Logra el icónico sonido de la guitarra de Jack White con Triplegraph Digital Octave

Solo 300 piezas, firmadas por White.

En el 2020 Jack White y CopperSound lanzaron una edición de Triplegraph Digital Octave. Hoy, tres años después, lanzan una versión de aniversario de este pedal limitado a solo 300 piezas numeradas a mano, incluyendo un certificado de autenticidad firmado por nada más y nada menos que el propio Jack White.

Triplegraph Digital Octave, tiene tres teclas de telégrafo patentadas y un bucle auxiliar integrado. Utiliza un procesador DSP Blackfin de alta potencia, activando una octava hacia abajo con la tecla izquierda, una octava hacia arriba con la tecla derecha, mientras que la tecla central activa un interruptor de apagado o bucle auxiliar. Además de un acabado con textura blanca brillante y suave complementado con un elegante estampado en negro y amarillo.

 

jackwhite_pedal2 jackwhite_pedal3

Como mencionamos antes, la edición de aniversario de Triplegraph Digital Octave está limitado solo a 300 piezas, que podrás adquirir a través de Reverb y solo será una cantidad mínima la que podrás encontrar en tiendas físicas. Su costo aproximado es de $8,350 MXN.

Se uno de los 300 afortunados que podrán tener esta edición limitada de Triplegraph Digital Octave y logra el icónico sonido de Jack White.

Anika en el Foro Indie Rocks!

Noche en espiral de pop psicodélico.

Anika es una artista británica alemana que, desde el inicio de su trayectoria, se apega al dub, el avant-garde y el pop psicodélico; géneros que conjuga con su voz que evocan a Nico y a Lydia Tomkiw de Algebra Suicide.   La noche del miércoles fuimos testigos de su presentación en vivo en el Foro Indie Rocks!, un show que prometía un setlist que incluye sus últimas producciones: Change (2021) y Eat Liquid (2023).   

Anika, quien también ha colaborado de la mano de Geoff Barrow de Portishead y del mexicano Hugo Quezada con Exploded View, abre con "Freedom" un track del que se desprenden texturas melódicas y distorsiones controladas. Su presencia en el escenario es monotemática y sin clímax explosivos, es como si hablara y cantara a la vez como una melosa girl pop de los años 60. 

Para el show utilizaron un sistema visual autosuficiente que, según Leipzing del colectivo Wisp, responde a las señales del audio en vivo. Se trata de un mecanismo analógico que nos permite identificar imágenes en tiempo real.  Esa fue la escenografía: ondas sonoras que visualmente se materializaban en patrones de lineas o espirales lisérgicos. 

ANIKA.FORO IR BERE RIVERA-08

"Critical" comenzó a sonar, en seguida, la guitarra pulsante y el bajo de Sally rítmicamente expansivo, incitaron que el público bailara en su sintonía.  Sigilosos fueron los cambios de sonido, pero en constante progresión, mientras se escuchaba:"I always give my man the last word, I always give him what he deserves, but don't forget that little twist of cyanide in his little gift".

Las letras de la artista son mordaces, pero también proyectan su preocupación acerca de los problemas sociales y medioambientales que se propagaron después de la pandemia. Sobre todo en "Change" se le escucha entonar mensajes que incitan a la organización y el cambio hacia un objetivo en común. 

Anika es un personaje que evoca un tiempo que no viví, es un alma vieja que transmigra hacia nosotros con inconfundibles e interesantes dosis de experimentación moderna.

iiis nos comparte “Destello”, su nuevo sencillo

Charles Spearin e iiis colaboran con Estrella del Sol de Mint Field en su nuevo single, "Destello".

Si eres amante de la música nacional y eres fanático de los supergrupos déjanos hablarte de iiis (se pronuncia ay ay ays) quienes nacen en pandemia bajo la premisa de juntarse a crear algo nuevo de lo que venían haciendo respectivamente con sus bandas, iiis está liderada por Andrés Velasco de Rey Pila, Esteban Suárez de Chikita Violenta y Carlos Medina de Little Jesus, quienes han trabajado con Petite Amie y Aline Terrain en solitario, Florencia Quinteros de Celest, Kirnbauer y Dromedarios Mágicos.

En esta ocasión nos comparten “Destello", track donde colaboran con dos personas que le dan vida al tema, el multiinstrumentista Charles Spearin y la cantante Estrella del Sol. El tema nace porque Spearin contacta a Velasco pues estaba buscando ponerle voces de cantantes mexicanas a un compendio de canciones incompletas que tenía acumuladas.

La canción es una mezcla de ritmos etéreos, una guitarra en loop y notas cambiantes, todo esto con la hermosa voz de Estrella del Sol quien nos deleita y nos hipnotiza por completo de principio a fin, no hay un solo momento donde el sencillo suene repetitivo ya que van cambiando sonidos constantemente y eso nos hace sentir en un viaje.

Sin contar las voces, todo se grabó en el viejo reel-to-reel de 8 pistas en el que se grabó el primer álbum de Broken Social Scene. La máquina había estado inactiva durante mucho tiempo y ha sido reparada recientemente", mencionó Charles Spearin en un comunicado de prensa.

Este tema es perfecto para aquellas personas quienes aman de lo psicodélico pero con tintes más oscuros y profundos ya que nos lleva de la mano por pasajes muy distorsionados de la realidad ¿Quieres saber de lo que hablo? Entonces ve a escuchar “Destello” y déjate cautivar por la magia de iiis.

destello

Dua Lipa y Henry Cavill juntos en el primer tráiler de 'Argylle'

El thriller cuenta con varias estrellas, y la cantante británica-albanesa se vuelve una protagonista seductora, pero no muy querida en la historia.

Encendiendo los ojos de los espectadores, así es como veremos el estreno en su faceta de actriz a Dua Lipa, al lado del actor Henry Cavill en la película Argylle y que es dirigida por Matthew Vaughn, quien fuera el maestro en la trilogía Kingsman y la irreverente Kick-Ass.

Toda la trama se centra en el agente secreto Argylle, espía que pierde la memoria y quien destapa acciones encubiertas dentro de su organización a la cual decide enfrentarse; interesante suceso porque parece tener el toque para atrapar a los fanáticos del cine con el toque de un superhéroe, muy al estilo de Cavill. Bryce Dallas Howard, Sam Rockwell, Henry Cavill y por supuesto, la bella y multifacética Dua Lipa son quienes conforman dicho elenco. Además de John Cena, Ariana DeBose, Bryan Cranston, Catherine O'Hara y Samuel L. Jackson.

Te anticipamos que Dua Lipa es una especie de antagonista, por lo que la interpretación tuvo que ser muy histriónica y con emociones como una ruleta rusa, arriba y abajo pero con toques de bailes sensuales. Así que si estás listo para verla en esta nueva faceta, no puedes perderte Argylle, que se encuentra en la fase final de su producción y su estreno está programado para inicios de 2024 a través de Apple TV+. Prepara para el 2024 tus buenas críticas y unas palomitas.

Conéctate al IG Live de IR! con Esa Mi Pau

Este martes en compañía de María Letona.

No te pierdas el IG Live de Indie Rocks! con Esa Mi Pau, conducido por María Letona, el próximo 3 de octubre a las 14:00 H. Una conversación entre locutoras de radio desde el perfil oficial de Indie Rocks! en Instagram.

Esa Mi Pau es una productora, DJ y locutora de la Ciudad de México. Desde 2004 incursionó en la radio con Ibero 90.9 FM, hoy en día forma parte de distintas ramas de la industria musical, como DJ de los mejores sitos de la vida nocturna en la capital.

En su carrera como DJ comenzó a lanzar remixes en Bandcamp y Spotify, en 2020 lanzó su primer disco Bam Bam! y se unió a la disquera y colectivo Tempus Music. Ahora es una de las promotoras más relevantes del reggaetón y la música urbana en la radio independiente. Conéctate al live con Esa Mi Pau.

esa mi pau ig live

Tianguis del Chopo es declarado patrimonio cultural de la CDMX

Para rockeros, punks, cholos y cualquier tribu urbana, cuarenta años de experiencias.

El “templo de la contracultura mexicana” está de fiesta, pues fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la CDMX, un espacio que siempre abrió sus puertas para los otros, obtiene el reconocimiento de 43 años de historia.

Martí Batres, jefe de gobierno de la ciudad, declaró al Tianguis del Chopo como patrimonio cultural. Un anuncio que garantiza la preservación del tianguis, así como de las actividades que se llevan a cabo en él.


El Tianguis Cultural del Chopo nació en 1980, primero como un espacio temporal en el Museo del Chopo de la UNAM, que abrió un lugar seguro para las diversas culturas underground que no tenían cabida en ninguna otra parte. Desde entonces ha cambiado de locaciones y transformado su catálogo de actividades, manteniendo el valor como punto de encuentro para la contracultura.

Hasta hoy sigue ofreciendo mercancías, actividades culturales como presentaciones de libros, conciertos y exposiciones, y la cultura de trueque que lo hace diferente a cualquier otro tianguis. Además de apoyar a la industria musical independiente y mexicana, dando lugar a bandas como Chac Mool, Café Tacvba y El Tri.

Cuatro décadas de historia y mucho más por venir, el Chopo en su casa de Buenavista tendrá espacio para todos.

Entrevista con Matías Aguayo

La edad es solo un número.

Para algunos, cumplir 50 años no son solo una cifra, sino un estado mental; comprende de igual manera una madurez sobria y un grado de incertidumbre por la levedad del ser. Matías Aguayo lo sabe, pero eso no impide que siga sintiendo una gran inquietud por todo lo que viene. Con sabiduría y anécdotas de sobra, el productor y DJ chileno-alemán nos compartió sus sentimientos acerca de cumplir medio siglo, su perspectiva ante la industria musical actual y lo que nos espera en el Aguayofest, un festejo ecléctico lleno de actos consolidados y nuevos rostros que prometen una noche como pocas.

50 es un número grande e imponente, pero admito que desde mi percepción sigo pensando qué haré cuando sea grande y en que me falta hacer mi mejor disco. Anímicamente me siento bastante abierto, no siento un peso en la edad. He vivido muchos eventos distintos a lo largo de mi trayectoria, desde mis inicios que solo hacía música con cintas en casa hasta mis aventuras por todo el mundo, incluyendo mi mudanza a Buenos Aires. Pero desde mi punto de vista como artista, siempre hay una preocupación y una responsabilidad para seguir aportando. Cómo mirar hacia el futuro, y al mismo tiempo cuidar un legado y cómo realizar una comunicación certera de los tiempos actuales,” compartió. 

Aguayo es uno de los representantes más emblemáticos del house, combinando con gran maestría todos los elementos e influencias recopilados a lo largo de su vida y resultando en un cóctel incendiario de influencias latinas y europeas, donde lo bailable converge entre lo tropical y lo industrial.

La idea de la música para mi siempre ha sido transgeneracional. Cuando empezamos en los 90s, venía todavía con mucha escuela de new wave. Mi ambición siempre fue hacer un hilo entre generaciones de contracultura y lo que escuchaba desde The Beatles y el funk hasta aspectos más minimalistas. Lo que siempre busco es cómo podemos seguir manteniendo esta idea de pasar toda esta herencia musical en un discurso hegemónico, a pesar del creciente capitalismo y la consolidación de las redes sociales. Me interesa mucho seguir la historia y ver qué posibilidades hay de concretar el diálogo entre el futuro con el pasado.”

Con cinco discos formales bajo el brazo, siendo el último Support Alien Invasion de 2019, y un sinfín de producciones y colaboraciones, Aguayo aprecia la huella que ha dejado, pero también reconoce que viene de dos culturas con fuerte contexto que oscila entre la tradición y la opresión. Sin embargo, su preocupación va más hacia el trato actual de la industria musical y el casar armoniosamente las ideas entre lo viejo y lo nuevo. 

Es muy importante conocer el pasado, de dónde viene y a dónde va. Pero ahora existe una necesidad alarmante de generar contenido y visibilidad y se emplean más términos apropiados para el espacio publicitario que para la música. Antes el DJ era un melómano y conocedor, pero eso ya está en segundo plano, y la manera en la que ahora se visibiliza la música no favorece a los mejores. Ahora hay muchos festivales con gente contemporánea a mí e influencers que obtienen más prominencia. No que no haya músicos talentosos actualmente, pero hay que perpetuar la cultura alternativa y buscar más espacios y representantes enfocados a la poesía musical.” 

Es esta inquietud de sondear y promover voces frescas y propuestas innovadoras una de las bases del Aguayofest, que más que una fiesta de cumpleaños indulgente, es cederle los reflectores a quienes han formado parte de su formación, su trayectoria y su admiración actual. Una ocasión dedicada a explorar quién fue, es y quiere ser Matías Aguayo con respecto a la música. 

Objetivamente el número 50 es un buen pretexto estético para simbólicamente armar un festejo y un lineup de cómo uno se imaginaría un festival perfecto hoy en día. El común denominador son los artistas con los que he trabajado pero también la calidad musical, y la locura que trae cada quien. Alguien como Justin Strauss, veterano de la escena musical neoyorkina que conectaba con el espíritu del paradise garage o personas como Camille [Mandoki] o Mabe [Fratti] con aspectos más experimentales, o un melómano loco como Aye Aye que hacía shows de radio como La Noche de los Discos Vivientes. Eso para mí es un experimento fascinante, el poder escuchar a todos en una noche, y así es como quiero festejar,” concluyó.

El Aguayofest se llevará a cabo el próximo 29 de septiembre en el Foro Supremo, CDMX.

Kinoko Amai, una homenaje a la cultura a través de los sonidos

Un proyecto multidisciplinario que converge la danza, el arte visual y diversos géneros musicales.

Formados desde 2020 en Guadalajara, Jalisco, la agrupación Kinoko Amai nació con el objetivo de retomar el compromiso cultural y difundirlo a través de su arte ecléctico. Evolucionando constantemente a través de sus obras, el proyecto mexicano no solo indaga en la música, sino que también aprovecha otros medios de expresión artística para proyectar la memoria ancestral.

Dirigidos por Iñaki Oyarvide, Kinoko Amai lanzó en 2022 su álbum In Ta Né, mezclando géneros como el ritual beat, jazz y rock progresivo, además del sencillo “Desaparecer”, pero próximamente estrenarán música nueva, al igual que el singleWaterlullaby”, que figura como un track de su próximo material discográfico Zaia. Filmado por el colectivo audiovisual Homínido, el videoclip se estrenará en YouTube en tan solo unos días. 

Retomando elementos culturales como la danza Butoh, un conjunto de técnicas de danza originarias de Japón de los años 50, la agrupación tapatía pone sobre la mesa temas como la identidad, el caos, la cultura de masas y la transformación del alma a partir de sus sonidos, sus visuales y, sobre todo, el baile.

Te recomendamos escuchar a Kinoko Amai en plataformas digitales como Spotify y Apple Music, y no olvides que próximamente estaremos escuchando nueva música del proyecto mexicano, pues su segundo sencillo “Waterlullaby” estará disponible el domingo 24 de septiembre.

'The Amplified Come as You Are: The Storey of Nirvana', una edición de lujo

"Solo di la verdad. Eso será mejor que cualquier otra cosa que se haya escrito sobre mí”, Kurt Cobain al autor Michael Azerrad.

A 30 años del lanzamiento de Come as you are. La historia de Nirvana, Michael Azerrad lanza The Amplified Come as You Are: The Storey of Nirvana que, como su nombre lo dice, es una versión amplificada de la biografía publicada en 1993, en donde concluye y añade escritos desde una retrospección entre lo ya publicado, el trágico desenlace de Kurt y sobre todo, el legado de Nirvana en estos tiempos.

Recordemos que en 1993 Michael Azerrad, periodista musical norteamericano, publicó la biografía de Nirvana, Come as you are. La historia de Nirvana. El autor tuvo la oportunidad de entrevistar y convivir con todos los miembros y ex miembros de la banda, así como amigos, familiares y colaboradores, lo que consolido una relación de amistad con Kurt Cobain (voz y guitarra), Dave Grohl (batería) y Krist Novoselic (bajo), comienza a escribir esta biografía desde la necesidad de dar a conocer la verdadera historia del grupo y disipar toda la historia tergiversada que los medios publicaban acerca de la banda, con diversos artículos difamatorios sobre el consumo de heroína de Kurt Cobain y su pareja, Courtney Love, líder de Hole. Todo esto sin imaginar que seis meses después se tuviera el trágico desenlace del vocalista de la banda. Estos detalles son lo que hacen de esta una de las biografías de rock más íntimas, descarnadas e intensas de todos los tiempos.

Al releer Come As You Are para la edición comentada, comencé a notar algunos patrones que no había notado cuando estaba escribiendo la versión original”, dice Azerrad en un comunicado de prensa. “Tal vez era demasiado joven para verlos; tal vez estaba mirando para otro lado porque estaba enamorado de mi tema; tal vez tuve que trabajar demasiado rápido para notar esas cosas. La idea detrás de The Amplified Come As You Are es comentar mi libro de 1993: iluminar lo que hay allí y extraer información sobre Nirvana, sus miembros y la época en la que existió la banda”.

Nirvana

The Amplified Come as You Are: The Storey of Nirvana sale a la venta el próximo 24 de octubre, incluso algunas librerías en línea te dan la oportunidad de apartarlo para que no te quedes sin la oportunidad de conocer más a fondo a una de las leyendas del rock. Su precio va desde los $490.00 MXN hasta los $750.00 MXN.

Hipnosis presentó: Shame en el Foro Indie Rocks!

Entre el ahora y lo que importa.

La noche de ayer la joya de la Roma Norte recibió de gritos abiertos al quinteto inglés formado por Eddie Green y Sean Coyle-Smith en las guitarras, Josh Finerty en el bajo, Charlie Forbes en la batería y Charlie Steen en los vocales. Regalándonos una de las presentaciones más intensas, salvajes y emotivas de las que el público capitalino ha sido testigo en los últimos meses; una nueva vara con la que medir cada experiencia sensible.

El escenario exterior del foro soltaba sus primeros acordes cortesía de Demencia Infantil, quienes arremetieron con una formación de seis integrantes repartidos cáusticamente entre cuerdas niqueladas, drumkit, teclados y saxofón. El crank-acid-punk-wave de los capitalinos se apoderaba del venue en un slam que no haría más que crecer. Todo guiado por la intensa experimentación y empuje artístico fundido al desgarre de los ahí presentes.

Tras un setlist entre calentamiento y convulsión, era el turno del proyecto comandado por los hermanos Iván y Felipe García, hipertrofiados por el impulso de sus compañeros y catapultados hacia la pureza del punk infracaliforniano. Los siguientes 40 minutos atravesarían nuestros torsos vía baquetazos y strums aún más acelerados, como si la prisa por pasar del bucle de cuatro acordes construyera una tensión cada vez más encarnada. Entre coros de “¡Bomba casera!” y la brutalidad de cortes como “Muerte y Destrucción” los sonorenses se llevaban los últimos alientos pre-shame del auditorio, dejando una atmósfera al rojo vivo y un profundo compromiso en las células humanas del mosh, dispuestas a partirse una costilla a cambio de sonido.

Después de un standby ligeramente alargado, los londinenses partían en dos el escenario entre músico de introducción a la WWE y una máscara de Blue Demon cubriendo el rostro del frontman; Shame en el filo del ahora y lo que importa.

Shame-ForoIndieRocks-LuisVictoria-1

“Fingers of Steel” reventaba el front of house seguida de “Alibis” y “Concrete”, arrastrándonos del presente musical de los músicos a su debut hace casi media década. El show entraría en una vorágine de adrenalina y clavadas al público vía “Six Pack” y “Tasteless”, dejándonos revivir en la ternura de “Adderall” y perdiéndonos una vez más llegada “6/1”.

El foro aullaba, sentía y se contorsionaba coordinadamente siguiendo la penetrante mirada de Steen sobre el templete, encontrando momentos de calma y crudeza vital en los amigos que le han acompañado desde el incio. “Water in the Well” retomaba la propulsión convirtiéndonos en misiles humanos contra la estratósfera de “One Rizla” (primera canción compuesta por Shame), resignificada en cada punto por todos quienes nos rendimos a la voluntad de los londinenses esta noche.

La banda se despedía con una nota dulce entre “Angie” y “Gold Hole”, agradeciendo la calidez del público capitalino y dejándonos imaginar un encore en la carne sensible y expuesta con la regresábamos a casa.