Renacimiento, en esta ocasión fue el alejamiento que la cantante tuvo de los estudios de grabación por decisión propia, al respecto Morrison declaró lo siguiente: "Renté un departamento en París, era como un cuartito donde leía y componía. De repente un día, dije 'creo que ya quiero regresar al estudio y empezar a ver qué sale pero sin compromiso', fue un reencuentro muy bonito, no había una fecha de entrega pero sí había estas ganas de volver a descubrir mi sonido y ver qué era lo que yo quería y se sintió muy bonito".

Una de las cosas que llevó a Carla Morrison a alejarse de la música fue el no sentirse valorada en la industria y dijo sentirse muy bien porque actualmente las mujeres tienen un papel cada vez más protagónico dentro de la escena musical mexicana, "veo mucha morra, eso me da mucho gusto porque antes éramos muy poquitas las que estábamos ahí y por lo mismo nos hemos visto muy atacadas, comparadas, puestas en contra y la neta es que entre nosotras, entre Ximena, Natalia, Julieta y Ely, siempre nos hemos dado mucha buena onda. Ha sido muy bonito ver a artistas como Bruses, Elsa y Elmar o Bratty, todas estas morras nuevas que están saliendo tienen mucho apoyo, me da mucho gusto". De momento Carla sabe que cada día salen más artistas talentosas y que, al igual que a ella, necesitan ser apoyadas para que sus proyectos se vuelvan visibles, "me da gusto que gracias a Julieta y a Ely estamos Natalia, Ximena y yo, y gracias a nosotras están otras artistas nuevas, lo importante es que como artistas y como mujeres nos acompañamos, nos inspiremos y que sepamos que somos todas hermanas, estamos en la misma lucha y tenemos los mismos pedos en cuanto a lo que nos tenemos que enfrentar". 

Si te preguntas por qué no invitó a alguna de estas artistas a colaborar en El Renacimiento, la respuesta es muy evidente si has puesto atención al texto, "para mí este disco era muy personal, era una búsqueda muy personal e iba a mi ritmo, no sabía cuándo iba a salir, era mi reconciliación con la música. No quería tener terceros pero tampoco quería rechazar a nadie, solamente estaba en mi propio viaje, pero sí quiero hacer más colaboraciones porque creo que hay un montón de artistas bien padres" comentó Carla dejando la puerta abierta para cualquier cantante. Al final, algo que ha saltado a la vista de los fans de Carla Morrison es el hecho de que la cantante ya anunció las fechas de su gira por España y por Estados Unidos, pero para México aún no, tranquilos, sí habrá gira por nuestro país y Carla aseguró que "ya estamos a nada de anunciar las fechas en México pero no hemos podido por cosas de logística, pero claro que regresamos a México. Estoy muy emocionada de regresar a México porque es mi público más importante, el más pasional, el más el más amoroso. Ya quiero anunciarla pero me dicen 'no, espérate'".